Appleseed: The Beginning

Título Original: アップルシード (Appurushîdo).
Género(s): Cyberpunk, Seinen.
Director: Shinji Aramaki.
Estudio: Sentai Film Works.
Emisión: 2004.
Duración: 105 minutos.
Extras: Appleseed OVAS, Appleseed Ex Machina.

Appleseed The Beginning o simplemente Appleseed, es la adaptación cinematográfica del manga homónimo creado por Masamune Shirô, a quien probablemente identifiquen más como el creador de Ghost in The Shell, entre otras obras Cyberpunk, la cual son su especialidad. El manga se había adaptado previamente a un par de OVAS emitidas en 1988, pero estas no guardan relación con esta película, aunque en 2007 se estrenó una secuela también dirigida por Aramaki titulada Appleseed: Ex Machina.

El diseño de escenarios y personajes me gusta mucho, sobre todo el contraste entre las ciudades devastadas por la guerra y en completas ruinas con la utópica ciudad de Olympus donde todo es perfecto. Los ciborg y el cyberware que vemos en pantalla también fueron de mi agrado. El problema radicó en el tipo de animación, pues fue de esas obras digitales en CGI de principios de siglo a los que se les nota mucho lo artificial y que nunca me han gustado, ver algo similar en una clásica animación 2D hubiese sido maravilloso. Finalmente, la música electrónica tiene el estilo ideal para éste género en particular.

La historia gira en torno a Deunan Knute una famosa soldado veterana de la Tercera Guerra Mundial. Ella y sus hombres aún se mantienen en lucha, hasta que un día un cuerpo de élite denominado ESWAT la captura y la lleva a una ciudad utópica llamada Olympus. Al parecer los líderes de esa ciudad quieren que ella se haga cargo de los militares debido a sus habilidades en combate. El ESWAT es un grupo de militares que pelean dentro de unas enormes armaduras que les dan fuerza, velocidad y un letal armamento.

Olympus o Utopía, como la llaman sus habitantes, es el estandarte de un futuro perfecto ajeno a los conflictos bélicos que asolan el mundo exterior. Para logra tal perfección los humanos han creado seres artificiales, clonados a partir de ADN humano y que llevan por nombre Bioroides. Los Bioroides tienen suprimidas gran parte de sus emociones, pues éstas son el origen de muchos de los conflictos, ellos no pueden amar, envidiar ni sentir odio. Otra característica que los diferencia es que no pueden concebir y su ciclo de vida es muy corto, constantemente tienen que someterse a un procedimiento para extender su tiempo de vida, todo esto como un método para que los humanos mantengan el control.

La ciudad utopía es controlada por un concejo de ancianos humanos, líderes militares también humanos, diversos puestos políticos ocupados por los Bioroides y, principalmente, por una inteligencia artificial llamada Gaia quien es quien realmente toma las decisiones en la ciudad. Además de que mantiene monitoreados a todos y todo lo que pasa en la ciudad.

Una mitad de la población es humana y la otra Bioroide, lo que garantiza un equilibro y una paz permanente. Sin embargo, la naturaleza humana de odiar y envidiar hace que algunos líderes militares odien a los clones y planeen una estrategia para destruirlos, para ello recurren a actos terroristas que nuestra protagonista deberá investigar para evitar con ello la extinción de la nueva especie de humanos artificiales.

La película me pareció buena, tiene esos tintes policiacos tan característicos del género y que son el sello particular de Masamune pues ya los hemos visto en Ghost in the Shell. También mantiene un nivel de violencia y sangre adecuado, sin llegar a lo gore, pero sí dentro de los estándares que requiere una buena y levemente violenta serie Seinen. Además de eso, tiene los elementos clásicos del Cyberpunk japonés, la parte política, la tecnocracia regida por una mente artificial perfecta, una ciudad utópica que apela al centro-periferia, clones que son segregados por los humanos y Ciborgs poderosos en las filas militares.

Como buena obra Cyberpunk, también vemos un submundo de contrabandistas, traiciones y mercados negros. Lo que se deja un poco de lado, al desarrollarse en una ciudad perfecta, son todos esos problemas socioeconómicos que vienen con el hacinamiento de las grandes urbes, aunque como ya he mencionado, toda utopía es distópica por naturaleza y esta sigue perfectamente ese canon, pues en algún momento notamos que todo el control que mantiene el equilibrio de la ciudad en realidad no está del todo bajo control.

