The Midnight Gospel

The Midnight Gospel 1

Título Original: The Midnight Gospel.
Género(s): Podcast, Ciencia Ficción Psicodélica
Director: Pendleton Ward.
Emisión: 2020.
Duración: 8 episodios.
Extras:

Había escuchado interesantes comentarios sobre esta serie, en su mayoría decían que era muy buena aunque estaba pachequísima. Y en efecto, luego de decidirme a verla pude constatar que sí, es una serie rara que se pone a divagar hablando diversos temas que van desde el uso de drogas, la muerte, la magia, lo espiritual y la vida en general, desde una perspectiva un tanto filosófica pero más que nada introspectiva. Aunque si hay que ser honesto, The Midnight Gospel no es una serie de televisión, es un podcast animado.

La serie se basa en las entrevistas hechas por Duncan Trussell en su propio podcast a una serie de personalidad que se han dedicado a temas como la magia negra o que han defendido ideas como la legalización de las drogas o la eutanasia, incluso la propia madre de Duncan es parte del programa y habla sobre su propia experiencia enfrentando un cáncer terminal. Duncan además da voz al personaje principal, un spacecaster llamado Clancy Gilroy, quien con ayuda de su simulador viaja a diferentes mundos psicodélicos en donde vive aventuras al lado del personaje en turno al que le toca entrevistar.

The Midnight Gospel 8

La idea de viajar a estos mundos e fabulosa y de la justo ese toque extraño, pues los mundos me recuerdan a las obras de Moebius o a las historias de la revista Metal Hurlan, pero con colores pastel súper llamativos y el diseño clásico de Pendleton Ward creador de Hora de Aventura. Que justamente, al ver su nombre en los créditos me interesó ver la serie, además de que su estilo es inconfundible y dado que Hora de Aventura me gustó mucho sabía que una serie para adultos creada por él no me iba a decepcionar. Aunque Ward no fue la personalidad que más llamó mi atención, sino la de Chris Prinosky, productor ejecutivo, quien para quienes no lo sepan es el creador y director de mi seria favorita de toda la vida, la inigualable Downtown de MTV. Con esa triada de personalidades participando la seria no podía sino ser buena.

La forma en que los personajes hablar sobre sus temas de interés en cuestión es sumamente interesante y no siempre va del todo acorde a lo que vemos en pantalla, incluso podríamos decir que la serie se puede leer de dos formas, como podcast, simplemente escuchando de aquello de lo que hablan sin la necesidad de ver la animación, y como obra animada en la que podemos enfocarnos en las aventuras que viven, las cuales cambian en cada episodio porque son mundos y personajes distintos, y en la que incluso podemos dejar de lado el tema que se discute, aunque la dupla de ambos elementos es sin duda lo que le da esa esencia tan loca pero atractiva a la obra.

The Midnight Gospel 10

He escuchado que algunos consideran que la obra no es realmente profunda o cuestionan sobre si es verdad lo es o sólo lo aparenta, pero desde mis perspectiva eso ni siquiera debería importar, no necesitas saber si la obra es realmente profunda o si los personajes sólo hablar intricadamente para parecer complejos e intelectuales, lo importante es lo que los diálogos y la animación en conjunto te hacen sentir, a mí por ejemplo no me gustaron todos los temas, algunos no me interesaron en lo más mínimo y otro sí, algunos temas me parecieron muy interesante pero la animación no logró atraparme y otros pocos pe fascinaron por ambos aspectos. Y sin duda aquellos temas relacionados con la muerte, como la eutanasia o el cáncer, me fascinaron, me hicieron sentir relajado y cómo escuchando hablar del tema como si de una charla de tanatología se tratase.

Para mí esa fue la parte más importante de la serie, hablar con naturalidad de la muerte lo suficiente como para permitirse sentir cómo y tranquilo con la idea de que eventualmente perderás a algunos de tus seres queridos o que tú mismo podría llegar a enfrentar una enfermedad terminal, estar en paz con esos aspectos inevitables de la vida no harán estar más tranquilos cual el momento llegue y considero que la serie podría ayudar a quienes pasar por algún duelo. Y justo cuando leí alguna reseña donde decían que el personaje entrevistaba a su mamá enferma de cáncer terminal fue que me decidí a verla. La serie me gustó tanto visual como auditivamente, sea su profundidad falsa y honesta lo importante es disfrutarle a los invitados divagar con el tema, no todos te va a interesar justo como en un podcast, pero si algún te sirve toma aquello que te sea de utilidad.

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Pláticas de Ciencia Ficción 16: Arquitectura Neobrutalista

Publiqué el episodio 17 pero el 16 se me traspapeló, así que aquí está. En esta ocasión hablo sobre la Arquitectura Neobrutalista, aquellas típicas de las obras Cyberpunk, donde vemos construcciones muy industriales y viscerales, como tuberías y cables expuestos haciendo evidente la decadencia social clásica del género.

Okja

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Título Original: Okja.
Género(s): Ciencia Ficción / Biopunk, Drama.
Director: Bong Joon-ho.
Emisión: 2017.
Duración: 121 minutos.
Extras:

Sin darme cuenta he visto más películas de Bong Joon-ho de lo que me imaginaba, desde la galardonada Parásitos, The Host, hasta Snowpiercer, esta última siendo la primera obra en la que trabajó con Tilda Swinton, quien a mi parecer se lleva las palmas en Okja con su doblemente impresionante actuación, habilidades que la han convertido en una actriz recurrente para varios directores, como Wes Anderson.

