Soul Eater NOT!

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Título Original: ソウルイーターノット! (Sôru Îta Notto!).
Género(s): Slice of Life, Sobrenatural, Comedia, Ecchi.
Director: Masakazu Hashimoto.
Estudio: Bones.
Emisión: Abril – Julio 2014.
Duración: 12 Episodios.
Extras: Soul Eater.

La primera vez que vi Soul Eater, luego de que mi editor la recomendara, quedé muy complacido con el argumento, secuencias de acción y diseño de los personajes. Después me enteré que el anime termina de forma muy diferente a la historia original, pero ya no investigué más el asunto. Años más tarde llega a mi lista de recomendados Soul Eater NOT! y en lo personal, estaba muy interesado en regresar a ese mundo fantástico habitado por personajes tan extravagantes.

Pero no todo resultó como esperaba, pues esta nueva serie (adaptación de un manga spin-off del mismo autor) es una precuela a la serie original con un tono y ritmo muy diferentes. Las comparaciones entre ambas son inevitables. Mientras que Soul Eater es una aventura de acción en toda regla, NOT! es un apacible slice-of-life enfocado a la comedia y la vida escolar. Aunque ambas tienen lugar en el mismo universo, nos muestran dos extremos completamente opuestos.

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La historia sigue a Tsugumi Harudori una joven cuya vida da un giro completo al descubrir que tiene la capacidad de trasformarse en un arma demoníaca. Para aprender a controlar sus nuevas habilidades decide enlistarse en el Shibusen, la escuela donde Armas y Técnicos se preparan para defender al mundo de todo tipo de amenazas. Una vez ahí, es asignada a la clase NOT, compuesta por estudiantes novatos, en contraste con la élite, perteneciente a la clase EAT.

Tsugumi también debe escoger a un Técnico para formar un equipo, pero en el primer día conoce a otras dos estudiantes Meme Tatane y Anya Hepburn, que buscan tomarla como compañera. Las tres chicas se vuelven buenas amigas y nuestra protagonista enfrenta la difícil decisión de dejar fuera a una de ellas. La serie sigue la vida diaria de las tres conforme inician su nueva vida juntas y tienen encuentros ocasionales con personajes de la serie original.

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El apartado técnico es aceptable, aunque existen numerosos descensos en la calidad y fluidez de la animación. En comparación con Soul Eater, las limitadas secuencias de acción son notablemente inferiores, con movimientos toscos y lentos. El argumento se toma su tiempo al avanzar y no es hasta los episodios finales que existe un villano definido y un objetivo real para el grupo de protagonistas, aunque el desenlace es en cierta medida decepcionante.

Los personajes principales cumplen su cometido, es divertido ver sus peripecias diarias sobre todo con personalidades tan distintas, pero casi siempre son desplazadas por el cameo de algún protagonista del la serie original. El fan-service es constante, pero no lo suficiente para tomar un primer plano. La mayoría de los personajes nuevos no tienen esa extravagancia característica, salvo la antagonista principal, quien acapara las cámaras cada vez que aparece.

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Por sí misma, NOT! es una serie entretenida que casi por casualidad está ambientada en el caótico mundo de Soul Eater; por su estilo, contenido y enfoque, es totalmente diferente a lo que ya vimos y estamos acostumbrados. A diferencia de su antecesora, que cuenta con más de 50 episodios, tiene la duración exacta para disfrutarse sin problemas. No llega a ser demasiado apresurada, ni redundante a tal grado que se vuelva letárgica o insufrible.

Puede que Soul Eater NOT! no satisfaga a todos los fans del Soul Eater original, pero si estás dispuesto a pasar por alto algunos detalles en la animación, es una experiencia divertida llena de referencias y con suficientes conexiones a la obra primigenia para ganarse su lugar como digna precuela. Es interesante adentrase en este universo desde un punto de vista distinto, más cotidiano y despreocupado, mientras disfrutamos de las interacciones entre estos nuevos personajes y como afrontan su día a día.

Long Riders!