El filme tiene algunas escenas un tanto melodramáticas que apelan mucho al sentimentalismo de la protagonista y que en lo personal creo que no le van del todo bien, pues rompen con ese estereotipo de la mujer fría y ruda capaz de sobrevivir en los ambientes más violentos, fuera de eso el resto de la historia está bien. Como en muchas obras del género hay que seguir los diálogos con cuidado para no perdernos información valiosa que explica los pormenores de la trama, pero tampoco es una historia demasiado complicada que requiere verla más de una vez como para entenderla.

En conclusión, la película me pareció una buena obra Cyberpunk, tampoco algo asombroso ni sobresaliente, pero si buena a secas, con todos los elementos tradicionales que deben tener este tipo de historias y que considero una excelente opción para quienes quieran iniciarse en éste género; para aquellos ya conocedores resultará una película ligera de ver. Y aunque argumentalmente no está mal, visualmente no me terminó de gustar.

Perdí mi cuerpo

Título Original: Jái perdu mon corpse.
Género(s): Drama.
Director: Jérémy Clapin.
Estudio: Xilam.
Emisión: 2019.
Duración: 81 minutos.
Extras:

La animación europea tiene un estilo muy particular, sobre todo la animación francesa que se ha empezado a ganar un lugar entre la animación más reconocida a nivel internacional y se está convirtiendo en un elemento identitario de ese país. Perdí mi cuerpo es una película francesa que justamente tiene toda esa esencia europea tan única y cuya historia no sólo es original y emotiva, sino que logra evocarnos cierta nostalgia que sólo el buen cine francés puede lograr.

La calidad de animación es espectacular. El diseño de personajes es muy bueno, aunque al principio no me gustó mucho pues no estoy tan acostumbrado a este tipo de estilo. Los escenarios son bellísimos, muy detallados y sumamente realistas en ciertas escenas, aunque también mantienen ese aire de magia y fantasía que sólo puede lograr la animación. Los detalles que han puesto en los escenarios les da ese toque realista, sobre todo en las escenas en blanco y negro que enfatizan aún más la nostalgia que pretende evocar el filme.

El apartado visual es sumamente bueno, pero lo que se lleva las palmas es la banda sonora, tanto a nivel musical como en el audio en general, pues logra generar el ambiente perfecto tan sólo con lo que escuchamos, incluso sin la necesidad de diálogos pues muchas de sus escenas no los tienen. Hace mucho que no veía una película que me gustara tanto por su apartado sonoro. La historia es hermosa y visualmente es preciosas, pero su banda sonora es simplemente un deleite al oído.

Los personajes están muy bien logrados, son muy humanos y lo reflejan en sus errores y miedos constantes producto de su pasado, pero también logran superar algunos de ellos al atreverse a hacer algo inesperado y cambiar con ello su futuro. La historia no es algo común, pues resulta algo gore en una primera impresión pero lo convierte todo en una historia dramática llena de nostalgia y hermosos recuerdos.

La historia toma lugar en Francia y sigue la travesía de la mano amputada de Naoufel, un joven que pierde la mano debido a un accidente laboral. La mano parece cobrar conciencia y despierta en un laboratorio del cual escapa con la finalidad de regresar a su cuerpo original. En el camino deberá enfrentar diversos peligros y en cada paso recordará distintos momentos de la vida de Naoufel relacionados con su mano.

La historia alterna entre el pasado recordado por la mano, las aventuras de la mano y los días previos a que Naoufel sufriera el accidente. Los flash-backs nos permiten conocer la infancia de nuestro protagonista, mientras que en la historia actual vemos la vida del chico, cuando trabajando como repartidor de pizzas conoce a una joven llamada Gabrielle de quien se enamora. Naoufel hace todo para reencontrarse con ella, lo que lo lleva a aceptar un trabaja como aprendiz de carpintero con el tío de la chica, gracias a lo cual inicia una bonita relación entre ambos.

La historia de la infancia de Naoufel es dramática, la de su juventud es una historia de amor, ambas son muy buenas y emotivas, pero es sin duda la historia de la mano amputada la más interesante, pues la forma en que nos muestran su travesía por regresar a su cuerpo es tan intensa que te mantiene pegado a la pantallas en cada instante. Personalmente nunca creí que ver a una mano sortear los peligros de la ciudad pudiera ser tan emocionante. La forma en que logran generar un ambiente de tensión y suspenso es asombrosa y en parte todo eso es gracias a la ambientación sonora.