Cuando me enteré del filme llamó un poco mi atención pero no lo suficiente para verla, así que dejé pasar varios años hasta que leyendo a detalle vi que el directo era el galardonado surcoreano, la ya mencionada Tilda y Paul Dano, a quien conozco por su interpretación de Dwayne en mi película favorita, Little Miss Sunshine. Fue por la presencia de estos tres personajes que me decidí inmediatamente a verla. Ya después al encontrar a otros actores que reconozco como Jake Gyllenhaal y Steven Yeun me quedé más enganchado.

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La historia gira en torno a Okja, un supercerdo de la compañía Mirando, quien dio 26 cerdos a ganaderos alrededor del mundo para que fuesen criados mediante métodos tradicionales, al pasar 10 años se hará una competencia para premiar al mejor. Okja vivía en las montañas en corea y era al parecer el mejor ejemplar de todos, así que al pasar el tiempo pactado el cerdo fue recogido por la compañía y llevado a Nueva York para la premiación. Sin embargo, Mija, la nieta del granadero encargado de Okja, se ha encariñado tanto con ella que la ve como parte de su familia y no permitirá que se la lleven.

Mientras Mija trata de recuperar a Ojka, la compañía Mirando se enfrenta a un grupo de ambientalistas que secuestrar al animal para usarlo como espía y revelar los terribles secretos de la compañía, pues aquel supercerdo publicitado por Lucy Mirando (líder de la compañía) como la solución al hambre en el mundo, es en realidad un producto de la ingeniería genética que mediante crueles experimentos con animales ha llegado a su brillante producto final.

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Lucy generó todo un plan para que los consumidores pensaran que la carne que vendían provenía de animales criados naturalmente, pero en realidad era producidos en laboratorio y mantenidos en crueles condiciones para su explotación, igual que cualquier otro animales producido de manera intensiva en los rastros del mundo. El Frente de Liberación Animal quería poner fin a los abominables planes de Mirando y por eso intentó secuestrar al animal, haciendo que Mija quedara inmiscuida en todo el asunto.

La película tiene muchísimas aristas que abordar, una de ellas es la parte de la manipulación genética de la que sería imposible hablar por sí sola, pues no sólo fue el crear al animal, sino la forma en que esto se relaciona con la cría de animales para consumo humano, el trato que sufren en las granjas, la perspectiva de las personas por no querer comer algo artificial pero al mismo tiempo exigir respeto por los animales, el terrible impacto que este tipo de industrias generan en el medio ambiente y los propios derechos de los animales, sin olvidar el debate de cómo tratar algo no natural creado por los humanos para esos finales, pues aunque sea artificial el animal siente y sufre.

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Por otro lado tenemos la parte de la empresa, que es donde Tilda destaca por sobre el resto de personajes, pues interpreta a dos hermanas, una (Lucy) que quiere mostrar un lado bueno, amable y naturalmente responsable de la compañía aunque eso implica costos y riegos, y la otra (Nancy) que es una empresaria salvaje y sanguinaria totalmente racional a quien sólo los negocios importan. Sin olvidar toda la campaña publicitaria para colocar el producto en el gusto de la gente y mantener oculto lo que hay detrás. Usar como rostro de la compañía a doctor Johnny Wilcox, un veterinario amante de los animales, para generar esa confianza en el consumidor, pero que detrás de cámaras no es más que un show, me pareció una excelente crítica y muy atinada. Incluso todo lo que la compañía hace para tratar bien a Mija y usar el incidente con Ojka como más publicidad de los buenos que son.

La película es un excelente Biopunk pues tiene todos los elementos que el género requiere y los maneja de una forma excelente, una corporación superpoderosa con un trasfondo oscuro, animales modificados genéticamente que desatan un debate ético, grupos a favor y grupos en contra. Incluso el diseño del animal logra un excelente resultado, pues le dota de un grado de expresividad muy bueno que logran transmitir la emociones de Okja y hacer que se vea muy realista, afable y congenie con el espectador, incrementando ese sentimiento de culpa por la crueldad que reciben al ser animales criados para comer.

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Esta cuestión desata un debate importante que seguro gustará a quienes han decidido no comer carne, y tienen razón, pues no podemos generar tanto sufrimiento en los animales sólo por un beneficio económico. Digo, yo en lo personal nunca dejaría de comer carne (salvo por cuestiones médicas) y estoy en contra de quienes quieran imponer el ser veganos apelando a la culpa, la evolución nos hizo omnívoros, lo que hay que evitar es generar sufrimiento en los animales, cosa que la industria actual no hace ni dejará de hacer, pues tratar bien a los animales es más costoso. Y por otra parte, Mirando tiene razón, si a las personas no les aterrara comer carne sintética ya no necesitaríamos criar animales, comeríamos tejidos cultivados sin un cerebro, que no sienten ni sufren por estar en una jaula, pero diles a las personas que están comiendo carne artificial creada en un laboratorio y se volverán locos.

