High School of the Dead OVA

Título Original: Drifters of the Dead.
Género(s): Comedia, Ecchi, Survival-Horror.
Director: Tetsuro Akari.
Estudio: Madhouse.
Emisión: Abril 2011.
Duración: 16 minutos.
Extras: High School of the Dead.

Luego de la popularidad que High School of the Dead logró alcanzar y debido a su final abierto, muchos de los fans de la serie esperaban con ansias una segunda temporada. Lamentablemente, luego de siete años, no se ha confirmado que esto pueda ocurrir. No obstante, en 2011 salió a la luz una pequeña OVA que continúa con las aventuras de los protagonistas luego de aquel final en la serie de televisión, titulada Drifter of the Dead, o como se le tradujo al español Náufragos de los Muertos.

Al inicio hay una excelente recapitulación que nos pone en contexto sobre los eventos que nuestros protagonistas tuvieron que afrontar durante la primera temporada. Y también se explica de manera muy simple cómo llegaron hasta donde están ahora, dando paso de inmediato a la acción. Aunque aquí no hay persecuciones ni luchas contra zombis, lo que vemos es un día tranquilo saturado de fan-service.

La calidad general mantiene los estándares de la serie original, con buenos diseños en escenarios y personajes, una fluida y bien detallada animación y música excelente que va perfectamente con la historia. Lo que sí destaca bastante es el Ecchi. Si bien la serie se caracteriza por contener determinada carga erótica, al menos ésta se matizaba con el argumento del apocalipsis zombi, pero como en esta historia no vemos nada de eso el video se convierte en algo totalmente sexual cargado de oppais y muchísimas alusiones sexuales que elevan al corto al género Súper Ecchi.

La historia cuenta cómo los personajes llegan a una isla desierta donde no hay zombis. Como creen estar seguros deciden relajarse y descansar, Takashi y Kôta van en busca de provisiones mientras las chicas se quedan a tomar en sol en diminutos y muy reveladores bikinis. Al caer la noche encienden una fogata, pero usan hortensias como combustible, lo que les provoca fuertes alucinaciones sexuales. Cuando la mañana llega, los jóvenes se despiertan y descubren que la isla en realidad tiene una conexión subterránea con tierra firme por donde se están colando zombis, por los que deciden huir.

Buscando información en internet, pude notar que muchos fans criticaban este OVA por el exceso de elementos sexuales y la falta de un argumento sólido. A mí en lo personal no me pareció tan malo. Debemos están cocientes que no es parte de la serie formal y puede permitirse ciertas libertades. En como un día libre luego de tanto tiempo huyendo de la muerte. Es algo similar a lo que Ikkitousen hizo con las OVAs de Dragon Destiny y Great Guardians; que nada tienen que ver con la serie formal y donde el ecchi se eleva tanto que casi roza el Soft Hentai.

De cualquier forma creo que es una buena recomendación para los fans acérrimos de la serie, sobre todo porque no está claro si en verdad tendremos algún día una segunda temporada de H.O.T.D. A mí en lo personal me encantaría ver una continuación de la serie, pero mientras eso ocurre tendremos que conformarnos con lo que hay. Si se deciden a verla no olviden que está enfocada a enganchar por el morbo sexual y no por otra cosa.

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One Punch Man

Título Original: ワンパンマン (Wanpanman).
Género(s): Comedia, Henshin, Ciencia Ficción, Shônen.
Director: Shingo Natsume.
Estudio: MadHouse.
Emisión: Octubre 2015 – Diciembre 2015.
Duración: 12 episodios.
Extras: 6 OVAs

El mundo de los superhéroes ha tenido mucho auge durante los últimos años, tanto en el cine hollywoodense con las adaptaciones de Marvel y DC, como en opciones más ácida con un humor muy diferente y que nos muestran otra cara de los defensores de la justicia como en el caso de Kick Ass (2010). En el anime, los hombres y mujeres que luchan por defender al mundo son incontables, pero ninguno se compara en lo más mínimo con el superhéroe más poderoso que la ficción nos ha regalado, Saitama.

One Punch Man es una irreverente sátira que critica el estereotipo del supehéroe convencional y nos muestra que cuando tu poder es inconmensurable y no hay oponente que signifique un reto, hasta el héroe más poderoso puede ser víctima de la depresión, de la falta de motivación o de una crisis existencial. One Punch Man nos cuenta la historia de Saitama, el ser más fuerte del universo, quien se dedica a ser héroe por pasatiempo, pero esta pasión empieza a perder sentido ya que todos sus oponentes son vencidos con un simple puñetazo.

