The Midnight Gospel

The Midnight Gospel 1

Título Original: The Midnight Gospel.
Género(s): Podcast, Ciencia Ficción Psicodélica
Director: Pendleton Ward.
Emisión: 2020.
Duración: 8 episodios.
Extras:

Había escuchado interesantes comentarios sobre esta serie, en su mayoría decían que era muy buena aunque estaba pachequísima. Y en efecto, luego de decidirme a verla pude constatar que sí, es una serie rara que se pone a divagar hablando diversos temas que van desde el uso de drogas, la muerte, la magia, lo espiritual y la vida en general, desde una perspectiva un tanto filosófica pero más que nada introspectiva. Aunque si hay que ser honesto, The Midnight Gospel no es una serie de televisión, es un podcast animado.

La serie se basa en las entrevistas hechas por Duncan Trussell en su propio podcast a una serie de personalidad que se han dedicado a temas como la magia negra o que han defendido ideas como la legalización de las drogas o la eutanasia, incluso la propia madre de Duncan es parte del programa y habla sobre su propia experiencia enfrentando un cáncer terminal. Duncan además da voz al personaje principal, un spacecaster llamado Clancy Gilroy, quien con ayuda de su simulador viaja a diferentes mundos psicodélicos en donde vive aventuras al lado del personaje en turno al que le toca entrevistar.

The Midnight Gospel 8

La idea de viajar a estos mundos e fabulosa y de la justo ese toque extraño, pues los mundos me recuerdan a las obras de Moebius o a las historias de la revista Metal Hurlan, pero con colores pastel súper llamativos y el diseño clásico de Pendleton Ward creador de Hora de Aventura. Que justamente, al ver su nombre en los créditos me interesó ver la serie, además de que su estilo es inconfundible y dado que Hora de Aventura me gustó mucho sabía que una serie para adultos creada por él no me iba a decepcionar. Aunque Ward no fue la personalidad que más llamó mi atención, sino la de Chris Prinosky, productor ejecutivo, quien para quienes no lo sepan es el creador y director de mi seria favorita de toda la vida, la inigualable Downtown de MTV. Con esa triada de personalidades participando la seria no podía sino ser buena.

La forma en que los personajes hablar sobre sus temas de interés en cuestión es sumamente interesante y no siempre va del todo acorde a lo que vemos en pantalla, incluso podríamos decir que la serie se puede leer de dos formas, como podcast, simplemente escuchando de aquello de lo que hablan sin la necesidad de ver la animación, y como obra animada en la que podemos enfocarnos en las aventuras que viven, las cuales cambian en cada episodio porque son mundos y personajes distintos, y en la que incluso podemos dejar de lado el tema que se discute, aunque la dupla de ambos elementos es sin duda lo que le da esa esencia tan loca pero atractiva a la obra.

The Midnight Gospel 10

He escuchado que algunos consideran que la obra no es realmente profunda o cuestionan sobre si es verdad lo es o sólo lo aparenta, pero desde mis perspectiva eso ni siquiera debería importar, no necesitas saber si la obra es realmente profunda o si los personajes sólo hablar intricadamente para parecer complejos e intelectuales, lo importante es lo que los diálogos y la animación en conjunto te hacen sentir, a mí por ejemplo no me gustaron todos los temas, algunos no me interesaron en lo más mínimo y otro sí, algunos temas me parecieron muy interesante pero la animación no logró atraparme y otros pocos pe fascinaron por ambos aspectos. Y sin duda aquellos temas relacionados con la muerte, como la eutanasia o el cáncer, me fascinaron, me hicieron sentir relajado y cómo escuchando hablar del tema como si de una charla de tanatología se tratase.

Para mí esa fue la parte más importante de la serie, hablar con naturalidad de la muerte lo suficiente como para permitirse sentir cómo y tranquilo con la idea de que eventualmente perderás a algunos de tus seres queridos o que tú mismo podría llegar a enfrentar una enfermedad terminal, estar en paz con esos aspectos inevitables de la vida no harán estar más tranquilos cual el momento llegue y considero que la serie podría ayudar a quienes pasar por algún duelo. Y justo cuando leí alguna reseña donde decían que el personaje entrevistaba a su mamá enferma de cáncer terminal fue que me decidí a verla. La serie me gustó tanto visual como auditivamente, sea su profundidad falsa y honesta lo importante es disfrutarle a los invitados divagar con el tema, no todos te va a interesar justo como en un podcast, pero si algún te sirve toma aquello que te sea de utilidad.

The Midnight Gospel 4

Pacific Rim: Tierra de Nadie

Tierra de Nadie 1

Título Original: パシフィック・リム: 暗黒の大陸 (Pashifikku Rimu Ankoku no Tairiku)
Género(s): Mecha, Kaijus, Ciencia Ficción.
Director: Hiroyuki Hayashi.
Estudio: Polygon Pictures.
Emisión: 2021.
Duración: 7 episodios.
Extras:

Cuando se entrenó Pacific Rim fue un gran éxito, amantes de la Ciencia Ficción, el cine de grandes monstruos y el anime Mecha disfrutamos la maravillosa obra dirigida por Guillermo del Toro. El estándar que el mexicano puse con respecto a la calidad en este tipo de obra fue tan alto que ninguna de las posteriores obras de la misma franquicia ha logrado igualar. Ni la secuela Uprising y mucho menos la versión animada. No obstante, la fama de la obra primigenia es tal que es casi seguro que va a garantizar un interés en la audiencia para ver cualquier obra que vuelva a enfrentar a Kaijus y Jeagers.

Tierra de nadie es la versión animada de la obra y nos sitúa en Australia, lugar que por su ubicación el en cintura de fuego de Pacífico (el Pacific Rim en inglés) es muy susceptible a los ataques de los Kaijus, como es posible ver desde la primer obra. En la isla las cosas salen tan mal que gran parte de la población es exterminada y las gigantescas bestias deambulan por el asolado país del sur. Un grupo de niños y adolescentes son rescatados por uno de los últimos Jeager en acción, cuyos pilotos son los padres de Hayley y Taylor. Ambos hermanos justo a los otros sobrevivientes son dejados en un lugar aislado ocultos de las amenazas, donde viven por años esperando el regreso de sus padres.

Tierra de Nadie 4

Hayley descubre que aquel lugar donde se oculta está sobre una base de entrenamiento, en donde encuentra un Jeager llamado Atlas Destroyer, que ella y su hermano activan por error llamando la atención de un Kaiju que llega y destruye su refugio, matando al resto de sobreviviente que se ocultaba allí, Hayley y su hermano se ven obligado a salir al desolado exterior para buscar a sus padres, pero lo que encuentran en un mundo hostil donde no sólo las titánicas bestias son una amenaza, sino los grupos humanos que deambulan por los devastados parajes australianos.