La película es muy buena en cuando a todo lo que permite profundizar de su historia, sus efectos también son geniales y aunque sabemos de la artificialidad de Okja sus gráficos por computadora se ve bien, incluso a mí, que detesto el CGI y prefiero los efectos prácticos con maquetas, me agradó visualmente e incluso esas escenas de acción (un poco demasiado cómicas para mi gusto) se ven genial. Una excelente recomendación para quien guste del género o desee ver algo con mensaje en pro del respeto a los animales y aunque el final se siente algo apresurado en general todo el desarrollo del filme es muy bueno.

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Puella Magi Madoka Magica

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Título Original: 魔法少女まどか☆マギカ (Puella Magi Madoka Magica):
Género(s): Mahô Shôjo, Ciencia Ficción, Drama.
Director: Akiyu Shinbo.
Estudio: Shaft.
Emisión: 2011.
Duración: 12 episodios.
Extras: –

Hay dos series de anime a las que les debo una deuda histórica por no haberlas visto antes, una de ellas es Madoka, serie que me han recomendado hasta el hartazgo desde 2013 aproximadamente y que por fin me decidí a verla y sin duda me arrepiento de no haberlo hecho antes, pues si bien me pareció grandiosa en muchos de sus aspectos, creo firmemente que si la hubiese visto hace ocho años me habría resultado todavía más asombrosa, ya que sin duda rompió con el estereotipo del género al cual aparentemente pertenece.

La calidad me maravilló tanto en lo visual como en lo sonoro. El diseño de personajes está bien, cayendo en el formato ya consolidado para la década pasada pero que funciona. Los escenarios urbanos por momentos son muy digitales y generan esa artificialidad que no me gusta, pero los laberintos donde viven las brujas y el diseño de estas con esos cambios en el estilo de animación y los surreales que resultaron me fascinaron, sin duda una excelente y muy original forma de representar a las brujas. Y no se diga la banda sonora que le va perfecto y destaca sobre todo en esas escenas en las que debe generar un ambiente lúgubre y oscuro.

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La historia sigue a Madoka, una chica de preparatoria sin ninguna habilidad especial que un día se encuentra con una criatura parecida a un gato que está siendo atacado por la chica nueva que acaba de transferirse, quien al parecer posee alguna clase de poderes mágicos. Madoka y su amiga Sayaka evitan que Homura siga atacando al gato cuyo nombre es Kyubey.  La pequeña criatura les explica que puede concederles cualquier deseo a cambio de firmar un contrato con él y convertirse así en niñas mágicas que cazan brujas.

Homura es al parecer una niña mágica, pero no es como las demás. Para tratar de convencer a Madoka y Sayaka de unirse a Kyubey les presenta a Mami, otra niña mágica ya veterana, quien las lleva a cazar brujas para que se hagan una idea de lo que tendrán que hacer si le piden un deseo al gato. Mami les explica que las brujas se alimentan del sufrimiento y la depresión de los humanos, causan los suicidios y desastres naturales y su deber como niñas mágicas es matarlas.

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Hasta allí la serie es en apariencia un anime de chicas mágicas como cualquier otro, donde niñas adquieren poderes y se transforman en escenas luminosas donde visten trajes de colores, pero rápidamente notamos que detrás de todo siempre hay una aura sombría, de miedo, misterio y sufrimiento que cada vez se hace más evidente. Las niñas mágicas no llevan una vida bonita con los típicos conflictos de adolescentes, sino que se ven sometidas a un gran sufrimiento que las aleja cada vez más de su humanidad.

La serie se torna por completo oscura y los trajes de colores son ensombrecidos por muerte y desesperación. El peligro es mayor de lo que se esperaban al combatir brujas y los intereses de otras chicas mágicas se hacen evidentes, además de que a lo largo de los capítulos la historia va dando giros argumentales que la hacen cada vez más oscura hasta revelar la verdad detrás del origen de las chichas mágicas y de las intenciones reales de Kyubey.

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Desde el inicio la música ya nos pone en advertencia sobre algo misterio que no alcanzamos a comprender y con forme se van develando los secretos de qué es ser una niña mágica realmente es que notamos que la fantasía de las niñas con poderes mágicos es una mera portada de algo mucho más oscuro, profundo y complejo, que da paso a cuestiones sobre las leyes universales de entropía y revela el verdadero género de la serie, la Ciencia Ficción, en donde la magia es sustituida por viajes en el tiempo y tecnología extraterrestre.

Hay muchísimos aspectos en los que podemos profundizar en la serie, pero so lo haré en otra ocasión, pues ya de entrada hablar de suicido le da un toque oscuro desde el inicio y rompe por completo lo que uno podría esperar de una serie Mahô Shôjo, que en realidad no es de ese género. A Madoka le pasa como a Evangelion, que no es Mecha pero se ha catalogado, consolidado y grabado en la mentes de los espectadores como una serie sobre robots gigantes, los mismo con Madoka, se ve como una serie de niñas mágicas pero está lejos de realmente serlo y en eso, y la forma en que devela su trasfondo de formas que el espectador no logra advertir, es que radica su grandeza.

