Santo contra los Clones

Título Original: Santo Contra Los Clones.
Género(s): Acción, Sobrenatural, Peleas.
Director: Carlo Olivares Paganoni.
Estudio: Cartoon Network Latinoamérica y LMT Animation Studio.
Emisión: Octubre 27 – Noviembre 24 2004.
Duración: 5 Episodios.
Extras: –

Buscando entre las viejas entradas del blog recordé una en particular intitulada El síndrome de viejo, donde mi editor recuerda de forma amarga los horribles programas de televisión transmitidos en durante nuestra infancia; hace referencia a dos clases en particular antes de la apertura hacia nuevos contenidos a finales de los noventa: programas norteamericanos con décadas de atraso y producciones nacionales deplorables.

Aunque mi experiencia fue muy similar, jamás pude soportar ver ni diez minutos de esos programas nacionales como el grotesco Chavo del Ocho o espantosas comedias americanas como La niñera. La televisión por cable, a la que tuve acceso a inicios del nuevo milenio, tampoco era muy diferente. Recuerdo haber visto las mismas series en Cartoon Network, aunque al menos este canal poseía mucha más variedad de vez en cuando.

Quizás debido a estas experiencias que desarrollé una apatía hacia todo tipo de producciones nacionales y por desgracia consideraba a lo mexicano como chafa o de menor calidad. Fue gracias al mismo Cartoon Network que comencé a reconsiderar las cosas, ya que de vez en cuando emitían pequeños cortos, spots, comerciales o eventos especiales que presentaban un contenido con un estilo diferente, adaptado al público latinoamericano.

Una serie en especial fue creada específicamente para ser trasmitida en México; apareció una buena noche al aire y de acuerdo con los registros desapareció al mes siguiente. Sin embargo, recuerdo haberla visto muchas veces debido a que me resultaba realmente entretenida y distinta a la programación habitual del canal. La obra en cuestión era Santo Contra Los Clones, protagonizada por el legendario Enmascarado de Plata.

La lucha libre ha sido un elemento siempre presente en la cultura mexicana contemporánea, alcanzando su momento culminante con las surrealistas películas de luchadores de los años sesenta, donde los enmascarados actuaban como superhéroes al más puro estilo Serie-B. De entre ellos el más famoso fue El Santo, protagonista de más de cincuenta cintas donde enfrenta criaturas sobrenaturales, científicos locos o criminales extravagantes.

Muy pocas veces logré ver una de estas películas pero desde que recuerdo, el prefijo Santo vs… provoca todo tipo de reacciones. Santo Contra Los Clones es una serie animada compuesta por cinco cortos episodios creada por Carlo Olivares Paganoni para Cartoon Network Latinoamérica. En ella El Santo debe detener el plan del Dr. Clon, un científico perverso que busca matarle al emplear un ejército de clones de sus más temibles adversarios y posteriormente conquistar el mundo.

La animación tiene sus fallas, pero funciona bien para dotar a la obra de un estilo propio y aunque el argumento es la típica historia donde el héroe derrota al villano para salvar el día, son quizás las múltiples referencias a la vida cotidiana en el Distrito Federal (ahora Ciudad de México) lo que nos mantiene interesados en la trama. Aparecen todo tipo de monstruos universales para enfrentar al enmascarado, quien los derrota sin mucho esfuerzo como si fuera otro día en el trabajo.

Santo Contra Los Clones es una serie muy entretenida y extravagante; para aquellos que tuvimos la oportunidad de verla al aire durante su corto tiempo de vida también es una especie de cápsula del tiempo nostálgica. Un claro ejemplo de una producción mexicana de calidad, que sale de la mediocridad y nos recuerda que existe mucho potencial pendiente de ser descubierto y patrocinado, en ocasiones por empresas extranjeras a falta de apoyo nacional.