Título Original: ろんぐらいだぁす! (Ronguraidāsu!).
Género(s): Spokon, Comedia, Shôjo.
Director: Tatsuya Yoshihara.
Estudio: Actas.
Emisión: Octubre 2016 – Febrero 2017.
Duración: 12 Episodios.
Extras:

Durante mediados de 2016 empezó a circular por Twitter una imagen promocional de la adaptación de un anime de deportes, específicamente el ciclismo, un deporte que ha tenido relativa popularidad en el último lustro dentro de la animación japonesa. Y en este caso aquella imagen que me atrajo tanto (y que encabeza este post) era sobre el anime Long Riders!.

Para ser honesto aquella imagen hizo que me interesara por verla y elevó mis expectativas más de lo debido, tanto que cuando por fin la tuve en pantalla quedé un poco desilusionado, pues me imaginaba una historia épica llena de emoción y acción sobre ciclismo de larga distancia y no una tranquila y relajada serie Shôjo sobre bicicletas.

La calidad técnica en general es aceptable. Los escenarios no están mal pero la mezcla de algunos gráficos por computadora hace que por momentos luzcan sumamente artificiales y acartonados. Una pena porque la historia obliga a mostrar diversos escenarios rurales; aunque en la segunda mitad de la serie parece que dejan un poco este tipo de gráficos y los remplazan por escenas 2D más tradicionales pero que no son para nada sobresalientes.

En lo que respecta a la música podemos decir que es aceptable y está acorde al nivel general de la obra. Lo que sí se queda bastante corto es el diseño de personajes, pues esto son muy genéricos y responden a los estereotipos del anime comercial que llevamos viendo al menos la última década. Aunque el mayor problema es que los personajes llegan a sentirse vacíos y algunos de plano son un relleno más que inútil sin algún tipo de función o aporte. Y lo más curiosos es que no hay personajes masculinos hasta el capítulo cuatro y siempre son incidentales.

La historia gira en torno a Ami, la típica chica torpe que de un momento a otro se ve interesada por el mundo del ciclismo. Aoi, su mejor amiga, quien casualmente es ciclista, la va adentrando poco a poco en el ciclismo de larga distancia. Eventualmente las rutas que toman las lleva a conocer a Hinako, Yayoi y Saki, tres chicas de su misma universidad con amplia experiencia en el cicloturismo y el ciclismo de gran fondo, como los Brevets y las Flèche, modalidades del ciclismo en las que se recorren de 200 a 1200 km.

Con el paso del tiempo y gracias a los recorridos que Ami hace con sus nuevas amigas queda completamente sumergida en ese nuevo mundo. Empieza a equiparse y a aprender las cosas básicas como montar una llanta o dar mantenimiento a su equipo. Sin olvidar las peripecias que tiene que pasar en el trabajo para lograr comprar los nada económicos aditamentos para su bicicleta.

Si bien la historia es muy sencilla, tiene muchos puntos flojos y podemos resumirla como: un anime genérico de deportes para niñas, tiene aspectos rescatables. Por ejemplo, la forma en que te explican las distintas modalidades del ciclismo, los diferentes aditamentos, tipos de bicicletas y equipamientos que necesitas para un recorrido de 200 km o una bajo la lluvia o incluso uno nocturno resultan en un muy buen aprendizaje que logra el objetivo fundamental de la serie, que es promover el deporte y el interés por el ciclismo.

Algo que me encantó fue el realismo que ponen en los precios de los productos y el agotamiento físico que sufriremos si decidimos iniciar un nuevo deporte. Con el paso de los meses Ami empieza a ganar condición física y a lograr recorrer transectos cada vez más largos y difíciles.

Si bien las cosas sobre ciclismo que te enseña y el interés que te puede generar para practicarlo son parte fundamental del objetivo de la serie, me parece que lo verdaderamente importante es el mensaje de amistad y cómo el tener personas con quién compartir una afición o actividad puede llevarte más lejos de lo que podrías llegar tu sólo. Sin olvidar el hecho de que tus amigos en ocasiones te impulsan a realizar cosas que tú no te animabas a hacer pero que terminan por ser grandes experiencias que de otra manera nunca habrías vivido.

