2016

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Termina otro año más, un año en que pude dedicarle un buen tiempo a bloguear para después abandonar el blog por motivos de trabajo. Un año en el que aprendimos a editar videos para YouTube que nadie ve porque no son tan buenos y un año en el que el podcast se descuidó más de lo que hubiese querido.

Para este entrante y al parecer muy duro 2017 que está por comenzar, tengo muchas cosas planeadas, pero no me voy a prometerles nada porque no quiero dejar las cosas a medias o abandonadas, prefiero ir subiendo el contenido en cuanto lo tenga en lugar de generar expectativas que no podré cumplir. No obstante, de lo que sí estoy seguro es de que no voy a dejar de escribir en este espacio, es algo que haré el resto de mi vida o mientras me sea posible hacerlo, aunque el contenido cambie con el paso de los años y mis intereses.

De parte de todos los que hacemos posible Café Anime Lair (dos personas), quiero agradecerles, a todos los suscriptores, seguidores y fans tanto del blog como del resto de medios en los que publicamos contenido, por sus visitas, comentarios y sugerencias. Esperamos seguir contando con su presencia este 2017.

Y de forma personal, agradezco a mi buen amigo Vossk por seguir siendo parte de este loco proyecto y animarse a generar contenido para otras plataformas luego de mis muchas insistencias. Sin más que agregar los veo el año que entra. A manera de despedida les dejo una lista con las entradas publicadas este año.

  1. Digimon Adventure (Podcast)
  2. Desdibujando fronteras lingüísticas con YouTube
  3. Misery
  4. Martyrs
  5. De Alex Henson a Ted Mosby
  6. Suisei no Gargantia
  7. Z Nation Temporada 2
  8. Apartheid en Ciencia Ficción
  9. Elecciones del Terror
  10. Pedro Larez Ilustrador (Podcast)
  11. Punch Line
  12. JapanTubers
  13. Ciencia Ficción en la FIL 2016
  14. El tráiler de Los Cazafantasmas 3 no me pareció tan malo
  15. Podcast, Primer Aniversario
  16. Rostislav Zagornov
  17. Rosen Maiden –Zurückspulen-
  18. Top 5 Películas Mexicanas
  19. King of Thorn
  20. Alien (Podcast)
  21. Wirepunk
  22. El espacio confinado en el terror
  23. El Viaje al Oeste Estelar
  24. Portadas de Anime
  25. La Atadura Terrenal
  26. TIE Fighter
  27. Game of Thrones. Primera temporada vs libro
  28. Depredador (Podcast)
  29. Vi anime original y me emocioné
  30. Susurros de Corazón
  31. Black Rock Shooter
  32. Black Rock Shooter (2012)
  33. Kakurenbo
  34. Gremlins
  35. Altered
  36. Daria
  37. Persépolis
  38. Mis directores de anime favoritos
  39. Inuyasha
  40. Infografía de Cyberpunk en medios Audiovisuales
  41. Black Lagoon
  42. Last Orden: Final Fantasy VII
  43. Tokyo Godfathers
  44. BlazeBlue — Alter Memory

BlazBlue – Alter Memory

Título Original: ブレイブルーアルターメモ (BureiBurū Arutā Memori)
Género(s): Acción, Peleas, Fantasia.
Director: Hideki Tachibana.
Estudio: teamKG y Hoods Entertainment
Emisión: 8 Octubre 2013 – 24 Diciembre 2013
Duración: 12 episodios
Extras:

Los videojuegos de peleas han estado presentes desde el nacimiento de la industria, pasando por las extintas maquinitas, hasta refinarse para ser objeto de concursos a nivel mundial como parte de los novedosos eSports. Mientras que estos torneos anuales se suelen enfocar en unos pocos títulos clásicos como Street Fighter, The King of Fighters o Mortal Kombat, en ocasiones se celebran otras competencias menores antes del evento principal.

Uno de éstos títulos es la saga BlazBlue, cuyas curiosas gráficas en dos dimensiones siguen atrayendo la atención, a pesar de ya no ser el estándar de la industria desde hace un tiempo. A menudo, los juegos de pelea dedican poca atención a la trama de las series (si es que existe) para enfocarse por completo a la jugabilidad. BlazBlue es distinto en este aspecto, pues posee uno de los guiones más complejos dentro del género.

Sólo he tenido la oportunidad de jugar BlazBlue un par de veces, sus llamativos personajes hicieron que deseara adentrarme un poco más en la historia del juego. Como muchas otras sagas, no es extraño que deriven otras obras como manga o en este caso, un anime. Alter Memory es la adaptación del argumento de los dos primeros juegos: Calamity Trigger y Continuum Shift; sin embargo, también es una maraña de personajes y conceptos que debemos digerir en muy poco tiempo.

La historia trata sobre Ragna «The Bloodedge», un hombre con vastos poderes sobrenaturales y también el rebelde más buscado por la Novus Orbis Librarium, una organización que gobierna el mundo mediante el uso de la magia. La recompensa más grande de toda la historia será otorgada a aquél que mate a Ragna, por lo que tras ubicarle en la ciudad de Kagutsuchi, un gran número de peleadores se reúnen en ese lugar para tratar de derrotarle.

De paso aprendemos bastante sobre el pasado de los diversos personajes que van apareciendo y la trama se diversifica añadiendo todo tipo de secretos y giros, hasta revelar varias líneas temporales que se exploran simultáneamente; las amenazas que enfrentan los protagonistas rápidamente crecen hasta proporciones apocalípticas. El anime también es muy fiel a la estructura del un juego de peleas, cada personaje sigue su propio camino y constantemente entra en conflicto con otros.

La historia avanza muy rápido con el objetivo de resumir las dos primeras entregas de la saga y dejar al espectador preparado para entender los eventos de la tercera, CronoPhantasma, sin la necesidad de haber jugado los anteriores. En este sentido, la obra cumple; pero también enfrentamos una historia que repetidamente salta de un personaje a otro. Con un elenco tan amplio, demasiadas sub-tramas y constantes cambios de rol, es difícil llevar el ritmo.

No ayuda mucho el hecho de que, si no estamos familiarizados con los videojuegos, debemos manejar multitud de conceptos nuevos casi de inmediato para comenzar a entender este mundo: los lugares, personajes, armas, técnicas, organizaciones, leyendas, planos de existencia, eventos apocalípticos, enemigos, y hasta los aumentos de poder tienen todos un nombre diferente (a veces hasta varios nombres o sufijos) que añaden más confusión.

