Retrofuturismo

Sky Captain

El Retrofuturismo es un subgénero de la Ciencia Ficción en donde la idea racional que permite la existencia de tecnologías avanzadas comparte su entorno con los desarrollos científicos de una época histórica en particular. Es por ello que al momento de catalogar una obra dentro de éste género debemos considerar el contexto histórico en que se creó la obra y vivió el autor.

El Steampunk en el mejor ejemplo de Retrofuturismo, pues mezcla un gran avance tecnológico pero a partir de la antigua tecnología del vapor, además, sus historias se desarrollan generalmente en la Inglaterra victoriana del siglo XIX.

Comenzaré con una definición personal del género:

El Retrofuturismo es el subgénero de la Ciencia Ficción que retoma las imágenes de cómo se concebía el futuro en el pasado, y las ambienta en un contexto en donde tecnologías futuristas conviven con ciencia de antaño, o por el contrario, crea un desarrollo mayor al que se alcanzó en determinada época histórica.

PASADO Y FUTURO

La primera característica y la más esencial es la mezcla de dos emplazamientos temporales que convergen en uno mismo. Es decir, las características científicas del pasado generaron tecnologías más avanzadas de las que realmente se alcanzaron en esa época, pero que al compararlas con las tecnologías actuales lucen anticuadas. En otras palabras, se muestran futuros que nunca existieron con tecnologías que ya dejaron de usarse.

Existe un aspecto muy problemático y subjetivo al momento de catalogar una obra dentro del Retrofuturismo. Frecuentemente muchas personas creen que una historia de ciencia ficción realizada varías décadas atrás es retrofuturista simplemente porque los avances científicos ya han sido superados o bien porque la obra ya es vieja, sin embargo, esto no es así, ya que dicha obra fue en su tiempo simple ciencia ficción de temática futurista. Debemos recordar que lo importante es el contexto original de la obra, sin importar que para nosotros ya sea del pasado.

Gattaca

LO VINTAGE Y LO RETRO

Retomemos dos términos muy usados en la industria de la moda. Lo vintage hace referencia a prendas u objetos viejos con un gran valor artístico o histórico y que fueron diseñados y fabricados en el pasado, mientras que lo retro es aquello contemporáneo a nuestro tiempo que hace referencia al pasado al retomar o copiar un estilo antiguo.

Si estamos hablando de ciencia ficción retrofuturista entonces hablamos de ciencia ficción que retoma la estética, temáticas e ideologías (principalmente de carácter utópico) de las obras de ciencia ficción del pasado, realizadas a principios y mediados del siglo XX.

Cuando hablamos de obras viejas, como Le Voyage dans la Lune (Georges Méliès, 1902) o Metrópolis (Fritz Lang, 1927), podríamos considerarlas como “lo vintage”, pues son clásico que han perdurado hasta la actualidad. No podemos decir que sean retrofuturistas tan sólo porque sean viejas.

Retrofuturismo 1

LA VISIÓN DEL FUTURO DESDE EL PASADO

La visión que se tiene del futuro en una obra retrofuturista debe darse forzosamente desde el pasado. Es decir, si un autor contemporáneo escribe una novela retrofuturista, no puede crear un futuro a partir de la visión que se tiene de éste actualmente, debe recurrir a la visión que se tenía hace años.

Películas como Sky Captain and the World of Tomorrow (Kerry Conran 2004) o Steamboy (Katsuhiro Otomo 2004) son filmes contemporáneos ambientados en el pasado y que retoman la estética y tecnología de otras épocas. Por su parte, Gattaca (Andrrew Niccol 1997) se ubica en el futuro pero retoma la estética de los años 50.

El Retrofuturismo puede dividirse en dos tipos: (1) las obras ambientadas en el pasado y (2) las obras ambientadas en el futuro pero que retoman la estética del pasado. En el primer caso es obvio que la obra retomará los elementos de la época pasada en la cual se ambienta, pero los alcances científicos logrados serán mayores que los alcanzados en la realidad. En el segundo caso es obvio que tendremos más tecnología pues estamos en el futuro, pero paradójicamente la estética será similar a épocas pasadas.

steamboy
Steamboy (Katsuhiro Otomo 2004)

PUNKS RETROFUTURÍSTAS

Entre los subgéneros que poseen el sufijo punk, existen algunos que pueden catalogarse como retrofuturistas debido a que el tipo de tecnologías que manejan tuvieron auge en algún momento del pasado. En este caso hablamos del Steampunk, Clockpunk, Atompunk y Dieselpunk. Dichos subgéneros sólo podrán considerarse retrofuturistas cuando se desarrollan en el pasado, puesto que tienen la capacidad de ser retrofuturistas o futuristas, dependiendo del momento histórico en el que se desarrollen.

