Soul Eater NOT!

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Título Original: ソウルイーターノット! (Sôru Îta Notto!).
Género(s): Slice of Life, Sobrenatural, Comedia, Ecchi.
Director: Masakazu Hashimoto.
Estudio: Bones.
Emisión: Abril – Julio 2014.
Duración: 12 Episodios.
Extras: Soul Eater.

La primera vez que vi Soul Eater, luego de que mi editor la recomendara, quedé muy complacido con el argumento, secuencias de acción y diseño de los personajes. Después me enteré que el anime termina de forma muy diferente a la historia original, pero ya no investigué más el asunto. Años más tarde llega a mi lista de recomendados Soul Eater NOT! y en lo personal, estaba muy interesado en regresar a ese mundo fantástico habitado por personajes tan extravagantes.

Pero no todo resultó como esperaba, pues esta nueva serie (adaptación de un manga spin-off del mismo autor) es una precuela a la serie original con un tono y ritmo muy diferentes. Las comparaciones entre ambas son inevitables. Mientras que Soul Eater es una aventura de acción en toda regla, NOT! es un apacible slice-of-life enfocado a la comedia y la vida escolar. Aunque ambas tienen lugar en el mismo universo, nos muestran dos extremos completamente opuestos.

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La historia sigue a Tsugumi Harudori una joven cuya vida da un giro completo al descubrir que tiene la capacidad de trasformarse en un arma demoníaca. Para aprender a controlar sus nuevas habilidades decide enlistarse en el Shibusen, la escuela donde Armas y Técnicos se preparan para defender al mundo de todo tipo de amenazas. Una vez ahí, es asignada a la clase NOT, compuesta por estudiantes novatos, en contraste con la élite, perteneciente a la clase EAT.

Tsugumi también debe escoger a un Técnico para formar un equipo, pero en el primer día conoce a otras dos estudiantes Meme Tatane y Anya Hepburn, que buscan tomarla como compañera. Las tres chicas se vuelven buenas amigas y nuestra protagonista enfrenta la difícil decisión de dejar fuera a una de ellas. La serie sigue la vida diaria de las tres conforme inician su nueva vida juntas y tienen encuentros ocasionales con personajes de la serie original.

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El apartado técnico es aceptable, aunque existen numerosos descensos en la calidad y fluidez de la animación. En comparación con Soul Eater, las limitadas secuencias de acción son notablemente inferiores, con movimientos toscos y lentos. El argumento se toma su tiempo al avanzar y no es hasta los episodios finales que existe un villano definido y un objetivo real para el grupo de protagonistas, aunque el desenlace es en cierta medida decepcionante.

Los personajes principales cumplen su cometido, es divertido ver sus peripecias diarias sobre todo con personalidades tan distintas, pero casi siempre son desplazadas por el cameo de algún protagonista del la serie original. El fan-service es constante, pero no lo suficiente para tomar un primer plano. La mayoría de los personajes nuevos no tienen esa extravagancia característica, salvo la antagonista principal, quien acapara las cámaras cada vez que aparece.

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Por sí misma, NOT! es una serie entretenida que casi por casualidad está ambientada en el caótico mundo de Soul Eater; por su estilo, contenido y enfoque, es totalmente diferente a lo que ya vimos y estamos acostumbrados. A diferencia de su antecesora, que cuenta con más de 50 episodios, tiene la duración exacta para disfrutarse sin problemas. No llega a ser demasiado apresurada, ni redundante a tal grado que se vuelva letárgica o insufrible.

Puede que Soul Eater NOT! no satisfaga a todos los fans del Soul Eater original, pero si estás dispuesto a pasar por alto algunos detalles en la animación, es una experiencia divertida llena de referencias y con suficientes conexiones a la obra primigenia para ganarse su lugar como digna precuela. Es interesante adentrase en este universo desde un punto de vista distinto, más cotidiano y despreocupado, mientras disfrutamos de las interacciones entre estos nuevos personajes y como afrontan su día a día.

Long Riders!