La calidad de la serie es muy buena, la música es excelente y se acopla perfecto al ritmo de la historia, el diseño de personajes es fabulosos y nos muestra todo tipo de héroes con poderes, personalidad y característica que van desde lo convencional a lo estrafalario, siempre alejados del estilo genérico que domina el anime actual. Los villanos también son muy variados, desde Kaijin titánicos hasta piratas espaciales que buscan invadir el planeta. Algunos con poderes sumamente brutales que ni toda la liga de superhéroes junta pueden derrotar, pero que sucumben ante un simple golpe de Saitama. Un toque muy particular y que acentúa esa esencia irreverente es el constante cambio en el estilo de dibujo, sobre todo en lo que respecta al protagonista.

Si bien la historia gira en torno a Saitama, le da suficiente juego al resto de personajes y permite que veamos a la mayoría de ellos en acción. Aunque el despliegue de poderes y las batallas son tan geniales que irremediablemente siempre te dejan con ganas de más. La trama sigue la historia de Saitama en su búsqueda por encontrar un enemigo que le represente un reto, mientras trata de subir de categoría en la Asociación de Superhéroes a la que acaba de ingresar gracias a un ciborg que lo ha tomado como maestro.

Saitama y Genos, el ciborg, forma un equipo, pero mientras su pupilo es clasificado como superhéroes clase S, la más alta, Saitama apenas alcanzó el puntaje para ingresar y tiene que empezar desde abajo en la menospreciada clase C. Con el paso de los episodios vemos a enemigos atacar el mundo y enfrentarse a los distintos superhéroes, según la amenaza es el rango del héroe destinado a hacerle frente. Sin embargo, cuando los verdaderos enemigos llegan ningún héroe puede contra ellos, excepto Saitama, quien lamentablemente nunca es reconocido por sus logros, por el contrario, lo consideran un farsante pues su apariencia inexpresiva y su actitud apática le hacen creer al resto que no es tan fuerte como realmente es.

Saitama no es sólo el hombre más fuerte del mundo, también demuestra una total falta de interés por ser aclamado, ser superhéroes es su hobbie y encontrar un oponente digno es su meta, estando dispuesto a cargar con el menosprecio de los habitantes a quienes ha salvado innumerables veces.  Detrás del argumento principal de superhéroes, se empiezan a tejer algunas subtramas que lamentablemente no alcanzamos a ver durante la primera temporada, pero que seguramente generarán contenido igualmente emocionante para posteriores entregas.

La serie empezó como un webcómic y se ha convertido es uno de los mejores Shônen de la década. Las batallas, el despliegue de poder y los villanos son tan atractivos que te enganchan desde el inicio. El poder de Saitama es tan grande de raya en lo ridículo, la serie se burlan del cliché del hombre moralmente incorruptible pero sin llegar a la crudeza y profundidad de obras como Watchmen (2009), lo que le permite decantarse por la comedia y la acción, y los enemigos hacen referencia a monstruos de la cultura pop y algunos tienen un estilo algo noventero y rudo que se agradece bastante. Sin olvidar que su violencia se acerca mucho al gore, aunque aún está algo lejos de pertenecer a ese género.

El hecho de saber que Saitama siempre va a ganar sin importar el oponente no le quita lo emocionante ni lo inesperado, mucho menos lo divertido, los creadores se la han arreglado muy bien para mantener el toque de comedia irreverente en todo momento y la emoción de las batallas, aun sabiendo que sin importan cuánto poder tenga el oponente todo terminará una vez que Saitama suelte el primer golpe. Y el hecho de jugar tanto con el cliché del superhéroe como con la frustración personal que cualquiera puede llegar a tener con respecto a la autorrealización permite que los espectadores ya estrados en los veintes se identifiquen a plenitud con el personaje, quien por ciento tiene 25 años de edad.

Para ser sincero el final no me dejó un muy buen sabor de boca, no porque sea malo, de hecho es bastante épico, sino por lo frustrante que me resultó que Saitama nunca recibiera el crédito por sus logros y que los otros superhéroes nunca lo viera en plena batalla para que constataran lo fuerte que es y dejaran de ser tan arrogantes y sentirse superiores, pero bueno, también hay que aceptar que eso era algo que nunca le importó a nuestro protagonista. De cualquier forma, es una magnifica serie, llena de acción, geniales batallas, diseños originales y con un personaje principal sencillamente fabuloso.

