El Viaje a Agartha

Título Original: 星を追う子ども (Hoshi wo Ou Kodomo).
Género(s): Fantasía, Drama.
Director: Makoto Shinkai.
Estudio: ConMix Wave Films.
Emisión: 2011.
Duración: 116 minutos.
Extras:

Makoto Shinkai es mi director de anime favorito, ver una película de él es garantía de que me va a gustar, me va a sorprender y me va a maravillar de alguna manera, ya sea con los bellos escenarios que suele usar, las grandiosas melodía de la excelente dupla que hace con el compositor Tenmon o la historia dramática que suele ser su sello personal. El Viaje a Agartha es quizás la película menos valorada del afamado director, pero no por ello deja de ser muy buena.

Debo confesar que sí, esta película es la más floja de todas las que tiene es su cada vez más laureado repertorio, su diseño me remite mucho a obras de Ghibli como El Viaje de Chihiro, aunque sin perder el particular diseño que Shinkai ha impreso a todas sus obras desde Kanojo to Kanojo no Neko. También cabe resaltar que se sale un poco del drama al que nos tiene acostumbrados, donde el tiempo y las distancia separan a dos amantes, aquí cambia la mezcla de urbanidad y ruralidad embebida en una ligera Ciencia Ficción por el clásico viaje de la Fantasía con estética medieval, creo que Makoto se atrevió a salir de su zona de confort con esta obra, y con resultados muy buenos aunque no sobresalientes.

La calidad técnica es maravillosa, como en todas las obras de Shinkai, aunque el estilo en el diseño de los personajes no fue totalmente de mi agrado, no porque estén mal, sino porque se aleja un poco del estilo tradicional que habíamos visto en sus obras anteriores. Los escenarios son maravillosos, de los mejores que he visto, sobre todo porque todo transcurre en un pequeño pueblo rural y en un mundo de fantasía de estilo medieval. La música, compuesta por Tenmon, es igualmente excelsa, ambienta a la perfección y se hace uno con la historia y sus escenarios.

Como es costumbre vemos los tradicionales elementos simbólicos que Shinkai siempre pone en sus obras y que se hicieran obvios desde 5 centímetros por segundo, como son los trenes, los cerezos, las nubes, los cielos estrellados, el espacio y referencias al sintoísmo. Aquí no vemos un drama de separación por la distancia o el tiempo, sin embargo, dicho drama sigue vigente, esta vez con la separación a causa de la muerte y el sufrimiento que enfrentan los personajes debido a lo difícil que resulta dejar ir a las personas que han fallecido.

La historia gira en torno a Asuna Watasabe, una chica de secundaria que vive con su madre, quien trabaja como enfermera y constantemente está ausente de casa. Asuna pasa la mayor parte del tiempo sola encargándose de las tareas del hogar y usando su tiempo libre para subir a una montaña cercana con un pequeño radio que le dejó su difunto padre para buscar señales de audio.

Mientras Asuna se dirige a su lugar en la montaña es atacada por una extraña criatura. Los reportes indicaban que un oso había sido visto en las cercanías del pueblo, pero aquel animal no era un oso. La criatura amenaza a la chica pero un extraño joven aparece para defenderla y derrota al oso. Aquel chico se llama Shun y dice venir de un lugar llamado Agartha. De inmediato ambos generan un fuerte vínculo y se hacen amigos, pero la repentina muerte del chico deja triste a Asuna y llena de preguntas sobre su origen y la criatura de la cual la defendió.

Unos días después un nuevo maestro llega a la escuela de Asuna y le cuenta diversas historias sobre la mitología que tienen que ver con la vida y la muerte, en todas ellas siempre se habla de un lugar donde viven los antiguos dioses y se resguardan conocimientos ancestrales que podrían incluso traer a los muertos a la vida. Aquel lugar recibe diversos nombres, uno de ellos es Agartha. Intrigada por esas historias Asuna decide averiguar más, su profesor le explica que él ha estado investigando sobre el lugar, el cual parece ser real y que aquel oso que la atacó en realidad en un guardián de ese mundo que recibe el nombre de Quetzalcoatl.