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Y al igual que Madoka tiene su paralelismo con Evangelion en cuanto al género (y al final), creo que también los tiene con Suzumiya Haruhi no Yûutsu en cuanto a quién termina siendo el personaje principal, ya que si bien ambas series llevan el nombre de un personajes, en realidad el protagonista es otro (Kyon en el caso de Haruhi). Y esa forma de darle la vuelta a la trama y en un capítulo cambiar tanto las cosas e irlas haciendo más oscura con forme avanza es formidable y no por nada Madoka se ganó un lugar importante entre las series de culto de la década pasada a pesar de contar con una sola temporada, aunque tal vez por eso es tan afamada, porque le bastó una temporada para maravillarnos y demostrar que se pueden hacer otros tipo de Mahô Shôjo sin caer en el estereotipo.

Sin duda una serie maravillosa que recomiendo encarecidamente, aunque sin son muy fans del anime dudo que no la haya visto ya. El desarrollo de los personajes es muy bueno, los giros argumentales te atrapan y no son obvios, la trama oscura y cada vez más dramática va subiendo de tono de forma muy bien pensada, enfocándose en temas como la desesperación y la soledad, y la manera en que rompe con el género y termina mostrándonos algo distinto es fabulosa. Y si le lo preguntaban, la otra serie a la que le tengo una deuda histórica es Gurren Lagann.

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Pláticas de Ciencia Ficción 17: Apocalíptico y Súper Apocalíptico

Luego de ver muchas películas con la temática del fin del mundo llegué a una conclusión de que podemos catalogar este tipo de películas sobre el apocalipsis en dos: aquellas que pasan muy rápido o son de una escala planetaria y aquellas que pasan lento o son de una escala local. Cada tipo de obras encierra características muy distintas que aplico en el episodio de este mes.

Nota: Pláticas de Ciencia Ficción es un podcast que sólo está disponible en el canal de YouTube del blog, cada episodio tendrá una entrada respectiva aquí ya que forma parte del contenido sobre Teoría de Géneros que suelo escribir. Si quieren estar al tanto les recomiendo suscribirse al canal para escucharlos en cuanto se publiquen.

Barrenderos Espaciales

Barrenderos espaciales 1

Título Original: 승리호 (Seungliho)
Género(s): Ciencia Ficción.
Director: Jo Sung-hee.
Emisión: 2021.
Duración: 136 minutos.
Extras:

Hace un par de meses que me topé con las recomendaciones de esta película y al leer la sinopsis me pareció interesante, sobre todo por la temática espacial y de la basura, aspectos que los recientes viajes espaciales de carácter turístico por parte de magnates multimillonarios ha vuelto popular, pero que si lo pensamos detenidamente terminará siendo una realidad eventualmente.

La premisa no es del todo interesante, pero si disfrutaron series como Cowboy Bebop creo que podría llegar a gustarles. La historia trascurre en 2092 cuando todos los bosques del planeta se han muerto y la única forma de vivir en la tierra es usar respiradores pues el aire ya no es respirable. Para salvar a la humanidad los grandes genios y empresarios han construido una ciudad paraíso en la órbita del planeta, donde sólo viven aquellos privilegiados, el 95% del resto de la población mundial sigue en la Tierra tratando de sobrevivir o yendo a la utopía como simples trabajadores, muy similar a lo que vemos en Elysium y que igualmente me recuerda al anime Shangri-La, pues sólo aquellos elegido podían entrar al mundo ideal.

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Aquel paraíso artificial fue construido por la UTS, una empresa súper poderosa cuyo líder tiene oscuras intenciones como es de esperar y que resulta imposible no comparar con personalidades como Elon Musk. Toda esa increíble tecnología ha permitido la conquista espacial y dado que la Tierra resulta irreparable, UTS planea terraformar Marte, pero mientras eso ocurre la vida en las plataformas espaciales deja parte de su seguridad a los barrenderos espaciales, personas que tripulan naves y atrapan la chatarra espacial antes de que colisione con algo causando desperfectos, y al igual que los basureros venden esa chatarra de la que se reciclan sus componentes.

Honestamente esa premisa de los barrenderos espaciales, la forma en que usan sus naves desvencijadas para atrapar la chatarra (que es lo que me recordó a Cowboy Bebop) y su posterior venta para el reciclaje me resultó muy interesante. La típica Tierra agonizante muriendo por la contaminación de los humanos, si bien es un problema muy real que terminara matándonos, ya resulta un cliché sobreexplotado en el cine de Ciencia Ficción, tan sólo esa idea de la humanidad escapando de un planeta convertido en basurero lo habíamos visto en Wall-E. Fue la parte espacial punk con problemas sociales, colonias, segregación, diferencia de clases y empresas perversas súper poderosas lo que más me atraparon ya que es el resultado de mezclan Cyberpunk y Space Opera.

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Lamentablemente la trama, si bien nunca deja de lado ninguno de esa aspectos y problemas, si termina por enfocarse mucho en la parte sentimental, pues nuestros protagonistas terminan convirtiéndose en los rescatistas y protectores de una niña que será la clave para restaurar la vida en la Tierra. El protagónico corre a cargo de la tripulación de la nave Victory: Tae-ho, piloto de la nave y ex militar que busca a su hija perdida, Tiger Park, mecánico y antiguo miembro de la mafia, Jang, capitana y dueña de la nave que fuera activista política y Bubs, un robot que mete el toque cómico a las escenas.