Si bien me parecía interesante la idea de una adaptación animada de Pacific Rim, la verdad es que para nada me convenció esta serie. La premisa hace de lado a los monstruos y termina por centrarse en los grupos humanos rivales y sus intenciones secretas de experimentar con los Kaijus al grado de que los que en realidad queremos ver, los monstruos gigantes destruyendo y batallando con los robots, pasa a segundo plano y eso para mí es un grave error, pus incluso Uprising tiene más acción en batalla aunque la premisa, actuación y dirección no sean buenas.

ierra de Nadie 2

La ambientación madamaxianda donde las gente se ha vuelto ruda para sobrevivir al entorno tampoco me convenció, de hecho me costó algo de trabajo terminar de ver la serie y no me llama la atención ver la segunda temporada que ya se anunció. Este tipo de obras, como Godzilla nos ha enseñado, no necesitan de grandes y complejas elucubraciones por parte de los personajes humanos, son los monstruos y los robots lo que importa, incluso en obras donde sí se profundiza en la psique de los humanos como en Evangelion, nunca se hacen de lado a los bestiales enemigos ni a las armas robóticas que creamos para defendernos, y que es justo lo que vemos en Pacific Rim, un poco de drama en los personajes pero los robots y los monstruos invasores van por delante todo el tiempo.

La música y la animación tampoco me convencieron, digo, no es que estén del todo mal, simplemente que no es el estilo que suele gustarme, de hecho si el desarrollo de la historia y la construcción de los personajes fuese mejor no habría importante tanto la calidad técnica. Y en lo que respecta a los personajes se resultaron muy planos y sin un gran aporte. En general la obra no aporta nada nuevo al mundo del Pacific Rim, aunque en la segunda temporada seguro incluya cosas nuevas nunca vistas, pero esas cosas que podría incluir seguro no serán del agrada de los fieles seguidores de la obra original. Si no les gustó Uprising menos les va a gustar esta serie, pero si la secuela de cines no les molestó podrían darle una oportunidad a la adaptación animada.

ierra de Nadie 3

Adiós a todos los Evangelion

REbuild of Evangelion 3.0+1.0

Escribo esto mientras los créditos finales de Rebuild of Evangelion 3.0+1.0 pasan por la pantalla, acompañados de las grandiosas canciones interpretadas por Utada Hikaru (y pensar que escuchaba Beautiful Word en el metro cuando iba de camino la preparatoria). En diciembre de 2006 vi Neon Genesis Evangelion por primera vez, empecé a las 6:00 pm y terminé a las 2:00 am, vi toda la serie de corrido pues me fascinó tanto que no me pude detener, al día siguiente vi las dos películas y quedé tan maravillado que simplemente caí en el mundo del anime desde entonces, aunque por algunos meses creí que no necesitaría ver más, pues esa serie eran tan perfecta que la vería una y otra vez. En ese entonces tenía dieciséis años, ahora tengo 31, he pasado la mitad de mi vida esperando a termina de ver Evangelion y hoy, un 29 de septiembre de 2021 por fin lo logré.

El caminó ha sido increíble y maravilloso, con momentos buenos y malos, llenó de muchos animes, pero como Evangelion nunca habrá nada, desde 1995 hasta hoy siempre será una de las series más grandes que han existido y que existirá. Ver esa serie fue el origen de este blog, tan sólo siete meses después de ver Evangelion empecé a escribir reseñas, hoy ya llevó más de 14 años haciéndolo; sin contar el ser estudiante es la actividad que más tiempo he realizado en toda mi vida. Evangelion me sumergió en el mundo del anime y eventualmente llevó a la creación de este blog y sería grandioso que el blog terminará junto con él, pero no aún, sin embargo, la última entrada que publicaré en este blog será sobre Evangelion y pienso dedicarle un buen tiempo a toda la serie otra vez.

A muchos nos les gustó el final pero a mí me encantó, se hizo referencia a la serie original y quedó sin explicar del todo las cosas, con un final no tan críptico como los pasados pero sí con dudas qué aún quedan, como siempre ha hecho la serie, y ese regresar a los orígenes con ese estilo tan particular que nos cautivó desde un inicio me resultó algo nostálgico y genial al mismo tiempo. Hay mucho de lo que aún quiero hablar sobre esta serie, pero primero voy a ver toda la serie de nuevo, las películas y el Rebuild una vez para mí, por el simple hecho de disfrutarla y de nuevo otra vez más para analizarla como es debido. Así que nos vemos en algunos meses quizás.

Puella Magi Madoka Magica

Madoka 1

Título Original: 魔法少女まどか☆マギカ (Puella Magi Madoka Magica):
Género(s): Mahô Shôjo, Ciencia Ficción, Drama.
Director: Akiyu Shinbo.
Estudio: Shaft.
Emisión: 2011.
Duración: 12 episodios.
Extras: –

Hay dos series de anime a las que les debo una deuda histórica por no haberlas visto antes, una de ellas es Madoka, serie que me han recomendado hasta el hartazgo desde 2013 aproximadamente y que por fin me decidí a verla y sin duda me arrepiento de no haberlo hecho antes, pues si bien me pareció grandiosa en muchos de sus aspectos, creo firmemente que si la hubiese visto hace ocho años me habría resultado todavía más asombrosa, ya que sin duda rompió con el estereotipo del género al cual aparentemente pertenece.

La calidad me maravilló tanto en lo visual como en lo sonoro. El diseño de personajes está bien, cayendo en el formato ya consolidado para la década pasada pero que funciona. Los escenarios urbanos por momentos son muy digitales y generan esa artificialidad que no me gusta, pero los laberintos donde viven las brujas y el diseño de estas con esos cambios en el estilo de animación y los surreales que resultaron me fascinaron, sin duda una excelente y muy original forma de representar a las brujas. Y no se diga la banda sonora que le va perfecto y destaca sobre todo en esas escenas en las que debe generar un ambiente lúgubre y oscuro.

Madoka 3

La historia sigue a Madoka, una chica de preparatoria sin ninguna habilidad especial que un día se encuentra con una criatura parecida a un gato que está siendo atacado por la chica nueva que acaba de transferirse, quien al parecer posee alguna clase de poderes mágicos. Madoka y su amiga Sayaka evitan que Homura siga atacando al gato cuyo nombre es Kyubey.  La pequeña criatura les explica que puede concederles cualquier deseo a cambio de firmar un contrato con él y convertirse así en niñas mágicas que cazan brujas.

