Evangelion por Netflix (parte 5)

El quinto bloque es el más complejo de todos, pues aquí pasamos de una serie Shônen sobre monstruos y robots gigantes que los combaten a una seria adulta y compleja, llena de elementos religiosos, científicos y psicológicos. Básicamente podríamos decir que de los capítulos 15 al 24 Evangelion es una serie muy distinta a lo que habíamos estado viendo hasta el momento. Debido a que en este bloque las cosas se complejizan más es conveniente abordar brevemente capítulo a capítulo.

Uno de los elementos que desatacan en este bloque es que ya no hay ángeles en cada episodio y que si bien logran derrotarlos a todos, estos dejan graves secuelas tanto físicas como emocionales y psicológicas en los pilotos, lo que antes no hacían. Además de que el ritmo es notoriamente distinto, más profundo y menos melancólico, pues tenemos diálogos más extensos y complejos entre los personajes además de la revelación de los trasfondos que hace de Neon Genesis la serie de culto que es.

ADVERTENCIA SPOILERS

EPISODIO 15

En este episodio empezamos a ver las tramas profundas y complejas que esconde la serie, se revela que Kaji en un espía, se empieza a mencionar más sobre el Proyecto de Instrumentalización Humana y el Proyecto Adán, así como sobre el Instituto Marduk y todas las empresas fantasmas que ha creado NERV para encubrir sus investigaciones. Vemos por primera vez el dogma central y nos enteramos de que allí reside Lilith, quien para ese momento creemos que es Adán. También vemos el icónico beso entre Shinji y Asuka.

EPISODIO 16

Aparece Leliel, el primer ángel que deja una secuela fuerte en el piloto y que deja al descubierto algunos de los secretos que NERV esconde sobre la naturaleza de los Evas, lo que hace que algunos personajes se cuestionen sobre la naturaleza de esos seres. Los diálogos introspectivos que escudriñan en la psique de Shinji se hacen presentes cuando éste dialoga consigo mismo en el tranvía. Aparece la primera imagen Yui, la madre de Shinji.

EPISODIO 17

Nos enteramos de que NERV tiene diferentes ramas en todo el mundo cuando la segunda rama, a cargo de los Estados Unidos, desaparece por completo. Se presentan por primera vez las cápsulas de simulación y empezamos a ver que Rei tiene más utilidad para Gendô que el sólo ser una piloto. Se habla sobre el motor S2 y el código 707, el cual explica que todos los compañeros de clase de Shinji son posibles candidatos a pilotos. Vemos los últimos resquicios de cotidianeidad entre Nerv, la escuela y la casa de Misato. Por cierto, en este capítulo me di cuenta por primera vez de que todos los pilotos portan algún color del Eva que pilotan, esto al percatarme de que Tôji viste ropa deportiva de los mismos colores del Eva 03.

EPISODIO 18

Aparece Bardiel, quien al parecer infiltró el cuerpo del Eva 03. Se hace uso de las cápsulas de simulación y Shinji ve cómo su padre lo usa para atacar a Tôji. Es el capítulo más gore hasta ahora pues vemos como el Eva 01 destroza sin piedad a Bardiel con el piloto aún dentro.

EPISODIO 19

Zeruel ataca Tokio III y llega con facilidad al Geofrente, siendo el primer ángel en lograrlo y además uno de los más fuertes pues derrota fácilmente a Asuka y a Rei. El Eva 01 despierta, entra en modo Berserk y rompe sus ataduras, lo que deja al descubierto que tiene una naturaleza distinta el resto y que por eso siempre es prioridad para Gendô.

CAPÍTULO 20

Shinji queda fusionado al Eva 01 después de haber sincronizado con él al 400%. También nos enteramos que la madre de Shinji fue absorbida por el Eva 01 en la primera prueba de activación. Al parecer el despertar del Eva 01 era un plan de Gendô para lograr un cometido ajeno a los planes originales de SEELE, gracias a ello empezamos a entender por qué Shinji era indispensable para su padre, ya que al ser su hijo, el alma de Yui atrapada en el Eva 01 haría despertar al Eva para protegerlo, por eso su recuperación luego de ser absorbido fue similar a un parto. De este capítulo en adelante todo es más psicológico y aparecen las famosas escenas fugaces y raras.

CAPÍTULO 21

Este capítulo es como un paréntesis que podría considerarse a parte, al igual que el episodio de Jet Alone, pues nos muestra el pasado de los personajes, los orígenes de Nerv, los Evas y el Geofrente, además de explicar muchos aspectos sobre la vida del Gengô, Yui, Fuyutsuki, Naoko, Ritsuko, Misato y Kaji. No lo pongo en un bloque distinto porque los capítulos siguientes siguen con la misma dinámica. Toda la nueva información que este capítulo aporta sobre el Segundo Impacto complejiza muchísimo la serie. A partir de este episodio los miembros de SEELE empiezan a aparecer como monolitos y en la versión Renewal o Director’s Cut tenemos las escenas extras que no se transmitieron en la versión original para la televisión. A partir de aquí también podemos vislumbrar que el Proyecto de Instrumentalización Humana que Gendô quería no era el mismo que SEELE deseaba pues lo que Ikari anhelaba era una forma para volver a estar con Yui.