La forma en que las amigas engañan a Ami para recorrer rutas más largas o escarpadas a pesar de sus quejas termina por expandir su mundo y la llevan a conocer lugares, personas y comidas que nunca imaginó conocer. Y el hecho de que esté destinado a un público femenino hacen que ese mensaje de amistad cobre un poco más de fuerza. Y aunque no deja de ser genérico, el hecho de que sus personajes parezcan niñas de doce años a pesar de tener alrededor de 20 le dan un toque ligeramente diferente; porque es obvio que si es un Shôjo no va a tener fan-service.

Tengen Toppa Gurren Lagann

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Título Original: 天元突破グレンラガン (Tengen Toppa Guren Ragan)
Género(s): Mecha, Acción, Aventura, Comedia.
Director: Hiroyuki Imaishi.
Estudio: Gainax.
Emisión: Abril-Septiembre 2007.
Duración: 27 episodios.
Extras: Childhood’s End, The Lights in the Sky are Stars, Parallel Works.

Luego de disfrutar Little Witch Academia y Kill la Kill, dediqué un tiempo a buscar otras obras del mismo estudio para continuar maravillándome con su trabajo, pero para mi sorpresa Trigger era una empresa aún joven en el ámbito de la animación japonesa con muy pocas obras en su catálogo. Luego, al indagar un poco respecto de sus orígenes continuamente resaltaba cierto patrón, en cualquier fuente o página que consultara siempre se repetían cuatro palabras: Tengen Toppa Gurren Lagann.

En un futuro lejano, la humanidad ha sido desplazada de la superficie terrestre; las pocas aldeas que quedan se han adaptado a una vida completamente subterránea. Acosados por terremotos continuos y ataques de terribles hombres-bestia, sobreviven como pueden bajo el régimen tiránico del Rey Espiral. Kamina y Simon son dos jóvenes amigos pertenecientes a una de estas aldeas cuyo sueño es salir a la superficie, pero constantemente son reprimidos por sus semejantes.

Durante una excavación para ampliar la comunidad, Simon desentierra un enigmático robot que únicamente se activa al usar otro misterioso artefacto con forma de taladro. Las cosas dan un giro completo cuando la aldea sufre el ataque de otro robot gigante; Kamina sugiere usar el mecha recién descubierto para combatir la amenaza y con la ayuda de una extraña chica llamada Yoko vencen al Gunmen. Una vez en la superficie, los tres forman una alianza para derrocar al Rey Espiral.

Tengen Toppa Gurren Lagann fue una de las últimas producciones que el equipo fundador de Trigger realizó antes de separarse de Gainax, incluso comparte director con Kill la Kill, lo cual origina multitud de semejanzas entre ambas series. Lo primero que salta a la vista es el impecable apartado técnico que se mantiene casi en todos los episodios; aunque en varias ocasiones se llega a percibir un sutil descenso en la calidad, la animación es fluida y llena de vitalidad.

El argumento es simple: los protagonistas deben derrotar a los enemigos, ganar power-ups y vencer al jefe final. Pero también se enriquece con interesantes historias paralelas que tocan todo tipo de temas más serios, para lograr una perfecta mezcla entre acción, comedia, romance y drama. En ningún momento la historia deja de ser interesante y realmente se siente un progreso que va desde combates a pequeña escala en ciudades subterráneas hasta conflictos de proporciones galácticas.

Existe gran variedad entre personajes y todos ellos están bien construidos; nos muestran todo tipo de facetas y tienen motivos reales para seguir su propio camino. Aunque en un principio los clásicos mensajes de “la amistad es lo más importante” o “cree en ti y conseguirás cualquier cosa” están presentes, no salen repentinamente de la nada y a menudo se nos muestra el arduo esfuerzo que cada quien dedicó a la culminación de sus objetivos.