La tripulación encuentra a una niña en una nave que rescataron, sin embargo, no se trata de una niña ordinaria sino de Dorothy, un robot bomba que puede explotar en cualquier momento y que fue robado por una organización terrorista. Debido a sus problemas económicos, la tripulación decide entregar a la niña a los terroristas a cambio de una recompensa, pero durante su intento de ganar dinero fácil, descubren quién el realmente esa niña y se terminarán encariñando con ella, luchando con todas sus fuerza contra James Sullivan, el CEO de la UTS quien quiere a la niña para sus planes perversos.

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Si bien hubiese preferido una historia que apelara más directamente a la Ciencia Ficción Social, el resultado final no deja de ser bueno y entretenido para los fans de género, pues si bien aquella interesante forma de plantear un problema a futuro me pareció excelente, la parte de persecuciones épica y escenas de acción tanto en físico como en las naves está muy bien. Incluso esa batalla de las naves de los chatarreros contra la empresa me recordó mucho a las batallas espaciales de Star Wars entre la República y el Imperio, sobre todo por esa estética desvencijada de los chatarreros.

Además de la historia y la acción debemos alabar el aspecto técnico, el cual está al nivel de cualquier superproducción hollywoodense, incluso aquellas escenas donde todo es CGI están tan bien hechas que a pesar de la artificialidad que nos dan los gráficos por computadora son agradables de ver y creíbles. La música es igualmente buena y queda perfecta en todo momento aportando esa atmósfera de acción necesaria. La parafernalia, el diseño de las naves y las colonias espaciales también cumplen excelente, sobre todo por esa estética que juguetea con lo Cyberpunk y que personalmente me gusta mucho.

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Fuera del aspecto técnico algo que me pareció maravilloso y sumamente atinado es la multiculturalidad del filme, pues si hablamos de un futuro en el espacio, las fronteras físicas entre las naciones desaparecerán y veremos personas hablando coreano, inglés, español, ruso, francés entre muchas otras lenguas, perfectamente manejado con el uso de un dispositivo tipo manos libres que sirve de traductor, lo que nos permite escuchar a cada uno en su lengua materna, razón por la que recomiendo verla en idioma original (pues de todas formas la versión doblada sólo dobla lo coreano y deja el resto igual). Esa parte del lenguaje nos deja ver que la conquista del espacio (exterior y digital) resultará en una aldea global.

Aunado un poco a esto hay otro aspecto que quiero mencionar y que es una constante que he visto en muchas obras de Ciencia Ficción y de la que espero hablar pronto, algo a lo que llamo el anclaje terrenal. Dicho anclaje es el uso de dispositivos, herramientas u objetos actuales en ambientes muy futuristas en donde, por lógica, ya debería existir algo más avanzado pero no es así, pues seguimos viendo el mismo objeto arcaico (arcaico para ese futuro, totalmente actual para nosotros). Como el cuarto de máquinas donde trabaja el señor Park moviendo palancas muy al estilo del cuarto de máquinas en Titanic (James Cameron, 1997). Sin duda una buena película con un argumento y desarrollo entretenido pero un trasfondo que pudo dar para más, pues nos apunta problemas que tendremos que resolver a futuro y que están empezando en este momento.

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Amor y Monstruos

Amor y Monstruos 1

Título Original: Love and Monsters.
Género(s): Ciencia Ficción, Drama, Comedia, Romance.
Director: Michael Matthews.
Emisión: 2021.
Duración: 109 minutos.
Extras:

Me había comentado que esta película era bastante buena y eso me generó curiosidad por verla, pese a que cuando se entrenó por Netflix no me llamó del todo la atención. Y tal parece que es el efecto que generó en la mayoría, ya que a primera vista parece una película postapocalíptica más para pasar el rato sin nada de profundidad e interés, pero tiene algunos detalles que en verdad la hace buena, o al menos mejor que una simple película palomera.

La historia gira en torno a Joel Dawson, un chico de 24 años que vive con otros sobrevivientes en un bunker bajo tierra luego de que siete años antes un meteorito amenazara con destruir la Tierra. Para detenerlo, los humanos usaron armas con substancias que sí bien acabaron con la amenaza espacial llovieron posteriormente a la superficie afectando a todos los animales de sangre fría y haciéndolos mutar en abominables monstruos letales. El 95% de la población mundial murió a causa de insectos y animales gigantes; el 5% restante vive oculto bajo tierra.

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Joel, a diferencia de sus compañeros no aporta nada al grupo para sobrevivir, es bueno cocinando y con la tecnología, pero esas habilidades no le sirven para enfrentar monstruos y mucho menos para salir a peligroso exterior a explorar. Sin embargo, al ser el único en el refugio sin pareja la frustración se apodera de él y decide abandonar su bunker para caminar más de 100 kilómetros hasta la costa donde vive su novia. A pesar de las negativas de sus compañeros nuestro protagonista sale a la superficie y se aventura en un mundo letal donde cada cosas viviente intentará matarlo.

Ya en el exterior se enfrenta a los peligrosos animales con el resultado esperado, pues sus nulas habilidades le hacen víctima del primer animal que encuentra. Para su fortuna, un perro llega a rescatarlo y desde entonces se hace su amigo. En canino le ayuda alertándole de algunos peligros mientras viajan juntos hacia la costa. Más tarde se encuentra con otros dos supervivientes, una pequeña pero sagaz niña y un hombre rudo que parece haber nacido para sobrevivir en lo agreste. Ambos le enseña las cosas más importantes para sobrevivir a cada peligro, y Joel no anota todo en su libreta junto a las ilustraciones de los monstruos que van encontrando, junto a datos importante para hacerles frente. Eventualmente Joel llega con Aimee, su novia, pero otro peligro más que cruza en su camino, esta vez en forma de humanos.