La historia de la mano no me quedó clara del todo, si fue real o una alegoría en la que un miembro desprendido hace todo lo posible por ayudar una última vez a su cuerpo. El que la mano tuviera vida, conciencia e incluso memoria le da ese toque fantástico tan original, tanto que incluso me atrevería a catalogar al filme como realismo mágico. Además de que me hizo pensar en la memoria muscular y en aquellos recuerdos que podemos evocar gracias a nuestro tacto, nuestras extremidades y lo que podríamos llegar a olvidar cuando perdemos un órgano.

La película me generó una sensación de emoción y aventura que no muchas veces he podido experimentar con obras animadas. Mucho menos en algo tan simple pero, al mismo tiempo, tan único como las andanzas de una mano amputada. La tensión que te genera ver a la mano enfrentar distintos peligros, la nostalgia del trágico pasado del protagonista y la chispa de emoción que siente al enamorarse se conjuntan de manera asombrosa para generar una historia grandiosa y muy emotiva, que sin llegar a las lágrimas te hace añorar y pensar en tus propios recuerdos.

Una película maravillosa y una excelente recomendación para quien gusta de la animación para adultos y de las temáticas nostálgicas y emocionales, pero también para los amantes de la aventura y sobre todo para quienes buscan una película en la que puedan apreciar y sentirse maravillados por igual tanto por su historia como por sus apartados visual y sonoro. Por que como ya lo mencioné, creo que esta es una película para disfrutar con los ojos, la mente y el oído.

Héroes Modestos

Título Original: ちいさな英雄-カニとタマゴと透明人間 (Chîsana Eiyu: Kani to Tamago to Tomei Ningen).
Género(s): Drama, Fantasía, Slice of Life.
Director: Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita.
Estudio: Studio Ponoc.
Emisión: 2018.
Duración: 54 minutos.
Extras:

Héroes Modestos es una de esas películas que Netflix está emitiendo y que apelan a un estilo visual que nos remite a las obras de Studio Ghibli, aunque es este caso los directores de los tres cortometrajes que integran la película trabajaron en la afamada casa productora, incluso un cuarto segmento estaba planeado para integrarse e iba a ser dirigido por Isao Tahakata, quien lamentablemente falleció antes de realizar la animación.

La película se integra por tres segmentos de historias independientes que muestra personajes en situaciones algo complicadas las cuales sólo podrán resolver realizando un acto heroico y no en el sentido tradicional que la ficción nos ha enseñado, pues luchar contra un enemigo no es la única forma de ser héroe, ayudar a quien lo necesita o enfrentar una enfermedad potencialmente mortal también pueden ser actos heroicos. Una grandiosa recomendación para los fans del anime que buscan historia cortas pero emotivas.

Kanini y Kanino

Es el primer cortometraje y en él vemos a dos niños diminutos que viven en un riachuelo salir a pescar junto a su padre. Los tres viven juntos mientras la madre regresa de dar a luz. Mientras los hermanos duermen, una tormenta hace que la fuerza del agua suba, arrastrando a la pequeña hermana, su hermano mayor y su padre van en su búsqueda, pero la tormenta arrastra al padre y los niños se quedan sólo, teniendo que ser valientes para sobrevivir en un mundo lleno de peligros.

La historia es muy bonita y visualmente es impresionante, nos remite mucho el estilo tradicional de Ghibli con escenarios fabulosamente detallados, tanto que por momentos se ven muy reales. La música es igualmente buena, agradable y le va perfecto al estilo visual. La historia es de Fantasía, pues los niños parecen ser diminutos y pueden vivir tanto dentro como fuera del agua. Otro aspecto interesante es que si bien los personajes hablan se limitan a decir los nombres de los otros, haciendo que el corto sea prácticamente sin diálogos y eso le da un buen toque.

Life Ain’t Gonna Lose (Samurai Eggu)

El Segundo cortometraje es el más dramático de todos, en él vemos a Shun, un niño de primaria que es sumamente alérgico al huevo, tanto que tan sólo una gota de algo que contenga este común alimento le provoca una reacción anafiláctica que podría ser mortal. En el corto vemos parte del pasado del chico desde que nación hasta la actualidad y los cuidados y previsiones que él y toda su familia deben tener para evitar que muera. Siendo el huevo un alimento tan común en nuestra sociedad en varias ocasiones en chiquillo ha terminado en el hospital.

