Matrix

Matrix 1

Título Original: The Matrix.
Género(s): Ciencia Ficción / Cyberpunk / Wirepunk.
Director: Lana (Laurence) y Lilly (Andrew) Wachowski.
Emisión: 1999.
Duración: 131 minutos.
Extras: The Matrix Reloaded, The Matrix Revolutions.

He mencionado a Matrix muchas veces en el blog, pero no me había dado el tiempo para escribir la reseña en forma, principalmente porque no quería hacer algo simple dada la complejidad e importancia que la película tiene en el cine y la Ciencia Ficción en general, además de que hay poco que pueda decir de la historia que no se haya dicho ya, a pesar de ello bien se merece su propia entrada.

Matrix es quizás una de las películas de culto en Ciencia Ficción más afamada de todas, tanto que logró colarse en la cultura pop y se ha mantenido vigente en más de veinte años. La película no sólo nos regaló una intrincada historia sobre un futuro apocalíptico donde el concepto de realidad es cuestionado, sino que trajo consigo además a personajes que se han convertido en grandes clásicos de la cultura pop y un vanguardista y novedoso método de hacer cine, con tomas y efectos espectaculares que marcaron un antes y un después.

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La historia es simple, un hombre llamado Thomas Anderson tiene el presentimiento de que hay algo mal con el mundo, de que algo no es del todo real. Anderson, mejor conocido como Neo en la red es un hacker y es contactado por un grupo de piratas informáticos liderados por Morfeo. Neo logra contactarse con Morfeo y éste le explica que la Matrix es real y que el mundo donde vive es una simulación. Neo es después despertado y constata con sus propios ojos que los humanos son esclavos de las máquinas, cultivados para fungir como baterías y mantenidos bajo control por una simulación llamada Matrix que nos hace percibir el mundo como real.

Bajo esa premisa la obra explota muchas cosas. El primer y más obvio de los temas es el concepto de realidad, que si bien no era la primera vez que una obra de Ciencia Ficción lo cuestionaba sí fue la primera vez que se popularizó tanto. Ya en Ghost in the Shell se había cuestionado esto, pero más enfocado en qué tan artificial o humana puede ser una mente cibernética, anime que de hecho influyó a los entonces hermanos Wachowski en su filme. Pero lo que Matrix hace no es cuestionar un cerebro artificial, sino la propia percepción de la realidad. “La Matrix lo hace real” dice la frase, entonces si no podemos confiar en nuestros sentidos pues la percepción puede ser alterada, cómo podemos definir qué es real y que no. No profundizaré más en este concepto porque espero hacerlo algún día en el podcast.

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Otro de los elementos destacados es la propia rebelión contra las máquinas. No se explica mucho en la película pero lo poco que se dice es suficiente para tener un planteamiento sólido sobre el cual desplantar las futuras historias sobre dicha lucha entre máquinas y humanos, como lo vemos al Animatrix. Aunque aquí también podemos decir que no fue sólo la propia creación de máquinas complejas, sino la creación de Inteligencia Artificial, pues como lo menciona el propio Agente Smith; “cuando empezamos a pensar por ustedes se convirtió en nuestra civilización” y eso nos da oportunidad de cuestionar qué tan apropiado sería desarrollar una inteligencia artificial capaz de superarnos, tema que desde entonces ha sido el punto de partida de muchas películas y series hechas en años posteriores.

La cuestión del género también es importante mencionarla, pues si bien en un principio tengo la impresión de que Matrix era más bien underground, la popularidad que ha logrado ganar impulsó al Cyberpunk en el gusto de un público menos especializado, digamos que fue quizás Matrix quien puso en el mapa al Cyberpunk y lo colocó dentro del gusto de público occidental (pues en Japón muchos años ante ya teníamos a grandes exponentes). Aunque como ya he mencionado en otras entradas, Matrix si bien sí es Cyberpunk corresponde a otro subgénero más específico que es el Wirepunk, pues ese sí se enfoca en la parte cibernética y de Hackers.

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Ahora bien, también es importante destacar que en ese entonces (1999) la computación, las redes, el internet y las realidades virtuales no eran algo popular en todo el mundo, apenas estaba iniciando, por lo que podemos considerar que la película sí de adelantó a su tiempo, aunque no mucho, pues cada vez estamos más cerca de vivir en un Metaverso donde todo gire en torno a la red, aunque todavía muy lejos (tal vez no tanto) de ser una realidad que nos controle al grado de abstraernos por completo del mundo real. Creo que Matrix puso al alcance de todo el mundo a los piratas informáticos y los convirtió en un tema más mainstream.

Esa cuestión de que la Matrix es una neurosimulación generó incluso toda una corriente dentro de las teorías de la conspiración que se dedican a buscar fallos en la realidad para constatar que, en efecto, vivimos en una simulación y la Matrix es real. Aunque más allá de la realidad generada por computadora algo que considero un aporte más valioso es ver a la humanidad sometida y reducida a ser el ganado eléctrico de las máquinas, donde ya no hay una lucha, sino una simple resistencia. Ese temor de construir algo mejor que nosotros y que termine por someternos, ha sido una de las temáticas primigenias que nacieron casi a la par del género.

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Aunque a pesar de todo lo tecnológico, la historia se rige por un concepto de divinidad y misticismo, al tener elementos como el elegido, el oráculo o la profecía. Dichos elementos logran acoplarse y dan cierto sabor a la historia, pero considero que son la parte más débil de toda la trama, aunque quizás eso y la leve historia de amor (un tanto forzada para mi gusto) permite que el público no especializado es este género pueda sentirse un poco más identificado, lo cual pudo haber propiciado la popularidad del filme.

También tenemos una propia historia para la Matrix, pues se explica cómo mediante ensayo y error fue calibrando dicha simulación para ofrecer el entorno ideal donde la humanidad viviera bajo el completo control de las máquinas. Cuando el Agente Smith nos habla de una versión anterior de la Matrix que no funcionaba pues era una utopía, no hace cuestionarnos si la sociedad ideal es tan inalcanzable que incluso las máquinas no lograron que viviéramos felices para siempre.

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Además de los temas que la obra popularizó, también están los directores. Desde este filme el apellido Wachowski ganó un peculiar renombre, sobre todo entre los fans del nicho, lo mismo con los actores principales como Keanu Reeves, Lauren Fishburn, Carrie-Anne Moss y Hugo Weaving. Sin mencionar lo icónicos que se volvieron sus personajes dentro del mundillo de la Ciencia Ficción y la cultura pop, Trinity, Neo, Morfeo y el Agente Smith son sin duda reconocidos por todo cinéfilo.

Junto a la popularidad en personajes y actores tenemos también todo el aporte que ha hecho a la cultura pop y que se ha mantenido vigente aún hoy en varios memes. La lluvia de códigos verde, las píldoras roja y azul, el déjà vu y esa asombrosa toma en cámara lenta y con giros de 360 grados fueron una completa innovación en la forma de ver y hacer cine. Tanto que dichos elementos han sido parodiados y referenciados en un sin fin de otras obras.

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Pero la parte visual no se queda allí, los escenarios urbanos underground con esa paleta de colores verdosa nos remite de inmediato al mundo de las computadoras, y a la par de los escenarios tenemos la parafernalia y en general toda la estética que nos remite a la artificial virtualidad de un mundo programado. Esos trajes de cuero negro y gabardinas largas se volvieron tan icónicos como todo lo demás. E incluso los efectos por computadora son grandiosos, pues aún hoy, a más de veinte años la gran mayoría se siguen viendo bien.

Sin duda una obra muy recomendable, un ícono en toda la extensión de la palabra de lo que debe ser un buen Wirepunk y una de las películas de Ciencia Ficción más importantes de todos los tiempos, pues no sólo explota temáticas interesantes, sino que nos hace cuestionarnos sobre cada una de ellas, sin olvidar que es muy entretenida, tiene geniales efectos, sorprendentes escenas de acción y una extraordinaria banda sonora.

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Saikano

Saikano 1

Título Original: 最終兵器彼女 (Saishû Heiki Kanojo).
Género(s): Romance, Drama, Tragedia, Ciencia Ficción.
Director: Mitsuko Kase.
Estudio: Gonzo.
Emisión: Julio – septiembre 2002-
Duración: 13 episodios.
Extras: Saikano: Another Love Song.

Mi Novia El Arma Definitiva fue uno de los primeros animes que vi en el ya lejano 2007, cuando empecé a ver anime con conciencia de qué era eso de la animación japonesa y hoy he vuelto a verlo para darle la merecida reseña que se merece. Y debo decir que me sorprendió más de lo que esperaba, pues no recordaba que la historia fuese tan dramática como resultó serlo. La obra se basa en el manga homónimo de Shin Takahashi y nos cuenta una historia de amor ensombrecido por el drama de la guerra.