La serie es exagerada y a menudo no la podemos tomar en serio, sin embargo Gurren Lagann va más allá para entregar un paquete completo de diversión para todas las edades con la duración perfecta y al final, casi de forma furtiva, transmitir un profundo mensaje al espectador. Las secuencias de acción son increíbles y presenciamos todo tipo de batallas entre poderosas máquinas que se desarrollan sobre todo tipo de entornos llenos de sorpresas.

Tengen Toppa Gurren Lagann es una serie de proporciones épicas, con un apartado técnico, sonoro y gráfico de primera, apoyado por un argumento en un principio simple, pero lleno de pequeños detalles y sub-tramas que aumentan su profundidad hasta niveles insospechados. Es una recomendación obligada para todo fan de la animación japonesa; una obra que se disfruta sin problemas desde el primer episodio y que sin duda marcó el comienzo de una nueva era.

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Ghost in the Shell 2: Innocence

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Título Original: 攻殻機動隊: イノセンス (Kôkaku Kidôtai: Innocence).
Género(s): Ciencia Ficción /Cyberpunk / Technoir, Seinen.
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2004.
Duración: 99 minutos.
Extras: Ghost in the Shell.

Entre los grandes titanes animados del Cyberpunk, hay dos películas que sobresalen de entre todas las demás: Akira y Ghost in the Shell. El Fantasma Cibernético, cómo se le tradujo en Latinoamérica, tuvo su segundo largometraje nueve años después de la icónica primera parte. Y aunque no es una secuela como tal, sino una historia ambientada en el mismo universo a manera de spin-off, es una digna representante de tan grandiosa saga.

El apartado técnico el asombroso, pese a un par de escenas en CGI que en lo personal me parece que desentonan con el estilo de animación que vemos en el resto del filme, pues lucen muy artificiales. Los escenarios, por otra parte, son maravillosos, si la primera película se inspiró en la extinta ciudad de Kowloon, este lo hace además de Blade Runner. Esa arquitectura visceral, industrial y decadente alcanza uno de los puntos más altos en esta obra. La música es igualmente buena ya que es una extensión del soundtrack de la primera entrega. Y el diseño de personajes mantiene su buen nivel.

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La historia gira en torno a Batou, el detective ciborg ex compañero de la Mayor Kusanagi, quien al parecer ha desaparecido en la red. Batou, junto a Togusa, son comisionados para investigar misteriosos asesinatos perpetrados por ginoides dedicadas al servicio sexual. Durante sus investigaciones los dos detectives descubrirán un intrincado plan por parte de la empresa que fabrica a los robots para implantar un “fantasma” dentro de los cuerpos artificiales.

La historia es compleja y muy profunda no en cuando al caso policiaco en sí, sino a ese constante juego con la filosofía, las leyes asimovianas y los conceptos de conciencia, alma, identidad, personalidad e individualidad que se cuestionan, como muchas obras del género hacen, sobre qué tan humanos son los humanos o qué tan parecidos a nosotros son nuestra creaciones artificiales llamadas robots. Además de tomar como base los conceptos del Determinismo Biológico y mezclarlos de manera magistral con el diseño de los androides.

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Además de lo densa que puede resultar, sobre todo en la parte final, me encanta el hecho de mostrar a un Batou más ciborg y menos humano en un principio e ir profundizando en su psique hasta dejarnos ver esa parte más sentimental e incluso melancólica del personaje. En la primera película hay muchos diálogos donde la Mayor Kusanagi se cuestiona cosas sobre su propia identidad como ciborg, esas mismas preguntas empiezan a rondar en la mente de Batou y creo que logran darle una profundidad introspectiva por momentos superior a la que alcanza Kusanagi en la entrega anterior.

Los conflictos con la mafia, los hackers y virus, la mezcla de folclore e hiperfuturismo y el constante trasfondo político inherente en toda la saga hacen de esta película algo visceral, crudo y violento; elementos prácticamente indispensable en un buen cyberpunk. La acción da paso a momentos de calma e introspección, así como a escenas totalmente complejas y plagadas de información difícil de digerir en primera instancia, sobre todo para quienes recién se adentran al género.