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La película es bastante buena y entretenida, tiene sus dosis de emoción y sentimentalismo muy bien distribuidas y en ningún momento abusa de nada. La idea del chico torpe sobreviviendo a los peligros de un mundo hostil no es nueva pero da pauta a lo verdaderamente importante que es la metáfora del viaje. En este caso el viaje y no el destino es lo verdaderamente importante, los amigos que Joel conoce en su travesía y los conocimientos y experiencias que adquiere y le permiten sobrevivir a los monstruos. Y si bien sí es muy de fórmula esto del viaje que cambia al héroe y lo hace ser quien es, está muy bien hecho.

La parte de ficción y acción con los animales gigantes es buena, una temática que se antoja agradable para un apocalipsis donde los extraterrestres, los virus y zombis son lo que domina el mercado. Personalmente me gustó la idea de los insectos letales porque juego con varias fobias comunes entre las personas. Aunque sí tiene varios puntos débiles con respecto a esto pero son perdonables y tampoco vamos a exigís algo súper realista para detonar un fin del mundo.

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La parte sentimental es otra que está muy bien trabajada. En un principio parece que todo tendrá tintes sexuales y luego pareciera que caeremos en lo meloso y cursi, pero ninguna de esas cosas pasa afortunadamente. La parte del amor que Joel siente por Aimee no domina la historia y se adereza bien con el sentimiento de hermandad entre él y sus compañeros del bunker, sin olvidar la parte emotiva que Minnow y Clyde (lo supervivientes que lo ayudan) agregan durante el viaje. Pero sin duda en anclaje emocional más fuerte de todos lo tenemos con Boy, el perro que protege y acompaña a Joel y quien, al igual que nuestro protagonista, se ha quedado solo en un mundo hostil luego de que, al parecer, su dueña desapareciera.

La relación entre Joel y Boy me recordó a la película Un chico y su perro (1975) y si bien tiene sus momentos emotivos está lejos de ser dramática y desgarradora, de hecho todo es demasiado ligero y eso permite que la película se vea fácil y sea excelente para pasar la tarde pero sin olvidar que tiene un leve toque de profundidad que la hacen más interesante. Las actuaciones están bien, sobre todo las de Dylan O’Brien (Joel) y Michael Rooker (Clyde) quien parece haber nacido para interpretar el papel del tipo rudo sobreviviente aunque aquí lo vemos mucho más cándido que otros de sus trabajos previos. Los efectos son buenos aunque por momentos muy digitales para mi gusto pero en general es una película postapocalíptica muy recomendable.

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Pláticas de Ciencia Ficción 15: El uso correcto del sufijo Punk

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Este video ya lo había subido hacer un buen rato al canal de YouTube pero se me había olvidado que también suelo hacer una entrada en el blog de cada video de esta serie, así que en este video les hablo de la forma correcta para usar el sufijo “punk” como parte de un subgénero de Cyberpunk, ya que he visto que hay un uso indiscriminado que ya no corresponde a su significado real.

Los punkismos, como se denominan a los género que llevan el sufijo punk, son aquellos subgéneros de la Ciencia Ficción, generalmente derivados del Cyberpunk o el Steampunk que siguen la ideología punk de No Futuro, la cual aboga a que el desarrollo tecnológico no traerá mejoras a la humanidad, por el contrario, sólo generará problemas y por eso se tiene un visión pesimista del futuro, por eso este tipo de obras suele enfocarse en las cosas malas y los problemas sociales producto del avance en la ciencia y la tecnología. Si un género ya no tiene esa visión negativa y plantea algo positivo deja de ser punk y por ende no debe llevar el sufijo como parte de su nombre.

Pequeña Gran Vida

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Título Original: Downsizing.
Género(s): Ciencia Ficción / Ciencia Ficción Social, Distopía.
Director: Alexander Payne.
Emisión: 2017.
Duración: 135 minutos.
Extras:

Debo admitir que cuando vi los tráileres que anunciaban el estreno de esta película me llamó mucho la atención debido a su premisa, no tenía mucha idea de qué esperar pero la idea de hacer a la gente pequeña para consumir menos recursos abría la oportunidad para que la trama explorara innumerables temas que tradicionalmente han sido abordados por la Ciencia Ficción, pero nunca la vi hasta hace poco cuando el anunció de Netflix de que estaban por quitarla de su catálogo me hizo decidirme.

La película tiene una buena calidad técnica, digo, es obvio e imposible no notar el CGI para que la gente se vea pequeña, pero es algo que uno como espectador ya espera desde antes así que fuera de eso no hay mayor problema, incluso logran hacerte sentir que, pese a que todo se ve normal pues es escalado con referencia al tamaño humano, es en efecto, más pequeño. La música está bien pero siendo honesto es el aspecto al que menos le presté atención, las actuaciones cumplen, no es el mejor trabajo de Matt Damon pero tampoco es que sea malo. Lo único que si no me agradó fue el doblaje que le pusieron a cierto personaje vietnamita y que es el típico acento asiático estereotipado y hasta racista.