BlazBlue – Alter Memory es quizás una de las adaptaciones más fieles al producto original, con una excelente calidad en cuanto a animación que rivaliza con la presente en los juegos, dedicada principalmente a los fans, quienes encontrarán algo familiar pero suficientemente diferente para mantenerlos interesados. Por otro lado, aquellos ajenos a esta saga deben enfrentar una historia confusa a toda velocidad seguida por una avalancha de conceptos difusos.

Tokyo Godfathers

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Título Original: 東京ゴッドファーザーズ (Tōkyō Goddofāzāzu).
Género(s): Drama, Comedia.
Director: Satoshi Kon.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 2003.
Duración: 92 minutos.
Extras: –

No hay mejor recomendación para ver en esta época navideña que la tercera película dirigida por Satoshi Kon, Tokyo Godfathers es sin duda una oda a ese espíritu navideño que lamentablemente se ha estado perdiendo en la sociedad. Y no me refiero al mensaje espiritual que el cristianismo se ha empeñado en mantener en la mente de sus feligreses, sino a valores morales y ético que deberían estar de manera natural en la mente de todas las personas, pero que lamentablemente no lo están.

El filme tiene una calidad formidable, con escenario llenos de elementos bien detallados como generalmente ocurre en las obras de Satoshi. La construcción urbana es muy buena y el diseño de personajes es igualmente fabuloso, propia de su director, quien nos ha acostumbrado a personajes entrañables y muy profundos con un pasado lleno de problemas y una complejidad mental que muy poco directores logran. La música es igualmente buena y logra una interesante atmósfera urbano-navideña algo nostálgica.

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La historia gira en torno a tres vagabundos, Miyuki, una adolescente que huyó de su casa luego de apuñalar a su padre, Gin, un hombre maduro que perdió a su familia por el alcohol y las apuestas, y Hana, un travesti homosexual que se tiró a la perdición luego de que el amor de su vida muriera. Los tres inigualables personajes han conformado una interesante familia compuesta y se apoyan para lograr sobrevivir en las frías calles de Tokio, donde además de sufrir las carencias propias de su condición, tienen que enfrentar la indiferencia, el odio e incluso la violencia del resto de ciudadanos.

Su vida toma un giro radical cuando en la víspera de la noche buena encuentran a un bebé abandonado en la basura. Rápidamente Miyuki y Gin deciden que lo mejor es dejarlo con la policía, pero Hana se niega diciendo que es un milagro navideño, pues ella siempre quiso ser madre, además de que no permitirá que el bebé tenga la misma infancia que ella, pasando de un orfanato a otro. Hana nombra al bebé Kiyoko, sin embargo, termina por entender que lo mejor es regresar a la bebita con sus padres.

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A partir de ese momento la historia es un giro argumental tras otro en la búsqueda por encontrar a la familia de la niña. En su travesía los tres vagabundos enfrentarán largas caminatas bajo la nieve, rescatarán al jefe de la mafia, sufrirán secuestros y presenciarán asesinatos, sin olvidar los numerosos accidentes que sufrirán, de los cuales se salvarán por pura suerte, o quizás por la gracia divina de los milagros navideños. Además de su singular aventura, conoceremos el pasado de cada uno de los personajes y los crudos eventos que los llevaron a terminar en las calles.

La obra es una comedia sin lugar a dudas, pero el trasfondo en un brutal drama tan crudo como la vida misma. Satoshi Kon logró que la obra se desarrollara de una forma amena e incluso graciosa, pero al mismo tiempo, la maestría de este grandioso director hace que veamos un Tokio que rara vez es retratado en el cine o la televisión, el duro mundo de la gente sin hogar, que a pesar de tener que hurgar entre la basura por algo de comida, no dejan de ser gente con buen corazón, cosa que no ocurre con muchos de los personajes que están en mejores condiciones que ellos.

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Las obras de Satoshi siempre han retratado la parte oscura de la sociedad japonesa, la locura, la violencia contra la mujer, la ilegalidad que abarrota las calles entre muchos otros problemas de los que pocas veces se habla, y que no son endémicos de Japón, aunque se presentan de forma muy singular en ese país. Aquí vemos lo mismo, la locura de una mujer, la violencia familiar, los ajustes de cuentas entre pandillas, el odio irracional de las nuevas generaciones y, el mayor problema de todos, la indiferencia de las personas ante los problemas de sus semejantes.

A pesar de que Tokyo Godfathers es la película más ligera, cómica, emotiva y feliz de Satoshi, no deja de presentarnos esa interesante área oscura de la sociedad, donde los jóvenes golpean vagabundos viejos por diversión y las señoras del vecindario se limitan a juzgar a prójimo sin la menor pisca de empatía. No obstante, los reveces que sufren nuestros personajes, por muy duros que sean, los van llevando por un camino que al final converge en un desenlace feliz. Y es que, a pesar de todo lo malo en el mundo, siempre podremos encontrar razones para sonreír.

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Un aspecto a destacar que he podido ver en obras de anime sólo en muy contadas ocasiones en la presencia de personajes latinos. En una escena vemos a Miyuki llegar hasta un peligroso barrio donde vive una familia de latinos. Lo mejor de esta escena no es el perfecto retrato de la cultura latinoamericana, que afortunadamente nunca cae en el cliché, sino el hecho de que los personajes hablan español, tal cual.

Otro elemento formidable que conviene destacar, sobre todo en nuestro país y en estos momentos, es el personaje de Hana, pues no es para nada común tener un protagonista homosexual, travesti y que además fue Drag Queen en sus buenos tiempos. En estos días donde la familia tradicional, como lo marca la Iglesia católica, es ya una minoría en la realidad de la diversidad humana, Tokyo Godfathers se convierte en un estandarte perfecto para demostrar que una familia compuesta, como la de este peculiar trio, puede ser igualmente buena para lo que se supone debe servir una familia: cuidar de los suyos. Y lo mejor es que Hana, el vagabundo maricón, resulta ser el personaje con los mejores sentimientos y las intenciones más nobles, sin olvidar que es el más culto, letrado y religioso de todos.

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Last Order: Final Fantasy VII

Título Original: ラストオーダー -ファイナルファンタジーVII- (Rasuto Ōdā -Fainaru Fantajī Sebun-)
Género(s): Acción, Drama, Fantasía.
Director: Morio Asaka.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 14 Septiembre 2005.
Duración: 25 minutos.
Extras: Compilation of Final Fantasy VII.

Al terminar de ver Black Lagoon me quedé intrigado por el peculiar estilo de la animación, que estaba seguro haber visto en alguna otra parte antes. Por su puesto, Madhouse es un reconocido estudio nipón responsable de muchas otras adaptaciones como Devil May Cry y el extraordinario Death Note. Pero yo aseguraba haberlo visto mucho antes de conocer los dos trabajos antes mencionados, y entonces la respuesta vino a mi: Final Fantasy VII.