Homura es al parecer una niña mágica, pero no es como las demás. Para tratar de convencer a Madoka y Sayaka de unirse a Kyubey les presenta a Mami, otra niña mágica ya veterana, quien las lleva a cazar brujas para que se hagan una idea de lo que tendrán que hacer si le piden un deseo al gato. Mami les explica que las brujas se alimentan del sufrimiento y la depresión de los humanos, causan los suicidios y desastres naturales y su deber como niñas mágicas es matarlas.

Madoka 4

Hasta allí la serie es en apariencia un anime de chicas mágicas como cualquier otro, donde niñas adquieren poderes y se transforman en escenas luminosas donde visten trajes de colores, pero rápidamente notamos que detrás de todo siempre hay una aura sombría, de miedo, misterio y sufrimiento que cada vez se hace más evidente. Las niñas mágicas no llevan una vida bonita con los típicos conflictos de adolescentes, sino que se ven sometidas a un gran sufrimiento que las aleja cada vez más de su humanidad.

La serie se torna por completo oscura y los trajes de colores son ensombrecidos por muerte y desesperación. El peligro es mayor de lo que se esperaban al combatir brujas y los intereses de otras chicas mágicas se hacen evidentes, además de que a lo largo de los capítulos la historia va dando giros argumentales que la hacen cada vez más oscura hasta revelar la verdad detrás del origen de las chichas mágicas y de las intenciones reales de Kyubey.

Madoka 12

Desde el inicio la música ya nos pone en advertencia sobre algo misterio que no alcanzamos a comprender y con forme se van develando los secretos de qué es ser una niña mágica realmente es que notamos que la fantasía de las niñas con poderes mágicos es una mera portada de algo mucho más oscuro, profundo y complejo, que da paso a cuestiones sobre las leyes universales de entropía y revela el verdadero género de la serie, la Ciencia Ficción, en donde la magia es sustituida por viajes en el tiempo y tecnología extraterrestre.

Hay muchísimos aspectos en los que podemos profundizar en la serie, pero so lo haré en otra ocasión, pues ya de entrada hablar de suicido le da un toque oscuro desde el inicio y rompe por completo lo que uno podría esperar de una serie Mahô Shôjo, que en realidad no es de ese género. A Madoka le pasa como a Evangelion, que no es Mecha pero se ha catalogado, consolidado y grabado en la mentes de los espectadores como una serie sobre robots gigantes, los mismo con Madoka, se ve como una serie de niñas mágicas pero está lejos de realmente serlo y en eso, y la forma en que devela su trasfondo de formas que el espectador no logra advertir, es que radica su grandeza.

Madoka 7

Y al igual que Madoka tiene su paralelismo con Evangelion en cuanto al género (y al final), creo que también los tiene con Suzumiya Haruhi no Yûutsu en cuanto a quién termina siendo el personaje principal, ya que si bien ambas series llevan el nombre de un personajes, en realidad el protagonista es otro (Kyon en el caso de Haruhi). Y esa forma de darle la vuelta a la trama y en un capítulo cambiar tanto las cosas e irlas haciendo más oscura con forme avanza es formidable y no por nada Madoka se ganó un lugar importante entre las series de culto de la década pasada a pesar de contar con una sola temporada, aunque tal vez por eso es tan afamada, porque le bastó una temporada para maravillarnos y demostrar que se pueden hacer otros tipo de Mahô Shôjo sin caer en el estereotipo.

Sin duda una serie maravillosa que recomiendo encarecidamente, aunque sin son muy fans del anime dudo que no la haya visto ya. El desarrollo de los personajes es muy bueno, los giros argumentales te atrapan y no son obvios, la trama oscura y cada vez más dramática va subiendo de tono de forma muy bien pensada, enfocándose en temas como la desesperación y la soledad, y la manera en que rompe con el género y termina mostrándonos algo distinto es fabulosa. Y si le lo preguntaban, la otra serie a la que le tengo una deuda histórica es Gurren Lagann.

Puella-Magi-Madoka-Magica-900x491

Palabras que burbujean como un refresco

Palabras que burbujean como un refresco 0

Título Original: サイダーのように言葉が湧き上がる (Cider no Yô ni Kotoba ga Wakiagura)
Género(s): Slice of Life, Romance, Comedia, Drama.
Director: Kyôhei Ishiguro.
Estudio: Sublimation y Singnal.MD.
Emisión: 2021.
Duración: 87 minutos.
Extras:

Hace algunos meses me topé con el tráiler de una película de anime cuya estética y cromática me resultaron muy particulares y atractivos, con un estilo colorido y una historia que se antoja a Slice of life donde veremos simplemente una etapa en la vida del protagonista, con ese tono dramático y que no puedo evitar me recuerde a las obras de Makoto Shinkai, aunque con colores mucho más alegres. Como muchas películas estrenadas en Japón supuse que lograría verla en algunos años cuando llegara por este lado del mundo, pero para mi suerte navegando por Netflix me topé con la sorpresa de que esa película, cuyo título particularmente largo (que recuerdo incluía la palabra soda) se encontraba disponible, así que no perdí más al tiempo y me decidí a verla.

Este tipo de películas pertenecer a un grupo de animaciones que no sé cómo describir, pero que suelen contar historias de entre romance y drama aderezados con comedia, un poco al estilo de las obras de Shinkai (aunque más felices) y que también me hacen pensar en el estilo de los animes hecho por Studio Colorido, aunque Soda Pop (usemos parte del título en inglés para abreviar) se destaca del resto por su color, pues la cromática de su animación es sumamente intensa, con colores súper vivos y chillantes que se clavan en la pupila, pero que a pesar de todo le dan un toque muy particular y generan una estética que personalmente me gusta mucho.

Palabras que burbujean como un refresco 7

Además de la peculiar paleta de colores muy al estilo de una obra infantil, tenemos un diseño de animación y escenarios que me recuerda un poco a las primeras obras de Mamoru Hosoda (sobre todo la primera película de Digimon), con trazos simples pero con mucho detalle en cuanto a la cantidad de elementos que conforman los escenarios. Esa combinación de colores chillantes, trazos simples y gran cantidad de detalles me fascinaron y me hicieron recordar el estilo del falso opening de The Ricochet Splendid.

Técnicamente la obra es maravillosa, pues además al gran apartado visual y diseño de personajes tenemos que agregar la hermosa banda sonora que acompaña la historia y que de hecho forma parte integra de la trama, pues parte de la odisea de nuestros personajes tiene que ver con una canción. Sin duda alguna el filme se disfruta mucho tanto visual como auditivamente, siendo quizás la historia como tal lo menos fuerte pues es buena y bien diseñada para un público adolescente pero recurre a muchos clichés que nos hacen esperar cosas obvias, aunque bueno, tampoco es tan grave.