Anuncios

Tsuki no ie

Título Original: つみきのいえ (Tsuki no ie).
Género(s): Drama.
Director: Kunio Katô.
Estudio: Robot Comunications.
Emisión: 2008.
Duración: 12 Minutos.
Extras:

Ganadora en 2009 del Oscar a mejor corto animado, Tsuki no ie es una bellísima obra sobre el paso del tiempo y la importancia de los viejos recuerdos. Con un estilo artístico que semeja pinturas antiguas y una fabulosa banda sonora que logra generar una atmósfera apacible aunque melancólica. La calidad de animación no es de lo mejor y el estilo puede no ser del agrado de todo el público, sin embargo, narra una historia maravillosa y nos deja con una interesante y muy necesaria reflexión sobre la vejes.

La historia gira en un torno a un viejo que vive sólo en su casa. Por alguna razón el nivel del mar ha subido e inundado al mundo entero, obligando a los habitantes a construir sus viviendas cada vez más arriba mediante la anexión de pisos a su vivienda original. Una mañana el viejo despierta y el agua ha llegado a su casa nuevamente, por lo que sube a su azotea e inicia la construcción del nuevo nivel.

Ya con el nuevo piso terminado, el viejo regresa a la planta inferior ya inundada para rescatar sus pertenencias, pero su pipa se cae por una exclusa abierta. Un mercader le vende un traje de buzo y el viejo desciende en busca de su pipa, pero mientras baja a los inundados niveles de su casa va recordando cómo era su vida en cada uno de ellos.

Resulta sencillamente hermoso cómo, mientras baja, cada piso le recuerda una etapa de su vida. Pero a su vez es al algo duro y difícil de ver porque te hace consciente de la soledad del hombre, cuya paciencia y lentitud dejan en claro que los años ya no le deben nada y la vida y él han saldado todas las cuentas pendientes.

El anime no parece una obra japonesa, por el contrario, tiene un estilo más propio de la animación francesa. No obstante, esos escenarios sumergidos son bellísimos y aunados a la música logran un resultado sumamente emotivo que nos invita a reflexionar y ser conscientes de que a los viejos lo más preciado que les queda son sus recuerdos.

El fenómeno del incremento del agua es algo que me resultó muy interesante pues no se explica para nada, sólo se deja en claro que mientras su nivel aumenta igual lo hacen los pisos de las casas, hasta que llegan a un nivel donde nos les es posible construir más arriba y tienen que mudarse, dejando cada vez más deshabitado el pueblo y acentuando con ello la soledad del viejo.

Las casas en el corto son una metáfora de la vida, pues inician pequeñas y se amplían con forme la familia crece, volviéndose a reducir a medida de que el nivel del agua aumenta y los hijos ser van a hacer su propia vida. La soledad y las memorias conllevan algo muy nostálgico que en algún momento muchos tendremos que enfrentar.

Sin duda una obra corta pero muy emotiva y cuyo mensaje no debe pasar desapercibido, ya que al final lo que nos define no es lo que hacemos o aquello que poseemos, sino lo que hemos vivido y somos capaces de recordar. La ausencia de diálogos hacen a la historia, además de nostálgica, algo universal y el trasfondo romántico me recuerda a la película Up. El cortometraje es toda una obra de arte que nadie debería perder la oportunidad de ver.

High School Fleet

Título Original: ハイスクール・フリート (Haisukūru Furīto).
Género(s): Militar, Comedia, Ficción Especulativa.
Director: Yuu Nobuta.
Estudio: Production IMS.
Emisión: Abril – Junio de 2016.
Duración: 12 Episodios.
Extras: 2 OVA.

Pocas son las series de anime que no nacen como adaptaciones de un manga, y menos frecuentes las que generan una adaptación en este formato luego de su emisión, ese es el caso de High School Fleet, un anime sobre temática naval un tanto rosa y cliché pero con muy buenos y entretenidos momentos de acción.

El diseño de personajes es un tanto genérico, pero hay que reconocer que logra la suficiente originalidad como para hacer diferentes y reconocibles para el espectador a la enorme cantidad de personajes que aparecen en la serie. El diseño de escenarios es adecuado aunque no sobresaliente, pero la calidad de animación es muy buena y logra que las batallas navales se disfruten mucho. Sin embargo, el mejor elemento técnico es la banda sonora, pues esta genera una ambientación muy realista que nos sumerge en el interior de un barco de guerra.