Las historia es muy buena y algo dramática, pues vemos al niño y su mamá enfrentar diversas situaciones en las que él termina con una severa anafilaxis que lo pone en peligro, también vemos los sacrificios que la madre hace para cuidarlo y lo difícil que es para Shun vivir así, a pesar de ello no se da por vencido y decide que hará lo que sea necesario para mejorarse. La música es muy buena y ambienta perfectamente, la cantidad de drama es adecuada pero el diseño de personajes, a pesar de ser muy bonito y colorido, tiene cierta parte digital algo artificial que no me terminó de convencer, fuera de eso es una historia maravillosa con un lindo mensaje sobre no darse por vencido a pesar de enfrentar una difícil condición médica.

Invisible (Tomei Ningen)

La última historia nos muestra la difícil vida que enfrenta un hombre invisible, quien no sólo es invisible en un sentido visual, sino que además está empezando a desaparecer en todos sentidos, se está volviendo etéreo, incapaz de mantenerse en el suelo si no lleva algo pesado que le evite ser arrastrado por el aire y pasando desapercibido para todos y todo, desde sus compañeros de trabajo hasta las máquinas, sólo algunos animales y personas son capaces aún de notar su presencia.

La serie es algo triste pues vemos cómo una persona empieza a desaparecer en todos aspectos y además nos plantea una interesante interrogante sobre los problemas que una persona con la habilidad de ser perpetuamente invisible podría enfrentar. El diseño es el más sobrio de todos, con una ciudad algo decrépita y gris que acentúan el sentido melancólico de la historia, sin olvidar el formidable trabajo de ambientación que logra el apartado sonoro.

La vida secreta de las mascotas

Título Original: The Secret Life of Pets.
Género(s): Comedia.
Director: Chris Renaud.
Estudio: Illumination Entertainment.
Emisión: 2016.
Duración: 86 minutos.
Extras: La vida secreta de las mascotas 2.

Conocí a Fany (quien nos ha apoyado en algunos Podcast) el mismo año que se estrenó esta película y una de las cosas de las que más hablaba era de sus perros y sobre todo de una raza en particular que siempre ha sido su sueño tener, la Pomerania. Y una de las razones por las que hablaba mucho de esa raza fue precisamente por uno de los personajes principales de este filme, yo en ese tiempo pensaba que la Pomerania era una planta, hasta que Fany me explicó. A pesar de ello y de que soy fan de los perros (los gatos no me gustan) nunca tuve el interés por ver esta película, hasta que casualmente la vi por televisión un día en el que no tenía nada más que hacer.

Personalmente no esperaba nada del filme, simplemente una película animada más para niños con una temática de animales, pero para mi sorpresa, La vida secreta de las mascotas es una muy divertida película, llena de buena comedia, atinados toque de drama y sobre todo acción constante que casi de inmediato de enganchan a la pantalla. Además de que visualmente es muy atractiva, pues los escenarios y el diseño de los animales son coloridos como en cualquier película infantil, pero con una excelente construcción de Nueva York que permite a las mascotas explorar un submundo de alcantarillas y barrios peligrosos.

La música es igualmente buena, y aunque tiene sus momentos se ve opacada por la acción y las geniales persecuciones. Aunque es sin duda el diseño de los animales la parte más sobresaliente de todo el apartado técnico, pues no sólo están perfectamente representadas las razas de perros y gatos, sino también el resto de mascotas más exóticas que las personas citadinas suelen tener. Incluso el nivel de detalle nos permite disfrutas de los lomitos peludos de los animales de compañía.

La historia gira en torno a Max, un Jack Russell Terrier que vive con Katie en un departamento en Manhattan. Katie ha adoptado un nuevo perro, Duke, un gran y lanudo perro mestizo cuyo tamaño contrasta con lo enano de Max. Ambos canes no se llevan para nada bien e incluso tratan de deshacerse del otro. Durante estos intentos Max y Duke terminan acorralados en un callejón por una pandilla de gatos que les roban sus collares, sin identificación son capturados por la perrera.