CAPÍTULO 22

El ataque de Arael desde el espacio general un colapso mental del que Asuka no puede recuperarse, lo que hace que eventualmente sea relevada como piloto de la unidad 02. La convivencia entre los personajes se hace más tensa, incuso cuando todo parece normal nos damos cuenta que la tranquilidad y cotidianeidad del bloque anterior hace varios capítulos que ya no existe. Mencionando un poco sobre el doblaje, el alemán que habla Asuka en este episodio es mucho mejor que el doblaje original.

CAPÍTULO 23

Vemos la última batalla en un sentido tradicional entre los Evas y un ángel. Armisael infiltra el Eva 00 y trata de hacer lo mismo con Shinji, intentando evitarlo Rei activa la autodestrucción de su unidad y muere. Posteriormente volvemos a ver a Rei, quien al parecer es el tercer clon y tiene leve recuerdos del pasado. La primera Rei murió a manos de Naoko Akagi, la segunda al proteger a Shinji y ahora vemos a la tercera, por eso el capítulo se llama Rei III. Se menciona que Rei fue el único ser nacido con un alma y se hace mención a la cámara de Gauf.

CAPÍTULO 24

El último capítulo antes de que todo se convierta en una introspección de Shiji a causa del Tercer Impacto. En el capítulo 21 entendimos que los impactos son como un proceso natural inevitable, destinados a destruir a la humanidad, pero si era la humanidad quien provocaba un impacto artificial con los Evas entonces la humanidad no perecería, sino que alcanzaría un mayor estado de evolución. Esto es lo que el Proyecto de Instrumentalización buscaba y lo que Kaworu explica a Shinji al mencionar que los ángeles son hijos de Adán y los humanos son hijos de Lilith, quien es la que realmente yace en el Dogma Central. De la luna negra nación Lilith quien dio origen a los Lilim (humanos), mientras que de la luna blanca surgió Adán, quien creó a los ángeles. Si un ángel tocaba a Adán causaría el Tercer Impacto destruyendo a la humanidad, pero si los humanos provocaba un impacto tocando a Lilith entonces los ángeles morirían y los humanos sobrevivirían, pero un humano no tenía el poder de desatarlo, pero un humano con el poder de un dios sí, en este caso los Evas.

Ahora bien, lo siguiente no sé si terminé de entenderlo correctamente, pero me parece que la Lilith del Dogma Central no tenía alma y por eso no podía causar el Tercer Impacto, para ello debía usar el alma de Rei, por eso se fusionan en The End of Evangelion. Fusionada Rei y Lilith ocurre el Tercer Impacto cuando el humano con el poder de un Dios (el Eva 01) toca a Lilith.

Me faltan los últimos capítulos, pero ya puedo decir que desde la primera vez que vi la serie no la había vuelto a disfrutar tanto como hasta ahora. Me alegra el saber que luego de tantos años Evangelion siga vigente en el público de quienes consumimos anime habitualmente, sobre todo en las nuevas generaciones y que a pesar de los años y las nuevas series, siga defendiendo su título como una de las obras de animación japonesa más grandes de todos los tiempos. Luego de ver este bloque recordé el por qué me maravilló tanto hace casi catorce años cuando la vi por primera vez, pues puede ir de 0 a 100 en complejidad de un capítulo a otro. Por cierto, ya me tocó ver la versión corregida del doblaje donde Nagisa sí le dice “te amo” a Shinji. Ahora espero con más emoción el estreno de 3.0+1.0.


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El Día de los Trífidos

Título Original: The day of the Trifids.
Género(s): Survival-Horror.
Director: Freddie Francis y Steve Sekely.
Emisión: 1962.
Duración: 95 minutos.
Extras:

Basada en la novela homónima de John Wyndham, El Día de los Trífidos es una película de temática apocalíptica y Survival-Horror que en mi opinión no ha recibido el reconocimiento que se merece. Por lo que pude leer de la novela ésta es obviamente mucho más extensa que el filme y mucho más compleja en cuanto a los temas sociales que aborda, pero la película, por sí misma, también tiene sus méritos, sobre todo por servir de inspiración para obras posteriores como 28 Day Later (2002).

Hacía tiempo que quería ver esta película pues es considerada como una película de culto en lo que respecta a la temática de la supervivencia a manos de un monstruo. La peculiaridad es que estamos ante una invasión extraterrestre, pero la particularidad de los invasores es que son plantas. Pocas películas de terror han retomado al reino vegetal como el enemigo que amenaza a la raza humana, eso hace de los Trífidos uno de los monstruos más icónicos del cine que realmente lamento no se hayan explotado más en los últimos años, a pesar de que existe otra adaptación cinematográfica de 2009.

La historia inicia en un Hospital, donde Bill Masen se encuentra internado debido a una operación en los ojos. Preparándose para pasar su última noche antes de ser dado de alta escucha la noticia de que hay una enorme lluvia de estrellas en todo el mundo, un espectáculo impresionante que no se volverá a repetir. Las personas de todo el planeta disfrutan el magnífico espectáculo, menos Masen, quien permanece vendado por su cirugía incapaz de ver. A la mañana siguiente Bill despierta solo en el hospital, al parecer no hay nadie, desesperado por no recibir respuesta de la enfermera se quita el vendaje, para su fortuna ha sanado y ahora puede ver.