La calidad de animación ya tiene sus detalles pues el tiempo no ha pasado en balde y ha logrado envejecerla, aunque se sigue viendo bien y como muchas series de principios de siglo mantiene un estilo que por momentos nos remite a ese diseño rudo característico de los noventa. En general los escenarios están bien pero se ven brumosos y deslavados lo cual les reduce detalle, aunque tampoco es para quejarse. El diseño de personajes es bueno al igual que su desarrollo, para algunos podrían parecer quizás demasiado emocionales, pero teniendo en cuenta el tipo de historia creo que quedan bien. Lo que sí es muy destacable es la banda sonora, me gustó mucho desde aquella primera vez que la vi y aún hoy se escucha excelente, además de que usa un truco común en esa década que consistía en reproducir la misma canción con diferentes tonadas o instrumentos y eso me trajo buenos recuerdos.

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La historia gira en torno a Shuji, un estudiante de preparatoria con el típico estilo rudo y serio que le hace verse más malo de lo que es, era deportista así que tiene una buena capacidad física. Shuji acepta ser el novio de Chise, una chica pequeña, tímida y algo torpe, pero muy linda de personalidad y con buenos sentimientos. Chise se declara a Shuji y este acepta salir con ella, todo es miel sobre hojuelas en el primer capítulo donde parece ser una serie más de romance estudiantil, pero pronto las cosas cambian. Sin saber cómo Chise se transforma en una poderosa arma del ejército.

Al parecer Chise es capturada por el ejército y transformada en una especie de robot-arma con un poder destructivo impresionante. Todo parece indicar que los rumores de una guerra en las islas sureñas de Japón y otras partes del mundo son ciertos y el ejército japonés planea usar a Chise como un arma secreta para ganar el conflicto. Mientras tanto, en la pequeña ciudad costera de Hokkaido donde viven los protagonistas todo sigue en paz, hasta que un ataque inesperado a Sapporo, la capital, deja al descubierto que la guerra es real. A partir de ese momento la historia se va tornando cada vez más dramática a causa del sufrimiento que le causa a Chise su transformación en arma y el propio conflicto bélico.

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Lo que me sorprendió de la serie en esta segunda revisión fue como en un sólo capítulo pasa de lo melosos y súper tierno, incluso medio cursi, a lo triste y eventualmente a un drama bastante crudo y que desemboca en tragedia, cosa que logra debido a esa combinación de ternura que aporta Chise que contrasta con un muy crudo trasfondo de guerra.

Otro recurso para incrementar el drama es el uso de la narración tomando a alguno de los protagonistas, sobre todo a Shuji, algo que ya no se usa mucho pero que para este caso creo que resulta acertado, aunque por momentos quizás si abusan de la narración. Y también el recurso de la crueldad, pues si bien ya tenemos un trasfondo bélico que proporciona crueldad por sí mismo, el hecho de hacerle lo que le hacen a Chise también es muy feo, pues la despojan de todo, hasta de su humanidad, bajo el pretexto de que era la única forma para ganar la guerra.

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Y es justo la parte bélica una de las que más me atrapó, pues vemos como la relación entre ambos protagonista florece y se degrada, al igual que el cuerpo de Chise y la sociedad. El cuerpo por la transformación, la sociedad por la guerra y la relación por los dos anteriores (eso y la propia inexperiencia de ambos pues era su primera relación). Pero en lo que respecta a la guerra, me encanta que al principio todo se ve normal, luego los rumores del conflicto crecen, llegan los primeros ataques, la comida y medicinas empieza a escasear, los militares se apoderan de la ciudad y al final la escuela termina siendo un campo de refugiados y los estudiantes abandonan las clases, algunos para huir del conflicto otro para unirse a la milicia, todo de manera gradual pero constante, haciendo que el fantasma de la guerra siempre este allí.

Y creo que esa forma en que van escalando el conflicto es una de las razones por las que la obra se torna tan dramática, pues a pesar de los horrores que una guerra provoca, todavía llegamos a ver pequeños momentos de normalidad y cotidianidad en los que los protagonistas puede hacer su vida normal y ser felices, lo que hace aún más crudo sus momentos de separación. Incluso me recordó a Evangelion, donde más o menos hasta el capítulo 18 hay una normalidad y luego viene una debacle muy dramática y eso mismo pasa aquí, cuando dicha normalidad se pierde sólo queda el drama.

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Entre los temas más obvios que aborda la historia es el relacionado con las relaciones afectivas. En varias ocasiones los protagonistas se preguntan qué significa salir con alguien y vemos desde pequeños e incluso tiernos talles que tienen el uno por el otros hasta conflictos más serios relacionados con la supervivencia, pues tener a alguien especial puede darte motivos para seguir adelante, pero también puede ser que estar solo te cause menos dolor y al no tener que preocuparte por nadie te sea más fácil sobrevivir.

También la parte de la Ciencia Ficción es interesante y de hecho fue lo que en un principio me motivó a verla, pues ver a Chise transformada en ese ángel de la muerte con piezas de metal saliendo de su cuerpo (muy a lo Tetsuo) visualmente me impactó. Y es que ese uso de Cyberware en una obra de drama y romance es algo que podríamos creer que no combina pero cuyo resultado final es muy bueno.

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Ahora bien, la transformación de Chise puede extrapolarse a cualquier cosa. Ella sufre por su transformación en arma, ser cada vez menos humana y tener que alejarse de Shuji para ir a la guerra, sin olvidar el dilema moral de tener que matar a otros para proteger a los suyos y el obvio complejo hacia su propio cuerpo por dicha transformación, pero eso puede aplicar a cualquier cosa cotidiana que una pareja puede enfrentar, un accidente o una enfermedad, por ejemplo. El apoyo y la solidaridad de pareja es lo que aquí se muestra, ya que vemos todo lo que Shuji trata de hacer para que Chise sea feliz. La historia muestra la típica separación de dos amantes debido a que uno se va, pero enfocándose en la perspectiva de aquel que se queda.

La serie es muy buena y recomendable, es una historia de romance y drama donde el drama y el sufrimiento son el factor principal, pero no deja de ser tierna en ningún momento lo que le da un estilo muy particular. Además, el hecho de no llegar ni al extremo de lo cursi ni al extremo de lo crudo deja a la historia con un balance muy disfrutable, aunque personalmente no recordaba lo trágica que se va poniendo. Una excelente recomendación para los fans del anime de la vieja escuela y para quienes gustan de los dramas con romance y desenlace triste.

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Lolita (1962)

Título Original: Lolita.
Género(s): Romance, Drama,
Director: Stanley Kubrick.
Emisión: 1962.
Duración: 153 minutos.
Extras:

Una de las películas y obras literarias más controversiales de la historia es Lolita, novela escrita por Vladimir Navokob en 1955, quien también fungió como guionista de la primera adaptación a manos de Stanley Kubrick en 1962. La razón es porque la trama se centra en la relación romántica entre un hombre de 40 años y una niña de 12 años (17 al final de la historia), lo que por supuesto ha sido motivo de sorpresa para la clase más conservadora, y también el hecho de que la protagonista del primer filme (Sue Lyon) tuviera 14 años al momento del rodaje.

La historia ya muchos la deben conocer o al menos saben de manera general de qué trata, así que lo resumiré brevemente. Un escritor llamado Humbert Humbert pasa el verano en New Hampshire donde se hospeda en la casa de la señora Charlotte Hazel, quien tiene una hija de catorce años (doce en la novela) de quien Humbert quedó prendado a primera vista. La chica es malcriada y algo vulgar, pero le hace leves insinuaciones al escritor que termina enamorado de ella. Por su parte, la madre se enamora de Humbert y este termina casándose con ella como una forma para poder estar con la niña. Después la madre muere en un accidente y Humbert se queda con Lolita pero ella lo abandona.

Esa es la premisa básica la cual puede diferir un poco de la novela y la adaptación de 1997. Antes de hablar del argumento hay que mencionar la parte técnica. La música está bien al igual que la dirección de cámaras y todo eso, muy de la época, es una película a blanco y negro pero que se ve muy bien. No podríamos tener demasiadas quejas teniendo a Kubrick a cargo. La parte que más llamó mi atención fue el tipo de actuación, que es algo propio de la década de 1960 hacia atrás, donde los actores eran más teatrales e interpretaban a sus personajes de una forma que ahora concebiríamos como exagerada y artificial, pero que era el método actoral de esa época. A mí en lo personal no me gusta, de hecho muchas de esas películas viejas en inglés me son difíciles de entender a pesar de saber el idioma y tener un buen nivel en comprensión (listening), es esa forma de entonar los diálogos que hace que esas películas me aburran mucho, aunque casualmente en esta película no me pasó eso.