Título Original: ろんぐらいだぁす! (Ronguraidāsu!).
Género(s): Spokon, Comedia, Shôjo.
Director: Tatsuya Yoshihara.
Estudio: Actas.
Emisión: Octubre 2016 – Febrero 2017.
Duración: 12 Episodios.
Extras:

Durante mediados de 2016 empezó a circular por Twitter una imagen promocional de la adaptación de un anime de deportes, específicamente el ciclismo, un deporte que ha tenido relativa popularidad en el último lustro dentro de la animación japonesa. Y en este caso aquella imagen que me atrajo tanto (y que encabeza este post) era sobre el anime Long Riders!.

Para ser honesto aquella imagen hizo que me interesara por verla y elevó mis expectativas más de lo debido, tanto que cuando por fin la tuve en pantalla quedé un poco desilusionado, pues me imaginaba una historia épica llena de emoción y acción sobre ciclismo de larga distancia y no una tranquila y relajada serie Shôjo sobre bicicletas.

La calidad técnica en general es aceptable. Los escenarios no están mal pero la mezcla de algunos gráficos por computadora hace que por momentos luzcan sumamente artificiales y acartonados. Una pena porque la historia obliga a mostrar diversos escenarios rurales; aunque en la segunda mitad de la serie parece que dejan un poco este tipo de gráficos y los remplazan por escenas 2D más tradicionales pero que no son para nada sobresalientes.

En lo que respecta a la música podemos decir que es aceptable y está acorde al nivel general de la obra. Lo que sí se queda bastante corto es el diseño de personajes, pues esto son muy genéricos y responden a los estereotipos del anime comercial que llevamos viendo al menos la última década. Aunque el mayor problema es que los personajes llegan a sentirse vacíos y algunos de plano son un relleno más que inútil sin algún tipo de función o aporte. Y lo más curiosos es que no hay personajes masculinos hasta el capítulo cuatro y siempre son incidentales.

La historia gira en torno a Ami, la típica chica torpe que de un momento a otro se ve interesada por el mundo del ciclismo. Aoi, su mejor amiga, quien casualmente es ciclista, la va adentrando poco a poco en el ciclismo de larga distancia. Eventualmente las rutas que toman las lleva a conocer a Hinako, Yayoi y Saki, tres chicas de su misma universidad con amplia experiencia en el cicloturismo y el ciclismo de gran fondo, como los Brevets y las Flèche, modalidades del ciclismo en las que se recorren de 200 a 1200 km.

Con el paso del tiempo y gracias a los recorridos que Ami hace con sus nuevas amigas queda completamente sumergida en ese nuevo mundo. Empieza a equiparse y a aprender las cosas básicas como montar una llanta o dar mantenimiento a su equipo. Sin olvidar las peripecias que tiene que pasar en el trabajo para lograr comprar los nada económicos aditamentos para su bicicleta.

Si bien la historia es muy sencilla, tiene muchos puntos flojos y podemos resumirla como: un anime genérico de deportes para niñas, tiene aspectos rescatables. Por ejemplo, la forma en que te explican las distintas modalidades del ciclismo, los diferentes aditamentos, tipos de bicicletas y equipamientos que necesitas para un recorrido de 200 km o una bajo la lluvia o incluso uno nocturno resultan en un muy buen aprendizaje que logra el objetivo fundamental de la serie, que es promover el deporte y el interés por el ciclismo.

Algo que me encantó fue el realismo que ponen en los precios de los productos y el agotamiento físico que sufriremos si decidimos iniciar un nuevo deporte. Con el paso de los meses Ami empieza a ganar condición física y a lograr recorrer transectos cada vez más largos y difíciles.

Si bien las cosas sobre ciclismo que te enseña y el interés que te puede generar para practicarlo son parte fundamental del objetivo de la serie, me parece que lo verdaderamente importante es el mensaje de amistad y cómo el tener personas con quién compartir una afición o actividad puede llevarte más lejos de lo que podrías llegar tu sólo. Sin olvidar el hecho de que tus amigos en ocasiones te impulsan a realizar cosas que tú no te animabas a hacer pero que terminan por ser grandes experiencias que de otra manera nunca habrías vivido.

La forma en que las amigas engañan a Ami para recorrer rutas más largas o escarpadas a pesar de sus quejas termina por expandir su mundo y la llevan a conocer lugares, personas y comidas que nunca imaginó conocer. Y el hecho de que esté destinado a un público femenino hacen que ese mensaje de amistad cobre un poco más de fuerza. Y aunque no deja de ser genérico, el hecho de que sus personajes parezcan niñas de doce años a pesar de tener alrededor de 20 le dan un toque ligeramente diferente; porque es obvio que si es un Shôjo no va a tener fan-service.