Existen historias punk futuristas, como Waterworld (Kevin Reynolds, 1995), que presentan un freno en el desarrollo científico y obligan a que el futuro se mueva a partir de una tecnología de antaño. Estas historias no son retrofuturistas, pues, a pesar de contener el elemento retro (la tecnología de antaño), ya no poseen el elemento futurista, ya que la tecnología que nos muestran es retrógrada para el contexto temporal de la obra. En otras palabras, dichas obras están retomando elementos del pasado porque están involucionando tecnológicamente, y el retrofuturismo no es involucionar, es evolucionar más allá del progreso logrado en el pasado.

REC 7.5 “The Unforgiven”

Título Original: レック: 許されざる者 (REC: Yurusarezaru mono).
Género(s): Comedia, Romance.
Director: Ryutaro Nakamura.
Estudio: Shaft.
Emisión: 2006
Duración: 12 minutos.
Extras: REC.

REC 7.5 es un pequeña OVA situada entre el capítulo 7 y 8, donde vemos a Matsumaru, Tanaka y Aka yendo a beber a un bar. Tanaka termina muy tomada y Matsumaru la lleva a su casa, lo cual causa celos en Aka.

Un OVA sin más complicaciones que no aporta mucho a la trama principal, es un capítulo más pero resulta muy divertido y además conserva todas las características de la serie, en especial el particular estilo de comedia.

Space Opera

Star Wars
Star Wars (George Lucas, 1977)

La Space Opera (Opera Espacial u Opereta Espacial), término que hace referencia a la Soap Opera estadounidense, es un subgénero de la Ciencia Ficción caracterizado principalmente por su ambientación y su trama, aspectos que la diferencian del resto de los subgéneros. Su principal característica radica en que ni los aspectos tecnológicos ni el rigor científico son elementos fundamentales en la historia, pero están indiscutiblemente presentes en ésta, púes de otra manera lo que tendríamos sería un simple Melodrama.

Iniciaré con una definición personal del género:

La space opera es un subgénero de la ciencia ficción caracterizado por la acción, la aventura y el recurso del espacio profundo como escenario. Suele retomar algunos elementos clásico de la Fantasía Heroica, Épica y el género Western y los trasporta a un contexto ficticio en donde la racionalidad científica adquiere un papel secundario y la historia se centra en el melodrama y los personajes.

Cabe aclarar, que no todas las obras de Space Opera son Ciencia Ficción en el sentido estricto de la palabra. Puede darse el caso que, pese a mostrar tecnología futurista y más avanzada que la nuestra, el trasfondo real corresponda a una historia de Fantasía Espacial, como ocurre con la saga de Star Wars.

Star Trek
Star Trek (Gene Roddenberry, 1966-1969)

LA HISTORIA DE AVENTURA

En la Opera Espacial la tendencia más recurrente es relatar historias que se desarrollen alrededor de una aventura frecuentemente romántica, razón por la cual los personajes responderán a los estereotipos típicos de Héroe y Villano. Debido a esto es muy común que el héroe posea particularidades propias de la Fantasía Heroica o Épica, teniendo que rescatar a una doncella, pelear una batalla o enfrentarse a un poderoso villano. Todo esto siempre ambientado en una locación ficticia que contenga los parámetros necesarios para que la historia pueda seguir considerándose como Ciencia Ficción.

Otro de los géneros que han servido como base para la Space Opera es el Western, pues de él se han retomado numerosas historias y elementos que al ser extrapolados a un contexto espacial adquieren características de la Ciencia Ficción. Las viejas historias de expediciones a lugares extraños y exóticos, son ahora remplazadas por viajes espaciales que exploran galaxias y planeta. Sin embargo, los aspectos esenciales permanecen en ambas, pues los exploradores se convierten en viajeros espaciales y los barcos en cohetes.

A diferencia de la Ciencia Ficción normal la Space Opera no centra su historia en la idea que da juego y permite la especulación racional de una ciencia futurista, por el contrario, son los personajes quienes adquieren el papel principal y es alrededor de ellos que la historia tiene lugar. Los aspectos propios de la Ciencia Ficción actúan simplemente como un fondo dramático que permite una ambientación y un escenario exótico para el melodrama.

El romance y el drama son dos elementos muy recurrentes que suelen unir a los personajes o ser la base para la aventura. Y aunque es muy común que la Space Opera recurra a estos géneros, no está obligada a presentar romance ni drama en su historia. Otro de los temas recurrentes son las batallas en el espacio, en las cuales vemos gigantescas naves surcar el infinito y combatir a toda clase de enemigos. Recordemos también que a pesar de situarse en el espacio y convivir con numerosas razas alienígenas, los humanos tendrán un papel preponderante en la historia.