La historia gira en torno a Akeno Misaki, una chica poco brillante pero con mucha suerte. Mika, como la apodan sus amigas, es nombrada capitana del Harekaze, un pequeño barco de navegación en el que fueron colocadas las alumnas con las peores notas de la Escuela Marítima Yokosuna, en donde las chicas estudian para convertirse en “Blue Marmaids” y poder patrullar y proteger los mares de Japón.

Las chicas zarpan hacia su primer viaje de prácticas, pero un extraño y desconocido fenómeno hace que el barco de su instructora las empiece a atacar. Sin tener en claro qué pasa, Mika decide dar la orden de responder el ataque, pero eso hace que acusen a toda la tripulación del Harekaze de sublevarse. A partir de ese momento las chicas deberán tratar de aclarar la situación mientras enfrentan el misterioso ataque de diversas embarcaciones “amigas”, a su vez que van en busca del Musashi, el barco más grande y poderoso de la flota comandado por Moeka China, la mejor amiga de Mika, quien enviara una llamada de auxilio.

La historia parte del supuesto de que el movimiento de las placas tectónicas aumentó el nivel del mar hundiendo gran parte de los territorios costeros. Debido al aumento del mar, muchas ciudades costeras de Japón ahora son ciudades flotantes y requieres de las Blue Marmaids para su protección. Para evitar que las flotas fueran usadas para la guerra, todos los barcos son comandados únicamente por mujeres.

Este trasfondo le da un toque muy bueno a la serie, pues hace coherente la existencia de la escuela para chicas además de que permite un poco de fans-service al ser únicamente mujeres las que navegan. Aunque por otro lado, la hace demasiado rosa y sentimental por momentos. Eso sí, el diseño de esas ciudades marítimas de estilo futurista es muy atractivo a pesar de que salen poco en pantalla.

La historia pasa casi de inmediato a la acción y las batallas entre barcos son constantes, lo cual es un gran acierto, sobre todo porque deja como misterio el origen de los ataques. No obstante, este misterio se explica a la mitad de la serie quitándole un poco de intriga, pero los constantes enfrentamientos son suficientes para mantener la atención del espectador durante los capítulos restantes. La comedia también es buena pero está enfocada más para un público femenino, al igual que el manejo de las relaciones y las emociones entre las chicas, pero al conjuntar la acción y la emotividad se genera un resultado atractivo para cualquier tipo de público.

Dos aspectos que me encantaron fueron el manejo del lenguaje técnico y la organización del barco. La cantidad de personajes es abrumadora y eso puede confundir al espectador, pero es un mal necesario porque tenemos a las chicas del puente, las del cuarto de máquinas, las de navegación, las de artillería, las de cocina y para cada uno de los puestos del barco. Ver a mujeres en ese tipo de trabajo resulta una propuesta fresca a pesar de que su diseño responde a los estereotipos actuales, lo cual se perdona al escucharlas hablar en nudos, grados, estribor y demás palabras usadas en la actividad naval.

Otro aspecto que es una constante en muchas series japonesas es la cuestión de los perdedores. El Harekaze en un barco donde van las perdedoras, aquellas con los menores promedios y pocas habilidades. Sin embargo, estos perdedores al enfrentar situaciones difíciles adquieres experiencia y se hacen mejores, sorprendiendo a aquellos que en un principio no creían en ellas. Y eso es justo lo que les pasa a las chicas que tripulan el Harekaze.

Las palabras técnicas y la organización dentro del barco le dan un toque de realismo que se agradece mucho. Aunque debemos aceptar que la serie tiene momentos muy flojos durante las escenas sentimentales que a veces están un tanto fuera de lugar, no obstante, el resultado final es en general más que decente. Y si bien la serie no es la gran revelación, su manejo de la acción la hacen muy entretenida, sin olvidar que no hay muchos animes de temática naval, por lo cual es una recomendación interesante para quienes quieran ver una serie sobre cuestiones militares sin tintes crudos ni dramáticos.