Palabras que burbujean como un refresco 10

La historia gira en torno a Cherry, un joven muy tímido que suele vivir retraído del mundo, aislándose en sus audífonos para no interactuar con la gente. Su principal medio de expresión son los haikus, los tradicionales poemas japoneses que gustan de escribir y publicar en las redes sociales, aunque solo sus amigos y mamá lo siguen. Cherry trabaja supliendo el puesto de su mamá en un centro de ancianos donde los adultos mayores reciben cuidados y realizan diversas actividades. Allí conoce al señor Fujiyama, un anciano que al parecer ya sufre algo de demencia pero que también gusta de los poemas y es amante de la música, pues posee una tienda de discos de vinilo y siempre está cargando el empaque de uno de ellos que no logra encontrar.

Mientras realiza su trabajo sufre un accidente e intercambia por error su teléfono con Smile, una chica que es una popular influencer con muchos seguidores pero que actualmente sufre de inseguridad debido a que no le gustan sus dientes de conejo, por lo que oculta su rostro tras un cubrebocas. Smile y Cherry inician una amistad luego de conocerse al regresarse sus respectivos celulares, ella empieza a trabajar en el centro de ancianos y él empieza a convivir más con las personas dejando de aislarse tras sus audífonos gracias a la seguridad que le daba Smile.

Palabras que burbujean como un refresco 14

Ambos chicos deciden ayudar al señor Fujiyama a encontrar su disco perdido luego de que enfermara ya que su sueño era poder escuchar aquella canción una vez más para no olvidarla, en su camino descubren la importancia que aquel álbum tenía para el anciano, al tiempo que se dan cuenta de sus sentimiento el uno por el otro y logran aceptarlos. El final es de esperar así como el problema que los protagonistas enfrentan durante la búsqueda del disco, todo muy de manual y predecible, aunque disfrutable.

La parte de la poesía de la un toque de distinción al mostrar los haikus de Cherry, personalmente nunca he entendido ese estilo de poesía pero la combinación de aquellas palabras, sus significados y el juego que le dan en conjunción con los escenarios dan como resultado algo hermoso. El romance entre los protagonistas es súper predecible y plagado de clichés, pero no deja de ser lindo y muy adecuado para una audiencia de preparatoria o más jóvenes. El diseño de la personalidad fue lo que más me gustó, en especial Smile cuya personalidad y diseño físico me gustaron mucho.

Palabras que burbujean como un refresco 4

Además del romance, la música, el obvio mensaje de amor y aceptación de aquello que puede no gustarnos sobre nosotros mismos, tenemos algunas alusiones interesantes que pueden pasar desapercibidas. Uno de los amigos de Cherry, Bieber (o Castor como lo tradujeron el Netflix) es de origen hispano, pues menciona que su papá sólo habla español y que él no sabe leer ni escribir japonés, por eso se la pasa grafiteando los haikus de Cherry para practicar. Y hablando de traducciones, me encantó que a Toughtboy, otro amigo de Cherry, le subtitularan como “El duro”. Y ni hablar de la interacción en redes sociales que fue el primer vehículo de comunicación entre los protagonista y que a partir de likes y follows empezaron a relacionarse, muy de zoomers para mi gusto pero eso sólo demuestra que yo como millennial cada vez estoy más viejo.

Tampoco quiero dejar pasar esa aparente referencia (que yo digo que sí es) al mundo de las redes sociales, digo, ya Smile y sus hermanas era famosas de internet, pero además aparece una idol que es una calca del diseño de Himemori Luna de Hololive. Digo, si ya de por sí se hace mucha referencia a los streamers e influencers no sería raro, tomando en cuenta que Usada Pekora ya tuvo un “cameo” en el anime How Not to Summon a Demond Lord y que otras chichas ya están participando en animes de manera directa. De cualquier forma, el anime me gustó mucho, la música y la parte visual son maravillosas, el diseño de personajes me encantó y si bien la historia no fue tan original todo en conjunto resulta muy agradable.

Palabras que burbujean como un refresco 8

Aika

Aika 1

Título Original: アイカ (Aika)
Género(s): Fantasía, Seinen, Súper Ecchi.
Director: Katsuhiko Nishijima.
Estudio: Studio Fantasia.
Emisión: 2020.
Duración: 12 episodios.
Extras: 6 ovas.

Durante los años 90 y principios del presente siglo, el estilo que la animación japonesa mostraba en sus series era muy distinto a actual. En la última década del siglo XX los diseños era más rudos, los cuerpos más robustos y la delicadeza de los trazos finos no era una constante. Y no es como que no hubiera un diseño genérico en ese tiempo, pero si comparamos cómo se veía un adolescente en series como Slam Dunk con un adolescente de la serie de moda hoy, es obvio que el adolescente de los noventa se ve mucho mayor. Creciendo con esa estética como referente, no es de extrañar que al ver Aika por primera vez su diseño me hiciera recordad esos tiempos y propiciara que la serie me resultara agradable, sin olvidar que tuve la oportunidad de ver una versión doblada al español con voces que trabajaron en los animes de esos años.

Aika es una serie de siete ovas con un diseño clásico el estándar noventero pero aún hoy se sigue viendo bien, lo que resultará en un estilo diferente para la audiencia más joven, pero nostálgico para los veteranos. El Diseño de personajes es muy bueno, contemplando que la serie apela mucho al Ecchi y abusa del fan-service, aunque la parte de las maquinas le dan un velo de Ciencia Ficción estilo Cyberpunk sin realmente serlo que me pareció agradable.

Aika 10

La historia toma lugar en un futuro no muy lejano donde un terremoto hundió el 95% de Japón. En ese mundo postapocalíptico, que realmente no lo es del todo, ha nacido una nueva industria. Los rescatistas son personas que se sumergen en las profundidades del viejo Japón para recuperar artefactos de lo profundo. Una de esas empresas es donde trabaja Aika, una mujer muy capaz, experta en lucha y excelente piloto. Y aunque su compañía no está teniendo ganancia es feliz trabajando al lado de Rion, su compañera e hija del jefe.

La compañía de Aika es contratada para un trabajo especial cuya paga garantiza salvarlos de la bancarrota. Para ello deberán recuperar una rara tecnología llamada Ragh y entregar todos los datos al respecto a su contratante. Pero no estarán solas, pues el Ragh parece ser tan importante que deberán trabajar en equipo con Gust, el líder de la compañía rival de rescatistas y persistente pretendiente de Aika.