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La historia inicia cuando un grupo de científicos noruegos descubre un procedimiento para reducir el tamaño de la gente a una mínima parte de su tamaño real. El objetivo de su investigación es hacer a toda la gente pequeña, ya que con ello la cantidad de recursos que una persona necesitaría se reducirían muchísimo al igual que sus desechos generados, eliminando casi por completo el impacto ambiental que nuestra especie al ecosistema. Luego de varios años, las empresas dedicadas a reducir a la gente se vuelven realidad y las ciudades para los pequeños cada día se vuelven más numerosas.

Paul Safranek está casado y trabaja como fisioterapeuta, pero tiene serios problemas económicos y no puede darla la vida que él desea a su esposa. Convencidos por un amigo, el matrimonio decide ir a preguntar a una de esas empresas sobre cómo sería el procedimiento para reducirse, pues al parecer, ya que todo lo pequeño cuesta menos, una familia de clase media baja en tamaño normal podría darse una vida de millonarios en tamaño reducido. La visita a aquel lugar los convence y deciden reducirse, ya que sus ingresos, que en la vida de tamaño normal no les alcanzan ni para el enganche de una casa, en la vida pequeña les garantizarían una enorme mansión.

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Sin embargo, algo pasa y Audrey, la esposa de Paul, no llega con él a Leisureland, una de las mejores ciudades para pequeños en todo Estados Unidos. Paul queda sólo es ese nuevo y pequeño mundo, por lo que la frustración se apodera de él y termina muy deprimido. No obstante, todo empieza a cambiar cuando luego de una fiesta en casa de su parrandero vecino conoce a una chiga de Vietnam que trabaja limpiando casas y que no tiene una pierna. Aquella chica fue la única sobreviviente de un grupo de activistas políticos que fueron reducidos en contra de su voluntad por el gobierno.

La prótesis de mala calidad que usaba la chica le causa problemas, así que Paul decide ayudarle y gracias a ello conoce un mundo que no tenía idea que existía, pues si bien todos los pequeños vivían con lujos de ricos que nunca hubieran podido darse en la vida normal, la fuerza de trabajo seguía viviendo en pésimas condiciones, es asentamiento irregulares afuera de la ciudad, inmigrantes asiáticos y latinos vivían en serias condiciones de pobreza y pesar de que todo lo pequeño costaba menos se veían obligados a trabajar como la mano de obra barata que todos los inmigrantes tamaño normal han sido durante tantos años para los Estados Unidos.

Pequeña Gran Vida 9

La película me gustó porque a pesar de ser muy predecible, en cuanto llega a ese punto que desde minutos antes predijiste que iba a pasar da un pequeño giro argumental y te muestra otro mundo completamente nuevo e inesperado, que vuelve a ser predecible hasta el próximo giro. No obstante eso de los giros que cambian la trama de hecho es un defecto, pues nos muestra distintas aristas que podrían desplantarse de la vida en tamaño reducido y que podrían haber sido muy buenas, profundas y con una aún mayor crítica social.

La idea de reducirte es sumamente utópica y por un momento parece perfecta, pero sabemos, porque toda utopía es distópica por naturaleza, que en algún momento los problemas serán revelados y las cosas no podrán mantenerse perfectas en el nuevo y pequeño mundo de Paul. Primero creía que sería una cosa dramática cuando pierde a su esposa, luego creía que iría más en un tono social cuando se cuestiona si la gente pequeña debería tener los mismos derechos que la gente de tamaño normal, posteriormente todo parecía apunta a una típica obra de Ciencia Ficción Social donde se criticaba que a pesar de que todo era más barato y amigable con el medio ambiente terminaba por generar los mismos problemas sociales, ahora en miniatura, donde la gente pobre es la mano de obra, son alienados por los ricos y viven como muchos migrantes lo hacen en el vecino país del norte.

Pequeña Gran Vida 7

Personalmente me encantó esa parte social cuando vemos a mexicanos e inmigrantes asiáticos vivir en pocilgas sucias y sin los servicios más básicos a las afueras de la ciudad en un asentamiento irregular y seguramente ilegal. Lamentablemente no desarrollan esa parte con la crudeza que me hubiese gustado. Otro de los giros que anunciaban el posible tema principal fue el de la decadencia social a causa de vivir en un mundo donde se tiene todo y el realidad no hay nada que hacer, que en lo que se perfilaba cuando Paul conoce a Dušan, su excéntrico vecino.

El último giro es de tintes apocalípticos cuando Paul, Ngoc Lan y Dušan viajan hasta la colonia original de gente reducida en Noruega, donde conocer al científico creador de todo, el Dr. Jørgen Asbjørnsen y su comuna. Al parecer la Antártida está liberando gas metano a la atmosfera lo cual causará la inminente extinción de todos los seres humanos. Para evitarlo, los noruegos han construido un gigantesco refugio bajo las montañas para salvar a la humanidad, que en realidad no es tan grande, pero recordemos que ellos son muy pequeños.

Pequeña Gran Vida 3

Cada uno de los subtemas que se van abordando son interesante, pero ninguno se explota al ciento por ciento, de hecho considero que se hubiera podido hace una película enfocada en cada uno de los temas, ya fuese en lo político y económico, en la cuestión de los derechos, en la falsa utopía de una sociedad prefabricada que estaba destinada a no funcionar, en el aspecto social de aquellos que viven en los barrio marginales o en la parte apocalíptica del fin del mundo. El mezclar todo y no profundizar en nada le restó solides.