Uchû Senkan Yamato
Uchû Senkan Yamato (Leiji Matsumoto, 1974-1975)

LA AVENTURA ESPACIAL

Como el propio nombre lo indica, la característica más distintiva del género son los viajes espaciales. Generalmente este tipo de obras se desarrollan en naves, en el espacio exterior y en otros planetas, aunque esto no excluye que algunos personajes o eventos trascurran en la tierra. La idea de los viajes espaciales, como sustitución de los antiguos viajes de conquista y exploración, es precisamente esa idea que debe ser racionalizada a partir del elemento científico, y es justamente este elemento lo que permite a la Space Opera pertenecer a la Ciencia Ficción.

Para que el viaje espacial pueda ser posible requiere forzosamente de una explicación racional del cómo se hace, esta explicación debe darse a partir de elementos científicos exclusivamente. Sin embargo, no está obligada a usar términos excesivamente técnicos como los haría la Ciencia Ficción Dura, pues el factor científico no es el principal. Además, como vimos en el artículo de Ciencia Ficción, la Space Opera tampoco está obligada a dar una amplia explicación sobre cómo la ciencia permite viajar y habitar otros planetas, puede limitarse a decir que la ciencia lo hace posible y no dar mayor explicación al respecto.

Finalmente, si la explicación está dada en términos mágicos o sobrenaturales, la historia deja de ser ciencia ficción. Debemos recordar que toda Space Opera se desarrolla en el espacio, pero no toda Ciencia Ficción que tiene lugar en el espacio es Space Opera, ni toda la Space Opera será siempre Ciencia Ficción. Además, el hecho de que se desarrolle en el espacio responde a la necesidad de un desplazamiento físico del escenario narrativo, el cual debe ser diferente a nuestro entorno real.

Firefly
Firefly (Joss Whedon, 2002-2003)

DESPLAZAMIENTO CIENTÍFICO

Uno de los aspectos más duramente criticados dentro de la Space Opera es el desplazamiento de los aspectos más sólidos de la Ciencia Ficción, pues al desarrollar sus historias en otros planetas suele recurrir a inventar civilizaciones cuya organización, gobierno y aspecto físico, son similares a algunos elementos terrestres. Es común encontrar extraterrestres antropomorfos, es decir, que presentan características humanas —ya sean físicas, intelectuales o culturales— que los hace extremadamente similares a nosotros (bípedos, hablan el mismo idioma, respira oxígeno y usan ropa).

Algunos critican también la falta de explicación del funcionamiento de los desarrollos tecnológicos, como las naves espaciales capaces de viaja más rápido que la luz. Pero, como ya vimos, la Ciencia Ficción (mientras no sea Ciencia Ficción Dura) no está obligada a explicar el funcionamiento de sus tecnologías mientras éstas sean racionalmente aceptables.

En este tipo de obras es común que en las batallas espaciales las naves exploten creando grandes bolas de fuego (en el espacio no hay oxigeno que permita encender fuego y el vacío impide el desplazamiento del sonido) o que al realizar viajes a años luz no se produzcan los cambios que de acuerdo con Einstein ocurrirían debido a que el tiempo trascurriría de diferente forma a tales velocidades. Sin embargo, al pertenecer a la Ciencia Ficción Blanda, tiene mayor libertad para romper leyes científicas que ningún otro subgénero romperían.

Battlestar Galactica
Battlestar Galactica (Ronald D. Moore, 2003-2009)

DESPLAZAMIENTO SOCIAL

Es conveniente puntualizar un aspecto que dificulta, en apariencia, la catalogación de una obra dentro de éste género. Al recurrir a aspectos sociales (como los imperios galácticos o la guerra entre diferentes razas extraterrestres), la Opera Espacial puede llegar a confundirse con Ciencia Ficción Social. La clave es saber distinguir el tema central, si la historia se desarrolla a partir del romance y el drama entre dos personajes y existe el juego del héroe-villano además de un viaje espacial de aventura, entonces es claramente Space Opera.

Finalmente, si hay una crítica a problemas sociales que hagan alusión a problemas reales de alguna sociedad humana sin importar de cual se trate, se podrá considerar Ciencia Ficción Social, y si el contexto se mantiene en un melodrama espacial también será una Space Opera, recordemos que la Ciencia Ficción Social es uno de los subgéneros más versátiles al momento de conjuntarse con cualquier otro de la Ciencia Ficción.

Interstella5555
Interstella5555 (Leiji Matsumoto, 2003)

REC

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Título Original: レック (Reku).
Género(s): Comedia, Romance, Drama, Slice of Life.
Director: Ryutaro Nakamura.
Estudio: Shaft.
Emisión: Febrero 2006 – Marzo 2006
Duración: 9 Episodios (10 minutos cada uno).
Extras: REC 7.5.