La popularidad de esta serie ha sido tanta que el duelo entre los fans por decidir quién es el personaje más fuerte del anime no se ha hecho esperar y ha posicionado a Saitama entre los primeros lugares, justo al lado de Gokú, con quien seguramente se disputará la corona del hombre más fuerte del universo por mucho tiempo, hasta que los fans lleguen a un acuerdo o aparezca un personajes aún más poderoso. Una gran recomendación que nadie se debería perder.

Tokyo Godfathers

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Título Original: 東京ゴッドファーザーズ (Tōkyō Goddofāzāzu).
Género(s): Drama, Comedia.
Director: Satoshi Kon.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 2003.
Duración: 92 minutos.
Extras: –

No hay mejor recomendación para ver en esta época navideña que la tercera película dirigida por Satoshi Kon, Tokyo Godfathers es sin duda una oda a ese espíritu navideño que lamentablemente se ha estado perdiendo en la sociedad. Y no me refiero al mensaje espiritual que el cristianismo se ha empeñado en mantener en la mente de sus feligreses, sino a valores morales y ético que deberían estar de manera natural en la mente de todas las personas, pero que lamentablemente no lo están.

El filme tiene una calidad formidable, con escenario llenos de elementos bien detallados como generalmente ocurre en las obras de Satoshi. La construcción urbana es muy buena y el diseño de personajes es igualmente fabuloso, propia de su director, quien nos ha acostumbrado a personajes entrañables y muy profundos con un pasado lleno de problemas y una complejidad mental que muy poco directores logran. La música es igualmente buena y logra una interesante atmósfera urbano-navideña algo nostálgica.

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La historia gira en torno a tres vagabundos, Miyuki, una adolescente que huyó de su casa luego de apuñalar a su padre, Gin, un hombre maduro que perdió a su familia por el alcohol y las apuestas, y Hana, un travesti homosexual que se tiró a la perdición luego de que el amor de su vida muriera. Los tres inigualables personajes han conformado una interesante familia compuesta y se apoyan para lograr sobrevivir en las frías calles de Tokio, donde además de sufrir las carencias propias de su condición, tienen que enfrentar la indiferencia, el odio e incluso la violencia del resto de ciudadanos.

Su vida toma un giro radical cuando en la víspera de la noche buena encuentran a un bebé abandonado en la basura. Rápidamente Miyuki y Gin deciden que lo mejor es dejarlo con la policía, pero Hana se niega diciendo que es un milagro navideño, pues ella siempre quiso ser madre, además de que no permitirá que el bebé tenga la misma infancia que ella, pasando de un orfanato a otro. Hana nombra al bebé Kiyoko, sin embargo, termina por entender que lo mejor es regresar a la bebita con sus padres.

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A partir de ese momento la historia es un giro argumental tras otro en la búsqueda por encontrar a la familia de la niña. En su travesía los tres vagabundos enfrentarán largas caminatas bajo la nieve, rescatarán al jefe de la mafia, sufrirán secuestros y presenciarán asesinatos, sin olvidar los numerosos accidentes que sufrirán, de los cuales se salvarán por pura suerte, o quizás por la gracia divina de los milagros navideños. Además de su singular aventura, conoceremos el pasado de cada uno de los personajes y los crudos eventos que los llevaron a terminar en las calles.

La obra es una comedia sin lugar a dudas, pero el trasfondo en un brutal drama tan crudo como la vida misma. Satoshi Kon logró que la obra se desarrollara de una forma amena e incluso graciosa, pero al mismo tiempo, la maestría de este grandioso director hace que veamos un Tokio que rara vez es retratado en el cine o la televisión, el duro mundo de la gente sin hogar, que a pesar de tener que hurgar entre la basura por algo de comida, no dejan de ser gente con buen corazón, cosa que no ocurre con muchos de los personajes que están en mejores condiciones que ellos.

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Las obras de Satoshi siempre han retratado la parte oscura de la sociedad japonesa, la locura, la violencia contra la mujer, la ilegalidad que abarrota las calles entre muchos otros problemas de los que pocas veces se habla, y que no son endémicos de Japón, aunque se presentan de forma muy singular en ese país. Aquí vemos lo mismo, la locura de una mujer, la violencia familiar, los ajustes de cuentas entre pandillas, el odio irracional de las nuevas generaciones y, el mayor problema de todos, la indiferencia de las personas ante los problemas de sus semejantes.