Aika 11

Aika, Rion, Gust (Gasto en el doblaje mexicano) y Bandra salen en busca de aquella extraña tecnología, pero son interceptados por un grupo de mujeres que los amenaza para que abandonen su búsqueda. Decididos a no dejarse intimidar, Aika y sus compañeros prosiguen su misión, hasta que son atacados y capturados por un ejército de mujeres lideradas por el perverso Hagen, un hombre que busca aquella tecnología para sus propios fines, pues el poder del Ragh le permitirá ser invencible y crear su propia utopía donde las mujeres hermosas estén a sus pies.

Nuestros protagonistas tendrán que enfrentar al ejército de mujeres de Hagen y evitar que use el Ragh para imponer su tiranía, para ello Aika se verá forzada a usar su arma secreta, un corsé fabricado con el metal ultranato (ultranate) que le da poderes y la transforma en una peleadora invencible. Aunque Hagen no se quedará atrás y creará unas pantaletas con las misma propiedades para que su hermana, con quien mantiene un romance incestuoso, pueda hacer frente a Aika.

Aika 13

La saga se divide en dos arcos. El primero es la pelea contra Hagen y el segundo la palea contra el ejército de mujeres. No obstante, el segundo arco no es tan bueno y la calidad baja mucho, incluso el final es malo. La mezcla de tecnología futurista es buena al igual que las peleas y los misterios del poder de Aika y el Ragh, sin embargo, no se explotan tanto como podría haberse hecho y al final todo se siente muy simple y con poca profundidad.

No obstantes las fallas que pueda tener, la falta de fuerza en el guion y el mal final que es demasiado simple para lo épico que podría haber resultado, es una serie divertida con buenos toques de comedia, ecchi al por mayor que nos deleita con una gran cantidad de desnudos totales y sin censura y una abismal cantidad de pantsu-shots, pues prácticamente ver bajo las faldas de las hermosas y jóvenes chicas que atiborran la pantalla es obligado en cada escena.

Aika 2

Los elementos navales y militares me gustaron sobre todo porque mezclan una estética algo vieja con un futuro que vislumbramos más avanzado, pero del que no vemos realmente nada. Muchas personas incluso catalogan la serie como Cyberpunk, pero no creo que lo sea, pues más allá de la tecnología y el trasfondo postapocalíptico, la historia se enfoca en la lucha entre Aika y el ejército de Hagen. Ni siquiera podemos decir que por estética pertenece al género, pero sí ocurre algo muy interesante al respecto, tiene elementos “punk” que nos hace generar la idea de que fuera de cámaras, en el mundo más allá de lo que vemos en pantalla, sí debe existir una sociedad cyberpunk que nunca vemos, así que podríamos decir que genera la ilusión de que por apariencia podría pertenecer al género, pero yo creo que no.

Ahora bien, algo muy desaprovechado y que justo ayuda a construir esta idea del mundo futurista cyberpunkesco es el trasfondo de la historia. Ese terremoto que destruyera Japón y dejará casi la totalidad de la isla sumergida daba para mucho más pero sólo fue usado como base para la historia y no se explotó lo suficiente, al igual que el propio trabajo de rescatista. Considero que eran elementos muy buenos pero fueron desaprovechados. Aun así la serie es una buen recomendación para quien gusta de obras con el clásico estilo noventero y desea ver algo entre futurista y de Ciencia Ficción ligera con una fuerte carga de elementos sexuales que juguetean más con lo cómico que con lo erótico.

Aika 4

El Castillo en el Cielo

El Castillo en el Cielo 1

Título Original: 天空の城ラピュタ (Tenkû no Shiro Laputa)
Género(s): Fantasía, Drama.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 1986.
Duración: 126 minutos.
Extras:

A pesar de que antes de este filme ya se había estrenado Nausicaä del valle del Viento, propiamente la primera obra de Studio Ghibli es El Castillo en el Cielo y a pesar de que ya han pasado tanto años aún al día de hoy se sigue viendo muy bien y conserva una calidad en cuanto a la animación formidable. Aun comparándola con las obras más actuales, en donde ya observamos un estilo levemente distinto, no ha perdido nada de calidad y ha logrado envejecer muy bien.

La historia tiene todo aquello que sentó las bases del afamado estilo Ghibli, con escenarios hermosos que mezclan la naturaleza con la fantasía, personajes muy bien diseñados y que visualmente nos recuerdan mucho a Nausicaä y que eran la constante en aquellas primeras obras, musical maravillosa y cuya canción principal es uno de los principales temas que saltan a la mente cuando hablamos del estudio, sin olvidar el diseño en la personalidad de los personajes, en específico el fuerte papel que las mujeres siempre han jugado en las animaciones de Miyazaki.

El Castillo en el Cielo 11

La historia gira en torno a Sheeta, una niña que ha sido secuestrada por un grupo de hombres, quienes la transportan en una nave voladora hacia algún lugar. Durante el viaje, son atacados por piratas, quienes entran a la nave a robar tesoros, siendo una piedra propiedad de la niña el que más les interesa, pues al parecer esa piedra te permite flotar. Sheeta cae de la nave durante el ataque y llega a una aldea de mineros, donde es encontrada por Pazu, un niño que trabaja como ayudante en las minas.

Pazu ayuda a Sheeta y le da refugio, pero a la mañana siguiente los pirata, pertenecientes al clan Dola, llegan a la aldea en busca de aquella misteriosa piedra con poderes, así que Pazu y otros mineros ayudan a la niña a escapar, pero son perseguidos ahora también por los militares y aquellos hombres que tenían secuestrada originalmente a Sheeta. Tratando de perder a sus perseguidores, caen en lo más profundo de una mina, donde se encuentran con Pomme, a un anciano que les habla del cristal volucite, una piedra brillante con propiedades que hacen flotar las cosas, mineral del que está hecho el dije de Sheeta y que según el viejo sólo los habitantes de Laputa, un castillo volador, sabían fabricar.

El Castillo en el Cielo 7

Sheeta es finalmente atrapada por los militares y sus intenciones se revelan, tal parece que ellos buscan Laputa pues consideran que un castillo volador con tanto poder es una amenaza a la seguridad, así que planean usar a la niña y su piedra para encontrar aquel mítico lugar. Sheete recuerda entonces cuando su abuela le enseñó algunos hechizos, uno de los cuales activa la piedra para que señale hacia la ubicación del castillo. Pazu, desesperado por salvar a Sheeta se alía con los Piratas para salvar a la niña, iniciando así una aventura que los guiará hasta Laputa, descubriendo los secretos de ese misterioso lugar y la relación que la niña tenía con aquel castillo.