Con la tristeza de haber perdido a su amigo, Asuna regresa a la montaña, donde encuentra a un chico muy similar a Shun, pero no se trata de él. Al parecer ese nuevo joven viene a recuperar el cristal (clavis) que Shun tenía en el cuello y que le dio el poder de derrotar al oso. Dicho cristal es al parecer una llave para entrar a Agartha. Inesperadamente un grupo de militares ataca a los chicos y los persiguen a las entrañas de la tierra, hasta llegar a una entrada hacia ese misterioso mundo. Entre los militares se encuentra el profesor de Asuna, quien revela que son parte de una organización que intenta encontrar Agartha para traer los conocimientos a la superficie.

El profesor, Asuna y Shin, quien resultó ser el hermano de Shun, entran con ayuda del cristal hacia Agartha, donde recorren un peligroso camino para encontrar la puerta de la vida y la muerte a fin de regresar a la vida a sus seres queridos, Asuna intentará recuperar a Shun mientras su profesor tratará recuperar a su difunta esposa. El resto de la historia nos muestra el viaje y la forma en cómo los personajes enfrentan el difícil proceso de aceptar la muerte de sus seres queridos, aceptando que la muerte es parte de la vida. También se muestra la historia de Agartha y la razón del porque se mantiene oculta en las profundidades de la tierra.

Además del drama y el mensaje sobre la pérdida de los seres queridos y la aceptación de la muerte como parte natural de la vida, los elementos folclóricos que nos remite al sintoísmo japonés, al creacionismo cristiano y a las deidades mesoamericanas me resultaron muy interesantes. Todo en Agartha tiene un equilibrio y una función, por ejemplo, cuando los animales mueren son ingeridos por los Quetzalcoatl para darles vida y formar parte de algo más grande. El diseño de los Quetzalcoatl es hermoso, refleja la vejes del tiempo, la sabiduría, la experiencia y un apego con la naturaleza que lamentablemente hemos olvidado.

Personalmente me gustó mucho esa parte de los Quetzalcoatl y su función dentro de la naturaleza, aunque Agartha también resultó ser un lugar hermoso, un mundo en ruinas un tanto al estilo de la fantasía medieval, donde se percibe que habita algo antiguo y sabio. Según se dice cuando la humanidad evolucionó los dioses dejaron de ser necesarios y se ocultaron el Agartha con algunos clanes humanos, los Quetzalcoatl como guardianes y los conocimientos más ancestrales. En Agartha, como en todo buen mundo de fantasía, hay criaturas buenas y apacibles, así como seres peligrosos que son parte de un mismo equilibrio.

Ahora bien, la búsqueda por un lugar antiguo donde yacen los conocimientos me recordó muchos a la temática de la búsqueda de la Atlántida, y de hecho Agartha ha sufrido un destino similar siendo atacada por los humanos en diferentes ocasiones. Fuera de ese cliché el resto de la obra es hermoso, nos muestra que Shinkai también saber desarrollar muy bien la fantasía y logra sumergirnos en la nostalgia y la melancolía provocadas por una soledad creada por la pérdida de un ser querido, no obstante, la muerte es sólo una parte más de la vida que debemos aceptar sin miedo.

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Top 5 de anime

Hace algunos año publiqué mi Top 3 de Anime, no hacía un topo 5 o top 10 porque no tenía claro qué otras de las muchas obras de animación japonesa que había visto debería figurar en mi lista de favoritas, aunque una cosa sí tengo muy segura y es que las películas de Ghibli, Makoto Shinkai y Mamoru Hosoda nunca figurarán en estos tops por la simple y sencilla razón de que me parecen tan buenas que deben ser consideradas aparte. Hoy por fin creo que puedo establecer mis 5 series de anime favoritas, las cuales son las siguientes:

1. Neon Genesis Evangelion

Sin duda Evangelion es y será mi anime favorito por siempre, veo muy difícil que alguna otra serie le quite el primer lugar que ganó desde 2006 cuando la vi por primera vez, e incluso ahora con el Rebuild (sobre todo con 3.33) he ratificado mi gusto por ella.