A pesar de que Tokyo Godfathers es la película más ligera, cómica, emotiva y feliz de Satoshi, no deja de presentarnos esa interesante área oscura de la sociedad, donde los jóvenes golpean vagabundos viejos por diversión y las señoras del vecindario se limitan a juzgar a prójimo sin la menor pisca de empatía. No obstante, los reveces que sufren nuestros personajes, por muy duros que sean, los van llevando por un camino que al final converge en un desenlace feliz. Y es que, a pesar de todo lo malo en el mundo, siempre podremos encontrar razones para sonreír.

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Un aspecto a destacar que he podido ver en obras de anime sólo en muy contadas ocasiones en la presencia de personajes latinos. En una escena vemos a Miyuki llegar hasta un peligroso barrio donde vive una familia de latinos. Lo mejor de esta escena no es el perfecto retrato de la cultura latinoamericana, que afortunadamente nunca cae en el cliché, sino el hecho de que los personajes hablan español, tal cual.

Otro elemento formidable que conviene destacar, sobre todo en nuestro país y en estos momentos, es el personaje de Hana, pues no es para nada común tener un protagonista homosexual, travesti y que además fue Drag Queen en sus buenos tiempos. En estos días donde la familia tradicional, como lo marca la Iglesia católica, es ya una minoría en la realidad de la diversidad humana, Tokyo Godfathers se convierte en un estandarte perfecto para demostrar que una familia compuesta, como la de este peculiar trio, puede ser igualmente buena para lo que se supone debe servir una familia: cuidar de los suyos. Y lo mejor es que Hana, el vagabundo maricón, resulta ser el personaje con los mejores sentimientos y las intenciones más nobles, sin olvidar que es el más culto, letrado y religioso de todos.

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Last Order: Final Fantasy VII

Título Original: ラストオーダー -ファイナルファンタジーVII- (Rasuto Ōdā -Fainaru Fantajī Sebun-)
Género(s): Acción, Drama, Fantasía.
Director: Morio Asaka.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 14 Septiembre 2005.
Duración: 25 minutos.
Extras: Compilation of Final Fantasy VII.

Al terminar de ver Black Lagoon me quedé intrigado por el peculiar estilo de la animación, que estaba seguro haber visto en alguna otra parte antes. Por su puesto, Madhouse es un reconocido estudio nipón responsable de muchas otras adaptaciones como Devil May Cry y el extraordinario Death Note. Pero yo aseguraba haberlo visto mucho antes de conocer los dos trabajos antes mencionados, y entonces la respuesta vino a mi: Final Fantasy VII.

Last Order: Final Fantasy VII es un OVA con 25 minutos de duración lanzado originalmente en conjunto con la espectacular película animada Advent Children como parte del proyecto Compilation of Final Fantasy VII, un conglomerado de videojuegos y trabajos de animación enfocados en expandir el universo del popular Final Fantasy VII original, lanzado en 1997 para el PlayStation. El corto se completó en poco menos de seis meses, bajo la supervisión directa de Tetsuya Nomura.

La obra abarca dos eventos específicos presentes en el videojuego original, ambos flashbacks: el Incidente de Nibelheim, donde el legendario héroe Sephiroth desapareció en combate, y el escape de Zack y Cloud mientras evaden las fuerzas militares de la Compañía Eléctrica Shinra conforme se dirigen a Midgar. La historia alterna entre estos dos acontecimientos desde el punto de vista de una unidad de fuerzas especiales de la Compañía encargada de capturar a ambos protagonistas.

Resaltan la breve escaramuza de Zack contra los soldados de Shinra y su enfrentamiento final con Sephiroth y Jenova en el reactor. El videojuego original no ha envejecido bien y en su momento, Last Order nos permitió dar un vistazo actualizado a estos eventos con una alta calidad técnica en todos los aspectos. Esta pequeña animación incluye peleas con espadas gigantescas a gran velocidad e incluso un poco de drama.

A diferencia de Advent Children, Last Order contradice los eventos del juego original a tal grado que ediciones posteriores la alejan de la Compilación para considerarla una especie de spin-off. La historia sería expandida de nuevo en la precuela Crisis Core, donde el jugador puede experimentar de primera mano dichos eventos como parte de la partida, por lo que este trabajo resulta redundante para aquellos grandes fans de la saga, pues seguramente ya habrán experimentado esta historia varias veces.

La principal falla es que sin el conocimiento básico respecto al universo de Final Fantasy VII el OVA es confuso, pues saltamos de inmediato a la acción y no hay tiempo para las presentaciones, resultando en un montón de escenas sin orden que fallan al momento de enganchar al espectador. Aún así, Last Order no deja de valer la pena debido su gran calidad técnica en cuanto a animación, sonido y voces; además posee la duración exacta para disfrutarse sin muchos problemas.