Mientras son transportados por control de animales, un conejo loco acompañado de un lagarto y un puerco asaltan la camioneta y liberan a otro perro que había sido capturado. Max y Duke pide a Snowball que los libere, pero el conejo no quiere hacerlo pues nunca ayudaría a animales domesticados, ya que él es el líder de un grupo de animales rebeldes que fueron abandonados por sus dueños en el pasado y ahora buscan vengarse. Max miente y dice que ellos odian tanto a los humanos que por eso escaparon e incluso mataron a su dueño, lo cual maravilla a Snowball y de inmediato los invita a unirse a su hermandad.

En la iniciación para hacerlos parte de la rebelión, descubren que en realidad son animales domésticos, lo que enfurece a Snowball. Max y Duke tratan de escapar pero accidentalmente causan la muerte de la víbora sagrada, lo que enfurece a todos los animales quienes van tras ellos. Mientras tanto, en el edificio donde viven los perros, el resto de sus amigos mascotas se percatan de su ausencia y convencido por Gidget, una Pomerania enamorada de Max, salen a la ciudad para rescatarlos. Para ello cuentan con la ayuda de Pops, un Basset Hound paralítico con muchos contactos en la ciudad y Tiberius, un halcón cuya vista será primordial en la búsqueda.

Mientras el grupo de rescate se interna en las profundidades de la ciudad, Max y Duke tratan de escapar de los maniacos animales que quieren sus cabezas, pero los peligros de la gran urbe son mucho mayores de lo que creían y tanto mascotas como animales rebeldes deberán unirse si quieren sobrevivir y regresar a salvo a sus casas.

La historia tiene un obvio y prefabricado mensaje sobre el maltrato animal, aunque afortunadamente no trata de imponerlo en pantalla, pero sí nos alerta sobre las consecuencias que tiene el abandonar a nuestras mascotas sólo porque están viejas, enfermas o demasiado grandes. Al final los animales no tienen la culpa de su comportamiento violento, ellos sólo tratan de sobrevivir, la culpa es de los humanos que los han dejado a su suerte en la calle.

Lo que más me gustó de la historia no fue ni su apartado visual ni su historia, fue el diseño de sus personajes y sobre todo la personalidad que los actores de doblaje lograron imprimirles a cada uno de ellos, sobre todo Tiberius, Gidget, Chloe (una gata gorda amiga de Max) y Snowball. Y cabe destacar que este ha sido el mejor doblaje que le he escuchado a Eugenio Derbez, pues por primera vez no recurre a ese molesto uso de expresiones retomadas de sus personajes de siempre (como hace con Burro en Shrek).

La película es buena, resultó mucho más divertida de lo que esperaba y después del inicio y quitando un poco del drama que a mi parecer está de más, el resto es acción y diversión contante. Una excelente recomendación con geniales y graciosos personajes que les divertirá si gustan de tener animales de compañía, principalmente perros, pues aquí los gatos son mostrados principalmente como los malos de la historia.

Monsters University

Título Original: Monsters University.
Género(s): Fantasía, Comedia.
Director: Dan Scanlon.
Estudio: Pixar.
Emisión: 2013.
Duración: 104 minutos.
Extras: Monsters Inc.

Dicen que las segundas partes nunca han sido buenas, pero hay una lista de películas cuyas segundas partes han incluso superado a la primera, Aliens, Terminator 2 o Mad Max 2 son ejemplos de ello, y para mí Monsters University supera por mucho a la primera parte, aunque por razones muy personales, en primera porque a mi edad ya no soy el público al que está dirigida la primera entrega, pero sí la segunda con toda la cuestión universitaria, y en segunda porque no sale la niñita que en la primera película me pareció tan fastidiosa.

La primera vez que vi Monster Inc. fue el año de su estreno es un decadente cine en el pueblo donde vivía en ese entonces, y me gustó a secas, pues era un niño de 11 años y pertenecía al público para el que estaba destinada. Doce años más tarde, los niños de ese entonces ya estábamos en edad universitaria, yo por lo menos recién había terminado la carrera, por lo que una película cuya historia se desarrollaba en un ambiente universitario me era más familiar, pero no la fui a ver porque la primera entrega nunca fue de mis favoritas. Sin embargo, por casualidad recientemente vi algunos minutos en televisión y me parecieron divertidos, por lo que me decidí a ver.