2. Ergo Proxy

Uno de mis animes Cyberpunk favoritos, con una estética muy particular, un diseño que me encanta y un manejo fabuloso de sus oscuros escenarios. Ergo Proxy se mantiene en el segundo lugar desde hace doce años.

3. Bokurano

La lista sigue sin cambios hasta el tercer lugar, y aunque no he visto Bokurano otra vez desde 2007, estoy seguro de que a pesar de que los años me hagan considerar que es menos buena que cuando la vi por primera vez, no saldrá del topo 5 de favoritos, pues la crudeza de su historia es algo que ninguna otra serie ha podido superar en todos estos años.

4. Great Teacher Onizuka

La primera nueva adición es GTO y no es sólo que al trabajar actualmente como profesor me siente identificado o que desde siempre me han gustado las series con temática escolar, sino por la construcción del personaje principal, la forma en que encara sus problemas y la inherente y extraordinaria comedia que todavía mantiene los toques de rudeza propios de los 90 y que en los últimos años he extrañado mucho a causa de todo el anime hiperestilizado de la actualidad. Onizuka nos enseña que un buen profesor no es aquel que se apega a manual, sino aquel que en verdad se preocupa por dejar una enseñanza útil a sus alumnos.

5. Cowboy Bebop

No podemos dejar a otro clásico noventero fuera de la lista y menos a uno cuya temática espacial es fabulosa. Cowboy Bebop no sólo nos regala una extraordinaria aventura espacial, tema que me ha llamado mucho la atención últimamente desde que vi la serie el año pasado y además sus personajes y banda sonora son un verdadero deleite.

Eventualmente espero poder hacer un top 10, no estoy seguro si obras como Fullmetal Alchemist o Death Note figurarán en ella, ambas son muy buenas que me guastaron mucho en su momento, espero volver a verlas pronto. Otras que muy posiblemente podrían entrar en ese top 10 son Mushishi, a quien sólo puedo describir como “un poema hecho animación” y Megalo Box, una de las más recientes y que me recordó mucho el estilo de Cowboy Bebop y cuyos personajes y música también me encantaron. La próxima vez que haga un top de anime favorito será cuando tenga a mis diez mejores.

Mis directores de anime favoritos

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En los últimos meses el nombre de Makoto Shinkai ha resonado mucho en las páginas de noticias sobre animanga, la razón es su más reciente película, titulada Kimi no na wa, la cual ha roto varios records de ventas en Japón, superando a clásico como El Viaje de Chihiro del afamado estudio Ghibli, además de que recientemente se ha dado a conocer la noticia de que será una de las candidatas a estar nominada en los premios Oscar.

Cuando recién me iniciaba en el mundo del anime y el blogueo, por ahí de 2007, leía en los blogs y páginas de noticias de aquel entonces reseñas de algunas ovas no muy conocidas pero que se estaban convirtiendo en obras de culto dentro del underground de la animación japonesa, entre ellas Hoshizora Kiseki, Karas, Mizu no Kotoba, Pale Cocoon, Hoshi no Koe y Kanojo to Kanojo no Neko. Estas últimas fueron las óperas primas del entonces joven y poco conocido Makoto, quien para ese momento ya contaba con una película, su primer largometraje titulado Kumo no Mukô Yakusoku no Basho, que dividió a la crítica, a muchos no les gustó y a otros tantos sí. Sin embargo, lo que empezaba a destacar fue ese estilo de dibujo y animación presente en todas sus obras, los elementos simbólicos ocultos en los escenarios y el drama. El manejo de un drama profundo pero disfrutable fue lo que caracterizó al buen Makoto.