No obstante, la película es una buena y poco frecuente distopía cómica que se disfruta, da pie a la reflexión y logra su objetivo de entretener. Es recomendada pero tampoco para clavarse en la trama como en Distopías estilo Brazil, aunque a pesar de ello me agradó, pero considero que la parte social de los marginados estuvo muy desaprovechada pues daba para mucho más, además de que resulta un perfecto ejemplo del Centro-Periferia del que ya he hablado antes.

Pequeña Gran Vida 2

The Matrix Revolutions

Revolutions 1

Título Original: The Matrix Revolutions.
Género(s): Ciencia Ficción / Cyberpunk / Wirepunk.
Director: Lana (Laurence) y Lilly (Andrew) Wachowski.
Emisión: 2003.
Duración: 129 minutos.
Extras: The Matrix, Animatrix, The Matrix Reloaded.

La última parte de la saga, puesto que para este momento ya se anunció la cuarta película. Matrix Revolutions nos muestra el desenlace que quedó pendiente en Reloaded, y en esta ocasión parece que ambas películas fueron planeada perfectamente como parte de un todo pero simplemente separadas, tanto así que de hecho se estrenaron el mismo año, dando paso a una constante que actualmente vemos en lo que respecta a las sagas anuales.

A nivel técnico no podemos decir nada nuevo, todo mantiene el mismo nivel del filme anterior en cuando a música, efectos y actuación. Aunque donde considero que sí mejora un poco es en la historia, digo, la segunda parte tiene más profundidad en cuanto esta cuestión del Arquitecto y la verdadera razón del mito del Elegido, Sion y toda la farsa de la revuelta humana para liberar mentes de la Matrix. Aquí igual hay su profundidad un poco con el Maquinista, que transporta programas del interior de la Matrix hacia afuera, como especie de migrantes o refugiados ilegales.

Revolutions 2

La historia continúa con lo visto en la película que la precede, las naves están cada vez más cerca de Sion y Neo no puede hacer nada puesto que el Arquitecto le dijo que todo era parte de un mecanismo de control programado. Aunque algo ha cambiado y ahora los poderes de Neo parecen revelarse incluso fuera de la simulación. Sin estar seguro de qué hacer, Neo sigue su intuición y decide viajar hasta la misma ciudad 0, la ciudad de las máquinas para ofrecer una tregua y termina por fin la guerra.

Los centinelas atacan Sion y vemos una de las mejores escenas de la saga, aquella épica defensa de la última ciudad humana a manos de una resistencia que pese a tener todo en contra no dejará de atacar a los invasores aún a costa de su propia vida. Ese aspecto revolucionario del filme me gustó mucho y da el toque de acción perfecto para el desenlace, además de que ya no sea caer en los excesos sexuales del segundo filme y nos muestra acción hollywoodense de ese que te engancha fácil.

The Matrix Revolutions - 2003

Además de las máquinas, el principal enemigo por fin aparece en el mundo real. De alguna manera Smith se apodera de un cuerpo humano y enfrenta a Neo y es justo el antiguo agente la moneda de cambio para que Neo haga la paz con las maquinas. Todo parece indicar que Smith es ahora un virus que corromperá tanto a humanos como a maquinas apoderándose de la Matrix y modificando su código con sus innumerables réplicas. Las máquinas aceptan el trato de Neo, dejarán en paz a los humanos y liberaran las mentes de quienes así lo deseen pero sólo si Neo logra derrotar a Smith, así que en la parte final vemos la última batalla entre ambos.

El final no es de lo mejor y ya cae mucho en la esperanza un tanto alejada de esa versión Cyberpunk de la primera cinta, pero es coherente con lo que estuvo desarrollando en los últimos dos filmes. Las escenas de acción y la épica defensa de Sion es fabulosa y vale la pena verse, la interrogante sobre cómo los programas han evolucionado hasta desarrollar algo similar a los sentimientos humanos es quizás el aspecto más profundo que la tercera parte de la saga aporta y que puede dar mucho juego para discutir.

Revolutions 5

La saga de Matrix es sin duda alguna un parte aguas en cuanto el cine Cyberpunk, pues no sólo sirvió para popularizar el género, si no que además aportó varios elementos en cuanto a temas, personajes y estética que no habíamos visto antes. Neo, Trinity y Morfeo son ya leyendas de la Ciencia Ficción y el Wirepunk debe en mucho lo que este género es a la obra de los Wachowski.

Personalmente, como la mayoría de fanáticos del género, prefiero quedarme con la primera película, es una completa obra de arte que resulta un pilar fundamental del género y no sería posible entenderlo en la actualidad sin dicha obra, el resto está bien, hacen aportes pero creo que no lograron estar al nivel de la primera, como sucede en la mayoría de sagas. Animatrix, por su parte, es fabulosa y personalmente creo que está mejor que Reloaded y Revolutions. No mentiré, me entusiasma un poco la cuarta entrega y realmente espero que sea buena, pero independientemente de todo ello, creo que Matrix es una saga que nadie debería perderse.

Revolutions 3