Sin duda la obra es sumamente hermosa, no por nada logró captar la atención del público en el entonces joven estudio y le aseguró una excelente reputación en cuanto a su calidad para contar historias y para animar bellísimas escenas, sin olvidar la capacidad para crear mundos de fantasía. Uno de los primeros elementos que han sido una constante en las obras de Miyazaki son las naves voladoras, que ya habíamos visto en Nausicaä y que volvemos a ver aquí, con diseños que nos recuerda tanto a insectos como a gigantes buques acorazados.

El Castillo en el Cielo 5

El factor de las naves y parte de la dinámica social en la aldea de los mineros (el propio Pazu como huérfano trabajando) tiene aún una esencia muy de la posguerra, algo que también es característico de las primeras obras del estudio. La conjunción de la minería, algo que uno no esperaría ver en una película cuyo título remite a volar, con aquellas fantásticas maquinas voladores igual resulta muy interesante y genera una estética Steampunk que incluso nos permitiría considerar al filme como parte de este género (género por estética).

Otro elemento particular propio de esas primeras obras es el diseño de personajes y sus formas de interacción. Esas proporciones algo graciosas y esas peleas cómicas nos recuerdan al estilo de las viejas obras animadas de Disney, sobre todo en los personajes más robustos. Pero lo que sí es diferente y muy distintivo es sin duda el papel de la mujer como personaje fuerte y decidido que puede cargar con el peso del protagónico y hacer un papel heroico, algo que ya se había dejado claro en Nausicaä pero que se viene a confirmar aquí y que se convertiría, para bien, en el sello distintivo del estudio.

El Castillo en el Cielo 4

Hablando de mujeres, es obvio que Sheeta tiene el papel protagónico, pero quien se lleva las palmas y destaca en la pantalla por el excelente diseño de su personaje es la vieja Dola, la líder y madre de los piratas, quien es la encargada de generar la estrategia, hacer los planes, guiar y dar órdenes, pero sin dejar de ser una persona de buen corazón, a pesar de dedicarse a robar. Sin duda es un personaje maravilloso y me parece que ha sido infravalorado pues es sin duda una de las mujeres mejor construidas de entre todas las féminas poderosas que Ghibli nos ha regalado.

La construcción de ese mundo fantástico donde la ciencia y la fantasía se combinan también es otro elemento que me encantó, sobre todo el diseño y trasfondo de Laputa, perteneciente a una antigua civilización ya extinta, donde la magia da poder a maquinas con tecnología nunca antes vistas, como el propio castillo o esos robots que custodian el lugar. Esa fanta-ciencia me hizo irremediablemente recordar obras como Atlantis: El Imperio perdido, un clásico olvidado de Disney, y El Viaje a Agartha de Makoto Shinkai.

El Castillo en el Cielo 19

Esa capacidad para crear mundo fantástico es sin duda una de las características que pusieron a Ghibli en el mapa a nivel internacional y considero que para haber sido la segunda obra desarrollada por ese grupo de personas, la primera bajo el nombre de Ghibli, es sencillamente gloriosa. Aún hoy, a más de 30 años de su estreno, se siguen viendo bien, la animación conserva su calidad, la música compite con cualquier banda sonora actual y, sobre todo, logra transportarnos a un mundo de fantasía donde la magia y lo antiguo convive con una tecnología moderna a base de vapor como muy pocas obras logran hacerlo.

Sin duda una de las obras más emblemáticas de Miyazaki, un cásico obligado para todos los fan del estudio y no sólo por ser oficialmente su primera película, sino por la increíble calidad que a pesar de ello ya nos mostraba. Las obras más antiguas del estudio tienen su encanto particular y esta destaca por ello, incluso si no son seguidores de Ghibli está película les va a gusta, pues además de los aspectos que ya mencioné tiene la particularidad de ser una obra llena de acción y aventura constantes.

El Castillo en el Cielo 3

Dorohedoro Ovas

Dorohedoro ovas 0

Título Original: ドロヘドロ 魔のおまけ (Dorohedoro: Ma no Omake):
Género(s): Fantasía, Seinen.
Director: Yuichiro Hayashi.
Estudio: MAPPA.
Emisión: 2020.
Duración: 6 episodios.
Extras: Dorohedoro.

Luego de la primera temporada de Dorohedoro, se publicaron seis episodios de corta duración que componen las ovas conocidas como Ma no Omake, en ellas se cuenta de forma un poco más cómica algunos elementos de la vida cotidiana entre los hechiceros y funcionan para conocer un poco más el folclore y costumbres de ese mundo mágico así como para explicar algunos aspectos que no se mencionan en la serie.

La disparidad de las máscaras

En esta ova se explica cómo es que los hechiceros obtienen sus máscaras dependiendo el estatus que tengan y el trabajo de los artesanos como los confeccionistas.

Dorohedoro ovas 2

Una tienda para ti

En este corto conocemos cómo Nikaidô obtuvo su tienda de comida El Insecto Hambriento así como sus primeros años de vida en Hole.

Dorohedoro ovas 3

La primavera de los subordinados

Este corto es una especie de Slice of Life en el que vemos la vida de los subordinados de En al interior de la mansión cuando tienen tiempo libre. La historia se enfoca en Ebisu tratando de conseguir una fotografía.

Dorohedoro ovas 7

El cuento del invisible hombre hada de las gyozas

En este corto el protagónico lo toma un invisible hombre hada de las gyozas, el platillo estrella en el restaurante de Nikaidô y favorito de Caiman. El hombre gyoza ayuda a Nikaidô a mantener todo en orden al interior de restaurante. A este personaje lo podemos ver brevemente en el opening de la serie.

Dorohedoro ovas 4

La fiesta de los demonios

En invita a sus subordinados a una fiesta para complacer a los demonios, en la cual deben invitar a bailar a una chica o los demonios les pincharán el trasero. Conocemos un poco del pasado de Shin y Noi.

Dorohedoro ovas 6

Recuerdos de la Ohba en la brisa nocturna

El corto es un recuerdo de los años en que Caiman conoció a Nikaidô y ella le enseña a preparar las gyozas estilo ohba que tanto le gustan.

Dorohedoro ovas 1

Dorohedoro

Dorohedoro 1

Título Original: ドロヘドロ (Dorohedoro).
Género(s): Fantasía, Seinen.
Director: Yuichiro Hayashi.
Estudio: MAPPA.
Emisión: 2020.
Duración: 12 episodios.
Extras: 6 ovas.