Masen empieza a recorrer el hospital, el cual está completamente abandonado y destrozado. Desorientado y sin saber qué ha ocurrido se encuentra a su doctor, quien le explica que todos los que vieron la lluvia de meteoritos se han quedado ciegos. Masen es ahora una de las pocas personas en el mundo que pueden ver. Masen sale de la ciudad para regresar a su barco pero en el camino sólo encuentra caos y destrucción, producto de la ceguera. En el caos se encuentra con una niña llamada Susan que también puede ver, juntos tratan de sobrevivir al desorden que asola Inglaterra.

En su camino por encontrar un lugar seguro Bill y Susan son atacados por una extraña criatura que parece un árbol, pero capaz de moverse y lanzar veneno. Más tarde otro personaje les explica que son Trífidos, plantas que llegaron a la tierra hace años en un meteorito y que el más reciente evento que dejara ciegas a las personas parece haberlos activado y ahora era una plaga incontrolable al acecho de la gente, pues al igual que las plantas carnívoras, los Trífidos se alimentan de carne animal.

Mientras Bill y Susan enfrentan la típica historia Survival-Horror, escapando y ocultándose junto a otros sobrevivientes a quienes encuentran en el camino, en una isla remota una pareja de científicos luchan contra un Trífido. Creyendo haberlo matado toman muestras de su cuerpo para estudiarlo, pero los resto se regenera creando más Trífidos, encerrados en su laboratorio buscan la forma de acabar con ellos.

Personalmente la película me gustó mucho más de lo que yo esperaba y es que esas películas de los años 50 y 60 de ciencia ficción y terror me gustan mucho, pues todas tienen un toque bastante particular, como los instrumentos tecnológicos ataviados de luces palpitantes y soniditos robóticos. Además de que a diferencia de otras películas, sobre todo donde los monstruos son colosales, aquí los actores enfrentan un Trífido en persona y no huyen de dinosaurios proyectado de una pantalla a lo lejos.

Continuando con los efectos estos también me encantaron, sobre todo porque los Trífidos con creados con utilería, básicamente son un disfraz, lo cual es mucho mejor que el recurso de sobreponer dos tomas en una misma o el artificial CGI del que no soy fan. La música es igualmente adecuada, muy particular de esas décadas, estridente y un tanto exagerada pero que marca muy bien la diferencie entre las escenas dramáticas y las de acción.

En lo que respecta a las actuaciones podemos decir que tampoco están mal, aunque es lo que menos destaca, eso sí, las mujeres son retratadas como unas histéricas que sólo se ponen a gritar cuando llega el peligro en lugar de enfrentarlo o huir, en otras palabras son unas inútiles y dependen del hombre en su totalidad para seguir vivas, algo característico de la mentalidad que tenía la sociedad en esos años. Y otra peculiaridad reflejada en la película sobre la sociedad de mediados del siglo pasado es lo adeptos que eran al cigarro, tanto que incluso se permitía fumar en los hospitales.

Otro aspecto que también me gusta y me remite a otras obras inglesas es la narración que se hace al inicio donde se presentan a estas peculiares plantas, muy al estilo de lo que hizo Orson Welles con La Guerra de los Mundos. Aquí, además de eso tenemos la narración de los reporteros por la radio que pone a los protagonistas al tanto de lo que pasa en el resto del mundo y que ayuda a generar esa atmósfera de miedo y desesperación. Esa estrategia para generar la atmósfera me recordó también las historias de La Dimensión Desconocida.

Ahora bien, tiene sus puntos malos, como ese característico estilo narrativo que se usaban en las películas hace 60 años, donde habían escenas largas y letárgicas con diálogos que realmente no aportaban nada ni a la historia ni al drama, y que, bajo los ritmos a los que el cine actual nos tiene acostumbrados, nos parecerían sumamente aburridas y tediosas. Afortunadamente sólo hay dos o tres de estos momentos y la acción donde los Trífidos aterran a los personajes es buena y abundante.

La diferencia entre el origen de los Trífidos según la novela y la película es que aquí son extraterrestres, mientras que en la novela son producto de la manipulación genética. Personalmente me gusta más el origen alienígeno de estos seres, los cuales si bien son plantas también tienen rasgos del mundo animal. Sin duda una recomendación obligada para cualquier cinéfilo y que está perfecta para ver en Día de Muertos.

El Quinto Elemento

Título Original: The Fifth Element / Le Cinquième Élément.
Género(s): Ciencia Ficción / Cyberpunk, Comedia.
Director: Luc Besson.
Emisión: 1997.
Duración: 95 minutos.
Extras:

Uno de los más grandes clásico de la Ciencia Ficción Cyberpunk es sin duda alguna El quinto Elemento, una de las obras más apreciadas y reconocidas por los fans de este género y que incluso podríamos decir que se ha convertido de una obra de culto. Con una historia que te atrapa, personajes muy bien diseñados, buenas actuaciones, una banda sonora espectacular y diseños formidables tanto de vestuarios como en escenarios, la película se ha mantenido como una de las mejores en su género por más de veinte años.