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El concepto de “fantasma” o alma que pretenden implantar en las ginoides a fin de que quebrantes las leyes de la robótica de Asimov y escapen al control humano tiene múltiples lecturas y explicaciones. Si para la explicación de las acciones humanas se retoma al Determinismo Biológico, para las inesperadas acciones de los robots se parte totalmente de los postulados del autor ruso. ¿Qué pasa cuando un androide es desechado, cuando ha adquirido conciencia de sí mismo, cuando se le ha implantado un fantasma? A caso deja de ser robot y se acerca más a lo humano, y si es humano por qué le tememos tanto; cuestiones abordadas por el Valle Inexplicable (Uncanny valley).

Para los más familiarizados no es tan compleja realmente, sobre todo porque la forma en que se desarrolla la historia te permite hacer una lectura simple y suficiente para entender qué esta pasado o bien profundizar a conciencia en todos los conceptos filosóficos y científicos para poner a trabajar tu cerebro un buen rato tratando de entender la visión transhumanista que maneja la obra. Una grandiosa película, una recomendación obligada para los amantes del género y una digna sucesora de una de las obras cyberpunk más importantes de todos los tiempos.

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La Leyenda de Korra

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Título Original: The Legend of Korra.
Género(s): Acción, Fantasía, Drama, Aventura, Comedia.
Creado por: Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko.
Estudio: Nickelodeon Animation Studio, Ginormous Madman, Studio Mir y Studio Pierrot
Emisión: 14 Abril 2012 – 19 Diciembre 2014.
Duración: 52 episodios.
Extras: La Leyenda de Aang.

Tras la conclusión de Avatar, los creadores se tomaron un merecido descanso; el recién formado fandom se encargaría de mantener un interés constante por este nuevo universo en los meses siguientes y hasta se lanzaron un par de novelas gráficas para expandir la historia original. Varios años más tarde se anuncia el desarrollo de una secuela animada en toda regla; pero en esta ocasión no regresaban los personajes originales, pues esta era una nueva historia: La Leyenda de Korra.

Setenta años han pasado desde el fin de la Gran Guerra y el Avatar Aang ha partido ya hacia el otro mundo; el título de Avatar es heredado a Korra, una joven impetuosa y rebelde nacida en la Tribu Agua del Sur. Al contrario de su predecesor, Korra está más que dispuesta a cumplir con su misión sagrada y ya domina tres de los cuatro elementos a temprana edad. Sin embargo, el Aire Control sigue estando fuera de su alcance, aún con un descendiente directo de Aang como maestro particular.

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Para avanzar en su entrenamiento deciden trasladarse a Ciudad República, la metrópolis donde no hay distinciones entre raza u origen. Sin embargo, las personas comunes comienzan a sentirse oprimidas por aquellos maestros capaces de controlar los elementos. Surge una rebelión dirigida por el misterioso Amón y pronto la situación escapa al control de las autoridades locales. El Avatar decide entrar a la acción a la vez que descubre la verdadera naturaleza de este nuevo mundo.

La serie consigue superar el increíble apartado técnico de su predecesora: animación, apartado sonoro y argumento son todos de primer nivel; resulta imposible evitar compararlas: la primera tenía un tono más enfocado al humor, mientras esta segunda parte se siente más madura y oscura. Expande de forma magnífica ese mundo al que solo echamos un vistazo en la primera parte y este elenco de nuevos personajes es más que bienvenido.

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Korra en particular, es una protagonista extremadamente dinámica; durante la serie presenciamos su trasformación de una peleadora temeraria a un poderoso ser en equilibrio espiritual. Sus acompañantes a menudo no están a la altura, en contraste con Equipo Avatar original, pero los villanos son verdaderamente interesantes; cada uno pelea por sus propias creencias con un ímpetu increíble. Es realmente entretenido presenciar los enfrentamientos y razones detrás de cada uno.