La Fiesta de las Salchichas

Título Original: Sausage Party.
Género(s): Comedia.
Director: Conrad Vernon y Greg Tiernan.
Emisión: 2016.
Duración: 88 minutos.
Extras:

Escrita, producida, dirigida e interpretada por muchos de los directores, actores y productores que formaron parte en algún momento de las producciones de Judde Apatow, La Fiesta de las Salchichas es una irreverente y políticamente incorrecta animación de comedia para adultos. Con las voces de Seth Rogen, Jonah Hill, Salma Hayek, James Franco,  Michael Cera y Kristen Wiig, que han participado en cintas tan ácidas y retorcidas como Virgen a los 40, Anchorman, Pineapple Express o Superbad, no podíamos esperar otra cosa que una intensa comedia plagada de crítica social, drogas y sexo, mucho sexo.

La calidad general del filme es muy buena, la antropomorfización de los alimentos se apega a los clichés raciales, étnicos y sexuales que cabría esperar en este tipo de producciones y la música es pegajosa y con innumerables dobles sentidos, critica religiosa y referencias sexuales. Los escenarios se resumen prácticamente a los pasillos de un supermercado y la forma en que los personajes se desenvuelven en ellos e interactúan con los humanos es obviamente heredada de Toy Story. Sin embargo, este filme no es para niños.

La historia toma lugar en un supermercado cualquiera, donde los productos esperan impacientes a que los dioses (compradores) los elijan y los lleven al paraíso, donde vivirán felices eternamente. Sin embargo, la realidad parece ser otra, pues tal parece que los “Dioses” en realidad son monstruos que devoran a las mercancías tan pronto llegan a sus casas. Frank es una salchicha que está enamorada de un pan de Hot Dog (perrito caliente) llamada Brenda. Ambos viven esperanzados de que un día los dioses los elijan a ambos y al fin puedan estar juntos fuera de su empaque.

Un día llega el anhelado momento en que son comprados, pero un perturbado frasco de Mostaza con Miel empieza a vociferar sobre que todo es mentira, que el “gran más allá” no existe y que todos morirán si se quedan. El frasco de mostaza se suicida saltando del carrito y causa un accidente en el que Frank, Brenda, Sammy (un bagel o especie de dona) y Vash (un lavash o pan persa) quedan varados en los pasillos y fuera de sus empaques perdiendo la oportunidad de ir al cielo con los dioses.

Carl y Barry, dos salchichas amigos de Frank no logran evitar que su amigo caiga al suelo y son llevados por la compradora a esa tierra prometida, en donde descubre que todo es una mentira y que el frasco de Mostaza tenía razón. Ambas salchichas ven como, uno a uno, los productos mueren a manos de la diosa (compradora) e intentan escapar. Por su parte, Frank y sus nuevos compañeros de viaje emprenden el regreso a sus respectivos estantes, pero en el camino tendrán que enfrentar a Douche (un producto de higiene femenino) quien quedó roto por el accidente y busca venganza.

Mientras los amigos de Frank huyen de Douche ayudados por Teres del Taco (un Taco, más que obvio), Frank emprende un viaje a la zona más lejana del supermercado luego de que algunos productos no perecederos le contaran la verdad detrás de aquella mentira sobre los dioses. Al tiempo que Barry logra escapar de los humanos y trata de regresar al supermercado a advertirles al resto de los productos.

La película está plagada de referencias raciales y sexuales a más no poder. Por una parte, cada comida tiene un origen étnico y representa todos los estereotipos de su nación. El tequila y los tacos representan a los mexicanos, los embutidos alemanes son unos nazis, el pan judío y el pan árabe se odian a muerte, los fideos chinos tienen los ojos rasgados, etcétera. En la cuestión sexual la cosa es aún más obvia, las salchichas son penes deseosos de penetrar a los panecitos (perritos calientes o medias noches según donde vivan) que casualmente tiene una forma similar a la de una vagina. Y así, todas las comidas con forma fálica serán hombres y aquellas con forma de vulva serán mujeres.

Sobra decir que hay mucha homosexualidad, panes gays y tacos lesbianas. Aunque los Hot Dogs son quienes representan la mejor referencia al coito. Incluso el villano, Douche, está enojado porque no le permitieron penetrar la gloriosa vagina de una Diosa (humana). Y al final (advertencia, spoiler) hay una orgía tan brutal que incluso a mí, que llevo recorridas una buena cantidad de horas en el mundo del porno, me pareció muy fuerte. O sea, es que son alimentos fornicando de una salvaje manera que no se ve todos los días.