Basada en el manga homónimo de Hanamizawa Q-Tarou, el anime REC es una serie que suele ser menospreciada por el público más especializado, pues su trama simple y sus personajes comunes no presentan la complejidad que muchas veces esperamos de una animación japonesa. A pesar de ello, REC no es lo que denominaríamos una serie comercial, pues la historia —a pesar de tener un mensaje prefabricado— logra enganchar al espectador con su emotividad, principalmente a quien gusta de las novelas ligeras y la comedia romántica.

La calidad de animación es regular, pues los escenarios y el diseño de personajes son muy simples, cosa que no resulta tan grave, pues el aspecto primordial es la historia, y al tratarse de una novela ligera puede darse el lujo de no prestar demasiada atención a los aspectos técnicos, pues no necesita de un gran realce para que la comedia funcione; incluso llega un momento en que la deslavada animación se vuelve una peculiaridad y no un defecto.

El desarrollo de la historia es excelente, pues a pesar de usar un formato tan inusual y corto no presenta problemas graves, por el contrario, logra que entendamos a la perfección las dificultades que experimentan los personajes en esa etapa de su vida. La música, por su parte, logra ambientar adecuadamente las distintas escenas, pero carece igualmente de espectacularidad.

Los personajes son, a mi parecer, la parte fundamental de la trama, a pesar de que caen en los estereotipos típicos de su género. Por ejemplo, Onda Aka presenta la suficiente rareza y originalidad para dar pie al desarrollo de la historia, pero se encasilla dentro de sus rasgos moe sin que esto merme la calidad argumental.

La historia gira alrededor de Matsumaru Fumihiko y Onda Oka, quienes se conocen por accidente y después de peculiares eventos terminan viviendo juntos. Matsumaru es publicista en una empresa de botanas, mientras que Onda es aprendiz de Seiyû (actriz de doblaje). Para fortuna de Matsumaru, su proyecto para promocionar una nueva fritura fue aceptado y ahora deberá encontrar a la actriz adecuada para hacer la voz de Nekoki, el extraño gato-árbol que es la mascota oficial del producto. A partir de esta premisa se desarrollaran una serie de eventos donde nuestros personajes deberán afrontar la dura vida laboral y la vida en pareja.

Existen muchas referencias en la serie a pesar de su corta duración, entre las más notorias están las que aluden a la actriz británica Audrey Hepburn, quienes es la principal inspiración de Aka y cuya filmografía fue usada para nombrar los capítulos. Otra de las referencias, que sin duda es la más destacable, es la que aborda el trabajo de los seiyûs, pues nos muestra lo difícil que éste puede llegar a ser.

De manera muy simple, REC hace alusión a la vida cotidiana de los jóvenes que inician una vida laboral y nos muestra las dificultades que estos pasan para encontrar un buen empleo y obtener sus primeros logros. Además, nos muestra cómo la vida personal puede afectar nuestro trabajo, que la vida en pareja no es fácil y que pese a nuestras fallas y errores de nosotros dependerá seguir adelante.

En lo personal creo que la serie funciona perfectamente para un público veinteañero que está por terminar la carrera o recién ha comenzado a trabajar, pues de ésta manera será más fácil identificarse con los personajes. Y si bien la serie ha sido subestimada  por su simpleza, el hecho de no ser tan popular le permite mantener los ideales que predica, pero sobre todo, nos enseña a tomar con humor las dificultades de la vida.

Ciencia Ficción Social

Metrópolis (Fritz Lang, 1927)

La Ciencia Ficción Social (CFS) es un subgénero de la Ciencia Ficción, y como tal debe presentar todas las características particulares que la distinguen, sin embargo, existen algunos elementos que no están presentes en todas las obras de Ciencia Ficción y que por ello caracterizan a las obras de este subgénero.

Empezaré con una definición personal:

La Ciencia Ficción Social es aquella que presenta todas las características necesarias para ser considerada Ciencia Ficción pero que en lugar de especular sobre los avances científicos lo hace sobre el desarrollo social, generando con ello una crítica velada que puede extrapolarse a la sociedad actual.

Cabe destacar que éste es uno de los géneros que mayor relación tiene con el resto de las derivaciones de la Ciencia Ficción, pues no importa si se trata de una Distopía, Utopía, Ucronía, Steampunk o Cyberpunk, mientras aborde temas sociales y haga una crítica de ellos será también Ciencia Ficción Social. Esto nos permite imaginar que es muy complicado encontrar una obra pura de este género, pues por lo regular se encontrará compaginada con otro.