Last Order: Final Fantasy VII es un OVA con 25 minutos de duración lanzado originalmente en conjunto con la espectacular película animada Advent Children como parte del proyecto Compilation of Final Fantasy VII, un conglomerado de videojuegos y trabajos de animación enfocados en expandir el universo del popular Final Fantasy VII original, lanzado en 1997 para el PlayStation. El corto se completó en poco menos de seis meses, bajo la supervisión directa de Tetsuya Nomura.

La obra abarca dos eventos específicos presentes en el videojuego original, ambos flashbacks: el Incidente de Nibelheim, donde el legendario héroe Sephiroth desapareció en combate, y el escape de Zack y Cloud mientras evaden las fuerzas militares de la Compañía Eléctrica Shinra conforme se dirigen a Midgar. La historia alterna entre estos dos acontecimientos desde el punto de vista de una unidad de fuerzas especiales de la Compañía encargada de capturar a ambos protagonistas.

Resaltan la breve escaramuza de Zack contra los soldados de Shinra y su enfrentamiento final con Sephiroth y Jenova en el reactor. El videojuego original no ha envejecido bien y en su momento, Last Order nos permitió dar un vistazo actualizado a estos eventos con una alta calidad técnica en todos los aspectos. Esta pequeña animación incluye peleas con espadas gigantescas a gran velocidad e incluso un poco de drama.

A diferencia de Advent Children, Last Order contradice los eventos del juego original a tal grado que ediciones posteriores la alejan de la Compilación para considerarla una especie de spin-off. La historia sería expandida de nuevo en la precuela Crisis Core, donde el jugador puede experimentar de primera mano dichos eventos como parte de la partida, por lo que este trabajo resulta redundante para aquellos grandes fans de la saga, pues seguramente ya habrán experimentado esta historia varias veces.

La principal falla es que sin el conocimiento básico respecto al universo de Final Fantasy VII el OVA es confuso, pues saltamos de inmediato a la acción y no hay tiempo para las presentaciones, resultando en un montón de escenas sin orden que fallan al momento de enganchar al espectador. Aún así, Last Order no deja de valer la pena debido su gran calidad técnica en cuanto a animación, sonido y voces; además posee la duración exacta para disfrutarse sin muchos problemas.

Black Lagoon

Título Original: ブラック・ラグーン (Burakku Ragūn)
Género(s): Acción, Drama, Comedia, Misterio, Thriller.
Director: Sunao Katabuchi.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 8 de Abril 2006 – 22 de Junio 2011
Duración: Dos temporadas de 12 episodios cada una y 5 OVAs
Extras: Omake.

Mientras que mi editor prefiere historias con un denso argumento psicológico, personajes multifacéticos y trabajos con un profundo mensaje oculto, yo me inclino por disfrutar historias ligeras con un atractivo estilo visual. De pronto aparecen en tu lista de sugerencias mientras buscas alguna nueva obra para disfrutar y consiguen engancharte hasta que terminas por ver varios capítulos uno tras otro. Black Lagoon es una de esas series.

Adaptación del manga homónimo creado por Rei Hiroe, la historia comienza con Rokuro Okajima, un oficinista japonés promedio a mitad de un viaje de negocios en los mares del sur. Pronto la situación se sale de control cuando su barco es capturado por un grupo de mercenarios conocidos como Lagoon Trading Company. Los piratas secuestran a Okajima para apoderarse de los valiosos datos que trasporta e intentar cobrar un rescate.

A bordo del buque torpedero Black Lagoon propiedad de los mercenarios, el hombre conoce más a fondo a sus captores: el sereno capitán Dutch, el especialista en informática Benny y la violenta pistolera Revy. Sin embargo, el plan de Lagoon sufre un severo contratiempo cuando la compañía japonesa decide que el señor Okajima es prescindible y envía a sus propios mercenarios para recuperar los valiosos datos bajo cualquier costo.

Rokuro colapsa al saberse traicionado por sus superiores y en un rápido giro de eventos termina por ayudar a sus captores a vencer a los mercenarios contratados por los japoneses. Luego de probar la dulce victoria, decide abandonar su antigua vida para unirse a los piratas, ganando el sobrenombre “Rock”. Su nueva base de operaciones se encuentra en la ciudad ficticia de Roanapur, al sureste de Tailandia. La ciudad es también punto de reunión de los peores sindicatos criminales del mundo.

Black Lagoon es está ambientada al estilo de las clásicas películas de acción a inicios de los noventas, con multitud de referencias hacia éstas. Utiliza una narrativa por arcos, donde tres o cuatro capítulos forman una historia diferente cada vez. Lagoon Company acepta trabajos dentro y fuera de Roanapur, por lo que a menudo los vemos en todo tipo de misiones que casi siempre terminan con espectaculares balaceras, persecuciones a gran velocidad, explosiones y diálogos baratos.

Los personajes o las secuencias de acción el verdadero atractivo de la serie. El estilo de dibujo y animación son espectaculares, así como la música y efectos de sonido. La serie hace gala de una buena dosis de violencia gráfica: muertes horribles o uso de drogas están presentes sin censura alguna. Los personajes son bastante carismáticos y muy diferentes unos de otros. Cada uno aporta su marca al curso de la historia aunque varios solo aparezcan brevemente.

Una bendición para los vivos, un ramo de flores para los muertos. Con una espada para la justicia, un castigo de muerte para los malvados, así llegaremos al altar de los Santos. En el nombre de Santa María Virgen, que este martillo golpee cada injusticia.

Uno de los puntos negativos de esta obra es la recurrente simplicidad del argumento y lo repetitivo que puede resultar. Los arcos argumentales tienen pocas conexiones entre sí, siguen una estructura muy similar y aunque se nos presentan nuevos personajes muy interesantes a menudo, es difícil percibir un desarrollo en los protagonistas más allá de pequeños flashbacks de su pasado, por lo que siempre vuelven a su estado predeterminado luego de una misión.

Los 12 primeros episodios llevan un ritmo excelente, conocemos a los protagonistas, hay impresionantes secuencias de acción y buenas dosis de humor negro. La segunda temporada, intitulada The Second Barrage comienza con el mejor arco argumental de toda la serie, pero la segunda mitad intenta desarrollar una historia un tanto más compleja que contrasta bastante con los episodios anteriores; sin mencionar que también es el arco argumental más largo, el final de The Second Barrage no cumple con las expectativas.