Black Lagoon

Título Original: ブラック・ラグーン (Burakku Ragūn)
Género(s): Acción, Drama, Comedia, Misterio, Thriller.
Director: Sunao Katabuchi.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 8 de Abril 2006 – 22 de Junio 2011
Duración: Dos temporadas de 12 episodios cada una y 5 OVAs
Extras: Omake.

Mientras que mi editor prefiere historias con un denso argumento psicológico, personajes multifacéticos y trabajos con un profundo mensaje oculto, yo me inclino por disfrutar historias ligeras con un atractivo estilo visual. De pronto aparecen en tu lista de sugerencias mientras buscas alguna nueva obra para disfrutar y consiguen engancharte hasta que terminas por ver varios capítulos uno tras otro. Black Lagoon es una de esas series.

Adaptación del manga homónimo creado por Rei Hiroe, la historia comienza con Rokuro Okajima, un oficinista japonés promedio a mitad de un viaje de negocios en los mares del sur. Pronto la situación se sale de control cuando su barco es capturado por un grupo de mercenarios conocidos como Lagoon Trading Company. Los piratas secuestran a Okajima para apoderarse de los valiosos datos que trasporta e intentar cobrar un rescate.

A bordo del buque torpedero Black Lagoon propiedad de los mercenarios, el hombre conoce más a fondo a sus captores: el sereno capitán Dutch, el especialista en informática Benny y la violenta pistolera Revy. Sin embargo, el plan de Lagoon sufre un severo contratiempo cuando la compañía japonesa decide que el señor Okajima es prescindible y envía a sus propios mercenarios para recuperar los valiosos datos bajo cualquier costo.

Rokuro colapsa al saberse traicionado por sus superiores y en un rápido giro de eventos termina por ayudar a sus captores a vencer a los mercenarios contratados por los japoneses. Luego de probar la dulce victoria, decide abandonar su antigua vida para unirse a los piratas, ganando el sobrenombre “Rock”. Su nueva base de operaciones se encuentra en la ciudad ficticia de Roanapur, al sureste de Tailandia. La ciudad es también punto de reunión de los peores sindicatos criminales del mundo.

Black Lagoon es está ambientada al estilo de las clásicas películas de acción a inicios de los noventas, con multitud de referencias hacia éstas. Utiliza una narrativa por arcos, donde tres o cuatro capítulos forman una historia diferente cada vez. Lagoon Company acepta trabajos dentro y fuera de Roanapur, por lo que a menudo los vemos en todo tipo de misiones que casi siempre terminan con espectaculares balaceras, persecuciones a gran velocidad, explosiones y diálogos baratos.

Los personajes o las secuencias de acción el verdadero atractivo de la serie. El estilo de dibujo y animación son espectaculares, así como la música y efectos de sonido. La serie hace gala de una buena dosis de violencia gráfica: muertes horribles o uso de drogas están presentes sin censura alguna. Los personajes son bastante carismáticos y muy diferentes unos de otros. Cada uno aporta su marca al curso de la historia aunque varios solo aparezcan brevemente.

Una bendición para los vivos, un ramo de flores para los muertos. Con una espada para la justicia, un castigo de muerte para los malvados, así llegaremos al altar de los Santos. En el nombre de Santa María Virgen, que este martillo golpee cada injusticia.

Uno de los puntos negativos de esta obra es la recurrente simplicidad del argumento y lo repetitivo que puede resultar. Los arcos argumentales tienen pocas conexiones entre sí, siguen una estructura muy similar y aunque se nos presentan nuevos personajes muy interesantes a menudo, es difícil percibir un desarrollo en los protagonistas más allá de pequeños flashbacks de su pasado, por lo que siempre vuelven a su estado predeterminado luego de una misión.

Los 12 primeros episodios llevan un ritmo excelente, conocemos a los protagonistas, hay impresionantes secuencias de acción y buenas dosis de humor negro. La segunda temporada, intitulada The Second Barrage comienza con el mejor arco argumental de toda la serie, pero la segunda mitad intenta desarrollar una historia un tanto más compleja que contrasta bastante con los episodios anteriores; sin mencionar que también es el arco argumental más largo, el final de The Second Barrage no cumple con las expectativas.