Las escenas de combate son magníficas e incluyen todo un repertorio de técnicas nuevas. Al mismo tiempo, la atmósfera es muy diferente: mientras que el Avatar original estaba ubicado en una especie de época feudal, el mundo de Korra parece más bien una ciudad industrializada de los años veinte. Luego de la guerra se dio un gran impulso a todas las artes y ciencias; nuevas tecnologías aparecen cada día y con ellas nuevas amenazas o formas de ver el mundo.

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Por el contexto en el que vive, quizás el viaje de Korra sea más difícil que el de sus antecesores. Durante la serie se nos dan más datos respecto de este mundo, su historia, sus tradiciones y cómo lo ancestral lucha por coexistir con todos estos adelantos científicos. A menudo aparecen, o se hace referencia, a personajes que conocimos en el viaje anterior, añadiendo un toque casi nostálgico y alegre cada vez que aparecen en pantalla.

Mi principal temor en un principio era que la historia no “despegara” lo suficiente para consolidarse como algo independiente, y tuviera que recurrir a estos constantes cameos o reenvíos a la original para mantener nuestra atención. Por fortuna estuve equivocado y ahora puedo decir que esta segunda parte puede considerarse una de las mejores secuelas en el ámbito de la animación. Todo se siente más rápido, agresivo, poderoso y en paralelo, aún más real.

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Por supuesto, el humor continúa siendo parte elemental de esta bella mezcla y el romance tiende a colocarse en primer plano en multitud de ocasiones. También se tocan muchos temas novedosos en una serie enfocada a un público infantil y que de nuevo puede ser disfrutada por cualquiera sin problemas. Quizás uno de sus pocos defectos es que el ritmo se siente un tanto apresurado, y sigue existiendo ese molesto episodio de relleno que resume toda la historia.

A pesar de ser diferente, oscura y hasta caótica en comparación con su antecesora, La Leyenda de Korra es una digna sucesora a esta genial historia. De nuevo se puso especial cuidado en cada detalle para entregar otra historia épica e intrigante, pero suficientemente original, situada en este maravilloso mundo donde lo místico y lo tecnológico logran coexistir, poblado por increíbles personajes que consiguen dejar huella permanente en el espectador.

Monstruo

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Título Original: Monster.
Género(s): Mockbuster, Found Footage, Survival-Horror.
Director: Erik Estenberg.
Emisión: 2008.
Duración: 84 minutos.
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Sólo existen dos razones por las que alguien podría haber visto esta película: (1) o eres un neófito en el cine y caíste en la trampa del Mockbuster, o (2) eres un versado cinéfago que de hecho gusta de ver este tipo de producciones de baja calidad. Cómo lo más probable es que seas del primer grupo, empecemos con una muy breve explicación de lo que es el Mockbuster.

Los Mockbusters son películas de bajo presupuesto (no confundir con Serie B ni VideoHome) que basan sus títulos en obras Hollywoodenses de gran popularidad e incluso lanzan sus producciones antes o a la par de los filmes de renombre con la intención ya sea de hacer una especie de parodia o de vender sus obras aprovechando la confusión de las personas que comprar sus DVD por error creyendo que es la película de moda. Para el caso específico de Monster, el gancho fue Cloverfield (2008).

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No obstantes al enojo que te puede producir el haber comprado una de estas película y descubrir que es una producción hecha con 2 pesos y con efectos más chafas que los de cualquier canal de YouTube, es importante mencionar que este tipo de filmes tiene un nicho de consumidores muy particular que de hecho disfruta viendo estas cosas. Así que pueden tomar esta reseña como una advertencia para no tirar su dinero o como un análisis más en caso de que quieran adentrarse en este peculiar y muy mal hecho cine.

La historia gira en torno a dos hermanas cineastas que viajan a Tokio para hacer un documental sobre el calentamiento global y el Protocolo de Kioto. Mientras están realizando una entrevista un terremoto azota la ciudad, pero al parecer no se trata de un movimiento tectónico, sino de algo que está atacando la ciudad.

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Las chicas se encuentran con otro joven estadounidense quién les ayuda a llegar a la embajada para salir del país. En su camino descubren que Tokio está bajo el ataque de un monstruo gigante con tentáculos que al parecer ha salido de las profundidades de la tierra. A partir de ese momento todo se convierte en una lucha por salir de la ciudad y mantenerse con vida.