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Makoto Shinkai

Su salto a la fama no llegaría sino hasta 2007 con el estreno de su filme más representativo 5 Centímetros por Segundo. Esa peculiar y fabulosa historia de amor aderezada con sutiles toques de ficción especulativa que jugueteaba con la idea de que todas sus obras se sitúan en el mismo universo, alcanzó una gran popularidad entre los amantes de la animación japonesa. La fama de Makoto como el maestro del drama romántico fue ganada a pulso, incluso hay quienes lo catalogan como en nuevo Miyazaki, aunque en mi opinión sus estilos son muy distintos y no hay por qué compararlos. Desde que vi 5 Centímetros por Segundo Makoto se convirtió en mi director favorito, pues fue el primero que me gustó por su estilo y por su trabajo en conjunto, a diferencia de otros directores a quienes admiro pero de quienes sólo me gustan una o dos de sus obras (como me pasa con Hideaki Anno). De Makoto me gusta su estilo en general y eso estará presente en cada una de sus obras, evolucionando y adaptándose con forme él envejezca, pero manteniendo eso que siempre me hará interesarme por sus producciones.

Así como es irrefutable que mi anime favorito es y siempre será Evangelion, por muchos años fue irrefutable que Makoto Shinkai sería mi director favorito, cosa que no ha cambiado y dudo que lo haga por mucho tiempo más, pero poco a poco un nuevo director se fue abriendo paso en mi lista de predilectos hasta que logró un lugar innegable al lado del buen Makoto, me refiero a Mamoru Hosoda.

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Mamoru Hosoda

La primera vez que vi un filme de Mamoru fue sin saberlo, pues en ese tiempo no me importaba saber sobre directores ni estudios, lo único que quería era ver la tan esperada película de Digimon. Digimon Adventure Our War Games fue el primer largometraje que dirigió Hosoda y nunca caí en cuenta del sujeto que estaba detrás de dicha película hasta que vi Toki wo Kakeru Shôjo, cuyo estilo era muy similar al de aquella película de Digimon.

Estaba consiente ya de quién era el director pero no le preste mayor atención, para mí no era más que otro joven director que había dirigido un muy buen anime pero del que no se sabía más, pues no tenía más filmografía en su haber. Pasaron tres años y en 2009 se estrenó Sumer Wars, cuando vi el tráiler no pude más que pensar: “es el mismo director de Tokikake”, y en efecto lo era. Sumer Wars fue la revelación para mí, el director tenía un estilo muy marcado, con obras de Ciencia Ficción que no precisamente lucen como las típicas aventuras hipertecnológicas, pero que hacen más crítica que muchos de esos sobrecargados filmes.

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Yasuhiro Yoshiura

Ambos directores tienen ese estilo sólido que me fascina y obras de Ciencia Ficción que no se enfocan en la tecnología ni la ciencia, sino en la condición humana, sus historias no son sobre inventos, descubrimientos o viajes interplanetarios, son sobre la vida de sus personajes, sus decisiones, anhelos y sufrimientos. Y no son los únicos, a la lista se une el aún más joven Yasuhiro Yoshiura, a quien descubrí a la par que Makoto y cuyo estilo y temática de sus obras es, aunque en menor medida, igual de bueno que el de sus colegas antes mencionados.

Mamoru nació a finales de los 60, Makoto a principios de los 70 y Yasuhiro justo en 1980, aún son jóvenes y lo que han logrado hacer seguro es una pequeña parte de lo que aún les espera. Así como los grandes y ya retirados o fallecidos directos de antaño lograron, estos tres directores darán mucho de qué hablar en las próximas décadas, y quién sabe, seguramente en 30 años miremos sus filmografías y estas sean tan ricas y laureadas como las del buen Miyazaki.