Tenía un buen rato que no veía una serie de anime actual que fuese tan buena y me gustara tanto. Cuando supe de su estreno me llamó mucho la atención ese curioso protagonista con cabeza de lagarto, pues pensaba que la serie era como de comedia y acción irreverente, pero nada que ver, lo que encontré fue mucho mejor de lo que esperaba y superó mis expectativas con creces.

La sería es formidable a nivel técnico. En primer lugar el apartado sonoro es fabuloso, ese opening tan extraño con tintes de locura y psicodelia me fascinó, siendo sincero no recuerdo cuándo fue la última vez que disfruté tanto un opening. El diseño de personajes es igualmente excelso, con humanos trasformados en criaturas raras, hechiceros con parafernalia estrafalaria y máscaras halloweenescas que le dieron un toque muy bueno y diferente. Pero lo mejor de todo fueron sin duda los escenarios.

Dorohedoro 2

Desde el primer episodio me enamoré de Hole, la ciudad donde trascurre gran parte de la historia y hogar del protagonista. Dicha ciudad tiene una perfecta y deliciosa estética cyberpunk, con edificios abandonados y derruidos, tubos y cables por doquier, contaminación, suciedad, crimen, hacinamiento y mucha violencia. Sin duda una urbe perfecta para desplantar cualquier película del mentado género. Sin embargo, Dorohedoro no es Cyberpunk, no siquiera es Ciencia Ficción, sino Fantasía y una Fantasía Seinen muy buena, ruda y visceral que juguetea con lo Gore, y para la que curiosamente el escenario cyberpunkesco funciona mejor de lo que me habría imaginado.

La historia gira en torno a Caiman, un hombre con cabeza de lagarto que perdió la memoria, así que no sabe nada de él ni cómo es que terminó con esa cabeza. De lo único que está seguro es de que algún hechicero lo hizo, pues Hole, la ciudad donde vive, es un campo de práctica para los hechiceros que viene de otro mundo a través de una serie de puertas maginas para practicar usando a los humanos como conejillo de indias. En Hole muchas personas han sufrido mutilaciones y horrendas transformaciones debido a las prácticas de los hechiceros, lo cual mantiene a la ciudad como un lugar peligroso, pues además la magia ha dejado múltiples efectos colaterales.

Dorohedoro 6

Caiman se dedica a cazar hechiceros para hacer justicia a las víctimas y encontrar a aquel que lo convirtió en lagarto, ya que cuando un hechicero muere todos los hechizos que haya hecho desaparecen y las personas regresan a la normalidad. Para eso primero debe capturar a uno y meter la cabeza del hechicero en su hocico de lagarto, ya que en el interior al parecer hay un sujeto que le dice si es o no la persona que lo dejó así.

Junto a Caiman tenemos a Nikaidô una chica muy fuerte que trabaja en un restaurante. Nikaido y Caiman son muy amigos y ella lo ayuda a cazar hechiceros. Sin embargo, hay algo oculto en el pasado de Nikaidô que puede ayudar a resolver el secreto de la cabeza de Caiman y el hombre al interior de su boca. Para encontrar respuestas viajan al mundo de los hechiceros donde deberán enfrentar demonios y a En, un mafioso con mucho poder en aquel mundo que se dedica a eliminar a los hombres con cruces en los ojos, una organización criminal que al parecer es la respuesta que Caiman busca, pues su cara de lagarto tiene las mismas marcas que distinguen a los miembros de esa organización. Apoyado por sus subordinados Ebisu, Fujita, Shin y Noi, En se convierte en el nuevo enemigo de Caiman.

Dorohedoro 10

La serie tiene un desarrollo grandioso pues la forma en que va evolucionando las cosas, agregando dificultades a los protagonista y rebelando más secretos que complejizan la trama es genial y logra mantenerte enganchado e interesado. Además, las batallas y poderes que vemos entre los hechiceros y demonios también son atractivas, sobre todo por ese toque tan japonés de dar poderes raros, exagerados e inverosímiles a sus personajes, como En, quien puede convertir lo que sea en hongos.

La forma en que relaciona los eventos entre Caiman, En, los tipos con cruces en los ojos y Nikaidô tiene tinte de serie de detectives, pues En funge como un líder criminal, por el hecho de ser tan rico, poderoso y respetado en el mundo mágico. Y si a eso le agregamos que poseen magia, las cosas se vuelven más interesantes. Sobre todo porque con forme avanza la historia podemos ir conociendo más sobre el mundo de los hechiceros, la forma en que funciona su magia y algunas de sus tradiciones, como el trabajar en parejas, la necesidad de una máscara, el papel que juegan lo demonios en ese mundo como seres superiores a los hechiceros, entre muchas otras tradiciones que hace de ese lugar un mundo rico en folclore que, aunque no se tan obvio, eleva mucho la calidad de la historia.

Dorohedoro 13

La serie tiene toques de comedia pero también de Gore, lo que le da un gusto muy particular, sin olvidar que el diseño de sus personajes me recuerda al que se hacía a principios de siglo con personajes un poco más robustos y mucho menos estilizados. La estética, por su parte, sobre todo la urbana que como ya mencioné fue mi preferida, en específico la ciudad de Hole, me remite a obras cyberpunk como el video musical de Extra de Ken Ishii o al trabajo de Tatsuyuki Tanaka en Cannabis Works.

Sin duda una serie grandiosa cuya primera temporada te deja picado y con ganas de saber más y resolver los misterios entre Caiman y su cabeza de lagarto, las habilidades de Nikaidô y los planes de En para hace frente a los ojos cruzados. Si son fans del anime con estética más ruda y punk esta serie les va a encantar, también si les gusta de esa fantasía cruda y violenta para adultos donde el mundo mágico no es un lugar bonito, sino lleno de conspiraciones y gente cruel que sólo busca lograr sus objetivos. Una estupenda serie que nos regala un vistazo menos amable de lo que puede ser la Fantasía.

Dorohedoro 13

Saikano

Saikano 1

Título Original: 最終兵器彼女 (Saishû Heiki Kanojo).
Género(s): Romance, Drama, Tragedia, Ciencia Ficción.
Director: Mitsuko Kase.
Estudio: Gonzo.
Emisión: Julio – septiembre 2002-
Duración: 13 episodios.
Extras: Saikano: Another Love Song.

Mi Novia El Arma Definitiva fue uno de los primeros animes que vi en el ya lejano 2007, cuando empecé a ver anime con conciencia de qué era eso de la animación japonesa y hoy he vuelto a verlo para darle la merecida reseña que se merece. Y debo decir que me sorprendió más de lo que esperaba, pues no recordaba que la historia fuese tan dramática como resultó serlo. La obra se basa en el manga homónimo de Shin Takahashi y nos cuenta una historia de amor ensombrecido por el drama de la guerra.