Metropolis 2

CIENCIAS BLANDAS

La primera característica de la CFS es el hecho de que hace uso de los conocimientos y teorías propias de las denominadas ciencias blandas (Ciencias Sociales), como la sociología, la economía y la antropología. Se ubica, obviamente, dentro de un universo regido por leyes físicas, químicas y matemáticas que permiten un gran avance tecnológico, pero a diferencia de la Ciencia Ficción normal éstas no ocupan el papel fundamental en la historia.

Como vimos en el artículo sobre ciencia ficción, los personajes adquieren su protagonismo debido a que se desenvuelven alrededor de una idea que permite la especulación racional de un mundo ficticio, y es ésta idea la que adquiere una importancia central. En el caso de la CFS, son los movimientos y conflictos sociales quienes adquieren la mayor importancia en la historia, no así los personajes, estos se vuelven protagónicos únicamente por participar en dichos movimientos.

No es extraño encontrar referencias a diversas revoluciones (sociales, industriales o tecnológicas), movimientos políticos (fascismo, leninismo, socialismo…) o corrientes de pensamiento (marxismo, positivismo, feminismo…) que retoman algún hecho social y los critican mediante el encubrimiento que la Ciencia Ficción otorga.

CFS 3

CRÍTICA SOCIAL

Como ya sabemos, una de las características de la Ciencia Ficción es el cambio de escenario, pues una historia de ese género no debe desarrollarse en el mismo espacio contextual que el nuestro. Lo mismo pasa con la Ciencia Ficción Social, pero a diferencia de la primera, en ésta deben existir los elementos suficientes para trasporta la crítica social de nuestro mundo al nuevo entorno.

 Es imposible criticar problemas sociales que no han tenido lugar en ninguna de las civilizaciones que han existido a lo largo de la historia de la humanidad, pero la CFS nos permite especular sobre el devenir de la humanidad, así que en teoría podemos meditar sobre los problemas que le aguardan a las sociedades humanas.

Algo que debemos tener muy en cuenta al momento de catalogar una obra dentro de este género es la similitud que la crítica social puede tener con una Distopía, ya que ambas critican por lo general al gobierno. Además, muchos subgéneros como el Cyberpunk (y sus derivados) no pueden desligarse de la crítica social (el Biopunk en el mejor ejemplo), y eso hace que los límites que nos permitirían diferenciar con claridad entre estos géneros sean muy ambiguos, por lo que prácticamente todas las obras punk será también CFS.

CFS 1

DERECHOS Y ÉTICA

Entre los temas más criticados están los derechos humanos y los conflictos éticos que los desarrollos tecnológicos pueden provocar en las sociedades. Éstos derechos generalmente son extrapolados a otras sociedades u otras problemáticas. Por ejemplo: tendremos robots luchando por sus derechos (como en los cortometrajes “El Segundo Renacimiento” de la saga Animatrix) o gente exigiendo que se respete la memoria de los muertos, como en The Final Cut (Omar Naim, 2004)

LUCHA DE CLASES

La lucha de clases es otro de los temas más recurrentes, pues la desigualdad social ocasionan casi inevitablemente un conflicto bélico entre la sociedad y el gobierno, aunque no se limita a estos componente sociales, pues puede hacer partícipe a la Iglesia, los comerciantes, los militares u otras formas de organización, como las sociedades extraterrestres o inteligencias artificiales.

Cabe aclarar que una historia sobre una invasión alienígena que no contiene un aspecto social en dicha invasión no puede considerarse dentro de este género. Por ejemplo: la novela War of the Worlds (H. G. Wells) no es CFS, mientras que District 9 (Neill Blomkamp, 2009) sí lo es.

Cuando las obras presentan un conflicto civil entre un sector de la sociedad y otro, entre dos estratos sociales, entre gobernados y gobernantes o entre distintos grupos étnicos o raciales (humanos, extraterrestres o artificiales), la CFS adquiere el apelativo de Ciencia Ficción Libertaría. En otras palabras, la Ciencia Ficción Libertaria nos presenta un conflicto social interno que desemboca en un conflicto bélico intestino (revolución) en el que una facción lucha contra otra por determinados derechos, creencias o recursos.

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Fuera de control

Título Original: Fuera de control.
Género(s): Experimental.
Director: Sofía Carrillo.
Estudio: Nahuyacafilms.
Emisión: 2008.
Duración: 11 minutos.
Extras:

Con el Apoyo de la Academia Jalisciense de Cinematografía, el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes, IMCINE y Nahuyaca Films, Sofía Carillo nos presenta un interesante y surrealista trabajo de animación que explota el aspecto emocional de sus extraños personajes. Fuera de control ha participado en numerosos festivales cinematográficos nacionales e internacionales, uno de los más importantes fue el Festival de Cine Sundance.