Dareka No Manazashi

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Título Original: だれか の まなざし (Dareka no Manazashi).
Director: Makoto Shinkai.
Género(s): Drama, Ficción futurista.
Estudio: TripleA.
Emisión: 2013.
Duración: 7 minutos.
Extras:

Con forme pasa el tiempo, la calidad de Makoto Shinkai va creciendo, desde aquellos primeros cortos de pocos minutos hasta sus más recientes largometrajes podemos apreciar la enorme e inigualable calidad que tiene para construir hermosos escenarios, diseñas entrañables personajes e inventar fabulosas y dramáticas historias capaces de hacernos llorar.

En los últimos años, muchos han llamado a Shinkai el nuevo Miyasaki, yo creo que aún está lejos de esa capacidad, pero si alguien puede heredar su puesto es él. Sus obras, que a quienes nos les gusta el drama les parecerán sosas y repetitivas, siempre logran generar en el espectador ese entrañable sentimiento de añoranza y nostalgia que muy pocos directores pueden provocar.

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Su cortometraje más reciente es Dareka No Manazashi, que nos narra las desventuras de un padre y su hija, quienes, a pesar de estar en constante comunicación, se han separado sentimentalmente durante los últimos años, dejando un profundo sentimiento de soledad en los dos. Una desafortunada noche, un querido miembro de la familia muere y los recuerdos desatados por dicha pérdida hacen que padre e hija se vuelvan a sentir unidos.

La animación usa una voz en off para narrar la historia, algo que muchos cinéfilos consideran de baja calidad, pero yo creo que bien usada puede acentuar el tono dramático de una obra. Otro aspecto a destacar es la ambientación, pues si bien los personajes, los escenarios y la música mantienen el estilo que ya estamos acostumbrados a ver de él, la tecnología futurista le da un toque de frescura muy necesario y sitúa a la historia en un contexto temporal cercano a Hoshi no Koe, aunque argumentalmente hablando retoma muchos elementos de sus cortos Kanojo to Kanojo no Neko y Egao, que anclan a la historia dentro del mismo universo en que se desarrollan el resto de sus obras.

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Como en todas las animaciones de Makoto, sus fetiches simbólicos siempre están presentes, los trenes, los cerezos, los cielos nublados y los gatos son parte del desarrollo de la historia. Sin embargo, los años no pasan en vano y ahora la relación padre e hija es lo que permea en sus trabajos más recientes, a diferencia del amor y la amistad que veíamos en sus primeras producciones.

El paso del amor juvenil e infantil de la primera etapa de su carrera al ámbito familiar que ahora nos presenta, no sólo hace de sus obras algo mucho más nostálgico, sino que reflejan, a mi forma de ver, la madurez que está alcanzando este formidable director al que todavía le falta mucho por mostrar.

5 Centímetros por Segundo

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Título Original: 秒速5センチメートル(Byôsoku Go Senchimêturo)
Género(s): Romance, Drama.
Director: Makoto Shinkai.
Estudio: CoMix Wabe Inc.
Emisión: 2007.
Duración: 60 minutos.
Extras:

Un poema hecho animación. Con esa sencilla frase podemos resumir la película entera, pues 5 Centímetros por Segundo es, no sólo uno de los mejores trabajos de Makoto Shinkai, sino una de las mejores propuestas animadas del cine dramático que pueda existir. La belleza visual impacta, la armonía musical te sumerge en un ambiente nostálgico lleno de sentimiento y la ternura de su argumento sin duda aflorará tus emociones.

La calidad técnica es sublime en todos los aspectos, pero los escenarios sobresalen por estar llenos de detalles y reflejar ese particular estilo que tiene Makoto. Las enormes urbes, los apacibles poblados rurales y los majestuosos cielos nocturnos son tan hermosos que generan en el espectador un sentimiento de añoranza y familiaridad. Cada locación está basada en un lugar real de Japón, pero la estética, pese a ser contemporánea, tiene cierta esencia futurista, espacial y mágica.