La calidad técnica es una de las partes más sobresaliente, pues si bien los efectos digitales ya lucen viejos y muy artificiales, los efectos prácticos y la utilería aún lucen estupendamente. Los vestuarios destacan por ser estrafalarios y generar con ello un aura futurista sin la necesidad de gadget ni ropa inteligente, los prostéticos y el maquillaje están muy bien diseñados y los extraterrestres que vemos en pantalla le dan ese toque de Space Opera tan particular. La música también es muy buena y sobre todo la mezcla del sonido ambiental. Pero sobre todo, los escenarios y artilugios basados en los diseños de Moebius se llevan las palmas. Personalmente, la ciudad de Nueva York que vemos en este filme es una de mis ciudades Cyberpunk favoritas.

La calidad actoral también es un punto a destacar, pues si bien es una película de acción y los personajes responden a las necesidades de este tipo de historia, los actores le otorgan una calidad que debemos reconocer. Bruce Willis en su papel de héroe rudo que no sigue las reglas es adecuado aunque nada fuera de lo que está acostumbrado a hacer, Milla Jovovich además de estar guapísima como Leeloo encarna uno de sus papeles más emblemáticos y queridos por sus fans, pero son sin duda Gary Oldman y Chris Tucker quines se llevan las palmas, el primero por dar vida Jean-Baptiste Emanuel Zorg, el peculiar villano en turno, y el segundo por encargar al personajes más divertido y verde de la historia, el locutor de radio y sex-symbol Ruby Rhod.

La historia inicia en 1914 cuando unos arqueólogos estudiar unas ruinas en Egipto en las cuales hay unas inscripciones que describen la existencia de un arma con el poder suficiente para hacerle frente al mal.  Mientras los investigadores leen las inscripciones una nave espacial aterriza en las afueras y entra al templo, al parecer ese lugar resguardaba los cinco elementos para combatir al mal. Los Mondoshawan se llevan los valiosos objetos y prometen regresar a la tierra para protegerla cuando el mal regrese. Un sacerdote que se encontraba en el lugar recibe la encomienda de transmitir esos conocimiento a las siguientes generaciones para que esperen el regreso del quinto elemento, el ser supremo y perfecto, dentro de 300 años.

La historia hace un salto hasta el año 2263, cuando una entidad extraña aparece en el espacio, al parecer se trata de una antigua fuerza maligna que amenaza con destruir toda la vida en el universo. Para nuestra fortuna, los Mondoshawan regresan, pero son atacados por un grupo de Mangalores, piratas espaciales contratados por el maligno empresario Zorg para roban las piedras de los cuatro elementos y estrellar la nave. Científicos humanos rescatan algunas células del quinto elemento y lo clonan, el resultado es una hermosa mujer pelirroja llamada Leeloo.

Leeloo escapa del laboratorio donde fue clonada y termina en el taxi de Korben Dallas, antiguo miembro del ejército. Korben lleva a Leeloo con la única persona que ella conoce, el sacerdote Vito Cornelius, guardián actual de la orden Mondoshawan. Leeloo pone al padre al tanto del robo y juntos buscan la forma de recuperar las piedras, las cuales al parecer fueron ocultadas previendo posibles ataques, para traerlas de vuelta deberán viajar hasta el planeta Fhloston Paradise para encontrarse con la Diva Plavalaguna, quien las resguarda. Mientras tanto, Korben es reclutado para la misma misión y tanto él como Leeloo terminan viajando juntos para recuperar la única arma que puede hacer frente al mal.

Una característica peculiar y cómica es la forma en que se narran los sucesos, pues tenemos escenas con los héroes que se van alternando con escenas con los villanos y en las cuales los diálogos de unos personajes son complementados o terminados por otros que se encuentran a otro contexto totalmente diferente. Esa forma de narración tiene una finalidad cómica que puede tener malos resultados y verse muy tonta, pero aquí creo que funciona perfectamente.

La ciudad donde trascurre el inicio de la historia es de mis urbes Cyberpunk favoritas, sobre todo porque presenta todos los elementos del canon tradicional: violencia, hacinamiento, contaminación, alta tecnología, represión policiaca, funcionarios inútiles, corrupción y una sociedad totalmente desconectadas de los valores tradicionales. La parte espacial también me gusta, pues la convivencia con extraterrestres le da un toque de Space Opera muy atractivo y que me recuerda sagas como Star Wars, aunque los diseños de Moebius tienen un poco la culpa de ello.

Los toques de comedia son otra de las características particulares de la obre, sobre todo con las narraciones de Ruby Rhod, mi personajes favorito, cuya afeminada personalidad sin duda debió resultar transgresora para la heteronormatividad de ese tiempo. Esa mezcla de comedia, acción y sensualidad le da a El Quito Elemento su esencia tan particular, y dichos rasgos se ven encarnados en Roby, Korben y Leeloo respectivamente.