Pero el sexo y los elementos raciales no son lo único que se critica en el filme. La religión también queda severamente parodiada. Básicamente la película dice que todas las religiones son inventadas. Los productos creían en un paraíso porque era mejor eso a tener que afrontar la cruel realidad, tener la esperanza de una vida eterna en el más allá era mejor que saber que no tenían esperanza pues serían irremediablemente comidos o usados por los dioses. Frank trata de hacer que el resto de productos vean la verdad, pero lo tratan de intolerante. La reflexión final es que creas en hechos científicos o tengas fe en sucesos divinos debemos ser tolerantes ante nuestras diferencias con los otros.

Sausage Party no es sólo la picante y pervertida película que podría parecer a primera vista, bueno sí lo es, pero también es una inteligente crítica social sobre la xenofobia, la intolerancia religiosa y la diversidad sexual. Y obviamente las drogas, porque hay mucho consumo de drogas. Una gran recomendación para aquellos adultos que amen las obras con ese humor que caracteriza a Seth Rogen y demás colaboradores y por qué no decirlo, para quienes tengan una mente muy abierta en torno a la sexualidad.

Kokoro Connect

Título Original: ココロコネクト (Kokoro Konekuto).
Género(s): Drama, Comedia, Romance.
Director: Shinya Kawamo.
Estudio: Silver Link.
Emisión: Julio 2012 – Diciembre 2012.
Duración: 17 Episodios.
Extras:

Basada en las novelas ligeras de Sadanatsu Anda, Kokoro Connect es una serie que en apariencia luce como la típica serie cliché para adolescentes sobre un club escolar, pero que al pasar de los episodios nos damos cuenta de que en realidad es bastante trágica, dramática e incluso un poco oscura, pues aborda cuestiones sobre la amistad, la inseguridad y el dolor emocional de una forma que no es muy común.

La calidad técnica es aceptable, los escenarios, el diseño de personajes y la calidad de animación son bastante genéricos, aunque las personalidades de los protagonistas tienen pequeños toques de originalidad que van creciendo de forma maravillosa a lo largo de los episodios. La música es muy buena pues gracias a ella se logra pasar de una escena cómica y tranquila a una lúgubre y triste.

La historia gira en torno al Club de Investigación Cultural, un club escolar integrado por cinco chicos del primer año de preparatoria que por alguna razón no encontraron otro club al cual integrarse. Entre ellos tenemos a Taichi, quien actuará como protagonista principal, un joven amante de la lucha libre y totalmente desinteresado por ayudar a los demás; Iori, la presidenta del club, una chica generalmente feliz que está enamorada de Taichi, pero que en el fondo tiene problemas con su personalidad; Inaba, una chica seria y muy inteligente que no confía en los demás; Yui, una chica experta en Karate pero que sufre de androfobia, y Aoki, un chico alegre y despreocupado que está enamorado de Yui.

Los cinco chicos viven una vida normal realizando las actividades de su club, hasta que un día un insólito fenómeno empieza a ocurrir y los cinco integrantes sufren intercambio de cuerpos. Poco tiempo después un extraño personaje llamad Fusen Kazura toma posesión del cuerpo de uno de sus profesores y se presenta ante los chicos explicándoles lo que pasa. Al parecer este sujeto está detrás de los intercambios y lo hace por diversión.

En un principio lo de cambiar cuerpos resulta un fenómeno gracioso pero rápidamente vemos que al dejar expuesta su vida a los ojos de otra persona los personajes empiezan a sufrir conflictos, sobre todo cuando se deja al descubierto que la vida interna no es precisamente la que exponemos ante los demás. Además de lo trágico, la serie adquiere tintes psicológicos al empezar a cuestionar sobre quiénes somos realmente, si lo que hay en nuestra mente, lo que nuestro físico demuestra o lo que el resto percibe de nosotros.