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La música es sencillamente insuperable y nos demuestra que la dupla que Shinkai y Tenmon han hecho durante todos estos años alcanzó su grado de perfección en el soundtrack de éste filme. Las canciones nos incitan a recordar y a entristecernos, pero también a ser felices o al menos a no perder la esperanza de que podemos llegar a serlo. Los escenarios se conjugan con el sonido ambiental y la música de fondo para lograr una atmósfera dramática sumamente emotiva.

Los personajes son enternecedores y lograremos identificarnos con todos ellos, quizás no en su totalidad pero sí en al menos una de sus acciones, pasiones o infortunios. Los tres personajes principales reflejan distintos aspectos que en algún momento todos hemos vivido o viviremos con respeto a las relaciones afectivas. No son perfectos ni tienen el final feliz de los cuentos de hadas, por el contrario, enfrentarán problemas que si no son capaces de solucionar deberán aprender a vivir con las consecuencias o esperar a que el tiempo se haga cargo.

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La historia está dividida en tres partes. En la primera nos centramos en la historia de Takaki Thono y Akari Shinohara, dos amigos de la infancia que se ven separados por la distancia y el tiempo. Sin embargo, a pesar de vivir en lugares separados, los sentimientos entre ambos permanecen igual. No es sino hasta que Takaki está a punto de mudarse lejos que ven peligrar su amistad. Takaki decide hacer un largo viaje para ver a Akari antes de mudarse, pero el viaje no sale como lo planea y su tren se retrasa, a pesar de ello logran reunirse tan sólo para darse cuenta de que no lograran estar juntos para siempre como habían imaginado.

En la segunda parte vemos a Takiki en su nueva escuela, pero la narración corre a cargo de su compañera Kanae Sumida quien está profundamente enamorada de él. Pese a todos sus intentos, Kanae no logra expresarle sus sentimientos y al final descubre que aunque logre hacerlo él nunca se fijará en ella, así que decide callar. En la última parte vemos el desenlace de los tres personajes y cómo enfrentan, cada uno a su manera, la perdida de aquel gran amor.

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El filme tiene un ritmo pausado que curiosamente resulta muy agradable e incremente esa esencia poética que desprende la historia por sí misma. La narración con voz en off y el uso de cartas para comunicarse en lugar de medio electrónicos, agudizan esa nostalgia generada por el recuerdo de un viejo amor y por la pérdida del mismo. Todos los elementos que integran la obra trabajan en conjunto para lograr el cometido del director: hacer sentir al espectador las mismas emociones que los personajes. Y lo logra de forma magistral.

Al igual que lo hizo en sus animaciones anteriores, Makoto introduce una serie de elementos simbólicos muy recurrentes en sus obras: las nubes, los cerezos, los trenes y los gatos. Además, hace muchas referencias a cada uno de sus trabajos previos, lo que nos permite imaginar que todas sus historias trascurren en el mismo universo. Tenemos alusiones a Kanojo to Kanojo no Neko que sugieren que los primeros años de la historia trascurres en la misma temporalidad del corto y también vemos breves referencias a Kumô no Mokô Yakusoku no Basho y lo que parece ser el inicio de la carrera espacial que posteriormente vemos en Hoshi no Koe.

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Si bien la película trata cuestiones sobre al romance y el amor, no lo hace a la ligera, puesto que en verdad nos invita a reflexionar sobre temas como la soledad, la reciprocidad, el afecto y la forma en cómo todas las relaciones humanas, principalmente las afectivas, siempre se ven perturbadas por factores como la distancia y el tiempo.

La enseñanza más grande que nos deja la obra es que el amor verdadero puede darse de muchas formas, y ni siquiera importa si es correspondido o no. El amor es unilateral, es de nosotros hacia la otra persona, y los tres personajes representan eso, pues uno logra superarlo, otro se queda aferrado al recuerdo y el tercero simplemente decide seguir adelante aunque sea incapaz de olvidar. Una obra para sentirse nostálgico pero también para aprender que podemos amar de muchas formas.