Luego de 3 años, se decide animar la última parte del manga hasta ese momento en el formato de cinco OVAs intituladas Roberta’s Blood Trail una continuación directa a las dos temporadas anteriores. Las OVAs desarrollan una única historia basada en uno de los rivales más mortíferos de Lagoon Company mientras busca saciar su sed de venganza. De nuevo se intenta establecer una atmósfera aún más oscura con una historia profunda, reuniendo a la mayoría del elenco. Como la segunda temporada, esta tercera es buena, pero inferior a la primera.

Aunque comencé a verla en el idioma original, leer los subtítulos mientras se desarrolla una secuencia de acción te impide disfrutar al máximo la increíble calidad visual. La versión doblada al inglés es superior en muchos aspectos, pues permite que resalte aún más este singular elenco de personajes tan variados, aunque muchos de ellos caigan en clásicos estereotipos. Black Lagoon es un anime extremadamente divertido y recomendable para quien busque una buena serie de acción con tintes realistas, de la mano de un apartado técnico impecable.

Highschool of the Dead

Título Original: 学園黙示録 (Gakuen Mokushiroku).
Género(s): Terror/Survival-Horror, Gore, Romance, Drama, Shonen.
Director: Tetsuro Araki.
Estudio: MadHouse.
Emisión: 2010.
Duración: 12 Episodios.
Extras:1 ova.

Considerada por muchos fans como una de las mejores series de acción del 2010 y criticada por otros debido a su fórmula clásica y sus medios de enganche, Highschool of the Dead es sin duda una obra que merece una oportunidad, independientemente de lo poco profunda que pueda resultar y lo aparentemente comercial que nos pueda parecer. No es una serie que pretenda profundizar en complicados elementos dramáticos, es una obra para pasar el rato, divertirnos y entretenernos por unas horas, y a mi parecer logra perfectamente su cometido.

A pesar de lo que muchos pudieran pensar, HOTD no es Ecchi, tan sólo que entre sus artimañas para enganchar al público masculino se encuentra el fan-service, usado de manera excesivamente explícita que roza el Súper Ecchi, pero a pesar de estar saturado de oppais y pantsu-shots no implica una temática que lo catalogue dentro de tal género. De hecho las escenas de desnudos, entre otras un tanto sugerentes, si bien son fuertes y en ocasiones exageradas, no son detonadas por una temática de fondo, es decir, no existe entre los personajes un verdadero deseo sexual, todas esas situaciones son desencadenadas por el apocalipsis en el que están viviendo, por lo que el Survival-Horror tomas las riendas del argumento.

Uno de los principales atractivos de la serie, además de sus sensuales protagonistas, es la música. El apartado sonoro complementa de una manera más que perfecta las diversas escenas de acción o drama, elevando por sí misma la calidad entera de la serie. El apartado visual es igualmente bueno, los escenarios están bien detallados pero sin exagerar y la nitidez de cada escena logra una excelente limpieza visual. Otro de los apartados técnicos que destacan es el juego de cámaras, pues cada toma presenta un gran dinamismo que resalta la acción y atrapa al televidente.

El diseño de personajes, por su parte, es bastante genérico. Las chicas son muy voluptuosas —casi rosando lo exagerado— y en general todos los personajes están extremadamente estereotipados, diseño que obviamente está hecho a propósito para atraer al público al que está destinada la obra. Tenemos a la chica ruda, a la inteligente, a la despistada, todas siguiendo su estereotipo moe correspondiente; aunque algunos elementos moe como Alice o distensores como Zeke (el perro) no le hacen justicia al género de los muertos vivientes. En el caso de los varones pasa lo mismo, tenemos al líder y al otaku, cuyas personalidades se oponen a la de cierta chica en específico, generando con ello el juego clásico del Shônen entre parejas de personajes.

La historia gira en torno a seis personajes principales: Takashi, Rei, Saya, Saeko y Kohta, estudiantes de la escuela preparatoria, y Shizuka, la enfermera de la institución. Los seis deberán unir su fuerza e ingenio para mantenerse con vida luego de que un extraño virus se esparciera por el mundo convirtiendo a la gente en zombis. A lo largo de la historia vemos como las virtudes de los seis se complementan y logran crear un excelente equipo en contra de los engendros que invaden la ciudad. Sin embargo, además de los muertos deberán enfrentar otros peligros, luchar contra otros sobrevivientes y combatir sus miedos y frustraciones personales para mantenerse con vida, no perder la esperanza y, más importante aún, no dejar de ser humanos a pesar de la horrible situación. Buscar un lugar seguro es la meta de la travesía, pero en el trascurso veremos suntuosas peleas, cuerpos esculturales, tripas y mucha sangre; elementos que en la actualidad garantizan un éxito comercial.