Para mi fortuna la película resultó buena, muy entretenida y si bien era un gigantesco cliché de las típicas películas de comedia adolescente gringas se podía disfrutar muy bien. Creo que hacer una precuela en la época universitaria de los protagonistas respondía a la edad de quienes vimos la película cuando niños. Yo personalmente disfruté mucho esa temática escolar. Aunque estaba plagada con los personajes y las situaciones recurrentes de éste tipo de obras, con los fracasados tratando de esforzarse por salir adelante y los populares haciéndoles la vida imposible.

El filme nos muestra el primer año de universidad de Michael Wasowski y James P. Sullivan, quienes ingresan al prestigioso programa para asustadores en Monsters University. Rápidamente la inteligencia de Mike lo hace destacar en clase, pero no puede competir con el apellido de Sulley ni con su talento natural para asustar. Decidido a demostrarles a todos que él también puede llegar a ser un gran asustador, Mike pasa la mayor parte de su tiempo estudiando, mientras que su entonces enemigo se dedica a holgazanear creyendo que su popularidad resolverá todos sus problemas. Lamentablemente ninguno logra aprobar el examen final y son echados del programa.

Mike idea una forma para que vuelvan a aceptarlos en el programa de asustadores y hace una apuesta con la decana, si su equipo gana las sustolipiadas podrán regresar a clases, pero su equipo está conformado por Sulley, con quien no se lleva nada bien, y por un grupo de rechazados sociales con nulas habilidades para los sustos que han formado su propia fraternidad, los Oozma Kappa. Los juegos inician sin que nadie crea que los Oozma podrán llegar a la final, pero a base de mucho esfuerzo y suerte, se abren paso en cada prueba.

Como es de esperarse el grupo de marginados y torpes demuestran que tienen la habilidad para competir con los populares y se ganan un lugar entre los mejores, demostrándole a todos que son igual de buenos que cualquiera. Siempre en este tipo de historias son los perdedores quienes deben hacer frente a los bravucones y también es común que uno de esos chicos populares termine ayudando a los perdedores para redimirse y terminar siendo amigo de alguien que al principio detestó.

Mike es el típico ñoño que se la pasa estudiando pero a pesar de ello no logra adquirir las habilidades que necesita, mientras que Sulley es el chico popular con talento natural a quien su apellido le abre todas las puertas. Uno tiene que esforzarse por sus sueños mientras que el otro lo tiene todo ganado. Al final ambos lograrán convertirse en mejores personas y, obviamente, en mejores amigos. Argumento que es totalmente cliché y vemos en todas las películas de adolescentes universitarios o preparatorianos.

Fuera del prefabricado mensaje sobre la amistad y el artificial y estereotipado contexto escolar, las competencias son buenas, divertidas y dan lugar para buena comedia e incluso un poco de emoción. Incluso podemos ver algo de profundidad en la cuestión universitaria al menciona brevemente algunas de las otras carreras que se imparten, como los diseñadores de puertas (que serían como los de ingeniería), filosofía, biología, computación, diseñadores de contenedores de sustos, arte, entre otras. Hubiese sido interesante ver más de ellas pero se comprende que no era la finalidad de la historia.

Honestamente esta saga de los monstruos no es de mis favoritas de Pixar, pero debo admitir que la segunda me gustó mucho más que la primera. La parte técnica es excelente, la música es muy buena y el apartado visual sobresaliente, sobre todo en el diseño de los monstruos y en la calidad del detalle, pues es posible ver incluso hasta la textura de algunos de ellos. Y no debemos olvidar, al menos para la versión de Latinoamérica, la excelente dupla que Andrés Bustamante y Víctor Trujillo hacen para darles la voz a Mike y Sulley respectivamente.

Una excelente opción sin son fans de Pixar e incluso si no lo son pues la película resulta entretenida, divertida, emocionante y lo suficientemente ligera para disfrutarla sin complicaciones pero, al mismo tiempo, con la suficiente profundidad y contenido argumental para verla más de una vez sin que resulte tediosa o aburrida. Un perfecto ejemplo de que sí puede haber segundas parte muy buenas a pesar de que haya pasado más de una década entre la primera y la segunda. Y el que sea una precuela creo que fue un gran acierto, pues nos permite conocer el pasado de los protagonistas y cómo se conocieron, además de expandir el universo del mundo de los monstruos, algo mucho más atractivo en mi opinión que lo que hubiera logrado una secuela.

Are you lost?