Luego de 3 años, se decide animar la última parte del manga hasta ese momento en el formato de cinco OVAs intituladas Roberta’s Blood Trail una continuación directa a las dos temporadas anteriores. Las OVAs desarrollan una única historia basada en uno de los rivales más mortíferos de Lagoon Company mientras busca saciar su sed de venganza. De nuevo se intenta establecer una atmósfera aún más oscura con una historia profunda, reuniendo a la mayoría del elenco. Como la segunda temporada, esta tercera es buena, pero inferior a la primera.

Aunque comencé a verla en el idioma original, leer los subtítulos mientras se desarrolla una secuencia de acción te impide disfrutar al máximo la increíble calidad visual. La versión doblada al inglés es superior en muchos aspectos, pues permite que resalte aún más este singular elenco de personajes tan variados, aunque muchos de ellos caigan en clásicos estereotipos. Black Lagoon es un anime extremadamente divertido y recomendable para quien busque una buena serie de acción con tintes realistas, de la mano de un apartado técnico impecable.

Infografía del Cyberpunk en medios Audiovisuales

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Hace un par de años hice esta infografía con el fin de que fuera fácil explicar y entender la relación que el Cyberpunk tiene con otros géneros de los cuales se ha nutrido, así como observar y entender las características específicas de los subgéneros derivados. Hacer una explicación por escrito sería igualmente confuso, así que les dejo el video donde explico cada uno de los elementos de la imagen.


Para saber más sobre los temas abordados visiten los siguientes enlaces.

Inuyasha

Título Original: 戦国御伽草子 犬夜叉. (Sengoku Otogizōshi InuYasha)
Género(s): Aventura, Romance, Drama, Fantasía, Comedia.
Director: Masashi Ikeda y Yasunao Aoki.
Estudio: Sunrise.
Emisión: 16 de octubre de 2000 – 29 de marzo de 2010
Duración: 193 episodios, divididos en dos temporadas.
Extras: Cuatro películas y un OVA.

La repentina expansión del anime en nuestro país a finales del siglo pasado nos permitió disfrutar de varias series icónicas que terminaron por dejar su marca en nuestra cultura, como el legendario Dragon Ball, Digimon Adventure y los Caballeros del Zodiaco. Existió otra obra intitulada Ranma ½, que más bien era una comedia con tintes románticos cuyo extravagante argumento no tuvo el mismo impacto en los televidentes.

El auge de la animación japonesa en televisión abierta culminó con la llegada del nuevo milenio, reduciendo las trasmisiones a fugaces maratones en fin de semana con horarios inconsistentes. Un buen día, mientras cambiaba rápidamente los canales sin propósito alguno terminé por sintonizar el malsano Canal 7, que para mi sorpresa trasmitía en ese momento una serie de anime con un estilo muy parecido al de Ranma ½. La serie cuenta la historia de un ser híbrido mitad demonio llamado Inuyasha.

Él busca obtener la Perla de Shikon, una poderosa reliquia que otorga poderes sobrenaturales a su portador, para convertirse en un demonio completo. La joya atrae criaturas malignas, por tanto es custodiada por la sacerdotisa Kikyo. Ambos comienzan un romance secreto, pero caen en una terrible trampa ideada por otro demonio. Inuyasha termina durmiendo eternamente debido a un conjuro, y su amada muere, llevándose la Perla consigo al otro mundo.

Quinientos años después, Ahome Higurashi es transportada por el ataque de la Mujer Ciempiés a la “época feudal” a través de un pozo en el templo familiar; allí encuentra a Inuyasha y le libera del encantamiento. Ahome descubre que ella es la reencarnación de Kikyo y debido a su intervención, la Perla de Shikon reaparece cincuenta años después de aquél fatídico incidente, junto con el despertar de muchos demonios que buscan obtener la joya.

Uno de tantos espectros consigue robar la Perla y en un rápido giro de eventos, se rompe en múltiples fragmentos que se esparcen por toda la región. Ahome decide quedarse en el pasado y unir fuerzas con Inuyasha para localizar todos los fragmentos. En su viaje conocen nuevos aliados y enemigos, cuyos destinos están siempre entrelazados por la reliquia. Además de la dura travesía, la protagonista debe regresar regularmente a su propia época para continuar con su vida normal de estudiante.

La trasmisión de la serie no duró más de dos semanas antes de desaparecer para siempre. Cuando al fin tuve la posibilidad de ver televisión por cable descubrí que de hecho ya tenía un buen rato al aire, en el entonces clásico horario nocturno. Logré ver un par de episodios al azar hasta que el bloque de anime desapareció también. Entonces me olvidé de sus existencia hasta hace unos meses, cuando me decidí a conocer el final de ésta historia de una vez por todas.

Yōkai

Inuyasha es la adaptación del manga homónimo creado por Rumiko Takahashi, reconocida artista en el medio y también autora de Ranma ½. La serie tiene esa calidad propia del anime a finales de los noventas, con un estilo  de dibujo dinámico, limpio y con gran calidad en cuanto a banda sonora. Pero lo que en un principio me enganchó al ver esos pocos episodios sueltos hace ya un buen tiempo fueron las voces dobladas a nuestro idioma.

El trabajo de doblaje en Inuyasha es espectacular, realizado indudablemente en México con un elenco de verdaderos profesionales. Son todas esas voces con las que crecimos en los noventas. El doblaje se dejó incompleto en un principio, faltando los últimos siete episodios y los capítulos especiales. Los 26 episodios que conforman la última temporada se terminaron de doblar hace un par de meses este mismo año y probablemente estén disponibles mediante trasmisión on-demand.

Por otro lado, como muchas series de la época que se estrenaron paralelas a la publicación del manga original, la duración del anime es colosal, con casi doscientos episodios, películas, OVAs y especiales. Y es precisamente aquí donde Inuyasha encuentra uno de sus puntos más débiles, el temible relleno. 40 de los 167 episodios originales son relleno en estado puro, con personajes sacados de la manga y pequeñas sub-tramas que no permiten avanzar en la historia.

El principal problema de la primera parte es que la historia es extremadamente repetitiva. Si añadimos más relleno y especiales dobles enfocados en un par de personajes que no representan avance alguno obtenemos una horrible mezcla cuyo principal efecto consiste en sofocar al espectador hasta aburrirlo, en especial cuando nos esperan más de 150 episodios adicionales. El relleno se enfoca en comedia o romance, es aceptable al principio, pero representa un verdadero fastidio más adelante.