Tengen Toppa Gurren Lagann

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Título Original: 天元突破グレンラガン (Tengen Toppa Guren Ragan)
Género(s): Mecha, Acción, Aventura, Comedia.
Director: Hiroyuki Imaishi.
Estudio: Gainax.
Emisión: Abril-Septiembre 2007.
Duración: 27 episodios.
Extras: Childhood’s End, The Lights in the Sky are Stars, Parallel Works.

Luego de disfrutar Little Witch Academia y Kill la Kill, dediqué un tiempo a buscar otras obras del mismo estudio para continuar maravillándome con su trabajo, pero para mi sorpresa Trigger era una empresa aún joven en el ámbito de la animación japonesa con muy pocas obras en su catálogo. Luego, al indagar un poco respecto de sus orígenes continuamente resaltaba cierto patrón, en cualquier fuente o página que consultara siempre se repetían cuatro palabras: Tengen Toppa Gurren Lagann.

En un futuro lejano, la humanidad ha sido desplazada de la superficie terrestre; las pocas aldeas que quedan se han adaptado a una vida completamente subterránea. Acosados por terremotos continuos y ataques de terribles hombres-bestia, sobreviven como pueden bajo el régimen tiránico del Rey Espiral. Kamina y Simon son dos jóvenes amigos pertenecientes a una de estas aldeas cuyo sueño es salir a la superficie, pero constantemente son reprimidos por sus semejantes.

Durante una excavación para ampliar la comunidad, Simon desentierra un enigmático robot que únicamente se activa al usar otro misterioso artefacto con forma de taladro. Las cosas dan un giro completo cuando la aldea sufre el ataque de otro robot gigante; Kamina sugiere usar el mecha recién descubierto para combatir la amenaza y con la ayuda de una extraña chica llamada Yoko vencen al Gunmen. Una vez en la superficie, los tres forman una alianza para derrocar al Rey Espiral.

Tengen Toppa Gurren Lagann fue una de las últimas producciones que el equipo fundador de Trigger realizó antes de separarse de Gainax, incluso comparte director con Kill la Kill, lo cual origina multitud de semejanzas entre ambas series. Lo primero que salta a la vista es el impecable apartado técnico que se mantiene casi en todos los episodios; aunque en varias ocasiones se llega a percibir un sutil descenso en la calidad, la animación es fluida y llena de vitalidad.

El argumento es simple: los protagonistas deben derrotar a los enemigos, ganar power-ups y vencer al jefe final. Pero también se enriquece con interesantes historias paralelas que tocan todo tipo de temas más serios, para lograr una perfecta mezcla entre acción, comedia, romance y drama. En ningún momento la historia deja de ser interesante y realmente se siente un progreso que va desde combates a pequeña escala en ciudades subterráneas hasta conflictos de proporciones galácticas.

Existe gran variedad entre personajes y todos ellos están bien construidos; nos muestran todo tipo de facetas y tienen motivos reales para seguir su propio camino. Aunque en un principio los clásicos mensajes de “la amistad es lo más importante” o “cree en ti y conseguirás cualquier cosa” están presentes, no salen repentinamente de la nada y a menudo se nos muestra el arduo esfuerzo que cada quien dedicó a la culminación de sus objetivos.

La serie es exagerada y a menudo no la podemos tomar en serio, sin embargo Gurren Lagann va más allá para entregar un paquete completo de diversión para todas las edades con la duración perfecta y al final, casi de forma furtiva, transmitir un profundo mensaje al espectador. Las secuencias de acción son increíbles y presenciamos todo tipo de batallas entre poderosas máquinas que se desarrollan sobre todo tipo de entornos llenos de sorpresas.

Tengen Toppa Gurren Lagann es una serie de proporciones épicas, con un apartado técnico, sonoro y gráfico de primera, apoyado por un argumento en un principio simple, pero lleno de pequeños detalles y sub-tramas que aumentan su profundidad hasta niveles insospechados. Es una recomendación obligada para todo fan de la animación japonesa; una obra que se disfruta sin problemas desde el primer episodio y que sin duda marcó el comienzo de una nueva era.