Retomando el aspecto de la sensualidad y la seducción creo que es uno de los aspectos mejor logrados del filme, pues por una parte tenemos escenas sensuales con desnudos e insinuaciones eróticas, pero al mismo tiempo esa sexualidad no es descarada, exagerada ni morbosa, está siempre en el límite adecuado para darle se sabor exótico al filme sin sobrepasarse. Acción, comedia y sensualidad son todo lo que se necesita para hacer de la película algo espectacular, aunado también a la historia entretenida pero nada compleja y al formidable apartado visual.

Las referencias a las culturas del pasado es un aspecto interesante para analizar desde la perspectiva de la teoría de géneros, pues nos proporciona el anclaje terrenal que las películas espaciales o muy futuristas necesitan para funcionar. Aquí tenemos una sociedad del futuro pero anclada a muchos elementos culturales e históricos del pasado y ese aspecto mantiene la posibilidad de que nos relacionemos con la historia sin importar que tan futurista sea.

El punto más débil es el inevitable cliché del tipo rudo que es un donnadie en la actualidad a pesar de haber sido destacado en el pasado y que por alguna razón termina en una misión para salvar al mundo que sólo él puede lograr. Y también el hecho de que los extraterrestres plantaron la civilización en la tierra. Fuera de ese aspecto ya sobreexplotado, el resto de la película no tiene desperdicio, desde la parafernalia, utilería, vestuario y caracterización, hasta la historia, los viajes espaciales, efectos y música. En mi opinión, una de las obras de Ciencia Ficción mejor logradas de todos los tiempos, y que si bien es sencilla y fácil de digerir también tiene mucha tela de dónde cortar.

La delgada línea amarilla

Título Original: La delgada línea amarilla.
Género(s): Movie Road, Drama.
Director: Celso R. García.
Emisión: 2015.
Duración: 95 minutos.
Extras:

Generalmente las Movie Road son esas películas en las que toda la historia toma lugar cuando los protagonistas viajan por la carretera y aunque generalmente mucha de la acción trascurre dentro de un auto, también puede ocurrir sobre el asfalto. La delgada línea amarilla es una bellísima historia en la que cinco hombres conocerán las desdichas de uno de los trabajos más pesados que existen, pintar las líneas guía de las carreteras.

La película es muy buena, tanto en la historia, como en la música y obviamente en el apartado visual, sin olvidar el diseño de personajes y la calidad de actuación. Personalmente lo que más me gustó de los elementos técnicos fue la banda sonora, ya que es triste pero al mismo tiempo esperanzadora y me recordó mucho las melodías de Little Miss Sunshine, que es mi película favorita y curiosamente también es una Movie Road. Cabe destacar que la película es la opera prima de su director y que el perro que sale allí fue rescatado de la calle.

La calidad actoral no tiene mayor desperdicio, teniendo a grandes actores como Damián Alcázar, Joaquín Cosio y Fernando Becerril es obvio que podíamos esperar algo de calidad. El grupo de actores que siempre acompañan a Damián se conocen de sobra y tienen una espectacular química en pantalla, Silverio Palacios, Gustavo Sánchez Parra y el joven Américo Hollander lo hacen muy bien.

La historia gira en torno a don Toño, un hombre ya mayor aunque aún no anciano que trabaja en un deshuesadero. El hombre tiene lo mínimo para vivir, sus únicas posesiones valiosas son una caja con fotografías de su familia y una vieja camioneta. Para su mala fortuna el negocio no anda bien y es despedido. Para tratar de ganarse la vida acepta un trabajo en una gasolinera, en donde se reencuentra con un ingeniero con quien trabajó hace años. El ingeniero le ofrece el trabajo de pintar la línea de una carretera de 217 km y ante la falta de pago en la gasolinera Toño decide aceptar.

Don Toño inicia su nuevo trabajo, una larga y pesada jornada en la que lo acompañarán cuatro peones. Atayde, un simpático y gordinflón hombrecillo que trabajaba en un circo, Gabriel, ex chofer de camión, Mario, tipo de pocas palabras que no inspira confianza y Pablo, un joven despreocupado pero compadecido por lo demás, juntos iniciarán una travesía en la que vivirán de todo, desde las agotadoras jornadas de trabajo, las peleas entre compañeros, la traición, los peligros del camino y el agotador sol del desierto.

Desde un principio tenían muchas expectativas del filme, no sabía nada sobre él pero la portada y el hecho de que Damián fuera el protagonista eran garantía de que podría esperar algo bueno y también la breve sinopsis en la que se hacía referencia a las dificultades de la vida. Una película sobre trabajadores de carretera adentrándose en la vida rural del México real me atrapó al instante. Sin olvidar las breves alusiones a la ingeniería, la construcción y el trabajo de campo al que he estado expuesto gracias a mi familia.

El filme bien podría ser comparado con una historia de fantasía épica, pues a pesar de que aquí no hay magia, sí tenemos un viaje en donde los personajes enfrentarán una serie de obstáculos que terminarán por cambiar su vida, haciéndoles valorar las cosas de otro modo, algo que sólo pueden experimentar las personas que han trabajado en el campo fuera de una oficina.