La producción del corto es de Carolina Cárdenas, la edición de Uri Espinosa, la música de Saúl Ledesma, el diseño sonoro de Gerardo Martínez (que ganó Pantalla de Cristal como mejor diseño sonoro) y la fotografía de Paola Chaurand.

Sofía Carrillo nació en Guadalajara en 1980, se desempeña en las áreas de dirección de arte y animación clásica. Con Vértigo, su primer cortometraje de animación en 35 milímetros, se hizo acreedora a una beca del programa Estímulos a la Creación y al Desarrollo Artístico en Jalisco (2003) y también participó en diversos festivales en México.

Aislados e incompletos, varios personajes comparten en el interior de una casa extraña y laberíntica, distintas formas de soledad. Enfrentándose a sus miedos buscarán, desesperadamente, complementarse.

La calidad general del corto es muy buena. El diseño de los personajes es escabroso y el detalle en sus cuerpos mutilados y sus demacrados rostros en verdad reflejan esa extraña soledad en la que se encuentran. La música, por su parte, crea el ambiente perfecto, pues hace de un mismo escenario tanto una escena tétrica como una escena alegre.

Sin duda es un corto espectacular, pues genera en el público esa extraña sensación de estar dentro de un sueño que no alcanza a ser una pesadilla pero que es lo bastante fúnebre para generar la tensión de no saber qué es lo que está pasando dentro de esos sombríos muros.

Yasuhiro Yoshiura

VIDA Y OBRA

Yasuhiro Yoshiura (康裕•吉浦), es un escritor y director japonés de cortometrajes animados, nació en Hokaido, Japón, en 1980. Vivió en la prefectura de Fukuoka —ubicada al norte de la isla de Kyushu— durante su niñez y juventud antes de mudarse a Tokio. Realizó sus estudios en el Instituto Kyushu de Diseño, que actualmente es la Universidad de Artes de Kyushu, del que se gradúo en el 2003.

Durante su etapa universitaria inicio con sus primeras animaciones como productor independiente. Sus primeros trabajos fueron pequeños cortometrajes experimentales y clips musicales, entre ellos Noisy Birth (2000) y Kikumana (2001), en los cuales podemos apreciar el inicio del que se convertiría en el estilo particular de Yoshiura, el cual agrupa historias surrealistas con escenarios oscuros y personajes muy peculiares que siempre plantean una crítica social, todo ambientado en un contexto de ciencia ficción.

En 2002 —con la aparición de Studio Rikka, que desde entonces ha producido todos los trabajos de Yoshiura— surge el primer cortometraje que le valdría el reconocimiento dentro de la industria del anime, Mizu no Kotoba. Este pequeño corto maneja un discurso basado en la comunicación y la lingüística, y nos explica cómo se modifica un mensaje al pasar de interlocutor en interlocutor. Además, se convierte en la base de sus trabajos posteriores, pues esta es la primera animación en la que nos plantea una relación entre humanos y androides.

Para el 2005, después de terminar su carrera y mientras aún vivía en Fukuoka, Yasuhiro inicia la producción de su primer trabajo de larga duración, el OVA Pale Cocoon. En él retoma elementos tanto cyberpunk como psicológicos y los mezcla con contexto postapocalíptico para crear una historia oscura que critica fuertemente el deterioro ambiental. Un año después, en 2006, realizó el opening del programa Pop Jam.

Posteriormente, tras haberse mudado a Tokio, inició con la producción de su primera serie animada, en ONA Eve no Jikan (2008-2009), en el que aglomera personajes, escenarios, historias y estilos de sus trabajos previos. En el 2009 participó como diseñador de algunos escenarios para la película Rebuild of Evangelion 2.0 You can (not) Advance. Para el 2010 realizó el opening para la barra Noitamina de la televisora Fuji, dedicada a series Shôjo. Ese mismo año participó en la realización del opening de la serie Yozakura Quartet: Hoshi no Umi.

PRINCIPALES INFLUENCIAS

Si bien es obvio que los trabajos de Yoshiyuki están ampliamente influenciados por los géneros de la Ciencia Ficción, la Psicología y el Cyberpunk, existe un aspecto que ha determinado la base histórica y contextual de todas sus creaciones desde el 2002 con Mizu no Kotoba, y ésta es la base robótica que propone Isaac Asimov en sus libros.

Desde ese primer cortometraje en que nos plantea los conflictos de comunicación entre humanos y las relaciones con androides que van más allá de un mero servicio, es posible apreciar numerosas referencias a la literatura Asimoviana, principalmente las que se centran en las paradojas de las Leyes de la Robótica y los conflictos éticos, sociales y políticos de la convivencia con robots. Esto en clara alusión al Complejo de Frankenstein, la Ley Cero de la Robótica e incluso el Valle inexplicable.