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La Leyenda de Korra

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Título Original: The Legend of Korra.
Género(s): Acción, Fantasía, Drama, Aventura, Comedia.
Creado por: Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko.
Estudio: Nickelodeon Animation Studio, Ginormous Madman, Studio Mir y Studio Pierrot
Emisión: 14 Abril 2012 – 19 Diciembre 2014.
Duración: 52 episodios.
Extras: La Leyenda de Aang.

Tras la conclusión de Avatar, los creadores se tomaron un merecido descanso; el recién formado fandom se encargaría de mantener un interés constante por este nuevo universo en los meses siguientes y hasta se lanzaron un par de novelas gráficas para expandir la historia original. Varios años más tarde se anuncia el desarrollo de una secuela animada en toda regla; pero en esta ocasión no regresaban los personajes originales, pues esta era una nueva historia: La Leyenda de Korra.

Setenta años han pasado desde el fin de la Gran Guerra y el Avatar Aang ha partido ya hacia el otro mundo; el título de Avatar es heredado a Korra, una joven impetuosa y rebelde nacida en la Tribu Agua del Sur. Al contrario de su predecesor, Korra está más que dispuesta a cumplir con su misión sagrada y ya domina tres de los cuatro elementos a temprana edad. Sin embargo, el Aire Control sigue estando fuera de su alcance, aún con un descendiente directo de Aang como maestro particular.

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Para avanzar en su entrenamiento deciden trasladarse a Ciudad República, la metrópolis donde no hay distinciones entre raza u origen. Sin embargo, las personas comunes comienzan a sentirse oprimidas por aquellos maestros capaces de controlar los elementos. Surge una rebelión dirigida por el misterioso Amón y pronto la situación escapa al control de las autoridades locales. El Avatar decide entrar a la acción a la vez que descubre la verdadera naturaleza de este nuevo mundo.

La serie consigue superar el increíble apartado técnico de su predecesora: animación, apartado sonoro y argumento son todos de primer nivel; resulta imposible evitar compararlas: la primera tenía un tono más enfocado al humor, mientras esta segunda parte se siente más madura y oscura. Expande de forma magnífica ese mundo al que solo echamos un vistazo en la primera parte y este elenco de nuevos personajes es más que bienvenido.

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Korra en particular, es una protagonista extremadamente dinámica; durante la serie presenciamos su trasformación de una peleadora temeraria a un poderoso ser en equilibrio espiritual. Sus acompañantes a menudo no están a la altura, en contraste con Equipo Avatar original, pero los villanos son verdaderamente interesantes; cada uno pelea por sus propias creencias con un ímpetu increíble. Es realmente entretenido presenciar los enfrentamientos y razones detrás de cada uno.

Las escenas de combate son magníficas e incluyen todo un repertorio de técnicas nuevas. Al mismo tiempo, la atmósfera es muy diferente: mientras que el Avatar original estaba ubicado en una especie de época feudal, el mundo de Korra parece más bien una ciudad industrializada de los años veinte. Luego de la guerra se dio un gran impulso a todas las artes y ciencias; nuevas tecnologías aparecen cada día y con ellas nuevas amenazas o formas de ver el mundo.

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Por el contexto en el que vive, quizás el viaje de Korra sea más difícil que el de sus antecesores. Durante la serie se nos dan más datos respecto de este mundo, su historia, sus tradiciones y cómo lo ancestral lucha por coexistir con todos estos adelantos científicos. A menudo aparecen, o se hace referencia, a personajes que conocimos en el viaje anterior, añadiendo un toque casi nostálgico y alegre cada vez que aparecen en pantalla.

Mi principal temor en un principio era que la historia no “despegara” lo suficiente para consolidarse como algo independiente, y tuviera que recurrir a estos constantes cameos o reenvíos a la original para mantener nuestra atención. Por fortuna estuve equivocado y ahora puedo decir que esta segunda parte puede considerarse una de las mejores secuelas en el ámbito de la animación. Todo se siente más rápido, agresivo, poderoso y en paralelo, aún más real.