Los primeros episodios son magníficos. El mundo en donde se desarrolla está lleno de oscuridad, misterio y leyendas. Se enfocan en reunir a todos los protagonistas así como explicarnos sus motivaciones. A la facción de Inuyasha se suman Shippo, un pequeño zorro demonio, el monje pervertido Miroku y Sango, la exterminadora de monstruos. Kikyo es revivida para seguir con su propia agenda; Koga, un lobo demoníaco y Sesshoumaru, el hermano de Inuyasha buscan volverse más fuertes.

Todos ellos comparten un fuerte resentimiento contra Naraku, principal antagonista de las series. Un demonio con poderes oscuros cuyo único propósito es ver arder al mundo. Conforme cada bando adquiere fragmentos de la poderosa perla, van ganando habilidades para hacerse más fuertes. Naraku termina por obtener la mayor parte y la capacidad de crear nuevos seres que siguen sus órdenes. A su grupo se suman Kanna y Kagura, así como el hermano de Sango, Kohaku, revivido por la Perla.

Aquí comienza un ciclo repetitivo. Naraku obtiene más poder y barre el suelo con los héroes, éstos a su vez se vuelven más fuertes hasta quedar iguales de nuevo. Sango trata de recuperar a Kohaku, pero por alguna razón no lo consigue, Ahome e Inuyasha se vuelven más cercanos, pero Kikyo interfiere en su romance. De vez en cuando ataca otro enemigo sin afiliación, pero rara vez representa una amenaza para los protagonistas y es despachado rápidamente.

Es en estos momentos que otros personajes alejados del conflicto principal aparecen para sacarnos de la pasividad. Sesshoumaru en particular atraviesa un viaje más interesante, donde pasa de antagonista a aliado, sin perder jamás los rasgos que le caracterizan e incluso formando su propia facción que se suma a la incansable cacería de Naraku por sus propios motivos, haciendo alianzas ocasionales con los demás héroes.

Luego de empatar nuevamente con Naraku, el grupo protagonista pierde su rastro y entra a escena un nuevo equipo de villanos: Los Siete Guerreros, malvados mercenarios revividos por la Perla de Shikon. Estos zombis mágicos frenan el avance de Inuyasha y devuelven la frescura a la serie, robando el protagonismo en varias ocasiones con sus personalidades tan variadas. Todos los personajes conocidos desempeñan un buen papel en esta etapa y es muy divertido verlos crecer.

Tras la derrota de Los Siete Guerreros se descubre que también trabajaban para Naraku y que éste se ha vuelto más fuerte tras permanecer oculto durante todo este tiempo. Inicia un segundo ciclo de historia repetida. A la facción rival se suma Hakudoshi, un niño siniestro creado por Naraku que es más fuerte que todo lo visto anteriormente, pero por alguna razón jamás puede acabar con los héroes, a pesar de sus malignas conspiraciones.

En esta etapa es más divertido olvidarse de los protagonistas originales y seguir la interacción entre villanos que resulta ser más interesante por mucho. Kagura y Hakudoshi buscan deshacerse de Naraku, su creador, a la vez que simulan seguir sus órdenes. Se hace evidente que los antagonistas no son una amenaza, pero son ellos quienes realmente mueven la historia. Resulta interesante averiguar cuál será su siguiente plan aunque seguro fracase.

Naraku realiza una serie de experimentos retorcidos para eliminar toda debilidad en su cuerpo, desechando partes que no necesita u obteniendo otras más fuertes. Separa su corazón, que toma forma de niño, y lo oculta con un artefacto mágico. Lleva a los protagonistas a otra de sus excesivamente elaboradas trampas donde la fuerza conjunta de Inuyasha y Ahome termina por superarlo, sin otra opción más que escapar (otra vez). La serie original concluye sin un ganador definitivo.

El Acto Final

La emisión original del anime en Japón terminó en 2004 sin un final en toda regla. En 2008, la autora termina el manga y gracias al apoyo de los fans, un año después se animan los volúmenes restantes de la historia bajo el nombre Inuyasha Kanketsu-hen (犬夜叉 完結編), compuesta por 26 episodios. Por un lado, el argumento soluciona sus principales fallas (repetitivo y muy largo). Irónicamente, a cambio se vuelve confuso en un breve lapso de tiempo.

Kanketsu-hen es como ver un anime completamente diferente. Los grandes adelantos en la industria de la animación se hacen patentes con cada segundo que transcurre en la pantalla. La animación está a la par con series del nuevo milenio y el apartado técnico es de primer nivel. Varios personajes obtienen un diseño más estilizado y actualizado. La mayoría de los involucrados en la serie original vuelven para terminar lo ya empezado.

La historia avanza rápidamente. Las facciones en esta guerra terminan por definirse. Por un lado están el grupo de Inuyasha (compuesto por él mismo, Aome, Shippo, Sango, Miroku y ocasionalmente Koga), Kikyo, Sesshoumaru y Kohaku, quienes forman breves alianzas o siguen por su cuenta, y por otro está la facción de Naraku y sus sirvientes. Todos ellos van coleccionando sus últimos power-ups hasta el momento de la batalla final.

Kanna, Kagura, Hakudoshi y el Corazón de Naraku dentro del Infante son destruidos uno a uno, reemplazados por un último esbirro: Byakuya de los Sueños. Por otra parte, Kikyo es eliminada definitivamente y Koga abandona el conflicto al verse superado. Kohaku y Sesshoumaru hacen una alianza final con los héroes para enfrentar a Naraku, quien usa la Perla para asumir su forma final. Logran vencerle para ganar un merecido final feliz.

Valoración

Inuyasha posee un par de fallas críticas, pero luego de terminar de verla es fácil descubrir porqué al día de hoy conserva su bien merecido séquito de fans, sobre todo en nuestro continente. A pesar de su tremenda duración, cada género que la compone tiene su momento memorable y están en perfecto balance. El romance meloso no desplaza a la aventura, el drama o la acción en ningún momento, sino que logran coexistir en una divertida mezcla.

Es interesante descubrir al final del día que cada personaje tiene razones sólidas para seguir su propio camino, la mayoría de ellos atormentados por la tragedia o el rencor. La comedia no está nada mal, en especial durante las secciones ubicadas en la época actual. El estilo del dibujo es hermoso a la vista y la calidad de animación se mantiene luego de 190 episodios. La música es magnífica, con un tema propio de cada personaje, aunque puede volverse un tanto tediosa en la recta final.

Debido a lo repetitivo del argumento, no es una serie que pueda verse en largas sesiones maratónicas como es común hoy en día, al menos desde mi punto de vista. En cambio, es ideal disfrutarla en dosis diferidas más digeribles aunque nos lleve más tiempo. Gracias a que jamás llega a excesos de violencia o erotismo, también funciona como primer acercamiento al ámbito de la animación japonesa para un público de todas las edades.