La premisa suena muy interesante y prometedora, aunque no deja de ser otra película de Kaijus y de hecho sigue el mismo formato de Cloverfield: un inicio como de video blog donde las chicas hablan de cualquier tontería justificando su viaje a Japón, la entrevista y luego el caos que da paso a la acción; todo en tan sólo 11 minutos. Debemos admitir que incluso es más rápida en ese aspecto que el mismo Cloverfield, pero más aburrida sin duda. Aunque la actitud de los japoneses que parecen ocultar algo le da un pequeño toque de misterio.

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Como toda película Found Footage que se respete, debe tener partes de la cinta estropeadas, fallos de cámara y audio, nula banda sonora, entre otros errores hechos adrede. Los efectos son pésimos como buen Mockbuster, con aviones en CGI más piratas que películas chinas y un monstruo que nunca se ve por completo, pues sólo se aprecia un poco de sus tentáculos en tres ocasiones.

La película tampoco cuenta con efectos especiales, ni locaciones con cosas destruidas, todo lo “real”, es decir, lo que no es CGI barato, son escenas tomadas por mero oportunismo y totalmente descontextualizadas. En las escenas de acción todo se limita a close up a la cara de las chicas.

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Si todo en cuanto a efectos, valores de producción y música es malo, ya ni siquiera vale la pena hablar de la actuación ni la construcción de personajes. Todo está tan mal hecho que hace ver al VideoHome como una obra de alta calidad. Los sonidos de gritos y destrucción seguramente son robados de algún otro video y en las escenas donde se ve gente corriendo se reciclan extra, pues estos se ven pasar una y otra vez en segundo plano.

Entre los aspecto que te hacen dudar sobre qué tan chafa es realmente, es el hecho de que el DVD que puede comprarse en México tiene doblaje, y un doblaje de actores profesionales. Otro elemento es el de los escenarios, pues parece como si realmente hubiese sido filmada en Japón, aunque en los créditos dice que fue en Los Ángeles.

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Una mierda de película sin duda, una obra a evitar rotundamente pero un obligado para ese público “conocedor” que por alguna razón disfruta de este tipo de obras tan mal producidas. Porque algo hay que reconocerle al Mockbuster y es el hecho de lograr que sus pésimas producciones no sólo sean llevadas y vendidas en otros países, sino incluso sean dobladas por profesionales como si de una gran producción se tratara.

Monster es, en mi opinión, todo un clásico de The Asylum, productora tras obras tan aberrantes pero populares como Sharknado y otras barbaridades emitidas por el canal SyFy, aunque no todo es tan malo, pues ellos también son la gente detrás de series tan entretenidas como Z Nation. No es una película ni un género al que si quiera deban darle una oportunidad, pero si por alguna razón ya se adentraron en este tipo de cine, como yo, sí es una película que deben ver.

Yu-Gi-Oh! The Dark Side of Dimensions

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Título Original: ブレイブルーアルターメモ (BureiBurū Arutā Memori)
Género(s): Fantasia, Juegos de Cartas, Sobrenatural.
Director: Satoshi Kuwabara.
Guión: Kazuki Takahashi.
Estudio: Konami, Studio Gallop y Nihon Ad Systems.
Emisión: 23 Abril 2016.
Duración: 131 minutos.
Extras: Bonds Beyond Time

El año pasado se conmemoró el vigésimo aniversario de la popular franquicia creada por Kazuki Takahashi. Para cerrar la celebración se estrena también una nueva película animada que continúa los eventos del anime y manga originales. Aunque soy gran seguidor del juego de cartas basado en la obra primigenia, el anime jamás me interesó demasiado, en gran medida debido a los ligeros ajustes que se realizan regularmente al juego por motivos de argumento.