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Por supuesto, el humor continúa siendo parte elemental de esta bella mezcla y el romance tiende a colocarse en primer plano en multitud de ocasiones. También se tocan muchos temas novedosos en una serie enfocada a un público infantil y que de nuevo puede ser disfrutada por cualquiera sin problemas. Quizás uno de sus pocos defectos es que el ritmo se siente un tanto apresurado, y sigue existiendo ese molesto episodio de relleno que resume toda la historia.

A pesar de ser diferente, oscura y hasta caótica en comparación con su antecesora, La Leyenda de Korra es una digna sucesora a esta genial historia. De nuevo se puso especial cuidado en cada detalle para entregar otra historia épica e intrigante, pero suficientemente original, situada en este maravilloso mundo donde lo místico y lo tecnológico logran coexistir, poblado por increíbles personajes que consiguen dejar huella permanente en el espectador.

Tokyo Godfathers

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Título Original: 東京ゴッドファーザーズ (Tōkyō Goddofāzāzu).
Género(s): Drama, Comedia.
Director: Satoshi Kon.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 2003.
Duración: 92 minutos.
Extras: –

No hay mejor recomendación para ver en esta época navideña que la tercera película dirigida por Satoshi Kon, Tokyo Godfathers es sin duda una oda a ese espíritu navideño que lamentablemente se ha estado perdiendo en la sociedad. Y no me refiero al mensaje espiritual que el cristianismo se ha empeñado en mantener en la mente de sus feligreses, sino a valores morales y ético que deberían estar de manera natural en la mente de todas las personas, pero que lamentablemente no lo están.

El filme tiene una calidad formidable, con escenario llenos de elementos bien detallados como generalmente ocurre en las obras de Satoshi. La construcción urbana es muy buena y el diseño de personajes es igualmente fabuloso, propia de su director, quien nos ha acostumbrado a personajes entrañables y muy profundos con un pasado lleno de problemas y una complejidad mental que muy poco directores logran. La música es igualmente buena y logra una interesante atmósfera urbano-navideña algo nostálgica.

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La historia gira en torno a tres vagabundos, Miyuki, una adolescente que huyó de su casa luego de apuñalar a su padre, Gin, un hombre maduro que perdió a su familia por el alcohol y las apuestas, y Hana, un travesti homosexual que se tiró a la perdición luego de que el amor de su vida muriera. Los tres inigualables personajes han conformado una interesante familia compuesta y se apoyan para lograr sobrevivir en las frías calles de Tokio, donde además de sufrir las carencias propias de su condición, tienen que enfrentar la indiferencia, el odio e incluso la violencia del resto de ciudadanos.

Su vida toma un giro radical cuando en la víspera de la noche buena encuentran a un bebé abandonado en la basura. Rápidamente Miyuki y Gin deciden que lo mejor es dejarlo con la policía, pero Hana se niega diciendo que es un milagro navideño, pues ella siempre quiso ser madre, además de que no permitirá que el bebé tenga la misma infancia que ella, pasando de un orfanato a otro. Hana nombra al bebé Kiyoko, sin embargo, termina por entender que lo mejor es regresar a la bebita con sus padres.

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A partir de ese momento la historia es un giro argumental tras otro en la búsqueda por encontrar a la familia de la niña. En su travesía los tres vagabundos enfrentarán largas caminatas bajo la nieve, rescatarán al jefe de la mafia, sufrirán secuestros y presenciarán asesinatos, sin olvidar los numerosos accidentes que sufrirán, de los cuales se salvarán por pura suerte, o quizás por la gracia divina de los milagros navideños. Además de su singular aventura, conoceremos el pasado de cada uno de los personajes y los crudos eventos que los llevaron a terminar en las calles.

La obra es una comedia sin lugar a dudas, pero el trasfondo en un brutal drama tan crudo como la vida misma. Satoshi Kon logró que la obra se desarrollara de una forma amena e incluso graciosa, pero al mismo tiempo, la maestría de este grandioso director hace que veamos un Tokio que rara vez es retratado en el cine o la televisión, el duro mundo de la gente sin hogar, que a pesar de tener que hurgar entre la basura por algo de comida, no dejan de ser gente con buen corazón, cosa que no ocurre con muchos de los personajes que están en mejores condiciones que ellos.