Otro elemento que me pareció interesante fue que la película, al ser vieja, empieza a parecer costumbrista, pues podemos ver elementos de la vida cotidiana en aquella época que al día de hoy ya no se acostumbran, por ejemplo, el fumar en todos lados, sobre todo en interiores, el tipo de ropa y los autos, la parafernalia y la estética también nos atan a la década en particular, sin olvidar la parte de segregación racial (abordada muy levemente) y la manera en que se realizan las reuniones.

Ahora sí, la parte controversial que más escandaliza a algunos y atrae a los más pervertidos, la sexualidad explícita en niñas, tema recurrente en la obra de Nabokov. Lo primero que tengo que decir es que si lo quieren es una película erótica o pornográfica no la encontrarán aquí, si quieren algo más subido de tono vean la adaptación del 97, ya si de plano quiere algo explícito busquen cierta versión porno rusa de Lolita en su portal preferido donde podrán ver lo que quieren. De hecho, a mi parecer la obra es muy leve en cuanto a la sexualización de la niña, cosa que responde un poco a la década en que se filmó y a la edad de la actriz y razón por la cual la adaptación de Adrian Lyne está más subida de tono.

Como seres humanos somos seres sexuados por naturaleza, así que sin importar la edad no debería negarse la sexualidad innata a cualquier persona ni establecer una edad para que sea socialmente aceptable que una niña empiece a tener deseos sexuales. No obstante, la controversia de la historia no es tanto por las insinuaciones que Lolita podría haber o no hecho a Humbert, sino por el hecho de que Humbert era un hombre maduro que se sintió atraído por la niña e hizo varias cosas para manipular la situación y estar con ella. Lo que la sociedad ha visto mal es que ese hombre se aprovechara de la inocencia de la niña para satisfacer sus deseos, sin mencionar que cuando se casa con la madre de Lolita, la niña se convierte en su hijastra.

Lo anterior nos lleva a una de las interpretaciones más comunes y críticas hacia la obra de Novakob, y es que lo que la historia logra es hacernos sentir empatía por un pedófilo (aunque Humbert no sería estrictamente un pedófilo, al menos no en el filme, pues Lolita ya estaba en la pubertad, por lo que es este caso sería un efebófilo). Sentir empatía por una persona con ese tipo de deseos sexuales es lo que considero más ha escandalizado a la sociedad, pues la moral nos dice que no debería agradarnos un sujeto así.

Y allí es donde yace una de las interpretaciones que se le ha dado a la historia. Dicha interpretación dice que toda la obra está narrada desde el punto de vista de un pedófilo, que las insinuaciones de Lolita nunca existieron y que todo fue parte de las retorcidas fantasías que Humbert tenía. Y en efecto, en varias escenas vemos esas paranoias en el protagonistas, que no sé si sea realmente porque esa es la verdadera interpretación de la historia o por el estilo de suspenso y terror psicológico que Kubrick maneja y plasma inevitablemente en todas sus obras, pero esa obsesión del protagonista con la chica, sus celos, delirios de persecución y fantasías homicidas nos muestran una mente desequilibrada.

Personalmente creo que la teoría de que todo estuviera en su mente, sea o no cierta, hace más interesante el trasfondo y queda mejor con la he hechura de Kubrick, pero la historia donde Lolita sí siente algo por Humbert y tiene una sexualidad precoz y sus insinuaciones son reales y responden a un deseos sexual sería un tema todavía más complejo e interesante de discutir, sobre todo por esa manía que nuestra sociedad tiene de negar la sexualidad en niños y ancianos, sin considerar lo que ya dije antes de que todos los seres humanos somos seres sexuados desde el nacimiento hasta la muerte y es algo que debería verse más normal pero que la sociedad occidental ha escandalizado; tema que en uno de mis libros favoritos, Hombres Salmonela en el Planta Porno (de Yasutaka Tsuitsui el maestro de la metaficción japonesa) se aborda de manera excelente.

Si no se escandalizan con facilidad y el tema de la sexualidad en las niñas no les molesta, la película y la novela son una gran recomendación para ustedes, sobre todo porque podríamos plantear si el escandalizarse por niñas de catorce años ejerciendo su sexualidad con adultos debería ser realmente un tema tan estigmatizado o si el hecho de que lo sea y trate de negarse y ocultarse es lo que realmente genera todos los problemas. Quizás si el tabú dejase de serlo y el tema fuese abordado de manera directa con las y los adolescentes, los problemas derivados de ese tipo de relaciones podrían disminuir. Recordemos que el tratar de ocultar el problema por la pena de hablar de él sólo lo hace más grande.

Another Earth

Título Original: Another Earth.
Género(s): Ciencia Ficción, Drama.
Director: Mike Cahill.
Emisión: 2011.
Duración: 92 minutos.
Extras:

Creo que en alguna entrada ya había comentado sobre esa manía que tengo de comprar películas en DVD únicamente a partir de su portada, y bueno, esta fue una de esas películas que compre por dicho motivo, pues la imagen de una bella chica con un planeta detrás de ella me pareció muy evocadora, sin mencionar que los premios ganados en la edición 2011 del festival de cine de Sundance auguraban una buena historia.

Personalmente considero que hay tres tipos de obras de Ciencia Ficción, las de temáticas complejas y difíciles de entender, que requieren ser vistas más de una vez por lo intrincado de su trama o elementos científicos que contienen (aquí iría la Ciencia Ficción Dura), las que sólo buscan entretener al espectador con escenas de acción y vistosos escenarios (digamos la Ciencia Ficción más comercial) y otras que no son para nada comerciales y pueden o no ser complejas, lo que las caracterizan es la profundidad de sus argumentos en un sentido más humano, en ellas la Ciencia Ficción es un pretexto para contar un drama personal y desarrollar a los personajes de una manera más introspectiva. Another Earth pertenece a este tercer tipo y aunque no es para todo público, hoy —luego de haberla visto unas tres o cuatro veces— puedo considerarla mi película de Ciencia Ficción preferida.

La historia sigue a Rhoda, una chica de diecisiete años sumamente brillante, gracias a su inteligencia ha sido aceptada en la universidad. Una noche, mientras regresaba de una fiesta escucha en las noticias que los astrónomos han encontrado un nuevo planeta que es visible desde la tierra como un pequeño punto azul, Rhoda mira por la ventana de su auto y mira aquel nuevo cuerpo celeste, pero se distrae y choca contra otro auto matando a un niño y a su madre y dejando al padre en coma. Rhoda va a prisión por cuatro años.

Cumplida su condena, la chica regresa con sus padres, su hermano pequeño ahora irá a la universidad y ella ha perdido todo, la oportunidad de estudiar y la confianza para tratar con la gente. Alienada y destruida, busca un trabajo para ganarse la vida e ingresa como conserje en su antigua preparatoria. Sintiendo una enorme culpa por el accidente que destrozó su vida y la de una familia, viaja hasta el lugar del accidente y ve al hombre que dejó en coma, lo sigue para disculparse y descubre que el hombre vive en una casa totalmente descuidada y padece una enorme depresión. Incapaz de disculparse inventa que es parte de un servicio de limpieza y empieza a trabajar en la casa de John Burroughs, víctima del accidente.

La convivencia entre ambos les ayuda a seguir adelante, Rhoda cree que al hacer cosas buenas por John y ayudarlo a salir de su depresión se apaciguará su culpa, al tiempo que la presencia de John reconforta y le regresa la confianza a Rhoda. Mientras el drama personal ocurre, aquel punto azul que distrajera a Rhoda años antes ahora es visible plenamente desde la Tierra y es más grande que la Luna, lo suficiente para distinguir a simple vista que ese planeta es idéntico al nuestro, por lo cual se ha llamado Tierra 2.

A lo largo del filme vamos viendo los intentos de los científicos por comunicarse con Tierra 2, donde descubre que ese planeta que se acerca cada vez más a nosotros es un planeta espejo, idéntico en cada detalle a nosotros, con personas iguales a nosotros que incluso han tenido las mismas experiencias segundo a segundo. El desconcierto y temor en la población no se hace esperar, pero una empresa organiza un viaje hasta Tierra 2 y sortea un boleto, al no tener nada es este mundo, Rhoda decide participar para viajar a donde las cosas podrían ser diferentes.