SU ESTILO

Yoshiura posee un estilo fuertemente definido en cuanto a diseño de personajes y escenarios, pues estos son básicamente iguales en todos sus trabajos, incluso podríamos decir que son los mismos. Sin embargo, los argumentos de sus historias son amplios y parten siempre de la base psicológica de las interacciones humanas, que aborda metafóricamente desde la perspectiva robótica de Asimov. Esa mezcla literaria y psicológica dan como resultada unas paranoias exquisitas, incomprensibles y envolventes.

Retomando el aspecto de la animación, sus trabajos se caracterizan por una elegante simpleza en su diseño, los personajes no poseen demasiados detalles y son agradables a la vista, lo que aumenta la importancia que los diálogos adquieren en la historia. No obstante, a pesar de ser tan simples, cada personaje siempre posee características particulares que logran diferenciarlo de trabajos anteriores.

El resultado visual que Yasuhiro logra al mezclar personajes en 2D con escenarios y fondos en 3D es simplemente asombroso, pues crea una apariencia de realismo que contrasta con lo plano de los personajes. Por su parte, la música (que generalmente nunca es el aspecto principal) siempre se adecúa perfectamente para crear una ambientación precisa dependiendo del contexto de la historia.

Rebuild of Evangelion 2.0: You Can (Not) Advance

Título Original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版: 破 (Wevangelion Shin Gekijô-ban: Ha).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Khara, Gainax.
Emisión: Septiembre 2009.
Duración: 108 minutos.
Extras: Rebuild of Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, Rebuild of Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo.

Dos años después de la primera película llega a nosotros la segunda entrega de cuatro programadas. Ha reivindica totalmente el nombre de Eva y nos demuestra que el Rebuild no es una simple remake más como bien pudimos creer luego de ver Jo.

El primer largometraje fue una simple recapitulación de los primeros seis episodios, que a mucho nos quedó a deber, pues la historia era enteramente la misma al igual que los diálogos. Afortunadamente Rebuild 2.0 no recapitula la serie como tal, ni siquiera retoma del todo el desarrollo de Jo. Lo que Ha hace es crear situaciones que, si bien no son nuevas, sí presentan una novedad para el Eva-fan.

You can (Not) Advance está llena de novedades que aparentemente no tienen mucho sentido, como el cambio en el nombre de Asuka —ahora se llamará Asuka Langley Shikinami (アスカ・ラングレー・式波) y no Asuka Langley Sôryû (アスカ・ラングレー・惣流)— o la integración de un nuevo personaje, Mari Illustrious.

Muchos creían que Mari tomaría un lugar central desplazando a Rei o Asuka, pero su papel no es tan sobresaliente al menos para esta entrega. Su mejor escena es la pelea que tiene contra Zeruel donde vemos un nuevo estado en los Evas, el modo The Beast. Otra de las novedades es que el Eva 05 cuenta con cuatro extremidades inferiores y en las superiores tiene un par de armas en vez de manos.

Las personalidades de los tres pilotos cambian un poco, pues vemos a una Rei más humana y abierta al hablar de sus sentimientos, a un Shinji un poco más considerado con las personas y a una Asuka un tanto más distante. Esto posiblemente responde al hecho de que Hideaki busca enfatizar las emociones que ya eran parte del personaje pero que nunca pudimos apreciar del todo. En el caso de las batallas, estas son impactantes y muy emotivas. En cuanto a los Ángeles, muchos son omitidos pero los pocos que aparecen ocupan el lugar con mucho decoro.

En el aspecto técnico observamos una calidad de imagen igual que en la primera película. La animación y los escenarios están finamente trabajados y el soundtrack es excelente a pesar de presentar muchos remakes de las viejas canciones. A mí en lo personal me gustó mucho la banda sonora, incluso más que la de You are (Not) Alone.

La historia inicia aproximadamente con la llegada de Asuka a Japón y se va desarrollando de manera similar a la serie salvo por ciertas y marcadas diferencias que le dan un cambio un tanto radical. Como es costumbre, no ahondare en la historia para no arruinarle la película a quien no la haya visto, solamente diré que el final es la mejor parte y nos deja justo al borde del Tercer Impacto y con la llagada de Trabis.

Rebuild vuelve todavía más complicado a Eva, que de por sí ya es difícil de entender, pues agrega nuevos simbolismos, personalidades, trasfondos y temáticas que no habíamos visto en la serie. Me atrevo a decir que Rebuild nos presenta lo que en realidad Hideaki quiso mostrarnos pero que no logró con la serie de televisión. Sin embargo, no es una versión nueva o que pueda separarse de la serie original, todo lo contrario, está estrechamente ligada y depende de Neon Genesis para ser entendida.