Luego del cambio de cuerpo se presentan otros tres fenómenos más, liberación de los deseos, alteración de la edad y transmisión de pensamientos. Cada uno de estos fenómenos implica retos distintos para el grupo y pone su amistad en juego, pero por otra parte los obliga a seguir adelante con el apoyo mutuo y la confianza. Al final, lo que Fusen Kazura hace es crear un vínculo inquebrantable entre los cinco amigos y hacer que logren un nivel de amistad, empatía y desarrollo personal que tal vez no hubieran logrado de haber tenido una vida normal.

La serie es dramática e intensa en todo momento, pues el juego de Kazura por momentos llega a ser tan cruel que me recuerda a la serie Bokurano, ya que lleva a los personajes a un límite emocional que resulta triste, sobre todo porque lo que están sufriendo no está bajo su control. Sin embargo, siempre hay una enseñanza y constantes mensajes sobre el valor de la amistad. La serie es una novela ligera y como tal es sencilla y divertida, pero ese juego emocional con los personajes le da el toque perfecto, pues ni es tan compleja como para rompernos la cabeza ni tan ligera para que su mensaje pase desapercibido.

El manejo del club me recuerda a series como Genshiken o Suzumiya Haruhi no Yûutsu, pero el giro dramático que vemos lo cambia completamente, aunque durante toda la serie vemos un constante cambio entre comedia ligera y drama de tintes trágicos, así como un interesante triángulo amoroso que nunca cae en el morbo. Sin olvidar el halo de misterio que logra generar la banda sonora, el cual nos mantienen pensando constantemente que algo malo puede pasar en cualquier momento. Una historia interesante, personajes más complejos de lo que podríamos esperar y excelentes mensajes sobre la amistad hacen de Kokoro Connect una excelente recomendación para quienes gustan de novelas ligeras con un toque de profundidad.

Bayonetta: Bloody Fate

fhgfhg
Título Original: ベヨネッタ ブラッディフェイト (Beyonetta: Buraddi Feito)
Género(s): Acción, Sobrenatural, Peleas.
Director: Fuminori Kizaki.
Estudio: Gonzo.
Emisión: 23 Noviembre 2013.
Duración: 90 minutos.
Extras:

Establecer una nueva serie no es algo fácil. Para la recién fundada PlatinumGames fue la perfecta oportunidad para darse a conocer como un estudio de calidad dentro del ámbito de los videojuegos. El staff ya había trabajado en series de renombre como Resident Evil y Devil May Cry, además de contar con el apoyo de SEGA. El resultado fue Bayonetta, un título de acción hack ‘n’ slash impresionante, pero que falló al momento de vender por enfocarse a un público objetivo reducido.

El juego cayó en el olvido durante varios años; las similitudes con otros títulos anteriores de varias compañías disminuían más su atractivo. Tiempo después, otros lanzamientos de PlatinumGames como Metal Gear Rising o el esperado NieR: Automata revivieron el interés por conocer sus trabajos anteriores. Bayonetta y su secuela vieron nuevamente la luz; en 2013 se lanza una OVA basada en los sucesos del primer juego, aunque los acontecimientos están resumidos para seguir un orden diferente.

bayonetta-2

Tras 500 años de sueño ininterrumpido en el fondo de un oscuro lago, la bruja Bayonetta despierta en un nuevo mundo. Incapaz de recordar su pasado, batalla contra hordas de ángeles que se interponen en su camino por descubrir la verdad. Su viaje la lleva a la ciudad europea de Vigrid, cuna de la tecnología más avanzada del mundo, donde enfrenta a viejos conocidos mientras desentraña una conspiración que lleva medio milenio en marcha y el secreto detrás de los Ojos del Mundo.

En el apartado técnico el OVA posee una calidad más que aceptable, con una animación de primera acompañada por excelentes efectos de sonido en increíbles secuencias de acción. Los juegos de PlatinumGames resaltan por su acción desenfrenada y a menudo exagerada hasta lo absurdo. Bloody Fate respeta esta tradición; conserva todos los elementos característicos del Bayonetta original: protagonista pícara en atuendo revelador pelea contra varios monstruos hasta hacerlos polvo.

byr.gif

De vez en cuando aparecen otros personajes para dar la ilusión de que existe una trama y que ésta avanza. Luego de cincuenta minutos, las cosas se vuelven un tanto caóticas, pero es fácil dejarlas a un lado para disfrutar de las batallas contra los ángeles, que conservan esos diseños tan llamativos y se trasladan muy bien a la pantalla, o contra algún jefe de los que aparecen el juego. A menudo se emplean imágenes generadas por computadora que combinan bien con la animación en dos dimensiones.