La premisa de Ciencia Ficción del planeta espejo da para muchas cosas que pueden llegar a ser muy complejas. En el filme un científico plantea la teoría del Espejo Roto, y dice que en el momento en que ambas Tierras se vieron dejaron de estas sincronizadas y por ende las cosas empezaron a ser diferentes. Esta posibilidad permite dar un giro argumental que puede ser feliz o dramático dependiendo de cada espectador, pues el final se deja completamente abierto, pero puede ser que en el momento en el que Rhoda vio ese punto azul dejó de estar sincronizada son su otra yo de Tierra 2 y el accidente que arruinó su vida podría nunca haber pasado. Aunque el final es tan genial que nos deja con esa incógnita.

Toda la obra es el drama personal de la chica que perdió lo que pudo ser un futuro prometedor en un segundo, pero en todo momento siempre está presenta Tierra 2, es decir, no se deja de lado la parte de Ficción en el filme y eso es lo que más me gusta, pues la Ciencia Ficción impacta directamente con todo lo que ocurre con los personajes, no sólo está de fondo, es parte activa del desarrollo de la trama y eso es muy difícil de lograr, pues algunas obras se centran tanto en el drama que se olvida la ficción, mientras que otras sólo usan al género como mero escenario de fondo, aquí Tierra 2 tiene tanta injerencia en el desarrollo de la historia que bien podría considerarse un personaje más.

El dilema de encontrarse con uno mismo también es igualmente intrigante y complejo. Si existiera otra Tierra con otro de ustedes igual en cada aspecto y con las mismas experiencias vividas, ¿qué se preguntarías al encontrarse? Además de eso, el ensayo que escribe Rhoda para ganar el boleto a Tierra 2 es hermoso y muy alusivo a los viajes, sobre todo al hacer referencia de que en muchos de los viajes de conquista y descubrimiento quienes se embarcaron fueron personas que no tenían nada y justamente deseaban empezar de cero y eso nos permite ver lo destruida que estaba la chica luego de aquel accidente.

La actuación de Brit Marling, quien además participó en la creación del guion, es maravillosa, pues logra mostrarnos lo mal que estaba Rhoda realmente, aunque John (William Mapother) también lo está, ambos lo están y su compañía les ayuda a salir adelante. Ese sufrimiento que ambos personajes enfrentan y la leve esperanza que significa Tierra 2 da un toque de luz a toda la melancolía del filme, que es una melancolía fría y aletargada y no de esa emocional y llena de lágrimas, lo cual me agradó mucho. Aunque eso requiere que, para poder disfrutar de la película, sepamos apreciar el tipo de Ciencia Ficción que es, porque a primera vista ni siquiera parece pertenecer al género, pero lo es y es una obra excelente y muy digna que nos muestra que no todo deben ser vistosas explosiones con artilugios futuristas.

En la parte técnica también es muy buena, la cromática azul de las escenas le va increíble al igual que la música melancólica con tonadas de violín, sin olvidar las tomas de cámara en mano que le dan un toque de película de baja calidad a propósito, los retazos de escenas cotidianas que nos cuentan un poco el día a día como especie de Slice of Life resumido y el uso de narrador para acentuar la introspección de los personajes (recurso que a muchos exquisitos del cine no les gusta, pero que yo considero funciona perfecto con esta historia). También las escenas de Tierra 2 son bellísimas, pues el simple hecho de ver otro planeta tan cerca del nuestro además de la Luna es suficiente para desencadenar la imaginación del espectador y hacerlo crear sus propios mundos y posibilidades.

No voy a mentir y decir que la película es emocionante y llena de acción porque no lo es, no es de ese tipo de Ciencia Ficción, es la historia lenta que raya en lo letárgico y que seguramente no le va a gustar a todo el mundo, ni siquiera a todos los fans de la Ciencia Ficción, es para un público muy particular que puede apreciar el drama inmerso en una temática de Ciencia Ficción y la razón de por qué me gusta tanto es justamente porque logra el balance perfecto entre ambos géneros y los hace interactuar de forma maravillosa. Similar a lo que vemos en Moon, pero más melancólica.

La primera vez que la vi me gustó pero me pareció muy lenta, conforme más la he visto he entendido más cosas, aunque esta es una de esas películas que sin duda requiere un momento y ambiente adecuados para verse. En esta ocasión, cuando la vi decidido a reseñarla, ya no me pareció letárgica ni lenta, entendí y aprendí a apreciar el ritmo, disfrute de sus diálogos que juegan a ser poéticos y más complejos de lo que realmente son, me maravilló el frío generado por la cromática azul y que alude al planeta que se acerca a nosotros, pude percatarme de que Tierra 2 siempre está presente a cada momento de la película y lo mucho que impacta a los personajes, aprecie las tonada que logran ese halo melancólico en todo momento y entendí dos posibles finales más, uno trágico y otros más bien neutro, ni tan trágico como el que entendí ahora ni tan feliz como el que entendí las primeras veces que la vi.

Another Earth es una película grandiosa que creo que no ha sido lo suficientemente valorada, tampoco es muy conocida y creo que por eso me gusta tanto, sobre todo por la forma en que echa a volar mi imaginación con la simple escenas de Rhoda caminando por la costa con un enorme planeta de fondo, pues aunque no lo parezca y todo pase siempre en la Tierra, la historia es sobre un viaje espacial, ya que detona los mismos sentimiento de incertidumbre y emoción por descubrir lo desconocido, aun si lo desconocido somos nosotros mismos y esa es seguro otra metáfora que aún me falta entender. Y bueno, Brit es una actriz que me parece sumamente atractiva y mentiría si digo que eso no influyó en que me encantara tanto su personajes, a pesar de siempre verse meditabunda y desalineada. Por esas razones y otras que seguro no puedo describir aún es que —al día de hoy— la considero mi película de Ciencia Ficción Favorita, aunque no es una recomendación para todo público, pero si soportan el letargo de una historia lenta, podría gustarles.

El Día Después de Mañana

Título Original: The Day After Tomorrow.
Género(s): Ficción Especulativa.
Director: Roland Emmerich.
Emisión: 2004.
Duración: 124 minutos.
Extras:

En lo que respecta a películas apocalípticas sobre desastres naturales, El Día Después de Mañana siempre ha sido una de mis preferidas, pues habla de un tema que bien podría causar el fin de la humanidad que es el cambio climático. Ya había yo mencionado en la entrada sobre Ficción Especulativa que dicho género parte de la pregunta ¿qué pasaría si? y aborda temas que ya han ocurrido o podrían ocurrir, como impactos de meteoritos, terremotos, tsunamis, tormentas, pandemia o un drástico cambio climático (para el momento en que se publique esto habrá pasado un mes de las nevadas que dejaron un paisaje similar al de la película en Estados Unidos y Canadá).

Ahora bien, gran parte de ese tipo de películas tiene aspectos súper exagerados, como 2012 y si bien esta no escapa a ese problema, es una película que me gusta bastante porque de entre todos los desastres naturales que podríamos enfrentar éste era uno de los que más me llamaba la atención vivir, a diferencia de una pandemia que resultó ser lo que nos ha tocado a todos. De cualquier forma, si bien un virus difícilmente acabará con la humanidad el cambio climático es uno de esos problemas por los que deberíamos estar más preocupados, ya que no habría vacuna para ello.

La historia se centra en el climatólogo Jack Hall, quien predice que el acelerado derretimiento de los polos generará un desequilibrio en las corrientes oceánicas capaz de provocar un cambio climático a gran escala y el cual tendría como consecuencia una nueva era glaciar. Dado que sus investigaciones no pueden precisar cuándo podría ocurrir esto, los políticos encargados del asunto no lo toman en cuenta, hasta que los impredecibles cambios climáticos empiezan a ocurrir y todo parece apuntar a una inminente nueva edad de hielo.

Tornados devastadores, huracanes nunca antes vistos, inundaciones, tormentas y granizos gigantes empieza a presentarse por todo el mundo. Distintos científicos tratan de explicar el inusual comportamiento climático y todo parece apuntar a que la teoría de Jack es correcta y ya ha empezado a pasar. Mientras los científicos y políticos se enfrentan por las decisiones que deben tomar para salvar vidas, nuestro protagonista lidia con su propio drama familiar, pues su hijo, Sam,  ha viajado a Nueva York para una competencia escolar, demasiado al norte para estar a salvo, así que mientras todos viajan lo más al sur que pueden él y sus colegas se internan en la tormenta para rescatar a su hijo y a sus amigos.

La trama en esencia es realmente simple, la parte científica sobre el cambio climático es interesante y las escenas de devastación son apropiadas. El drama familiar lo entiendo, pero también me es un poco molesto que las películas estadounidenses siempre apelan a ese tópico como elemento principal (al igual que la parte patriótica) y hacen que la tormenta pase un poco a segundo plano. El protagonista y su hijo tenían cierto distanciamiento debido a que el trabajo del padre lo mantenía lejos de casa, pero creo que si buscaran la forma, el simple hecho de tener que sobrevivir a una tormenta que puede congelarte en segundos podría ser suficiente para mantener la atención del espectador.