Como podemos ver, la historia es bastante simple y resulta un cliché sobrexplotado y demasiado recurrente dentro del Survival-Horror. Sin embargo, sigue al pie de la letra la fórmula que ha hecho exitoso al género y logra, a mi parecer, un resultado final más que aceptable. El manejo de la tensión está bien usado, pues la acción la desarrolla muy rápido y hace un magistral uso de la falta de información para generar suspenso en los espectadores. Otro elemento del SH que está perfectamente desarrollado es la teoría de zombis, es decir, la explicación sobre el porqué de los muertos vivientes, como el hecho de que no ven y sólo se guían por el sonido. Además, los pequeños toques de drama y romance le dan un poco de profundidad a la historia.

Si bien la acción no deja de sentirse en cada momento me resulta muy exagerado el uso de las artes marciales. El poder defenderse con una catana e impresionantes movimientos de kendo le resta tensión a la historia; como en un videojuego donde la munición es infinita. Asimismo, hay capítulos donde se hace un excesivo uso de la recapitulación y el manejo de tiempos, pues no son necesarios, sobre todos estos últimos, los cuales tratar de dar cierta formalidad a la sucesión de eventos pero que realmente no resultan indispensables.

Otro elemento bien manejado, aunque sencillo, es la liberación de personalidades dentro de los personajes, pues con forme pasan los días y la situación empeora los chicos se ven obligados a asumir ciertas responsabilidades que los obligan a mostrar su verdadera personalidad. El único problema es que dicha personalidad en ocasiones resulta sobreactuada, lo cual le resta credibilidad.

Un elemento cultural importante para el éxito de la serie, al menos el Japón, es el hecho de que las epidemias y virus mortales han sido una constante dentro de Asia. Tenemos como ejemplos la gripe aviar o la influenza, que han afectado el mundo en años recientes, pero cuyas mayores secuelas han sido en oriente. Es por ello que temer a un virus que convierte a las personas en zombis está dentro del inconsciente colectivo de la sociedad nipona.

Finalmente, debemos tener en mente la intención y público que busca la serie para tratar de mantener la objetividad. Con base en ello me parece una excelente recomendación para quien busque algo tétrico pero con acción para ver en las tenebrosas fechas de Halloween y Día de Muertos. La serie es buena porque cumple, y cumple porque entretiene.

Manie Manie

Título Original: 迷宮物語 (Meikyû Monotagari).
Género(s): Experimental, Nonsense, Ciencia Ficción/Cyberpunk, Seinen.
Director: Rin Taro, Yoshiaki Kawajiri, Katsuhiro Ôtomo.
Estudio: MadHouse.
Emisión: 1986.
Duración: 50 minutos.
Extras:

Manie Manie o Laberinto de Historias como se le conoce en español, es una compilación de tres cortometrajes experimentales, que poco tienen que ver unos con otros, dirigidos por tres grandes dentro de la industria de la animación japonesa, los cuales han trabajado juntos en numerosas obras cyberpunk y básicamente han definido dicho género.

La obra es un deleite para el amante de la animación experimental y el Cyberpunk, pues nos presenta elementos de ese viejo Cyberpunk clásico de los ochenta que sentó las bases del género y que se popularizó dos años más tarde con Akira. Rin Taro hace un trabajo estupendo otorgando la parte experimental, pero son Kawajiri y Ôtomo quienes nos regalan dos joyas sublimes y nos muestran al Cyberpunk como debe de ser: rudo, violento, sobresaturado y oscuro, de ese que se hacía a la perfección en los ochenta y del que ya es difícil ver actualmente

Laberinto

Género(s): Experimental, Nonsense.
Director: Rin Taro.

“Laberinto” es la obra con la cual inicia el filme y posteriormente concluye la función después de los dos siguientes cortos. En esta primera parte Rin Taro sale de su zona de confort y nos brinda una confusa historia llena de simbolismos, escenas raras y personajes extraños, que sin duda fascinarán a quienes gustan de la animación experimental.

En el corto vemos a una niña, Sachi, y su gato, Cicerón, llegar a un extraño lugar luego de atravesar un espejo, una vez allí son guiados por un payaso a través de un extraño laberinto hasta un lúgubre circo. Terminada la función, Sachi y el gato son escoltados por las grotescas criaturas del circo, cuyo diseño resulta un tanto aterrador.