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Las obras de Satoshi siempre han retratado la parte oscura de la sociedad japonesa, la locura, la violencia contra la mujer, la ilegalidad que abarrota las calles entre muchos otros problemas de los que pocas veces se habla, y que no son endémicos de Japón, aunque se presentan de forma muy singular en ese país. Aquí vemos lo mismo, la locura de una mujer, la violencia familiar, los ajustes de cuentas entre pandillas, el odio irracional de las nuevas generaciones y, el mayor problema de todos, la indiferencia de las personas ante los problemas de sus semejantes.

A pesar de que Tokyo Godfathers es la película más ligera, cómica, emotiva y feliz de Satoshi, no deja de presentarnos esa interesante área oscura de la sociedad, donde los jóvenes golpean vagabundos viejos por diversión y las señoras del vecindario se limitan a juzgar a prójimo sin la menor pisca de empatía. No obstante, los reveces que sufren nuestros personajes, por muy duros que sean, los van llevando por un camino que al final converge en un desenlace feliz. Y es que, a pesar de todo lo malo en el mundo, siempre podremos encontrar razones para sonreír.

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Un aspecto a destacar que he podido ver en obras de anime sólo en muy contadas ocasiones en la presencia de personajes latinos. En una escena vemos a Miyuki llegar hasta un peligroso barrio donde vive una familia de latinos. Lo mejor de esta escena no es el perfecto retrato de la cultura latinoamericana, que afortunadamente nunca cae en el cliché, sino el hecho de que los personajes hablan español, tal cual.

Otro elemento formidable que conviene destacar, sobre todo en nuestro país y en estos momentos, es el personaje de Hana, pues no es para nada común tener un protagonista homosexual, travesti y que además fue Drag Queen en sus buenos tiempos. En estos días donde la familia tradicional, como lo marca la Iglesia católica, es ya una minoría en la realidad de la diversidad humana, Tokyo Godfathers se convierte en un estandarte perfecto para demostrar que una familia compuesta, como la de este peculiar trio, puede ser igualmente buena para lo que se supone debe servir una familia: cuidar de los suyos. Y lo mejor es que Hana, el vagabundo maricón, resulta ser el personaje con los mejores sentimientos y las intenciones más nobles, sin olvidar que es el más culto, letrado y religioso de todos.

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Gremlins

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Título Original: Gremlins.
Género(s): Terror, Comedia.
Director: Joe Dante.
Emisión: 1984.
Duración: 106 minutos.
Extras: –

Dudé un poco sobre si poner esta reseña para Día de Muertos o para Navidad, pero al final consideré que era una mejor opción para estas fechas llenas de terror y monstruos, aunque en esencia Gremlins es una película navideña de terror. Así es, no todo tiene que ser Tim Allen salvando la navidad, también podemos disfrutar de una Noche Buena huyendo de viciosa criaturas que sólo quieren causar caos, muerte y destrucción.

Gremlins no es la gran película de terror, seamos sinceros, pero es un clásico innegable y un referente indiscutible de la cultura pop, sin olvidar que es un filme obligado para todos aquellos amantes del género. Además, fue uno de los primero filmes que conjuntaron el terror y la comedia en una obra irreverente y muy entretenida.

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La historia gira en torno a Billy Peltzer, un joven que trabaja como cajero en un banco y es hijo de un inventor cuyas invenciones siempre resultan ser un fracaso. Durante uno de sus viajes, Randall, el padre de Billy, llega hasta una extraña tienda en Chinatown, allí encuentra una pequeña y tierna criatura llamada Mogwai. Randall insiste al tendero para que se le venda, pero este se niega argumentando que criar a esa simpática criatura requiere de mucha responsabilidad. Al final, el nieto del tendero vende al Mogwai sin que su abuelo se entere. Randall regresa a casa con el regalo perfecto para su hijo y tres sencillas reglas que debe seguir: no exponer a la criatura a la luz, nunca mojarlo y por ningún motivo darle de comer pasada la media noche.