Título Original: ソウナンですか? (Sounan desu ka).
Género(s): Survival, Comedia.
Director: Nabuyoshi Nagayama.
Estudio: Ezo’la.
Emisión: 2019.
Duración: 12 episodios.
Extras:

Basada en el manga homónimo escrito por Kentarô Okamoto e ilustrado por Riri Sagara, Sounan desu ka? es una interesante serie animada de supervivencia, donde cuatro jovencitas de preparatoria tendrán que usar todas sus habilidades pasa sobrevivir en una isla desierta luego de sufrir un accidente en avión, enfrentando la falta de comida, agua y la desesperanza por no recibir ayuda.

Si bien la premisa de la serie es interesante pues aborda el tema de la supervivencia en un ambiente natural hostil, la primera impresión que da la serie es la de una obra rosa para niñas, pues así es justo como luce, como un Shôjo con mucho fan-service. Sin embargo, luego de algunos minutos notamos que si bien su estética es delicada y femenina, en realidad sí aborda temáticas de supervivencia que son muy interesantes, pues los consejos que da para sobrevivir en lo agreste en realidad resultan útiles y podrían salvar nuestras vidas en ese tipo de situaciones.

La historia inicia cuando cuatro chicas de preparatoria quedaron varadas en una isla desierta luego de que el avión en que viajaban tuviera un accidente. Al parecer iban en un viaje escolar y aunque no se menciona nada al respecto, todo indica que fueron las únicas supervivientes. El cuarteto se integra por Homare Onishima, una chica seria y decidida que ha viajado con su papá por todo el mundo enfrentando diversas adversidad, gracias a ello conoce todos los trucos para sobrevivir; Matsu Amatani, es la típica chica tímida e inteligente, que a pesar de ello logra adaptarse y hacer lo que sea necesario para sobrevivir; Asuka Suzumori, la deportista, algo berrinchuda y un poco cobarde pero que aporta el fuerza física al grupo, finalmente Shion Kujô, es la más delicada del grupo y a quien le cuesta más adaptarse, es la típica niña rica y mimada.

Las cuatro chicas logras sobrevivir gracias a las enseñanzas que el padre de Homare le enseñara en sus viajes. Durante su estadía en la isla deberán aprender a construir un refugio, buscar agua por diferentes medios, cazar su propia comida y estar dispuestas a matar animales o insectos con tal de sobrevivir. Homare hace de líder y en cada capítulo veremos cómo se enfocar en lograr un objetivo específico para seguir con vida.

Si bien la serie no tiene la estética ruda que esperaríamos de este tipo de género y que el actuar de las chicas es muy de anime escolar lleno de estereotipos, sí tiene elementos que la hacen muy buena. En primera la construcción del personaje de Homare es muy acertado, pues es tranquila y analítica, pues toma sus decisiones basada en qué resultaría mejor para sobrevivir. Por otro lado, los consejos que da la serie son igualmente buenos y aplicables en su mayoría, sobre todo aquel en donde nos dicen las prioridades para sobrevivir: (1) un refugio o el clima te matará en un par de horas, (2) conseguir agua o morirás en unos días y, finalmente, (3) comida, pues sucumbir a la inanición llevará algunas semanas.

La forma en que nos enseñan a sobrevivir y protegernos del medio ambiente resulta muy educativo y lo novedoso es que no lo hace de una forma tan visceral como el famoso programa de Bear Grills, aunque llega un momento en que las chicas deben hacer cosas que nunca imaginaron para sobrevivir, como matar animales y destazarlos, comer insectos repulsivos o tratar de hidratarse de formas poco convencionales.

Además del fan-service —que sí es muy directo— y de los buenos consejos de supervivencia, la serie cuenta con un soudtrack bastante decente y una calidad de animación muy buena, sobre todo en la recreación de los escenarios naturales, y aunque el diseño de personajes responde a los cánones del anime comercial actual es aceptable. No obstante, algunos de los factores para que las chicas sobrevivan resultan algo forzados, aunque de otra forma no podrían darnos todos esos consejos y la serie se convertiría en un drama, lo cual no es ya que apuesta más por la comedia.

La serie resulta algo rosa pero es muy entretenida, tiene buenos consejos de supervivencia una calidad de animación muy aceptable, la cantidad de adecuada de pantsu-shots para no rayar en lo erótico y la suficiente comedia para no restarse seriedad a la situación. Además, como sus capítulos duran alrededor de 12 minutos se puede ver fácilmente en una tarde. Una excelente recomendación para quienes gusten de las aventuras de supervivencia y deseen ven algo ligero sin sobresaltos pero con cierto apego a la realidad.