El apartado sonoro es muy bueno, logra la ambientación adecuada y nos sumerge en aquel oscuro mundo. Por su parte, el diseño de personajes y escenarios se aleja del estilo que han caracterizado a Rin Taro en obras como Galaxy Express 999. En cuanto a la calidad de animación podemos decir que es muy buena, no es algo muy sobresaliente ni deja de ser experimental pero mantiene un nivel por demás aceptable.

El argumento central está basado en Alicia a través de espejo de Lewis Carroll mientras que el estilo narrativo en netamente nonsense, de esos diálogos que en apariencia no dicen nada, ni nos aclaran nada y por el contrario más nos confunde. Es una obra rara con simbolismos difíciles de notar y que requiere ser vista más de una vez, a pesar de ello es una refrescante opción para quienes buscan algo alternativo para ver y pensar.

El Corredor

Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk, Seinen.
Director: Yoshiaki Kawajiri.

El segundo corto nos presenta una historia muy simple, un final un poco abierto y personajes nada complicados. En él vemos a un grupo de corredores arriesgar su vida en una competencia de automovilismo conocida como “el circo de la muerte”. Mientras la carrera tiene lugar, un reportero investiga la historia de Zack Hugh, el máximo campeón dentro del circuito. El resto de la historia no es más que explosiones, chatarra, velocidad, hombres fundidos con la máquina y un halo fantasmal que envuelve a la pista.

La calidad sonora es increíble, pues realmente nos trasporta dentro del evento y nos permite disfrutar de los vistosos accidentes. El diseño de personajes hace uso del Gekiga y enfatiza la rudeza de ese Cyberpunk que se hacía en antaño, al más puro estilo de la vieja escuela, con escenarios más que maravillosos, oscuridad y violencia. Además del aspecto estético, la narrativa y los personajes conservar cierta reminiscencia del Film Noir, de quien el Cyberpunk retoma mucho. En otras palabras, “El Corredor” nos presenta un Cyberpunk como siempre debería de hacerse.

Ordenes de Interrumpir la Construcción

Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk, Seinen.
Director: Katsuhiro Ôtomo.

El tercer y último corto es el de Ôtomo, y desde la primera escena uno nota su particular estilo tanto en el diseño de personajes como en los escenarios, el cual repite en Akira y en básicamente la mayor parte de sus obras de Ciencia Ficción. Asimismo, sus argumentos siguen enfrentando al hombre contra la máquina y enseñándonos un futuro hostil sobresaturado de concreto y tuberías.

La historia gira en torno al proyecto #444, quien envía a un nuevo supervisor a cancelar una gigantesca construcción en medio de la selva, sin embargo, los robots que llevan a cabo el trabajo se niegan a ejecutar la orden de cancelación.

La calidad musical es buena y cumple su función ambientadora, incrementando la tención o haciendo ligeramente cómicas algunas escenas. Lo que destaca enserio son los escenarios, pues la mezcla que resulta de la lucha entre la urbe y la selva es simplemente impresionante: un brumoso pantano que rodea gigantescos edificios de arquitectura neobrutalista, con cables y tubos saliendo por doquier. Y además del magistral trazo de Ôtomo y el estilo ochentero, que en mi opinión es el que mejor le queda al Cyberpunk, tenemos una cromática muy cálida en tonos rosáceos que seguramente fue la inspiración de Morimoto para su cortometraje Noiseman.

Escenario de “El Corredor”

A diferencia del corto de Yoshiaki, que resalta principalmente por su estética, el corto de Ôtomo lo hace también por su argumento, ya que retoma la clásica premisa asimoviana de los robots fuera de control que llevarán a cabo la tarea para la que fueron programados aún a costa de la intervención humana o su propia seguridad. Igualmente vemos una pequeña crítica a lo que pasa cuando el líder de un grupo se enloquece.

Sin duda los tres cortos merecen una oportunidad, pero para aquellos amantes del Cyberpunk clásico, ochentero, muy de la vieja escuela, los dos últimos cortos resultarán sencillamente deliciosos. En una opinión muy personal, este es el Cyberpunk en toda la expresión de la palabra, sin tanta tecnología, con anarquismo y escenarios magistrales. Argumentalmente el corto de Katsuhiro es mucho mejor, pero el de Yoshiaki es sencillamente perfecto y netamente puro en cuestión visual (estética, parafernalia y escenarios), incluso me atrevería a decir que es la animación con el mejor diseño cyberpunk que existe, incluso mejor que Akira por el simple hecho de que es anterior a ésta.