La historia particular del hijo y sus amigos está bien, hay lazos de amistad y un trasfondo romántico entre el hijo del protagonista y su compañera Laura que da partida para que ciertos actos heroicos ocurran y se meta algo más de acción a la trama, pero tampoco es la gran cosa. Las escenas de destrucción y caos climático en su tiempo fueron muy buenas y recuerdo que cuando las vi en el cine me emocionaron mucho, pero el tiempo le ha pasado factura al CGI y ya empiezan a verse viejo y artificial.

Además del obvio tema sobre el cambio climático, hay un interesante mensaje político, que si bien va en el mismo tono, no deja de ser una gran idea el esbozarlo en pantalla. Por ejemplo, es interesante ver, desde la perspectiva del mexicano, cómo el clima invierte la migración y ahora son los gringos quienes huyen hacia el sur. El norte desde siempre se ha visto como el punto de desarrollo y civilización, tanto para Estados Unidos como para Europa, pero luego de la glaciación los únicos lugares habitables son los que se localizan cerca del Ecuador, que en su mayoría son países tercermundistas.

La película es entretenida, tiene su dosis científica que le da esa apariencia de legitimidad pero sin buscar ser un documental, tiene una drama aceptables que no llega al absurdo de opacar el desastre ambiental ni de ser en extremo dramático, tiene una buena banda sonora y actuaciones que no son las mejores pero están bien para el género y una apropiada cantidad de escenas de destrucción. Recomendable para quienes quieran pasar la tarde viendo algo entretenido sin mayor pretensión pero una obra obligada para los fans de este tipo de historias.

Panty & Stocking with Garterbelt

Título Original: パンティ&ストッキングwithガーターベルト (Panti and Sutokkingu with Gâtâberuto).
Género(s): Comedia, Ecchi, Fantasía.
Director: Hiroyuki Imaishi.
Estudio: Gainax.
Emisión: Octubre – diciembre de 2010.
Duración: 13 episodios.
Extras:

Estudio Gainax se ha caracterizado por ser una de las más emblemáticas y afamadas casas productoras de anime y entre su catálogo tiene algunas de las más icónicas obras de la animación japonesa, como Evangelion o FLCL entre muchas otras. No obstante, en la última década ha perdido la popularidad ganada desde los 90 y muchos de sus animadores y escritores han migrado a otros estudios (como en el caso de Trigger). Antes de esa debacle el estudio produjo la que yo considero es su última gran obra maestra, aquella que aún tiene toda la vieja esencia del Gainax de principios de siglo y que es, por así decirlo, la abuela (junto con Gurren Lagann) del actual estilo Trigger.

La serie podría parecer infantil por su peculiar estilo de dibujo, pero está completamente pensada y dirigida para un público adulto pues los temas que aborda sin duda no son recomendables para niños. Su mezcla de humor negro, soez y con fuerte carga sexual lo hacen hilarante sólo para el público adecuado, además de la sátira y las múltiples referencias que hace a películas de la cultura pop.

La historia toma lugar en la ciudad Daten, una metrópoli ubicada entre el cielo y el infierno, razón por la cual se ve afectada por la constante presencia de demonios y fantasmas. Para hacerles frente, Dios ha enviado a dos ángeles para que luchen, Panty y su hermana Stocking, quienes son guiadas por Garterbelt, un sacerdote afroamericano amante del sadomasoquismo y con una obvia atracción sexual por los jovencitos. Al peculiar grupo se une Chuck, una especie de perro inmortal que actúa como secuaz de las chicas para ayudarlas en sus misiones.

Con cada demonio que derrotan, las chicas reciben un pago, una vez que hayan juntado suficiente dinero podrán entrar al cielo. Pero la tarea no es fácil, en primera porque la ángeles son unas irresponsables, Panty en una ninfómana que se la pasa teniendo sexo con tanto hombre se cruza en su camino, mientras que Stocking es una gótica adicta a los dulces cuyo único interés es estar comiendo postres, así que a pesar de los esfuerzos del pervertido padre afro que las lidera, la mayor parte del tiempo de la pasan holgazaneando. Y a eso debemos aumentar los planes que Scanty y Kneesocks, unas hermanas demonios, hacen para acabar con las ángeles y darle el control de la ciudad al inframundo.

La serie es tremendamente divertida, hacía mucho que no me reía tanto con un anime y es que es justamente el estilo tan irreverente de comedia que tiene lo que la hace genial. Hacer que ángeles enviados del cielo sean unas haraganas pervertidas e irresponsables rompe con ese ideal de divinidad religioso. La comedia negra, los chistes verdes, la tremenda carga sexual y políticamente incorrecta son otra delicia. Sin olvidar la violencia y los momentos escatológicos que nos presenta. Y por eso digo que no es para todo público, ya que ver a unas ángeles participar en orgias o a un padre ver lascivamente las entrepiernas de chicos adolescentes podía incomodar a muchos, sobre todo cuando en la pelea final hay muchísimas alusiones al sexo e incluso vemos una gran batalla final de sadomasoquismo.

Si están acostumbrados a este tipo de tramas y humor, la serie les va a fascinar, más si no son unos puritanos de la religión y no se asustan cuando una serie usa el humor negro, sucio y sumamente sexual como elemento cómico. Ahora bien, además del humor tenemos el estilo de dibujo, el cual se parece mucho a ese estilo noventero de Cartoon Network, pues las ciudad y los personajes se parecen mucho a lo que veríamos en caricaturas como Las Chicas Súperpoderosas o El Laboratorio de Dexter, de hecho se parece tanto que de no ser porque hablan japonés uno podría pensar que es una animación estadounidense.

Ese estilo está usado a la perfección y lo combina con animación de alta calidad estilo japonesa y algunas escenas Stop Motion con maquetas que le dan un toque único. Aunque el estilo no es lo único que rompe y transgrede los cánones del anime comercial, también el propio tratamiento de su género, pues si bien podríamos considerarlo un Mahô Shojô y tiene una fabulosa e incitante escena de transformación, sólo la vemos completa una vez y es tan buena que nos hacen desear verla más, lo que es opuesto a una serie tradicional donde vemos las escenas de transformación completa muchas veces por capítulo al grado de hartarnos.

La música también es increíblemente buena y aunque el estilo de dibujo es sencillo, la fluidez y calidad de las escenas no lo es, la animación es igualmente excelente. En lo que respecta al diseño de personajes podemos ver otra reminiscencia del género que son las armas. Panty transforma sus pantaletas en una pistola mientras que Stocking hace lo mismo con sus calcetas al transformarlas en espadas. Esa influencia sería heredada a Trigger y evidenciada en Kill la Kill.

El formato de la serie también me pareció adecuado, pues en cada episodio nos presentan dos capítulos de 10 minutos aproximadamente, totalmente inconexos (salvo los del final) pero con una coherencia cronológica. La mayoría son autoconclusivos y tiene el desarrollo tradicional de derrotar a un fantasma por vez, pero algunos no tienen un final real y en otros la historia se centra en personajes secundarios como Chuck. Además de que hay una gran cantidad de referencias a series y películas de la cultura pop, algunas de las que pude identificar fueron: Death Race, Sex and the City, Fight Club, High School Musical, Transformers, Ren y Stimpy, The Thing, Night of the Living Dead, Volver al Futuro, Mad Max, Heidi y una formidable referencia a los viejos videos musicales de MTV donde se parodian bandas como The Beatles y Gorillaz.

Algunos capítulos son bastante retorcidos, otros rayan en lo grotesco pero sin duda todos son sumamente divertidos, además de que esa esencia de cómic al mostrar las onomatopeyas en los golpes también la hacen diferente al anime tradicional (herencia que también vemos en la serie Inferno Cop del ya menciona Studio Trigger). Creo que la serie innova en muchos aspectos como lo hizo FLCL en los noventa al grado de ganarse el género de Anime Progresivo y que prácticamente dejó de hacerse en este siglo. Sin duda Panty and Stockig fue una serie que vino a refrescar la industria del anime en donde actualmente dominan estilos genéricos y súper estilizados, sin la ya olvidada rudeza de los 90 ni los extraños y raros diseños de series como esta. La última gran serie de Gainax que es una recomendación obligada para todos los fans del estudio.

Her

Título Original: Her.
Género(s): Ciencia Ficción, Romance, Drama.
Director: Spike Jonze.
Emisión: 2013.
Duración: 126 minutos.
Extras:

Cuando se estrenó, esta fue una de las películas de las que más tenía expectativas e incluso recuerdo que la fui a ver a la Cineteca porque ya no estaba en cines comerciales. Y sin duda, ahora que la vi por segunda vez puedo decir que es justo la hermosa historia que recuerdo y una de las películas que más he disfrutado en los últimos años. Así que creo que también se gana un podio en mi top 10 de películas favoritas.