El Tren Infinito (primeras impresiones)

Hoy no es la típica reseña como se podrán dar cuenta —y en unos momentos explicaré el por qué— pues hay ocasiones en las que uno está en el lugar adecuado en el momento justo y tiene la oportunidad, más por suerte que por otra cosa, de ver una serie de televisión interesante, con una propuesta novedosa y mucho potencial, tanto que no quise esperar a verla por completo y decidí hablar de mis primeras impresiones luego de ver El Tren Infinito.

Hace un par de fines de semana me encontraba frente a una televisión que tiene servicio de Cable cambiando los canales rápidamente como usualmente hago, de pronto llegué a Cartoon Network y vi que estaban transmitiendo una serie con un estilo que me recordó a Hora de Aventura. Intrigado por ese estilo, me quedé viendo y noté que se trataba de una serie de Ciencia Ficción, así que me dispuse a ver el resto del capítulo, que era de una duración aproximada de 10 minutos.

El diseño, la historia extravagante que mezclaba Ciencia Ficción y mundos fantásticos me atrapo de inmediato, ver robots, gatos que hablan y seres hechos de agua me enganchó lo suficiente, y para mi fortuna ese día en ese momento estaban transmitiendo un maratón de la serie. Durante los comerciales aproveché para buscar información en Internet sobre ese interesante programa. Al leer la lista de episodios me percaté de que yo había empezado a ver desde el capítulo 3 o 4 más o menos y seguí hasta lo que creo es el final de la primera temporada, o al menos hasta el capítulo que emitieron en ese maratón.

Lo que me fascinó de la serie además de su diseño, fue el manejo tanto de su historia como de los elementos de ficción de los que hace uso, sobre todo aquellos retomados de la Ciencia Ficción y que no son precisamente para niños, pues algunas criaturas y personajes llegan a ser algo aterradores. Toda esa conjunción de elementos tan dispares logra un resultado que es de alabar, pues resulta una propuesta interesante, atractiva y muy necesaria para que las audiencias más jóvenes se enamoren de éste tipo de géneros. Sin olvidar el formidable y muy bien pensado desarrollo de todos los personajes, sobre todo de la protagonista, Tulip, una audaz e inteligente jovencita pelirroja.

Infinity Train es una serie de Cartoon Network estrenada en agosto de 2019, luego de que su episodio piloto se volviera popular hacer ya algunos años. La premisa de la serie es la de una niña muy inteligente que apela al conocimiento científico para encontrarle una explicación a todo, por alguna razón entra a un extraño tren, en el cual dentro de cada vagón hay todo un universo completamente diferente, con sus propias leyes de la física y habitantes muy peculiares.

Lo primero que pensé fue en la película Snowpiercer, pues lo de un tren infinito donde en cada vagón hay algo distinto me lo recordó. Pero los vagones cambian de lugar y para lograr atravesarlos y llegar al frente se deben resolver acertijos como en la película El Cubo, aunque menos letales. Algunos personajes me recordaron obras como The Matrix o The Thing, mientras que otros junto a diversos escenarios me remitieron a esas viejas obras ochenteras de Fantasía Épica Espacial, muy al estilo de lo que hacía Moebius pero con un diseño para niños.

La serie es como un collage que los amantes de la buena Ciencia Ficción van a disfrutar pero que al mismo tiempo tiene ese estilo moderno y ligero que atrapará al público infantil. Pero lo que me parece más importante es que el mundo que logra generar con ese tren infinito en el que cada vagón aloja un universo entero, resulta sencillamente una idea magnífica, pues permite que la serie se expanda tanto como quiera, y que pueda ir desde una aventura altamente tecnológica a una aventura de fantasía épica estilo medieval, o desde una historia de terror plagada de monstruos a un mundo onírico alejado de la realidad material.

Sin duda una maravillosa obra que promete mucho y tiene el potencial para convertirse en la serie de aventura que ocupe el lugar que Hora de Aventura dejó, pero ahora desde una perspectiva más científica. Espero poder ver la primera temporada completa muy pronto para escribir una reseña y posiblemente algún ensayo más pues la serie simplemente lo vale.