El juego real y el anime tienen una relación simbiótica, a tal grado que quizás no podrían sobrevivir el uno sin el otro. Mientras que disfruté el inicio de la serie original cuando apareció por primera vez en televisión abierta, pronto perdí el interés al mismo tiempo que los capítulos dejaban de transmitirse. Hasta mucho tiempo después decidí saltarme todos esos episodios no televisados para ver sólo el combate final y descubrir la conclusión de la historia.

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Las películas anteriores, La Pirámide de la Luz y Lazos Más Allá del Tiempo, tampoco fueron muy impresionantes pero para mí resultaron mucho más atractivas que el anime. Luego de ver un par de adelantos de esta tercera entrega, quedé impresionado, pues se notaba un tremendo aumento en la calidad, además de prometer un tono más serio. Por supuesto, la película se estrenó en Japón y trascurrió más de medio año antes de que llegara a América; por desgracia, no en nuestro país.

The Dark Side of Dimensions tiene lugar seis meses después de la conclusión de la historia original, luego de que Yugi Moto venciera en el Duelo Ceremonial a su compañero el Faraón Atem para permitirle trascender hacia el otro mundo. Yugi y sus amigos continúan con sus vidas, pero hubo alguien quien no estaba dispuesto a terminar su historia aún: Seto Kaiba. Kaiba busca a toda costa tener un último duelo contra Atem para recuperar su honor y nada podrá detenerlo.

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Reconstruye el Rompecabezas del Milenio con la ayuda de la más avanzada tecnología de KaibaCorp y pretende que Yugi le ayude a convocar de nuevo al legendario duelista. Pero sus planes no pasarán desapercibidos, pues un misterioso grupo decide intervenir para evitar la resurrección de Faraón. La situación escala hasta convertirse en un conflicto entre tres partes. Como es costumbre en este mundo, la única forma de solucionar esto es mediante feroces partidas en un conocido juego de cartas.

La película tiene un apartado técnico de primera, con animaciones fluidas y una excelente banda sonora. Sin embargo, debo hacer énfasis en que la versión que llegué a ver está doblada al inglés por lo que seguramente los diálogos no reflejan las intenciones originales del guión y en su lugar tenemos lamentables bromas fuera de lugar. Además, la música original fue reemplazada en su totalidad, de acuerdo con los fragmentos de la versión japonesa que he logrado ver en la red.

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Los personajes tienen un aspecto actualizado que les infunde más dinamismo y se hace buen uso de los gráficos generados por computadora para enfatizar el poderío de los monstruos convocados durante un duelo. El argumento no es tan complicado; incluye un par de tramas paralelas que se alternan continuamente, pero en la recta final una de ellas toma precedencia sobre la otra. La duración también es de resaltar, pues es considerablemente más larga que sus antecesoras.

En lugar de un único duelo estelar que sirve como clímax de la aventura, El Lado Oscuro de las Dimensiones nos permite disfrutar de cinco duelos diferentes muy bien diferidos a lo largo de todo el filme. La cinta usa reglas más parecidas a las del juego real, aunque no podían faltar ciertas modificaciones que se realizan para añadir más drama. Podemos volver a ver monstruos icónicos como el Dragón Blanco de Ojos Azules o el Mago Oscuro, pero además versiones actualizadas de varios clásicos.

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El personaje más atractivo de la película es sin duda Kaiba, quien regresa a ser un hombre despiadado que no se detiene ante nadie para conseguir sus metas. En multitud de ocasiones desplaza a los demás personajes, sobre todo en el primer duelo. Los enfrentamientos son en verdad interesantes, combinando todo tipo estrategias; aunque ninguno de ellos es muy largo el intercambio de jugadas es dinámico, acompañado por excelentes efectos visuales y una que otra sorpresa.

Con un argumento sorprendentemente sólido y excelente calidad en animación, The Darkside of Dimensions consigue ser más que otro producto enfocado a aprovecharse de la nostalgia. Quizás, uno de sus únicos puntos débiles sea su larga duración. Dejando a un lado ese aspecto, la película es una recomendación obligada para todo fan del juego de cartas y del anime en especial, pues constituye un final definitivo a la historia que lo inició todo.