Al regresar a casa Randall da el regalo a su hijo, quien se encariña de inmediato con el Mogwai, a quien ahora llaman Gizmo. El pequeño Gizmo vive feliz con su nueva familia, pero accidentalmente es mojado por Pete, un amigo de Billy. A causa del agua cinco entrañas bolas de pelo salen de su cuerpo y crecen hasta convertirse en nuevos Mogwai, pero su temperamento es muy distinto, pues gustan de hacer travesuras y son más agresivos. Uno de los nuevos Mogwai, el líder, engaña a Billy para que les dé de comer después de media noche y como consecuencia las cinco criaturas se convierten en crisálidas, de las que salen unos viciosos monstruos que empiezan a causar destrozos, la madre de Billy logra exterminarlos pero el líder llega hasta una piscina y crea a toda una horda de gremlins que amenazan la ciudad entera. Billy y su novia Kate deberán de tratar de salvar sus vidas mientras buscan cómo destruir a las criaturas.

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Debemos admitir que la trama y los personajes están llenos de clichés, aunque quizás no era tan estereotípicos en aquel entonces. Además, la película tiene todo el sello de las producciones de Steve Spielberg, pues vemos la típica publicidad por emplazamiento y un retrato muy fiel de la vida cotidiana en estados unidos en la etapa posterior a la guerra fría, donde se favorecía a los productos locales sobre los productos extranjeros. No es casualidad que el coche de Billy sea un Volkswagen (auto alemán) y no funcione. También vemos roles de género muy marcados y numerosas referencia tanto a otras obras cinematográficas como a géneros y elementos de la cultura pop, sobre todo en la escena donde los gremlins están en el bar.

Según la mitología anglosajona, un gremlin es una criatura malévola que se dedica a sabotear maquinarias. Errores de imprenta o fallos en los motores sueles ser atribuidos a estos seres. Partiendo del origen mitológico, los gremlins de la película realmente hacen honor a su nombre, sabotean autos y otros artefactos causando caos e incluso muertes, pero no son precisamente sanguinarios como los Critters, por ejemplo, son más bien traviesos a un punto que resulta letal. Y eso, aunado a los elementos exagerados que rayan en lo ridículo hace que la película sea muy divertida, aterradora y sobre todo entretenida.

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Algo muy importante que no debemos olvidar es que a pesar de lo ridículos que pueden llegar a ser estos engendros, estuvieron perfectamente diseñados. Tienen una etapa infantil, un periodo de crisálida y finalmente una metamorfosis que los convierte en las maniacas criaturas que vemos en pantalla. Para ser un filme de culto pero sin grandes estándares en cuanto a su complejidad argumental y que apela a un retorcido sentido del humor, el diseño de estos seres me parece magnífico, sobre todo porque nunca explican su origen.

Otro elemento aunado al anterior es la calidad técnica. Tomando en cuenta la barrera del tiempo, su calidad es impresionante. Tan sólo el uso de animatronic y stop-motion que debieron requerir escenas como el ataque en las calles, la juerga en el bar o la ida al cine es abrumadora. Actualmente con el uso de CGI y pantallas verdes pueden lograrse resultados extraordinarios, que para un ojo medianamente educado, nunca dejarán de verse falsos. Pero en Gremlins nunca pasa eso, y si bien hay escenas en las que el stop-motion es más que obvio, eso no reduce en lo más mínimo la calidad lograda por el filme, la cual se extiende también al aspecto sonoro, dejando como punto más débil la actuación pero permitiendo que la película se convierta en un clásico obligado por más que sólo la demencia de estas peculiares criaturas.

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Punch Line

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Título Original: パ ン チ ラ イ ン (Punchi Rain).
Género(s): Comedia, Ecchi, Sobrenatural, Henshin, Ciencia Ficción.
Director: Yutaka Uemura.
Estudio: MAPPA.
Emisión: Abril 2015 – Junio 2015.
Duración: 12 Episodios.
Extras:

Hay animes que empiezas a ver porque crees que son la típica serie de comedia con fan-service sin mayor complejidad, pero en ocasiones descubres que una serie que empezó de esa manera se convierte en algo más profundo, con complejos temas de Ciencia Ficción como los viajes en el tiempo y elementos sobrenaturales de índole espiritual; sin olvidar un desarrollo que va girando la trama hacia elementos cada vez más inesperados. Ese es el caso de Punch Line.

La calidad del anime está dentro del promedio que podemos esperar de las series comerciales, buena música pero no sobresaliente, una animación muy agradable y un diseño de personajes que si bien caen en el cliché sí tienen algunos momentos de originalidad. El fan-service es contante pero muy ligero y decente, básicamente se basa en el uso exclusivo de pantsu-shots, que de hecho resultan un elemento importante para el personaje principal.