Inuyasha es otro clásico contemporáneo proveniente de aquella época en que nuestro país decidió abrirse a nuevos contenidos. Ubicada en un mundo fantástico lleno de vida, cuyos profundos personajes nos hacen partícipes de un viaje memorable, sobre todo los antagonistas, pero al cual debemos proceder con la suficiente paciencia para atravesar (o saltar) todo ese relleno y argumento reciclado que pueden desalentar rápidamente a más de uno.

Mis directores de anime favoritos

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En los últimos meses el nombre de Makoto Shinkai ha resonado mucho en las páginas de noticias sobre animanga, la razón es su más reciente película, titulada Kimi no na wa, la cual ha roto varios records de ventas en Japón, superando a clásico como El Viaje de Chihiro del afamado estudio Ghibli, además de que recientemente se ha dado a conocer la noticia de que será una de las candidatas a estar nominada en los premios Oscar.

Cuando recién me iniciaba en el mundo del anime y el blogueo, por ahí de 2007, leía en los blogs y páginas de noticias de aquel entonces reseñas de algunas ovas no muy conocidas pero que se estaban convirtiendo en obras de culto dentro del underground de la animación japonesa, entre ellas Hoshizora Kiseki, Karas, Mizu no Kotoba, Pale Cocoon, Hoshi no Koe y Kanojo to Kanojo no Neko. Estas últimas fueron las óperas primas del entonces joven y poco conocido Makoto, quien para ese momento ya contaba con una película, su primer largometraje titulado Kumo no Mukô Yakusoku no Basho, que dividió a la crítica, a muchos no les gustó y a otros tantos sí. Sin embargo, lo que empezaba a destacar fue ese estilo de dibujo y animación presente en todas sus obras, los elementos simbólicos ocultos en los escenarios y el drama. El manejo de un drama profundo pero disfrutable fue lo que caracterizó al buen Makoto.

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Makoto Shinkai

Su salto a la fama no llegaría sino hasta 2007 con el estreno de su filme más representativo 5 Centímetros por Segundo. Esa peculiar y fabulosa historia de amor aderezada con sutiles toques de ficción especulativa que jugueteaba con la idea de que todas sus obras se sitúan en el mismo universo, alcanzó una gran popularidad entre los amantes de la animación japonesa. La fama de Makoto como el maestro del drama romántico fue ganada a pulso, incluso hay quienes lo catalogan como en nuevo Miyazaki, aunque en mi opinión sus estilos son muy distintos y no hay por qué compararlos. Desde que vi 5 Centímetros por Segundo Makoto se convirtió en mi director favorito, pues fue el primero que me gustó por su estilo y por su trabajo en conjunto, a diferencia de otros directores a quienes admiro pero de quienes sólo me gustan una o dos de sus obras (como me pasa con Hideaki Anno). De Makoto me gusta su estilo en general y eso estará presente en cada una de sus obras, evolucionando y adaptándose con forme él envejezca, pero manteniendo eso que siempre me hará interesarme por sus producciones.

Así como es irrefutable que mi anime favorito es y siempre será Evangelion, por muchos años fue irrefutable que Makoto Shinkai sería mi director favorito, cosa que no ha cambiado y dudo que lo haga por mucho tiempo más, pero poco a poco un nuevo director se fue abriendo paso en mi lista de predilectos hasta que logró un lugar innegable al lado del buen Makoto, me refiero a Mamoru Hosoda.

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Mamoru Hosoda

La primera vez que vi un filme de Mamoru fue sin saberlo, pues en ese tiempo no me importaba saber sobre directores ni estudios, lo único que quería era ver la tan esperada película de Digimon. Digimon Adventure Our War Games fue el primer largometraje que dirigió Hosoda y nunca caí en cuenta del sujeto que estaba detrás de dicha película hasta que vi Toki wo Kakeru Shôjo, cuyo estilo era muy similar al de aquella película de Digimon.

Estaba consiente ya de quién era el director pero no le preste mayor atención, para mí no era más que otro joven director que había dirigido un muy buen anime pero del que no se sabía más, pues no tenía más filmografía en su haber. Pasaron tres años y en 2009 se estrenó Sumer Wars, cuando vi el tráiler no pude más que pensar: “es el mismo director de Tokikake”, y en efecto lo era. Sumer Wars fue la revelación para mí, el director tenía un estilo muy marcado, con obras de Ciencia Ficción que no precisamente lucen como las típicas aventuras hipertecnológicas, pero que hacen más crítica que muchos de esos sobrecargados filmes.

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Yasuhiro Yoshiura

Ambos directores tienen ese estilo sólido que me fascina y obras de Ciencia Ficción que no se enfocan en la tecnología ni la ciencia, sino en la condición humana, sus historias no son sobre inventos, descubrimientos o viajes interplanetarios, son sobre la vida de sus personajes, sus decisiones, anhelos y sufrimientos. Y no son los únicos, a la lista se une el aún más joven Yasuhiro Yoshiura, a quien descubrí a la par que Makoto y cuyo estilo y temática de sus obras es, aunque en menor medida, igual de bueno que el de sus colegas antes mencionados.

Mamoru nació a finales de los 60, Makoto a principios de los 70 y Yasuhiro justo en 1980, aún son jóvenes y lo que han logrado hacer seguro es una pequeña parte de lo que aún les espera. Así como los grandes y ya retirados o fallecidos directos de antaño lograron, estos tres directores darán mucho de qué hablar en las próximas décadas, y quién sabe, seguramente en 30 años miremos sus filmografías y estas sean tan ricas y laureadas como las del buen Miyazaki.

Persépolis

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Título Original: Persepolis.
Género(s): Drama, Biopic.
Director: Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi.
Estudio: Sony Pictures Classics.
Emisión: 2007.
Duración: 95 minutos.
Extras: –

Basada en la novela gráfica de Marjane Satrapi, que a su vez está inspirada en su vida real, ganadora en el festival de Cannes en 2007 y nominada a Mejor Animación en el Oscar de ese mismo año, Persepolis es una película brutal que nos relata la infancia y juventud de una chica Iraní en los años ochenta y noventa, cuando la revolución y la posterior guerra contra Irak asolaron al país.

El estilo de animación no es muy atractivo a primera vista, es simple, serio y con un aire de mucha adultez, lo que inmediatamente genera un sesgo demográfico, pues si bien la historia es sobre una niña, el desarrollo y los temas no son precisamente para el público infantil. Aunque por otra parte, la narrativa que tiene está película debería ser la forma en la que se enseñara historia en las escuelas, pues uno se sumerge en el filme y presta tal atención al contexto sociopolítico de Irán que termina aprendiendo algo de historia, y de una historia que no se enseña en este lado del mundo, la de medio oriente.