Las peripecias del trabajo son sin duda la parte medular de la historia y la forma en que éstas impactan no sólo en nuestra vida, sino en la convivencia diaria con los colegas. A pesar de las rencillas, el paso de los días, los kilómetros caminados y el cansancio sólo se volverán menos pesados cuando los hombres empiecen a confiar en sus compañeros, contándoles parte de su pasado, sueños y aspiraciones frustradas que eventualmente los llevaron a trabajar en los caminos y eso es sin duda la parte más rica de toda la película, ver cómo, a pesar de todo, la camaradería es lo más importante para poder seguir adelante.

La incompetencia e irresponsabilidad de las personas a tu cargo, los desperfectos mecánicos, los robos, el sol, las extenuantes caminatas, las acampadas al lado de la carretera, la sed y la falta de comida son el precio que se debe pagar por realizar este tipo de trabajo y la ganancia no sólo es el dinero, sino los hermosos amaneceres, las noches estrelladas, la hermandad y las enseñanzas de don Toño quien, a pesar de todo, intenta enseñarnos un trabajo que posiblemente nadie más desearía hacer. Sin embargo, esas ganancias que alimentan el espíritu simplemente nos permiten apreciar mejor un plato de comida o nos reconfortan para seguir adelante, al final, lo que importa es sacar el trabajo a tiempo, cobrar y seguir buscando, como todas las personas en la dura realidad de la economía mexicana.

La película es una preciosidad, directo a mi top de películas mexicanas favoritas y el final es a la vez crudo, dramático y liberador. Concluir la jornada a pesar de todas las perdidas y el sufrimiento termina por valer la pena, pues a pesar de los malos momentos, aquellos breves instantes de alegría con los compañeros, de rizas y juegos se quedarán igualmente en nuestra memoria. La escena de la feria fue mi parte favorita y una con la que me pude relacionar directamente. Una película sumamente hermosa que superó por mucho mis expectativas. Por cierto, ver a Joaquín Cosio en un papel donde no es un maleante me agradó mucho.

Evangelion por Netflix (parte 4)

Llegamos al cuarto bloque de la serie. Este bloque es el más tranquilo en cuanto a los temas profundos y complejos ya que desde la llegada de Asuka y Kaji la serie se convierte en una historia Mecha-Kaiju normal, pues en cada episodio vemos a los Evas enfrentarse a un enemigo distinto y planeando nuevas estrategias para derrotarlos sin mayor dificultar. Las victorias contra los ángeles son contundentes a pesar de algunos altibajos, pero ningún piloto termina realmente con secuelas.

Uno de los aspectos por el cual separo a este bloque del resto es justamente su ritmo. En primera es la parte donde sí vemos un ataque cada capítulo. En el capítulo 8 se enfrentar a Gaghiel, en el 9 a Israfel, en el 10 a Sandalphon, en el 11 a Matariel, en el 12 a Sahaquiel y en el 13 Ireul. Cada capítulo es un Ángel nuevo y una misión diferente para Asuka, Shinji y Rei, siendo los dos primeros los más protagónicos, pues la llegada de Asuka termina por opacar un poco a Rei.

A diferencia de lo que pasa al enfrentar a otros ángeles aquí ningún piloto queda con secuelas psicológicas reales. Cuando Shinji enfrenta a Sachiel sufre un fuerte trauma que se repite con Shamshel al grado de escapar de casa. Ramiel deja menos secuelas psicológicas en Shinji pero el daño físico en él es mayor, mientras que para Rei enfrentar a ese ángel fue un desencadenante emocional. En el siguiente bloque cada batalla contra un ángel dejará secuelas muy graves para los pilotos, tanto físicas como psicológicas, en este bloque no hay daños reales y todo se enfoca más en la emoción de las batallas.

La llegada tanto de Asuka como de Kaji es otro de los factores que caracterizas al bloque, pues ambos le dan un nuevo aire a la historia y mucho juego a Shinji y Misato respectivamente. La introspección y psicología de los personajes se ve muy poco, aunque se explica un poco más de su pasado y ese halo de oscuridad y melancolía del primer bloque desaparece por completo durante estos capítulos.

Los únicos episodios que distan un poco del resto son el 13 y el 14, pero no lo suficiente para considerarlos por separado pues mantienen la misma dinámica. El capítulo 13 es bastante peculiar, en primera porque es el más Cyberpunk de todos al mostrarnos la visceralidad de las entrañas de MAGI, también es el más introspectivo del bloque pues conocemos un poco sobre el pasado de la supercomputadora, NERV, la madre de Ritsuko y de ella misma. El capítulo es interesante a pesar de ser un poco atípico pues no se usan ni los Evas ni los pilotos para enfrentar al ángel, esta vez le dan juego a los oficiales del puente, además de que en las decisiones que toma Gendô podemos empezar a vislumbrar su interés por el Proyecto de Instrumentalización Humana, y aunque no sabemos nada de eso aún, el que la prioridad sea salvar el Eva 01 nos dice que es el único capaz de provocar el futuro Tercer Impacto.