Aún no se, ni me imagino, que cambios puedan venir con Evangelion Q, pero desde la primera entrega, y más ahora con la segunda, he llegado a pensar que estas películas en realidad se desarrollan después del Tercer Impacto en The End of Evangelion.

No es mi intención profundizar en el tema ni tratar de descubrir todas las pistas escondidas en los aparentes diálogos al azahar o en los escenarios de fondo, eso lo dejaremos al tiempo y tarde o temprano las próximas películas mostrarán si tengo razón.

Evangelion Re-Take

Sexo, amor, suicidio, embarazo y boda. Todo lo que siempre quisiste ver de Evangelion sin caer en alguna degradante versión Hentai. Evangelion Re-Take es sin duda uno de los Doujinshis mejor planteados que existen, pues explota el morbo que muchos hemos tenido en cuanto a la relación —en un contexto más sexual— entre Asuka y Shinji.

¿Se imaginan a Rei Ayanami suicidándose mientras Asuka y Shinji planean su boda antes del nacimiento de su hijo? Pues esto es algo de lo que podemos encontrar aquí, desarrollado de una forma inteligente, madura y muy respetuosa para con la obra original.

Además de la excelente historia aderezada con bien pensadas escenas de sexo, Re-Take nos ofrece una calidad del dibujo impresionante, incluso comparable con el manga original. Sin embargo, presenta algunas fallas, pues suele recurrir al viejo truco de desarrollar una escena exactamente igual que en el anime pero sustituyendo al personaje.

Una de las cosas que quisiera aclarar es que no se trata de una versión Hentai como tal, más bien de una versión Seinen, pues el desarrollo de la historia es lo que en realidad atrapa al lector. Re-Take cuenta además con un soundtrack creado por el estudio Kamigabuchi, que si bien no tiene nada que ver con la música original de Shiroh Sagisu, es muy aceptable.

Sin duda es una excelente recomendación para quien gusta de leer Doujinshis y trabajos alternativos basados en Evangelion. Sobre todo para quienes siempre quisimos ver el desarrollo de esas historias alternas que siempre mostraron mucho potencial.

El orden para leer el manga es el siguiente: 1, 2, 3, 0, 4 y After.

Rebuild of Evangelion: 1.0 You Are (not) Alone

Título Original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版:序 (Wevangelion Shin Gekijô-ban: Jo).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Khara, Gainax.
Emisión: Septiembre 2007.
Duración: 98 minutos.
Extras: Neon Genesis Evangelion, Evangelion: Death & Rebirth, The End of Evangelion.

Rebuild of Evangelion es la producción más reciente para la franquicia Eva. El proyecto consta de un remake de cuatro películas basadas en el anime de 1995. Sin embargo, a diferencia de la serie original, Rebuild nos plantea una visión un tanto diferente de la historia, los personajes y el contexto en general. Además, nos promete nuevos protagonistas, ángeles y un final alternativo para la cuarta película.

A pesar de pertenecer a la franquicia original de Gainax, Rebuild of Evangelion será producida por Khara (estudio de animación creado por Hideaki Anno y otros ex miembros de Gainax con el propósito específico de producir esta saga), pero ambos estudios compartirán los créditos.

Hideaki escribió el guion de la primera película y será el director general y manager del proyecto, Kazuya Tsurumaki será el encargado de dirigir las películas, Yoshiyuki Sadamoto diseñará los personajes, Ikuto Yamashita  diseñará los Evas, Shinji Higuchi realizará los storyboard y Shiroh Sagisu producirá el soundtrack.

Entre los cambios más evidentes en éste nuevo proyecto está la gramática del nombre, de la forma tradicional: ヴァンゲリン, a la nueva forma:ヴァンゲリン. Como ven, no es más que el cambio del primer carácter y el penúltimo. Y a pesar de que ahora se le dice Wevangelion la traducción más correcta sería Wevangeriwon.

Para el no fanático de Eva, este largometraje es más de lo mismo, y la verdad sí, es más de lo que todos ya conocemos: mismos diálogos y mismas escenas. La mejorada animación, la nueva música y el renovado diseño de Evas y Ángeles (que los hacen más orgánicos y menos acartonados) no son suficientes para evitar que se convierta es un simple y llano remake más. Sin embargo, algunas escenas y sutiles cambios en la historia logran atrapar el interés del Eva-fan.

En algunos momentos la historia llega a ser un tanto aburrida —sobre todo a la mitad— pues avanza dando algunos saltos, que de no ser porque ya conocemos la historia a fondo, quedarían como verdaderas incógnitas. Siendo honesto, esta primera entrega no me gustó, pues me dejó con un mal sabor de boca al repetir los mismos argumentos y no mostrarnos nada verdaderamente novedoso.