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La historia gira en torno a Marjane Satrapi, una niña de 9 años muy impresionable que vive con sus papás en el Irán de finales de los 70, década en la que el país estaba sometido a la tiranía del Sah Muhammad Reza, emperador que llegó al poder gracia a la intervención de los Ingleses, quienes encumbraron a su padre a cambio de petróleo. Si bien su padre fue un tirano, al menos modernizó al país y le dio un gran impuso, cosa que la política opresora de su heredero vino a derrumbar, al grado de hartar al pueblo, que poco a poco incrementaba las protestas contra el régimen alimentado por las ideas comunistas venidas de Rusia y de las teorías Marxistas-Leninistas.

Ese Irán previo a los 80 que retrata el filme es un Irán que difícilmente podemos imaginar en países latinoamericanos, donde la propaganda norteamericana se ha encargado de hacernos creer que desde siempre los pueblos del antiguo Imperio Persa han sido una horda de salvajes terroristas, pero que en realidad tienen un historia más similar a la nuestra que los propios Estados Unidos. Ver cómo era ese país antes de la república islámica y ver cómo nos hacen creer que siempre ha sido me recuerda mucho al manejo de las relaciones con los enemigos que podemos ver en clásico orwelliano 1984.

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Con el pueblo harto por la represión del Sah, las protestas se intensifican y Marjane empieza a interesarse por el comunismo, los presos políticos, las protestas estudiantiles y la exigencia del pueblo por vivir en libertad y democracia. Las redadas se intensificar como medio para que el régimen mantenga el poder y todos aquellos con ideas liberales son encarcelados; eventualmente la revolución parece triunfar. Lamentablemente, cuanto atacas a un gobierno sólo hay dos resultados posibles, o lo quitas del poder o este se endurece y se hace eterno.

Mientras veía los actos de protesta que muestra el filme no podía hacer otra cosa que recordar las innumerables marchas que vivimos día a día en nuestro país y que no hacen otra cosa más que exigir justicia. Cuando la revolución Iraní parecía triunfar un evento externo vino a arruinarlo todo, Saddam atacó Irán y se desató una cruenta y larga guerra entre ellos e Irak. Para hacerle frente a la guerra, el régimen del Sah intensificó su represión con ayuda de la religión; la gente cambió y los velos hoy característicos de las mujeres musulmanas se hicieron presentes.

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Esta parte de la película me parece fascinante, en primera porque vemos el paso de un país medianamente prospero pero con muchos conflictos internos, como el nuestro, a un país en guerra, donde los productos empiezan a escasear, la represión religiosa hacia las mujeres se intensifica y los bombardeos se hacen parte del paisaje cotidiano. El cine está repleto de películas que retratar el holocausto, tanto desde la visión alemana, como desde las visiones estadounidense y japonesa por igual, pero creo que nos hace mucha falta cine que trate sobre las guerras y revoluciones en medio oriente, por la simple razón que están más cercanas a nuestro tiempo.

Las mujeres tuvieron que cubrir su cuerpo por cuestiones religiosas y todas aquellas ideas y productos —ropa, vino, música, entre muchos otros— venidos de occidente eran sencillamente prohibidos. Asistir a una fiesta era arriesgarse a una detención. Las autoridades empezaron a ver en los presos políticos una amenaza, así que para evitar cualquier futuro conflicto las detenciones terminaron e iniciaron los fusilamientos. Cuando combinas el poder militar de un gobierno tirano con el control manipulador de una religión, tienes el régimen más brutalmente opresor que pudieras imaginar.

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El trasfondo sociopolítico del filme es aterrador, pero la forma en la que nos los muestra lo hace totalmente digerible sin dejar de ser crudo. Los picos de comedia seguidos por abismos de desolación están muy bien diseñados, al igual que la animación de sombras inspirada en el expresionismo alemán, que facilita exponer acciones atroces sin volverlas viscerales. Ahora bien, sin importar que tan crudas sean las cosas la vida siempre tratará de seguir su curso.

Debido a las ideas comunistas de la familia de Marjane y a los peligros de la guerra, sus padres deciden mandarla a estudiar a Viena. Su llegada a Europa suaviza un poco el tono de la película y se centra por unos minutos en la vida personal de la protagonista. Lejos de los peligros bélicos tendrá que enfrentar la soledad y el hecho de que sin importan cuanto entienda a esa nueva cultura occidental, siempre será una extranjera. Luego de algunos años sin lograr adaptarse, Marjane regresa a su país, sólo para descubrir que no sólo es una extraña fuera de su nación, sino que ahora que las cosas han cambiado tanto en Irán, también lo es en su propia casa.

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Con el regreso de Marjane a su país vemos la opresión que las mujeres han sufrido a causa del régimen y que a pesar de que la guerra con Irak terminó, al país le constará mucho recuperarse y alcanzar su libertad. El miedo a la guerra borró de la memoria de los jóvenes los ideales por los cuales lucharon sus padres y los hizo querer buscar una felicidad más inmediata y directa en lugar de una libertad permanente. Como bien lo dijo la abuela de Marjane: “el miedo nos duerme la conciencia y nos convierte en cobardes”.

Muchos aspectos de la historia iraní de las últimas dos décadas del siglo pasado me recordaron mucho al contexto social que se vivía en la España de Franco, pero peor aún, me recuerda la realidad actual de mi país, que se encuentra azolado por un enemigo interno y cuyas voces de protesta, denuncia y exigencia de justicia se van apagando ante el miedo a la opresión, los asesinatos o los tantos y tanto desaparecidos. Y aunque el trasfondo político es importante, no debemos olvidar que la película no es otra cosa que la historia de una adolescente siendo adolescente y viviendo esa hermosa aunque conflictiva etapa de la vida.

Daria

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Título Original: Daria.
Género(s): Sitcom.
Director: Glenn Eichler y Susie Lewis Lynn.
Estudio: MTV.
Emisión: Marzo 1997 – Enero 2002.
Duración: 5 Temporadas.
Extras: Is It Fall Yet?, Is It Collage Yet?

Ya lo he mencionado en varias ocasiones, la razón por la que me gusta tanto consumir ficción es por esa emoción que me provocan los finales, cuando sientes ese cansancio físico y emocional como si tú hubieses recorrido el mismo camino que el protagonista. Cuando llego a sentir eso después de ver una serie o película es cuando sé que fue una gran obra, y la última vez que lo sentí fue hace poco, cuando terminé de ver Daria por primera vez.