El capítulo 14 es un recuento, es la parte de relleno pues en la primera parte se hace una mención de todos los ángeles enfrentados hasta el momento y se dan sus nombres. También es la primera vez que se mencionan los manuscritos del mar muerto y se revelan los planes de la organización SEELE, además de que éste capítulo sí tiene un lenguaje poético e introspectivo sobre Rei. A futuro podremos entender que ese soliloquio dicho por Rei en este capítulo en realidad está revelando que es un clon. Al final del capítulo se menciona al Proyecto Adán y aparece la lanza de Longinus, preparando todo para un desenlace planeado por Ikari desde el principio. El capítulo tiene dos parte, el resumen y el capítulo como tal, el resumen es parte integra de este bloque pero la segunda parte podríamos considerarla ya como del quinto bloque.

En lo que respecta al doblaje era obvio que la voz de Asuka cambiaría y una de las cosas que me preguntaba es si ese acento alemán que tiene la pelirroja en el primer doblaje aparecería aquí nuevamente, pues si mal no recuerdo en la versión japonesa no tiene acento. Para mi fortuna sí apareció el acento, pero la actriz de doblaje tiene una voz muy nasal y siendo honesto no me gustó ni la voz ni la personalidad que le imprime al personaje y al ser mi favorito es de esperarse que sea más exigente. Georgina Sánchez ya había doblado a Asuka en Renewal, pero como esa versión yo sólo la he visto en japonés si fue un cambio drástico para mí.

La voz de Kaji (Gerardo García) no me molestó, tampoco está al nivel de la voz original (Enrique Cervantes) pero es aceptable. El resto de elementos siguen más o menos igual, poco a poco me he ido acostumbrando a las voces de Misato, quien en las escenas serias lo hace muy bien, y de Ritsuko, quien tiene muy buenos momentos. Aunque en el capítulo 14 hay un pequeño error pues el nombre de Matariel (o Matarael) aparece en los subtítulos como Matriel.


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Voraz

Título Original: Grave.
Género(s): Terror, Thriller, Gore, Erótico.
Director: Julia Ducournau.
Emisión: 2016.
Duración: 99 minutos.
Extras:

Desde su estreno hace poco más de tres años Voraz (Raw en inglés) recibió una serie de alabadoras crítica entre los círculos especializados del cine de Terror y Horror, y a pesar de que yo también la catalogo dentro de esos géneros, creo que no pertenece totalmente, pues maneja una temática entre lo psicológico el body horror (sin ser tan visceral) e incluso por momentos parece un erotic-grotesque-nonsense, por sus escenas entre lo erótico y lo gore.

La historia tiene una buena calidad técnica, visualmente logra crear una atmósfera que en un principio parece de terror pero que luego da un vuelco brutal al sinsentido sangriento y letal en el que la inocencia parece ser devorada por un imparable deseo caníbal. La música es adecuada y aunque ambientan muy bien, es la parte visual la que atrapa más tu atención.

La historia gira en torno a Justine (Garance Mirillier) una inocente chica que acaba de ingresar a la universidad para estudiar veterinaria, al igual que su hermana y padres. La chica parece ser muy estudiosa y sus profesores la reconocen como alguien con mucha inteligencia, pero no es para nada extrovertida ni popular. Al iniciar las clases los alumnos de nuevo ingreso reciben una novatada, son sacados a media noche de sus dormitorios y llevados a un edificio oscuro donde se está realizando una fiesta. Al día siguiente, como parte del ritual de bienvenida son obligados a comer el órgano crudo de un animal, cosa que molesta a Justine pues su familia es de ideas vegetarianas, aunque no le queda otra más que participar.

Luego de comer la carne, Justine sufre una severa reacción alérgica, recibe atención médica y trata de seguir su vida normal entre las clases, la vida sexual de su compañero de cuarto gay, por quien se siente atraída y el severo trato que los alumnos veteranos dan a los de nuevo ingreso. Al parecer, toda la primera semana los novatos serán humillados por los mayores en cada oportunidad. Buscando la forma de lidiar con eso, busca ayuda con Alexia, su hermana mayor, quien no la ayuda del todo pues su forma de ser ha cambiado mucho desde que ingresó a la universidad, mientras que Justine sigue muy influenciada por las ideas vegetarianas y naturalistas de sus padres.

Al pasar de los días el apetito de Justine empieza a aumentar y contrariando todos sus ideales decide empezar a comer carne, pero su deseo por proteínas se hace cada vez más insaciable al grado de comer carne cruda a escondidas. Una noche, mientras su hermana la depilaba, un accidente corta el dedo de Alexia, quien se desmaya y queda desangrándose en el suelo, su hermana aterrada no sabe qué hacer, pero su apetito por carne la hace ir más allá y devorar el dedo de su hermana, abriendo la puerta a un lugar del que no habrá retorno, aunque no será la única, pues el deseo por carne humana viene de familia.

La película tiene algunas escenas sexuales no demasiado fuerte, aunque cuando se combinan con el deseo caníbal de Justine todo se torna más enfermo e incómodo. Las escenas gore son algo fuertes, pero nada que no puedan digerir quienes ya tengan algunas horas recorridas en el gore o ero-guro japonés. Aunque la atmósfera que se logra al mezclar todos esos elementos es lo que más me gustó, pues no llega ni a lo aterrador, ni a lo extremadamente visceral ni a lo insoportablemente incómodo, es un resultado ecléctico que sólo puedo describir como raro, pero en ocasiones hacerte sentir raro puede ser el objetivo del filme y este lo logra muy bien.