Kumô no Mokô Yakusoku no Basho

Título Original: 雲のむこう、約束の場所 (Kumô no Mokô Yakusoku no Basho).
Género(s): Drama, Romance, Ciencia Ficción.
Director: Makoto Shinkai.
Estudio: CoMix Wabe Inc.
Emisión: 2004.
Duración: 90 minutos.
Extras:

De todos los directores de anime cuyas obras he visto, Makoto Shinkai es sin duda mi preferido, pues sus obras de drama y romance me parecen sublimes, con el toque adecuado de sentimentalismo y un diseño visual extraordinario, sin olvidar el exquisito acompañamiento musical de Tenmon. Y es justamente en Kumô no Mokô Yakusoku no Basho, su primera obra producida a gran escala, en donde vemos el crecimiento de este talentoso director independiente.

La calidad técnica del filme es indiscutible, atrás quedaron los años en que Makoto hacía esos primeros cortometrajes en su computadora por sí mismo. Dicha mejora la podemos ver en todo los aspectos: la animación es muy fluida y la nitidez de las imágenes es sorprendente, el grado de detalles es sutil y elegante, el diseño de personajes mejora considerablemente en comparación con Hoshi no Koe y auditivamente está mejor que nunca. Sin embargo, aún podemos ver algunos vicios que Makoto acarrea desde sus primeras animaciones, que más que vicios han empezado a convertirse en su estilo personal, como la recurrencia de usar escenas estáticas o irse a negros.

La construcción de personajes es algo bastante peculiar en Shinkai, pues siempre hace uso de elementos muy tiernos e inocentes otorgando un aspecto muy sutil a sus historias de amor, que si bien son dramáticas en ocasiones, no dejan de ser románticas pero de una forma muy ligera que no cae en excesivos sentimentalismos.

En cuanto a la música, no podemos decir que esta haya mejorado, y esto se debe a que, desde su primera colaboración con Shinkai, Tenmon ha hecho brillar todas las obras de Makoto al lograr fundir el argumento con la banda sonora. En otras palabras, Tenmon ha sabido crear el acompañamiento musical perfecto para cada obra de Makoto. Y sí, Tenmon también tiene sus vicios y recurre a usar la misma pieza musical una y otra vez, pero pese a que son las mismas notas, no es la misma canción, ni el mismo ritmo, ni la misma intención.

La historia se desarrolla en los años 90 en un Japón dividió después de la Segunda Guerra Mundial, y gira en torno Hiroki y Takuya, dos amigos que viven en Aomori y que tiene el sueño de volar hasta Ezo, antigua Hokkaido, y ver de primera mano la enorme torre que se yergue en la isla, conocida como Torre de la Unión. Mientras los chicos trabajan para reparar la Velaciela, avión con el que planean volar hasta Ezo, conocen a la simpática y tierna Sayuri, con la cual entablaran gran amista y harán la promesa de ir los tres juntos a descubrir los secretos de la torre. Lamentablemente Sayuri cae presa de una extraña enfermedad del sueño y abandona a sus amigos, quienes terminan por separarse a causa del destino.

Años más tarde militares japoneses y estadounidenses investigan la torre y descubren una extraña conexión entre ella y la enfermedad de Sayuri, descifrando que la torre genera una especie de universo paralelo. Hiroki y Takuya se vuelven a reunir y juntos deciden rescatar a Sayuri y llevarla hasta la torre para que despierte, cumpliendo así su promesa, pero eso deberán hacerlo antes de que estalle la guerra entre Japón y Ezo.

En este trabajo ya podemos ver consolidados todos esos elementos simbólicos que usa Makoto y que se han convertido en clásicos dentro de sus animaciones: trenes, cielos con nubes, cerezos, las cuatro estaciones y gatos. Cada uno de los cuales envía distintos mensajes un poco difíciles de apreciar para quienes no somos nipones.