La película destaca en cada uno de sus aspectos y si bien la historia es quizás lo más atractivo no podemos descartar el apartado técnico. La música es bellísima y se acopla perfecto a la temática y ritmo de la historia, pues nos otorga esa ambientación futurista y melancólica que le dan su peculiar estilo. Y la parte visual también es excelente, sobre todo la cromática, con una ciudad pulcra e impoluta cuya paleta de colores llamativos a la vez que sobrios, luminosos pero meditabundos, nos dan la idea de una ciudad futurista y súper tecnológica pero donde nuestro protagonista se ve abrumado por la soledad.

La historia gira en torno a Theodore, un hombre solitario que trabaja escribiendo cartas personalizadas. A pesar de ser un buen escritor, vive deprimido y desconectado del mundo, sus únicas distracciones son los videojuegos y sus vecinos y amigos, Amy y Charles. Theodore lleva un año separado de su exesposa pero aún no se han divorciado legalmente, pues al parecer no se siente listo para terminar con una relación de tanto tiempo.

Theodore parece no interesarse por conocer nuevas personas y vive melancólico en su departamento, pero todo empieza a cambiar cuando instala el nuevo de asistencia personal. Samantha, la voz de su nueva asistente virtual llega a su vida y rápidamente pasa de ser una simple máquina programada para ayudarle con sus tareas a ser alguien con quien puede convivir como si se tratara de otra persona, alguien con quien Theodore puede bromear, divertirse y contarle lo que siente. Samantha por su parte resulta tener una personalidad única, intuición, está consciente de sí misma y resulta ser un excelente apoyo emocional para Theodore quien gracias a ella empieza a salir de su depresión.

Con el paso de los días ambos cambian, él vuelve a ser feliz y sentirse emocionado por la vida y ella empieza a evolucionar tanto en lo intelectual como en lo emocional más allá de su programación. Al final ambos terminan enamorándose y se convierten en pareja, pero los tabús de una relación entre un humano y un sistema operativo aún son muchos en la sociedad, a pesar de que, al parecer, cada vez más personas empiezan a tener vínculos emocionales con sus sistemas operativos.

Además de la historia en sí, el trabajo actoral es algo que debemos alabar, sobre todo lo bien logrado que está el personaje de Joaquin Phoenix, quien interpreta de manera sublime a un hombre deprimido y solitario y que logra reflejar de manera muy real y natural los sentimiento que va teniendo a lo largo del filme, desde esa tristeza profunda hasta la dicha del enamoramiento, con sólo las expresiones de su rostro, lo cual le da mucho juego al trabajo de voz de Scarlett Johansson. Y tampoco debemos olvidar al resto del cast, quienes igualmente lo hacen muy bien, sobre todo Chriss Pratt que interpreta al compañero de trabajo de Theodore que acepta de manera muy natural su relación con un sistema operativo y a Amy Adams, que interpreta a la mejor amiga de Theodore y que también pasa por una ruptura amorosa.

Continuando con la cuestión actoral, es de reconocer el trabajo de Scarlett como Samantha, la voz de la asistente virtual. La personalidad que logra darle la actriz al sistema operativo es asombrosa, pues con sólo escucharla es posible percibir su personalidad y estado de ánimo, algo increíble tomando en cuenta que ni siquiera la vemos en pantalla. Scarlett es una mujer sumamente atractiva, pero la calidez y sensualidad de su voz logran que las escenas de amor, diversión y erotismo que vemos en pantalla funcionan únicamente con sólo escucharla, lo que nos demuestra los importantes que pueden llegar a ser los diálogos y el trabajo de audio al momento de contar una historia.

El tema de Samantha es sin duda uno de los más importantes, sobre todo porque para el año en que fue estrenada los asistentes virtuales como Cortana, Alexa o Siri aún no eran algo tan común como hoy en día, por esa razón considero que la película es un excelente ejemplo de la Ficción de Anticipación donde vimos, un lustro antes, lo que actualmente ya es muy común. Aunque  sólo es uno de los múltiples temas que podemos abordar y que espero hacer algún día en un podcast.

Además de la parte tecnológica, la parte humana es igualmente contemplada dentro de la historia, al fin y al cabo la trama nos muestra la soledad de un hombre y de una sociedad que se ve potenciada gracias al desarrollo tecnológico, donde o bien podemos estar rodeados de multitudes pero sentirnos solos y aislados del mundo viviendo solo a través de nuestros dispositivos o podemos estar físicamente solos y mantener contacto con otras personas gracias a ellos, como nos ha pasado durante el último año a causa del confinamiento producto de la pandemia. Creo que de cierta forma, la película se adelantó a su época aunque fuese unos cuantos años, claro que desde hace un par de décadas el fenómeno de la soledad y el aislamiento digital se ha hecho más evidente.

Lo anterior nos lleva a cuestionarnos lo siguiente, ¿qué tan artificial es una relación entre una persona y un sistema operativo? Si escuchar una voz, aunque sea sintética nos puede generar un sentimiento de bienestar e incluso de afecto hacia eso, ¿es tal sentimiento algo falso por el hecho de no ser un ser vivo quien nos lo genera? Ahora con las prolongadas cuarentenas el fenómeno de las VTubers se ha hecho muy popular, ya no es sólo otra persona del otro lado de la pantalla quién nos genera algo, sino un avatar, un holograma inexistente que no es más que un conjunto de unos y ceros pero que a pesar de ello logra producir un sentimiento que se siente igual de real que el que sentiríamos por otra persona y allí es donde yace lo interesante de la pregunta, pues con el avance de la tecnología y la inteligencia artificial tendremos que valorar aquello que conocemos como relaciones sociales. Tal vez sí llegue el momento en el que tener de pareja a un sistema operativo sea algo muy normal, digo, enamorarse de un personaje 2D es algo que ya se ha visto.

Ahora bien, para llegar a ese punto se necesita otra cosa que también aborda el filme y es el desarrollo de una inteligencia artificial capaz de ser consciente de sí misma, de aprender cosas y de aprender a sentir, de tener la capacidad de desarrollar sentimientos, gustos, disgustos, sensaciones positivas y negativas como cualquier humano, que sobrepase su código de programación y evoluciones por sí misma. Y allí es donde la película se vuelve ficción porque si comparamos ese nivel de complejidad de OS1 con los asistentes virtuales de la actualidad vemos un universo de diferencia, Samantaha no respondía una serie de respuestas programadas, tomaba sus propias decisiones con base a su experiencia.

La película nos hace preguntarnos de qué forma sería posible construir una inteligencia como esa, cuántos niveles de programación y comprensión de la psicología humana serían necesarios para emular la mente y poder darle intuición a una máquina. Y a mí en lo personal me resulta sumamente atractivo el hecho de que la película, sin siquiera mencionarlo, te haga pensar en ello, pues a final de cuentas, ¿cómo programar la intuición, como convertir lo que nos hace humanos a nivel mental en un lenguaje de programación?

La impersonalidad del mundo a través de las redes es otro tópico que se muestra en pantalla, los videojuegos como refugio para la soledad pero también como lugar de convivencia, las salas de chats o citas como un medio cada vez más frecuente y normal para generar vínculos afectivos entre las personas. Aunque lo destacable no es que la película hable de ellos, sino que nos los muestra y nos hace reflexionar al respecto sin forzar los temas y sólo mostrándolos de fondo.

Como tema final está el hecho de las relaciones entre humanos y sistemas operativos como algo 00cada vez más normal. Algunas personas todavía lo ven raro y otras no y eso también nos lleva a preguntarnos qué cosas tendrían que cambiar en la sociedad para que ese tipo de relaciones fuesen vistas como algo normal. En primera tendríamos que aceptar que dichas emociones son reales e igualmente válidas, pues si una persona te hace sentir bien, mejorar y avanzar qué más da si es alguien virtual o no. El otro punto concierne a la interacción, los sistemas operativos no tiene un cuerpo físico y la parte del contacto es algo importante y necesario para nosotros los humanos, por ello me pareció una idea excelente el mostrar que en un mundo como ese, habrían persona dispuestas a fungir como la parte física de la relación, como Isabella, la chica que Samantha contrata para que sea su cuerpo. El que los escritores hayan pensado incluso en ese nuevo tipo de “servicios” que podría surgir producto de nuevos tipos de relaciones demuestra lo bien desarrollada que está la trama.