Bloody Fate es una genial adaptación del videojuego original que dará a los fans un buen rato de diversión; se enfoca en resumir de forma aceptable los acontecimientos del juego y las batallas, proporcionando grandes secuencias de acción mientras luce fabulosa; por otro lado, posiblemente se quede corta al momento de satisfacer a quienes no estén familiarizados con este universo por su argumento apresurado y predecible, además de un par de personajes un tanto molestos.

Humanz

El 20 de junio de 2011 publiqué la que actualmente es la entrada con más visitan en todo el blog, me refiero a la entrada en donde hablo del grupo virtual Gorillaz y que a la fecha tiene más de 26,500 visitas, superando por más de 5 mil a la entrada que ostenta el segundo lugar. La entrada es básicamente un recorrido por la biografía del grupo, desde sus inicios hasta el álbum The Fall.

En ese momento yo no era gran fan del grupo, pero sí me gustaban varias de sus canciones. Con el paso de los años fui descubriendo más de sus sencillos y curiosamente el número de canciones que me gustaron se incrementó considerablemente. Con una cantidad ya considerable de canciones en mi lista de preferidas y con un interés sobre el trasfondo que dio origen al grupo, interés que surgió desde que escribí la reseña, llegué a la conclusión de que por fin podía considerarme fan del grupo.

Hace unas semanas Gorillaz regresó a los escenarios con el álbum Humanz. Pero lo interesante no es que una banda saque un nuevo disco luego de tantos años, sino la recepción por parte de los fans que hicieron que su sencillo Andromeda alcanzara millones de visitas en tan sólo unos días. Quizás los fans de Gorillaz no son tan evidentes, sobre todo porque es un grupo virtual,  pero han dejado en claro que son muy fieles y que decenas de miles, si no es que cientos de miles, esperaban con ansias el regreso de la enigmática banda virtual.

Para mi es impresionante ver como unos dibujos animados ha logrado ese nivel de fama, colaborando con cantantes y músicos de mucho renombre y prestigio de todo el mundo. Cuando decidí escribir sobre Gorillaz en el blog fue porque quería ampliar el universo de temas que se publicaban, quería hablar de todo lo que fuera animación. Y como Gorillaz es la banda animada más famosa del mundo pues era obvio que tenía que escribir de ellos. Nunca imaginé que esa sería la entrada más visitada del blog y que mantendría su posición durante seis años.

La entrada de Gorillaz además de ser la primera sobre algo que no era animación japonesa, fue la primera escrita de un formato que no era reseña y la primera en tener una extensión mucho mayor al resto de entradas publicadas en el blog hasta ese momento. Cuando concebí escribir sobre Gorillaz en un principio sólo planeaba reseñar el video musical de On Melancholy Hill, que era mi canción preferida en ese momento (actualmente creo que ya fue desplazada por Andromeda), pero me alegra haber elegido investigar sobre la historia, tanto la de los músicos que le dan vida al grupo como la propia historia ficticia.

Este año el blog cumple 10 años de existir y creo que rememorar la entrada más exitosa (si la medimos en la cantidad que visitas que tiene) es una grandiosa forma de festejar los logros y el alcance que Café Anime Lair ha tenido en esta primera década de vida. La cantidad de visitas que ha acumulado la entrada sobre Gorillaz equivale al 6.5% del total de visitas recibidas por el blog. 65 entradas tiene más de mil visitas, sólo 4 tienen más de 10 mil, sólo dos más de 20 mil y sólo una más de 25 mil. Los dejo con la que se está convirtiendo en la canción favorita de quienes escuchamos a este inigualable grupo; por cierto que el video en 360° de Saturnz Barz es maravilloso.