Al ser su primer largometraje, Makoto abusa —como muchos directores primerizos— de la cantidad de temas que mete en su historia y eso termina distrayendo al público. Por una parte tenemos el mensaje de amistad que es el hilo argumental que rige a toda la obra y por la otra la historia ficticia que busca consolidarse como ciencia ficción de una manera un tanto brusca, sin olvidar el mensaje antibélico y la referencia ucrónica que encajan con dificultad entre los dos elementos antes mencionados. En Kanojo to Kanojo no Neko era drama y romance puro, en Hoshi no Koe los elementos de ciencia ficción eran meramente decorativos, pero en éste filme parece que trata de forzar a que se integren.

El manejo del discurso quizás es algo confuso, pues se manejan tres historia paralelas: la infancia de los personajes, los sueños de Sayuri y la lucha de los chicos. La infancia en esencia es un recuerdo y es narrada por Hiroki de adulto, su vida de adultos transcurre aparentemente en la época actual, mientras que los sueños de Sayuri son atemporales. En lo personal me parece que todo este manejo de tiempos es innecesario, principalmente los textos de anclaje que nos indican cuánto tiempo ha pasado, pues la historia no requiere que lo sepamos para poder entenderla. Sin embargo, recordemos que Makoto hace animación para japoneses y por lo tanto su estilo narrativo es netamente nipón. Quizás por eso la película puede parecernos lenta y con un excesivo uso de la narración como elemento dramático.

La obra, pese a ser buena, quizás no es para todos, el ritmo es lento y se puede tornar tediosa por momentos. Asimismo, si los argumentos no te parecen atractivos desde el inicio, sobre todo los de ciencia ficción, puede que no te guste tanto el filme. Tampoco quisiera meterme a analizar a profundidad está película, no es una obra para eso, es una obra para disfrutar, una obra para deleitar la vista y los oídos y dejarse llevar por el sentimentalismo que el buen Makoto sabe producirnos.

Egao

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Título Original: 笑顔 (Egao).
Género(s): Audiovisual, Shôjo, Drama, Kemono.
Director: Makoto Shinkai.
Estudio: M. Shinkai/CW.
Duración: 2:14 minutos.
Emisión: 2003.
Extras:

Egao es un pequeño clip musical creado por Makoto Shinkai mientras realizaba la producción de Kumo no Mokô Yakusoku no Basho. El video fue creado para el programa Mina no Uta (canciones para todos) de la cadena NHK y la canción fue interpretada por Hiromi Iwasaki. Existen cuatro versiones del video, la primera es la versión para la televisión y las otras tres fueron lanzadas únicamente en DVD. La segunda versión tiene un estilo de borrador, parecido a un storyboard, la tercera se centra únicamente en los detalles de los escenarios, y la cuarta nos presenta el video original visto desde diferentes ángulos.

Este video es sin duda uno de los trabajos más impactante de Makoto, pues a pesar de ser tan corto, hace muchísimas referencias a sus trabajos previos, incluso algunas —como las hojas de cerezo— serían evidentes en su posterior largometraje, 5 Centímetros por Segundo. El video se basa principalmente en dos de las obras de Shinkai, Kanojo to kanojo no neko y Hoshi no Koe.

Egao puede considerarse una historia alternativa o precuela de Kanojo, pues la historia, la trama y el departamento (escenario) son prácticamente los mismos. La principal diferencia entre las dos es el estilo de dibujo, ya que la simpleza de Egao le da una apariencia de ternura y sencillez, mientras que el formato a blanco y negro de Kanojo le otorga un aspecto de seriedad.

Sin duda, es un pequeño clip que aglutina toda la maestría de Shinkai en sólo unos minutos, razón por la cual vale la pena verlo. Además, la canción es totalmente congruente con las escenas y realiza la función de narrador dada la falta de diálogos.