Al final la historia habla sobre las relaciones humanas, Samantha es una metáfora para cuestionarnos qué tan compleja puede ser una relación entre dos individuos cuya forma de pensar, amar y desear es distinta. Lograr entender al otro y tener un genuino interés por las cosas que le gustan es lo que se necesita para lograr una buena relación con alguien, no sólo es pasarlo bien y ya, sino preguntarle al otro cómo está y hacerlo de una manera genuina, si lo hacemos sólo por amabilidad sin un verdadero interés entonces las cosas no van a funcionar.

Una película maravillosa que recomiendo a todos ver, pues sin duda invita a pensar y reflexionar sobre el papel de la tecnología en las relaciones humanas, las relaciones en sí misma, la soledad y la capacidad de amar a otra persona, así como cuestionarse qué hace real a una relación y a los sentimiento, si el hecho de que la otra persona sea real o el simple hecho de sentirse bien estado en su compañía.

Sucker Puch

Título Original: Sucker Punch.
Género(s): Fantasía…
Director: Zack Snyder.
Emisión: 2011.
Duración: 110 minutos.
Extras:

Tal vez no me lo crean pero desde 2010 aproximadamente empecé a comprar películas en DVD de manera frecuente, actualmente ya casi no lo hago dado que algunas de las películas que compré hace casi diez años aún siguen sin abrir en al librero casi lleno que le tengo destinadas a las películas y esta era una esas películas que tenía, al menos, unos siete años en mi estante sin abrir. Así que, aprovechando el tiempo libre por fin me decidí a verla.

Cuando se estrenó me pareció interesante visualmente por los trailers, pero desde las primeras reseñas escuché que la película era mala y al parecer es la opinión que la mayoría tiene con respecto al filme y puedo decir que es verdad. Visualmente en cuanto a efectos y banda sonora es buena, pero fuera del apartado técnico, la historia, los personajes y el desarrollo general de la trama sí son muy malos.

La historia gira en torno a una chica apodada Babydoll cuya madre muere dejándolas a ella y a su hermana menor huérfanas y con toda su herencia. Su padrastro al codiciar aquella fortuna intenta deshacerse de ambas. Babydoll trata de impedirlo pero por accidente mata a su hermana. El padrastro la interna en una institución para enfermos mentales donde es abusada por uno de los enfermeros a quien su padrastro contrató para terminar de desquiciar a la chica.

Como mecanismo de supervivencia, Babydoll inventa una fantasía en su mente sobre aquel lugar y se convierte a ella y a otras internas en heroínas que luchan contra toda clase de enemigos, desde soldados nazis, hasta ogros, dragones y robots. A partir de ese momento ya no sabemos qué es real y qué no lo es, pues la historia juega a confundirnos para que no sepamos cuál de todas las historias es real, aunque siempre nos va dando pistas. Y tampoco es muy difícil de entender.

La historia parte de la premisa de que en una situación que rebase nuestro control lo único que realmente podemos controlar es el mundo que nosotros mismos creamos en nuestra mente. Así Babydoll elabora una fantasía en la que debe escapar de un club nocturno consiguiendo cuatro objetos. No obstante, al final hay un drástico cambio de personaje principal que no deja un buen sabor de boca.

Lo que sí debo admitir es que la música es muy interesante y en verdad le queda, pero es sobre todo su apartado visual lo más destacado. El filme tiene un estilo visual tipo Neo Noir similar a lo que vemos en Sin City y un poco similar también en la narrativa a 300 y Watchmen, aunque muy lejos de ambas en lo que respecta a la historia. Además de eso también debo decir que hay buenas escenas de acción y una estética que juguetea con el Steampunk que resulta agradable a la vista. Pero fuera de ello el resto de elementos no termina por encajar.

La historia es un revoltijo de cosas totalmente inconexas que son forzadas a relacionarse de una manera poco natural y que no funciona. Tenemos la parte de la institución mental que es sustituida por la parte en el club y en donde en cada acción para obtener un objeto para poder escapar Babydoll genera una fantasía distinta en donde ella y sus compañeras deben llevar a cabo una misión muy al estilo de Los Ángeles de Charly y tales misiones son completamente surreales como el título en español indica, pero que en lugar de mostrarnos una historia coherente todo parece simplemente un montón de cosas que no concuerda puestos allí a la fuerza.

La película nos presenta una historia que parece muy cara de producir con buena música e interesante efectos pero donde los elementos de la historia están muy revueltos. Entiendo que quizás era la intención de Snyder para ejemplificar el colapso mental de la protagonista (específicamente la esquizofrenia paranoide y el estado de fuga) y el refugiarse en su imaginación como medio de supervivencia pero no está hecho de una forma adecuada. Una película para pasar el rato o poner como fondo cuando no queremos ver realmente nada, dos o tres escenas interesante, chicas atractivas, calidad en la parte audiovisual pero un mal desarrollo de la historia. Sin duda la peor película del director.

Solaris

Título Original: Солярис (Solarys).
Género(s): Ciencia Ficción.
Director: Andréi Tarkovski.
Emisión: 1972.
Duración: 166 minutos.
Extras:

Basada en la novela homónima de Stanislaw Lem, uno de los clásicos más emblemáticos de la Ciencia Ficción, Solaris ha tenido más de una adaptación cinematográfica, pero la más reconocida entre los fan de las obras complejas y profundas es la versión soviética dirigida por Andréi Tarkovski en 1972. No obstante, a pesar de ser uno de los grandes clásicos no es una película para todo el mundo.

Una de las cosas que sí quiero mencionar antes de pasar a la reseña es que Solaris es de las pocas obras de Ciencia Ficción que realmente son Ciencia Ficción, pues nos muestras una ciencia completamente ficticia, la Solarística y no simplemente tecnología ficticia (Tecnoficción) que es lo que solemos ver en el 80% de las películas que se dicen parte de ese género. La Ciencia Ficción no son naves o artilugios tecnológicos súper avanzados que hoy en día nos resulta imposible crear, el género en realidad debería mostrar ciencias ficticias, completamente inexistentes y Solaris o Fundación de Asimov (con la Psicohistoria) nos muestran eso, ciencias inventadas. Es por eso que yo las considero a ambas excelentes ejemplos de la Ciencia Ficción real y con mayúsculas.

La obra nos narra las investigaciones de Kris Kelvin, un psicólogo enviado a una estación espacial que orbita el planeta Solaris para investigar extraños sucesos que los científicos a bordo reportan. En dicha estación se llevan a cabo investigaciones sobre la Solarística, una ciencia dedicada a investigar el planeta Solaris, en el cual existe un mar que al parecer es en realidad un gigantesco sistema cerebral capaz de pensar. No obstante, a pesar de los múltiples intentos de los científicos que por años han estudiado al planeta, la Solarística es una ciencia estancada y hace mucho que no aporta conocimientos nuevos de aquel planeta, así que dependerá de Kelvin decidir si da por terminadas las investigaciones o no.

Al llegar a la estación espacial, Kris se extraña por el impredecible y errático comportamiento de los dos únicos cosmonautas que siguen allí, el tercero, un amigo suyo, parece haberse suicidado poco antes, dejando un misterio que Kelvin tratará de resolver mientras experimenta por sí mismo las extrañas alucinaciones que el mar cerebral de Solaris les provoca a todos a bordo. Dichas visiones consisten en la materialización de personas que son parte del pasado de los cosmonautas, en el caso de Kris es su difunta esposa. Dichos visitantes se comportan como humanos, son tangibles y mientras más pasan con aquellos hombres más se van humanizando.

La obra es bastante compleja y al parecer la opinión de la crítica es que adapta muy bien la narrativa del libro, con escenas lentas y letárgicas en donde pasan muchos minutos sin que se pronuncie un sólo diálogo, escenas fijas y contemplativas que seguramente resultará aburridas para un público no acostumbrado a este tipo de obras. Y en efecto, la historia avanza muy lento y puede llegar a aburrir, tiene diálogos profundos y complejos que en apariencia no aportan mucho, pero que en realidad establecen planteamientos que hacen que tanto los personajes como los espectadores empiezan a cuestionar los paradigmas establecidos sobre la realidad y la humanidad.

Personalmente no considero haber entendido por completo la historia, pero hubo un aspecto que llamó mucho mi atención. Cuando Hari, la esposa de Kirs, aparece por primera vez notamos que no es sólo una visión, pues piensa y actúa por sí misma como un ente individual, no sólo dice cosas a partir de los recuerdos de Kalvin a pesar de que es creada con base en ellos, es corpórea y puede interactuar con el resto de la tripulación, como una persona más. Aunque es imperfecta pues presenta errores en su construcción que se van perfeccionando en sus subsecuentes apariciones, como si el planeta fuera aprendiendo de nosotros y actualizará las visiones para hacerlas más reales y más humanas.