La calidad de animación ya tiene sus detalles pues el tiempo no ha pasado en balde y ha logrado envejecerla, aunque se sigue viendo bien y como muchas series de principios de siglo mantiene un estilo que por momentos nos remite a ese diseño rudo característico de los noventa. En general los escenarios están bien pero se ven brumosos y deslavados lo cual les reduce detalle, aunque tampoco es para quejarse. El diseño de personajes es bueno al igual que su desarrollo, para algunos podrían parecer quizás demasiado emocionales, pero teniendo en cuenta el tipo de historia creo que quedan bien. Lo que sí es muy destacable es la banda sonora, me gustó mucho desde aquella primera vez que la vi y aún hoy se escucha excelente, además de que usa un truco común en esa década que consistía en reproducir la misma canción con diferentes tonadas o instrumentos y eso me trajo buenos recuerdos.

Saikano 2

La historia gira en torno a Shuji, un estudiante de preparatoria con el típico estilo rudo y serio que le hace verse más malo de lo que es, era deportista así que tiene una buena capacidad física. Shuji acepta ser el novio de Chise, una chica pequeña, tímida y algo torpe, pero muy linda de personalidad y con buenos sentimientos. Chise se declara a Shuji y este acepta salir con ella, todo es miel sobre hojuelas en el primer capítulo donde parece ser una serie más de romance estudiantil, pero pronto las cosas cambian. Sin saber cómo Chise se transforma en una poderosa arma del ejército.

Al parecer Chise es capturada por el ejército y transformada en una especie de robot-arma con un poder destructivo impresionante. Todo parece indicar que los rumores de una guerra en las islas sureñas de Japón y otras partes del mundo son ciertos y el ejército japonés planea usar a Chise como un arma secreta para ganar el conflicto. Mientras tanto, en la pequeña ciudad costera de Hokkaido donde viven los protagonistas todo sigue en paz, hasta que un ataque inesperado a Sapporo, la capital, deja al descubierto que la guerra es real. A partir de ese momento la historia se va tornando cada vez más dramática a causa del sufrimiento que le causa a Chise su transformación en arma y el propio conflicto bélico.

Saikano 10

Lo que me sorprendió de la serie en esta segunda revisión fue como en un sólo capítulo pasa de lo melosos y súper tierno, incluso medio cursi, a lo triste y eventualmente a un drama bastante crudo y que desemboca en tragedia, cosa que logra debido a esa combinación de ternura que aporta Chise que contrasta con un muy crudo trasfondo de guerra.

Otro recurso para incrementar el drama es el uso de la narración tomando a alguno de los protagonistas, sobre todo a Shuji, algo que ya no se usa mucho pero que para este caso creo que resulta acertado, aunque por momentos quizás si abusan de la narración. Y también el recurso de la crueldad, pues si bien ya tenemos un trasfondo bélico que proporciona crueldad por sí mismo, el hecho de hacerle lo que le hacen a Chise también es muy feo, pues la despojan de todo, hasta de su humanidad, bajo el pretexto de que era la única forma para ganar la guerra.

Saikano 8

Y es justo la parte bélica una de las que más me atrapó, pues vemos como la relación entre ambos protagonista florece y se degrada, al igual que el cuerpo de Chise y la sociedad. El cuerpo por la transformación, la sociedad por la guerra y la relación por los dos anteriores (eso y la propia inexperiencia de ambos pues era su primera relación). Pero en lo que respecta a la guerra, me encanta que al principio todo se ve normal, luego los rumores del conflicto crecen, llegan los primeros ataques, la comida y medicinas empieza a escasear, los militares se apoderan de la ciudad y al final la escuela termina siendo un campo de refugiados y los estudiantes abandonan las clases, algunos para huir del conflicto otro para unirse a la milicia, todo de manera gradual pero constante, haciendo que el fantasma de la guerra siempre este allí.

Y creo que esa forma en que van escalando el conflicto es una de las razones por las que la obra se torna tan dramática, pues a pesar de los horrores que una guerra provoca, todavía llegamos a ver pequeños momentos de normalidad y cotidianidad en los que los protagonistas puede hacer su vida normal y ser felices, lo que hace aún más crudo sus momentos de separación. Incluso me recordó a Evangelion, donde más o menos hasta el capítulo 18 hay una normalidad y luego viene una debacle muy dramática y eso mismo pasa aquí, cuando dicha normalidad se pierde sólo queda el drama.

Saikano 3

Entre los temas más obvios que aborda la historia es el relacionado con las relaciones afectivas. En varias ocasiones los protagonistas se preguntan qué significa salir con alguien y vemos desde pequeños e incluso tiernos talles que tienen el uno por el otros hasta conflictos más serios relacionados con la supervivencia, pues tener a alguien especial puede darte motivos para seguir adelante, pero también puede ser que estar solo te cause menos dolor y al no tener que preocuparte por nadie te sea más fácil sobrevivir.

También la parte de la Ciencia Ficción es interesante y de hecho fue lo que en un principio me motivó a verla, pues ver a Chise transformada en ese ángel de la muerte con piezas de metal saliendo de su cuerpo (muy a lo Tetsuo) visualmente me impactó. Y es que ese uso de Cyberware en una obra de drama y romance es algo que podríamos creer que no combina pero cuyo resultado final es muy bueno.

Saikano 11

Ahora bien, la transformación de Chise puede extrapolarse a cualquier cosa. Ella sufre por su transformación en arma, ser cada vez menos humana y tener que alejarse de Shuji para ir a la guerra, sin olvidar el dilema moral de tener que matar a otros para proteger a los suyos y el obvio complejo hacia su propio cuerpo por dicha transformación, pero eso puede aplicar a cualquier cosa cotidiana que una pareja puede enfrentar, un accidente o una enfermedad, por ejemplo. El apoyo y la solidaridad de pareja es lo que aquí se muestra, ya que vemos todo lo que Shuji trata de hacer para que Chise sea feliz. La historia muestra la típica separación de dos amantes debido a que uno se va, pero enfocándose en la perspectiva de aquel que se queda.

La serie es muy buena y recomendable, es una historia de romance y drama donde el drama y el sufrimiento son el factor principal, pero no deja de ser tierna en ningún momento lo que le da un estilo muy particular. Además, el hecho de no llegar ni al extremo de lo cursi ni al extremo de lo crudo deja a la historia con un balance muy disfrutable, aunque personalmente no recordaba lo trágica que se va poniendo. Una excelente recomendación para los fans del anime de la vieja escuela y para quienes gustan de los dramas con romance y desenlace triste.

Saikano 6