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La serie gira en torno a Yuta Iridatsu, un chico común que se excita de sobremanera cuando ve las pantaletas de una mujer. En una ocasión mientras viajaba en el autobús, es víctima de un secuestro, pero es rescatado por Strage Juice, la heroína con poderes mágicos que lucha por la justicia. Sin embargo, después del incidente Yuta muere y su espíritu termina a la deriva. Más tarde, el espíritu de Yuta conoce a Chiranosuke una entidad espiritual en forma de gato que le revela a Yuta una misión para salvar el mundo de la destrucción, pues al parecer un meteorito se estrellará contra la tierra y es su deber evitarlo. Inician así una serie de situaciones cómica en las que el espíritu de Yuta deberá evitar la destrucción del mundo mientras ayuda a sus amigas Mikatan, Ito, Rabura y Meika.

La serie tiene un principio muy intenso y eso te engancha al instante, pero con forme se desarrolla la historia te das cuenta de que no se trata de una serie Ecchi con toques de Mahô Shôjo. Luego de la presentación de los personajes empezamos a ver el ámbito espiritual y conocemos las reglas básicas que rigen a los espíritus así como la misión de Yuta. Hasta aquí todo tiene pinta de ser como esas obras donde el protagonista tiene que viajar en el tiempo muchas veces hasta que logre hacer las cosas de modo correcto, como en El Día de la Marmota, 8 Minutos antes de Morir o Al Filo del Mañana. Eventualmente descubriremos que esto no es así.

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Con forme pasan los capítulos se va esbozando un trasfondo secreto de héroes que buscan salvar al mundo y grupos secretos que quieren su aniquilación. Sale a la luz el grupo Qmay, responsable de que el meteorito se estrelle con la tierra, conocemos el pasado de Yuta y Mikatan y descubrimos que sus poderes, conocidos como estado Uber, son producto del virus Hércules. Eventualmente la serie pasa de ser algo cómico y Ecchi con cosas espirituales, a una temática de ciencia ficción con grupos extraños y más complejos de lo que pudimos imaginar en un principio.

Chiranosuke revela a Yuta que no es la primera vez que intenta usar al espíritu de Yuta para detener al meteorito, sino que van más de 600 mil millones de intentos y que él pertenece a algo llamado “El Proyecto de Salvación Humana”. Cada que un Yuta fracasa, su espíritu debe regresar en el tiempo para inténtalo de nuevo; así hasta que algún Yuta logre llevar a la tierra por una línea temporal que no contemple su destrucción. Pero no estamos hablando del mismo Yuta, cada Yuta es de una línea temporal distinta y cuando fracasa la tierra de su línea temporal es destruida y él muere. Podría seguir explicando cómo se dan estos viajes en el tiempo pero eso generaría spoilers que le quitaría la sorpresa a quienes aún no han visto la serie.

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Como podemos ver la historia se vuelve realmente compleja, pero el manejo teórico sobre los viajes en el tiempo es sencillamente perfecto. Cada que la historia se reinicia en realidad está empezando por primera y única vez en esa línea temporal. Y si eso nos parece complejo, las cosas que hacen todavía más confusas cuando agregamos un cambio de cuerpo en los personajes, que a su vez implica cambio de sexo y género. Con forme conocemos el pasado de Yuta (Pine), Mikatan (Chiyoko) y Guriko nos damos cuenta que los personajes no son como nosotros creíamos. Y no obstante lo complicados que llegan a resultar, incluso los eventos más aleatorio están justificados y explicados debidamente.

La serie tiene cambios muy radicales, pues de repente suelta cosas muy densas que te dejan desconcertado, sobre todo después de estar viendo escenas de comedia sin sentido saturadas de fan-service. Tenemos un trasfondo inesperado para cada personaje, extraños poderes y organizaciones secretas, viajes en el tiempo, cambios de cuerpo y fabulosas y épicas batallas. Un excelente ejemplo de que el uso de fan-service no implica poca complejidad en los argumentos y una genial recomendación para quien busque cosas ligeras y cómica que se complejizan con forme pasan los episodios pero sin llegan a nada demasiado intrincado e incomprensible.

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