Dichas visiones son inmortales, pues aunque las maten al poco tiempo reviven y mientras más tiempo pasen conviviendo con los humanos más humanas se vuelve y eso me lleva a ese cuestionamiento que llamó mi atención. Si una alucinación es tangible, piensa por sí misma, tiene capacidad para decidir e incluso amar, es vista por todos y no sólo por quien la alucina, puede aprender y conforme pasa el tiempo empieza a complejizar su pensamiento, ¿podemos llegar a decir que es humana, si incluso se reconoce como tal? Digamos que la obra de Lem plantea lo que otros autores han hecho con los robots o la inteligencia artificial, pero en esta ocasión con alucinaciones provocadas por el mar pensante de Solaris.

Lo poco que se sabe de esos visitantes es que están hecho de neutrinos y no de átomos, son conscientes de sí mismos, saben que son cierta persona pero que no son la persona real y tienen algunos recuerdos del humano al que están interpretando, además de que son inmortales. Las propias alucinaciones son de por sí un tema interesante de abordar, pero por otro lado tenemos también al planeta en sí, como una inmensa masa viviente o al menos pensante, así que definir la propia naturaleza de ese cuerpo celeste o ser vivo es otro aspecto en el que podríamos pasar horas discutiendo y eso hace de la obra un trabajo complejo e interesante.

La obra hace un gran aporte e importantes cuestionamientos sobre la realidad, la naturaleza humana y la propia capacidad de comprender y aprender que tiene el ser humano, ya que por años los científicos han estado atorados con la Solarśitica sin lograr un avance, pero a pesar de ello ese obstinamiento de humano por comprender lo que desconoce es lo que nos ha impulsado a llegar a otros planetas. Sin olvidar también los cuestionamientos sobre la propia integridad de las investigaciones y la ética intrínseca que debe existir al momento de generar conocimiento.

Una grandiosa obra que no es para todo público, pero que sin duda recomiendo por lo importante que resultó para el género. Debido a que es lenta y aburrida sólo la recomiendo para quienes estén acostumbrados a este tipo de historias, sobre todo si obras como 2001 Odisea del Espacio o Blade Runner les gustaron y pudieron disfrutar y apreciar su ritmo y estilo.

El Recuerdo de Marnie

Título Original: 思い出のマーニー (Omoide no Mâni):
Género(s): Drama, Slice of Life.
Director: Hiromasa Yonebayashi.
Estudio: Ghibli.
Emisión: 2014.
Duración: 103 minutos.
Extras:

Hace algunos años conocí a una chica que en su momento me gustó mucho y era súper fan de Ghibli, tanto como para tener tatuado uno de sus personajes en el brazo, cuándo le pregunté cuál era su película favorita (esperando que su respuesta fuera el Viaje de Chihiro por su tatuaje) me dijo que era El Recuerdo de Marnie y desde entonces quise ver esta película. Ahora, luego de haberla visto me doy cuenta el por qué le gustaba tanto.

En cuanto a la calidad técnica no hay mucho que podamos decir, es Ghibli y eso es garantía de calidad y de un estilo ya conocido a nivel mundial. Con bellos escenarios, personajes bien diseñados y excelentes bandas sonoras. Por cierto, una cosa que me gusta mucho de este estudio es que tiene personajes reales y no sólo estilizadas siluetas estandarizadas de personajes estereotipados como en el anime comercial de hoy en día, aquí si vemos personas gorditas, viejas o chaparritas, lo cual le da un agradable realismo. La música es muy bella, sobre todo el ending, y los escenarios del Japón rural resultan excelentes.

La historia gira en torno a Anna, una chica introvertida que no tiene amigos, sufre serios problemas para relacionarse con los demás y le cuesta mucho expresar sus sentimientos, además de padecer asma. Luego de un ataque, su madre decide mandarla una temporada con sus tíos a Okinawa con la finalidad de que el aire fresco del campo le ayude a mejorar, así que viaja desde su casa en Sapporo hasta la casa de sus tíos junto al mar.

Al llegar a Okinawa decide salir a recorrer el lugar para buscar un buen lugar que pintar, ya que es muy buena dibujando. Así descubre una misteriosa casa junto al pantano (que más bien es como una marisma que se inunda con la marea alta) que parece estar abandonada. Aprovechando que el mar está bajo camina hasta la casa, pero queda atrapada cuando sube la marea, aunque para su suerte es rescatada por un pescador local que casi nunca habla, Toichi.

Desde ese momento Anna empieza a tener extraños sueños, sueña con aquella mansión y con una niña rubia. Tiempo después Anna llega de nuevo a la mansión y allí conoce a la chica rubia de sus sueños, una simpática y alegre niña de clase alta llamada Marnie. Ambas se hacen amigas de inmediato y desde entonces empiezan a pasar tiempo juntas, navegan en el bote de Marnie por el pantano, hacen picnics e incluso asisten a una fiesta de gala que ofrecen los padres de Marnie en su mansión. Pero durante todo ese tiempo algo parece no ser real y los encuentros entre ambas se vuelven cada vez más extraños.

Al final Marnie desaparece y Anna conoce a una nueva chica llamada Sayaka, cuya familia se ha mudado a la mansión del pantano. Sayaka confunde a Anna con Marnie, de quien encontró un diario en su habitación, sin embargo, Anna le explica a Sayaka que Marnie es sólo una chica imaginaria que inventó para no sentirse sola, aunque ahora hay una evidencia de que aquella extraña y misteriosa chica rubia es real.

Esos giros argumentales de la película me parecieron muy buenos, pues te hacen dudar de si Marnie era real o no, si fue una amiga imaginaria e incluso por momento si tal vez la imaginaria era Anna. Ese desconcierto que logra me encantó, pues si bien no se desarrolla en un mundo tan fantástico como otras obras del estudio, sí juguetea con una especie de Realismo Mágico que va muy acorde con la trama.

Como en gran parte de las obras de Ghibli son las mujeres quienes tienen los papeles centrales y aquí se mantiene dicha constante, además de presentar a niñas como han hecho en la mayoría de sus historias, sin olvidar ese trasfondo nostálgico y triste del que desplanta todo. Aquí Marnie aparece como una especie de fantasma causado por la soledad que sentía Anna, al igual que Totoro cuando las hermanas sienten miedo o tristeza. Creo que la película tiene muchas similitudes con Totoro y Chihiro, ambas desarrolladas en un mundo real con toques de fantasía y donde la melancolía de la protagonista es en parte lo que detona todo.

El desarrollo de personajes fue igualmente bueno y otra de las cosas que más me gustaron. Me agradó la personalidad de los tíos que reciben a Anna en su casa, la alegría de Marnie y esa personalidad amable y agradable con toques de niña rica presumida que tiene un trasfondo de abandono y tristeza, la personalidad gris de Anna que se odia a sí misma y es incapaz de relacionarse con otros también está perfectamente desarrollada, incluso me gustó mucho esa timidez que lograron en la chica y que contrasta con lo linda que es Marnie. Incluso la pequeña Sayaka es interesante y hace grandes aportes al fungir como anclaje con la realidad.

A lo largo de la historia el espectador tratará de descubrir dos cosas, la relación entre Anna y Marnie y la naturaleza de esta. La historia apela a confundir al espectador para que trate de sacar sus propias conclusiones, por ejemplo, primero pensé que Marnie era un fantasmas, luego me hicieron creer que era imaginaria, después pensé que podría ser de otra línea temporal (como en Kimi no na wa) y al final dudaba de si no sería Anna la amiga imaginaria que Marnie había creado para no sentirse sola. Al final, la obra habla sobre la soledad y la forma en que lo hacen da como resultado un grandioso argumento que te mantiene interesado por la trama en todo momento. Y los giros argumentales que da la van haciendo más interesante.

Las dos únicas cosa que no me gustaron fueron ese efecto de distorsión que es posible observar en ciertas tomas estáticas cuando la cámara hace movimientos dentro del mismo plano, que no sé si fuera por la configuración de mi DVD o la televisión (lo cual no creo porque una horas antes había visto otra película y no pasaba eso). Y la otra fue ese final que era predecible desde el último cuarto de la película y que personalmente me hubiese gustado que no fuera así.

La película es maravillosa, la verdad no esperaba que me gustara tanto como lo hizo pero sí es muy buena, no desbanca a Nausicaä pero sí se ha colado como una de mis favoritas, y ahora entiendo por qué a ella le gustaba tanto. La música es grandiosa, los personajes y escenarios tienen el sello de calidad de Ghibli y la historia es muy buena, habla sobre la soledad, la amistad y los vínculos familiares de una manera apacible pero intensa. Y sin duda es una gran recomendación para todo fan de la animación.