Ver en un par de días u horas el transcurso de una vida o al menos de una etapa importante siempre me ha resultado muy emocionante, sobre todo porque las emociones de la vida real pasan muy lento y muchas veces no sabemos apreciarlas sino hasta pasados los años al verlas en retrospectiva, o al menos así me pasa a mí. Ver el crecimiento de la sarcástica, asocial e inteligente Daria me trajo viejos recuerdo y varias emociones.

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Como nunca tuve televisión de paga cuando era niño, me perdí la oportunidad de disfrutar de ese viejo y ahora extinto MTV, el que pasaba buena música y series animadas increíbles, soeces, sarcásticas, políticamente incorrectas y grandiosas. Quién de los que pudieron disfrutas del MTV de los 90 no recuerda a Beavis and Butthead, Aeon Flux, Downtown y a quizás la más emblemática de todas, Daria.

Mi primer acercamiento con la serie fue a finales de los 90 principios del 2000, cuando por alguna razón la televisaron en el Canal 4 de Televisa, mucho antes de que se convirtiera en el canal de noticias que es hoy en día. Llegué a ver algunos capítulos de entre la primera y segunda temporada, esos viejos capítulos en español latino que aún traducían de forma literal expresiones como “fresco” en lugar de “cool”, anglicismo que se terminó colando en el habla cotidiana de los mexicanos. Realmente no comprendía mucho de lo que trataba la serie, pero me gustaba, lo cual era un poco raro tomando en cuenta que la serie no estaba dirigida para niños de 10 años.

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Un día cuando ya estaba en la preparatoria, tuve acceso por un par de horas a televisión de paga y casualmente me topé con Daria, así que ya con acceso a internet me puse a buscar los capítulos hasta que, luego de una larga y ardua búsqueda, logré obtenerlos todos, las cinco temporadas y las dos películas, aunque algunas en inglés y otras en español latino. La mezcla de idiomas no me importó, de hecho sigo considerándolo todo un logro, pues la mayoría de episodios todavía los descargué de Ares.

Tuvieron que pasar muchos años para que por fin me decidiera a verla. En mi primer intento sólo llegué hasta la cuarta temporada y luego perdí el interés, pero en estos últimos meses, a falta de otra cosa —y sobre todo de acceso a internet— me decidí a verla de nuevo y me atrapó como nunca lo había hecho. Terminé de ver las cinco temporadas completas por primera vez y las dos películas, y puedo decir que, junto a Malcolm in the Middle, es una de las series que mejor retrata el crecimiento de los personajes de todos los sitcom que he tenido la oportunidad de ver y cuyo final es tan sólido como emotivo (el final de la segunda película, que es el final real).

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La razón por la que me gustaba esta serie es sencilla, me identifiqué a plenitud con el personaje principal, una persona inteligente algo marginada, sarcástica y con pocas aptitudes para socializar con otras personas, pocas aptitudes y poco interés además. Por muchos años desee incluso poder ser tan sarcástico como ella, actualmente creo que lo soy aunque no lo uso tanto. Esa visión cínica y hostil de mundo, ese actuar honesto y la lucha constante por no convertirse en parte del montón siempre me parecieron muy interesantes.

Si bien fue la personalidad de Daria lo que me atrapó cuando niño, no fue lo que me resultó más interesante ya de adulto. Ahora que tuve oportunidad de ver por completo toda la serie pude notar el increíble crecimiento y desenvolvimiento que lograron con la protagonista. De ser una niña huraña y sin amigos, se convirtió en una joven con ciertas aptitudes sociales y férrea convicción e incluso la capacidad para entablar un noviazgo. Las últimas dos temporadas me parecieron fascinantes por ese hecho, ver cómo Daria logró evolucionar al grado de permitirse experimentar e incluso disfrutas de ciertas emociones que en los primero capítulos nunca hubiésemos creído que pudiera apreciar. Y no sólo es en la cuestión personal de noviazgo o amistades en donde crece el personaje, también en su visión del mundo adulto y la forma en que este nos obliga a actuar para lograr nuestras metas, lo que muchas vece conlleva traicionar nuestros ideales.

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Otro aspecto que me encantó fue su relación con Queen. Su frívola y hueca hermana menor siempre le hizo la vida imposible, sumergida en el mundo de la moda, la popularidad y las citas nunca creí que pudiera crecer tanto. En los últimos capítulos vemos que en realidad no era tan hueca ni superficie como parecía, y esos guiños de amor entre hermanas que son apreciables por las pequeñas acciones que hacen la una por la otra son sencillamente maravillosos. Aunque les duela admitirlo a ambas, en el fondo se tenían un gran cariño.

Está de más hablar de la amista y el resto de elementos que representan cada uno de los personajes, desde el psicótico profesor DiMartino o los peculiares padre de familia, hasta la perfecta y servicial Jodie, cada uno aporta un toque esencial para la historia y además cada uno de ellos madura y avanza, ninguno se queda estático, salvo quizás el poco favorecido en intelecto Kevin. Pero sin duda quien se lleva las palmas y da mucho juego a Daria es su mejor amiga Jane. A mí en lo personal me encanta está amistad, pues deja en claro que no importa que tan raro y marginado seas, siempre habrá otro loco como tú con quien puedas entablar amistad para tratar de sobrevivir a un mundo que preferirías no enfrentar.

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Daria es como muchos fuimos durante de adolescencia y creo que eso es lo la hace tan entretenida para algunos. La vida diaria de una chica poco común retratada de una forma bastante común. No creo que haga falta describir de qué se trata, Daria es un icono de los 90 y un grato recuerdo de lo que alguna vez fue MTV. Y como muchas series de ese canal, además del reflejar el vasto universo de los adolescentes, Daria hace varias críticas a la corrupción, al sistema educativo estadounidense, al poder de las empresas, al gobierno, a las diferencias raciales y entre clases sociales, a la monotonía, a la superficialidad y a muchos problemas más que quizás no puedan solucionarse nunca, pero que con forme crezcamos y maduremos aprenderemos a sobrellevar.

En esta ocasión no quise hacer una reseña tradicional, creo que está de más hacerlo con una serie tan vieja y conocida como esta. Por muchos años estuve postergando esta entrada, no creía realmente que valiera la pena escribir de algo que ya ni siquiera está vigente, pero luego de ver la serie de corrido puedo decir que Daria es algo atemporal —al menos para quienes nacimos en los 90— y que refleja una etapa de la vida que seguramente muchos no supimos disfrutamos en su momento, pero que ahora, con la seguridad de los años que nos separan de aquella época, podemos decir: “vaya, mi preparatoria no fue tan mala”.