Hay algunos excesos e incoherencia que si no prestamos tanta atención pueden pasar desapercibidos y tampoco merman la calidad general de la película. Aunque lo que sí me pregunto es si en realidad serán así las novatadas en las escuelas europeas, sobre todo en los internados. Los pequeños giros argumentales se ven venir pero siguen siendo interesantes, y por mucho gore que hayan consumido quizás una o dos escenas les parezcan nauseabundas.

La película es una vertiginosa caída en la vorágine de la locura de una cálida e inocente niña, la típica cerebrito que no sale a fiestas ni ha tenido novio y que cambia todo eso por su deseo de carne (en un sentido literal, no sexual). Bien dicen que las mentes más brillantes tienen a los demonios más persuasivos, aunque aquí es más que nada una cuestión hereditaria. Sé que es un spoiler lo que acabo de decir pero se intuye desde la primera escena que va a ser así, sobre todo cuando ya sabes de qué va la película. Una gran recomendación para quienes gusten de películas raras y retorcidas, aunque más interesante sería mostrarla a alguien que no sepa nada al respecto.

Escuela de Rock

Título Original: School of Rock.
Género(s): Comedia.
Director: David Twholy.
Emisión: 2003.
Duración: 108 minutos.
Extras:

Entre las películas de temática escolar una de las más destacadas y divertidas es sin duda alguna Escuela de Rock, obra en la que Jack Black interpreta uno de sus protagónicos más memorables y queridos de su carrera, además de haberse convertido en una obra prácticamente de culto dentro de la comedia escolar infantil, al grado de que a pesar de no existir una secuela, los actores se reunieron hace algunos años para conmemorar el décimo aniversario del estreno de la película, algo que sus fans sin duda apreciaron.

En primer lugar el apartado técnico es muy bueno. Los escenarios, actuación y vestuarios están bastante bien, pero lo que en realidad destaca en la banda sonora. En un principio la historia fue pensada para ser un musical, pero afortunadamente tomó otro rumbo y la comedia resultante fue un gran acierto. Los niños que integran la banda en realidad saben tocar sus respectivos instrumentos, lo cual eleva muchísimo la calidad del filme pues no tenemos a actores fingiendo tocarlos.

Hablando de los actores el cast me parece que fue muy bien realizado, pues todos los niños tienen su encanto particular y aportan algo a la historia, incluso aquellos cuyos papeles son secundarios. Jack Black me parece maravilloso en este filme, personalmente no soy un gran admirador suyo, pero la personalidad que irradia en esta película, y en general en muchas de las que hace, lo hacen ver como una persona agradable con la que seguramente es muy divertido estar.

La historia sigue a Dewey Finn (Jack Black) guitarrista de una banda un tanto mediocre. El resto de los integrantes quieren tomar en serio su carrera musical pero las exageraciones de Dewey en el escenario siempre los dejan en mal. Cansados de su actitud inmadura, lo corren del grupo, sin dinero ni una banda Dewey se deprime, pues además de que ya no podrá participar en la Guerra de Bandas, un importante concurso, necesita dinero con urgencia para pagar la renta.

Ned Schneebly, compañero de departamento de Dewey es maestro sustituto y recibe una llamada pasa suplir a un profesor en una prestigiosa escuela. Como Ned no estaba Dewey toma la llamada y decide suplantar la identidad de su amigo para conseguir un trabajo y ganar el dinero que necesita. Sin una preparación como docente, Dewey pasa todas sus clases sin hacer nada, hasta que descubre que sus estudiantes tienen talentos musicales con los cuales podría ganar el concurso de bandas. Así, Dewey y sus alumnos forman un grupo de rock, aunque los niños son engañados pues ellos creen que se trata de un proyecto escolar.

Si bien Dewey se aprovecha de sus alumnos y los engaña para formar la banda para sus propios intereses, al final logra dejarles una valiosa enseñanza, la de seguir sus sueños sin importar que nadie más crea que deben o pueden lograrlos, incluso si son sus propios padres quienes no están de acuerdo con ellos. La inspiración que logra en sus alumnos es tal que incluso ellos empiezan a poner de su parte y logran armar un espectáculo más impresionante de lo que hubieran podido imaginar en un principio.

Dewey era un fracasado, pero fue gracias a la docencia que encontró un camino para aportar algo útil a la sociedad y seguir dentro del ámbito musical, pues sus enseñanzas rokeras sobre desafiar a la autoridad no iban en un sentido de desobedecer a los padres o profesores, sino de no dejarse derrotar o someter a costa de su creatividad. Además de que la serie es muy familiar, pues muestra que el rock no se trata de fama o drogas, sino de verdadera pasión por la música.

Si bien la historia es para niños, las referencias musicales a los distintos grupos de rock es un aporte valioso. Eso y que el protagonista no es el típico estereotipo del rockero súper atractivo y musculoso, es de hecho un protagonista más cercano al hombre normal con el que cualquiera puede sentirse identificado. Ya sea por la parte cómica, las referencias musicales o la temática escolar, Escuela de Rock seguramente tendrá algo con lo que puedas identificarte y pasar un momento divertido con una película entretenida y muy sana.