Otaku no Video

Título Original: おたくのビデオ (Otaku no Video)
Género(s): Comedia, Drama, Documental.
Director: Takeshi Mori.
Estudio: Gainax.
Emisión: 1991.
Duración: 50 minutos.
Extras: More Otaku no Video.

Cuando uno inicia en el mundo del anime (o al menos en mis tiempos) solemos buscar algunos de los clásicos más afamados entre los fans, entre ellos el inigualable Neon Genesis Evangelion, lo que nos hace conocer al maestro Hideaki Anno, y eso eventualmente nos conduce a Gainax y al resto de sus obras. Una de ellas es una mezcla de mediometraje animado y documental conocido como Otaku no Video, que retrata la vida de esos extraños personajes apasionados por las cosas de ficción durante las décadas de los 70 y 80.

Otaku no Video se divide en dos partes. Una de ella es una historia animada por Gainax en la que seguimos el paso de Kubo, nuestro protagonista, para convertirse de un popular joven jugador de tenis y con novia (alguien normal) a un friki rechazado social. La historia inicia cuando Kubo se encuentra a Tanaka, un antiguo amigo de la escuela, quien le habla de sus pasatiempos relacionados con el anime, el manga y la Ciencia Ficción. Kubo no le presta mayor atención hasta que vuelve a encontrarse con Tanaka y sus amigos, entre ellos una chicha que hace un sexy cosplay de Lum Invader. A partir de ese momento se ve un poco interesado y termina conociendo al resto de compañeros.

Tanaka lleva a Kubo a su guarida, un departamento donde él y el resto de sus colegas pasan el tiempo viendo series, leyendo historietas, fabricando disfraces, publicando fanzines, analizando efectos especiales y juntando figuras coleccionables. Cada uno es un experto en algo, el fan de las armas y las cosas militares, el conocedor del anime y manga, el experto en Ciencia Ficción, la ilustradora y demás especialidades.

La nueva afición hace que Kubo descuide el resto de sus actividades, desde su forma física hasta sus relaciones personales. Kubo engorda, deja de cuidar su aspecto y descuida a su novia al grado de perderla. Digamos que el protagonista se apasiona tanto por la cultura Otaku que cae en una debacle y termina sumergido en un mundo de personas incomprendidas y discriminadas. Al percatarse de esa segregación que sufren los Otakus por seguir su afición se enoja y decide que si la sociedad no puede aceptarlo entonces se convertirá en el Otaku de Otakus, el Otaking.

La calidad es muy buena aún para el año en que se produjo y los escenarios están llenos de referencias a muchas de las obras de anime que fueron populares durante los 80. Además de que en cierta forma se basa en la vida de algunos de los integrantes de Gainax, quienes formaron parte de grupos de investigación de manga o Ciencia Ficción cuando eran jóvenes. Otro aspecto importante es que va dando fechas de estrenos de animes y el uso de un lenguaje muy “técnico” sobre el mundillo friki, palabras que se van explicando al protagonista durante su entrada en esta afición (aunque conviene ver una versión donde el subtitulador agregue anotaciones pertinentes para entenderlas).

Creo que la parte animada, al explicar muchas de esas cosas frikis, podría resultar una introducción interesante para quienes recién se sumergen en el mundo del anime e incluso para quienes no conocen nada al respecto. No obstante, si bien hay un obvio reflejo de la mala fama que tiene los Otakus en Japón, el hecho de que el personaje fuera una persona “normal” al principio del filme nos invita a reflexionar sobre el porqué algunas personas son discriminadas por sus pasatiempos y otras no.

La segunda parte son una serie de entrevistas a Otakus del anime, el manga, el cosplay, las cosas militares y la pornografía, cada uno fan de una cosa en particular. Las entrevistas fueron entrevistas reales (aunque por momentos parecen algo arregladas) ha adultos alrededor de los treinta años, en promedio, donde se les pregunta sobre su pasado en la preparatoria y universidad, cuando pertenecieron a algún grupo Otaku. En los relatos que hacen los entrevistados se observan principalmente dos cosas: (1) la añoranza de un tiempo pasado cuando eran más felices y podían dedicar tiempo a su afición, y (2) el intento de ocultar de cierta forma esos gustos por lo que pudiera decir la gente ahora que son adultos trabajadores (la mayoría Salaryman).

Las entrevistas dejan ver en claro ese estigma que se tienen de los Otakus como fanáticos extremos de algo en particular, tanto que incluso la voz de los hombres es modificada y su rostro censurado, como si no quisieran que sus jefes y compañeros de trabajo se enteraran de las cosas que les gustaban cuando eran jóvenes. Todos ellos pertenecieron a algún grupo friki durante la universidad o la preparatoria, pero ahora parece que sólo se dedican a su trabajo. El termino Otaku durante los años 90 era totalmente peyorativo (aún lo es en Japón) y el documental refleja lo difícil que fue para esa generación poder disfrutar de su pasatiempo.

El documental tiene un poco el sesgo, al igual que la parte animada, de mostrar al Otaku como un perdedor, como un fracasado sin vida que prefiere la seguridad de la ficción a la intensidad de la vida real, y para algunos entrevistado realmente era así. Y a pesar de toda la discriminación que sufrieron cuando jóvenes, esa época friki fue la mejor en la vida de todos ellos, pues al crecer tuvieron que asumir las responsabilidades de los adultos y ya no pudieron dedicar tiempo a esas aficiones que los hacían tan felices. Quizás hoy sea más sencillo para nosotros seguir disfrutando de ver anime ya de adultos, pero para los adolescentes de los 80 no lo fue, y considero que es una parte de la historia que todos los amantes de la animación deberíamos conocer.

La forma en que los entrevistados narran sus vivencias resulta algo nostálgica, incluso a mí, que no viví en los 80, me hizo sentir algo de añoranza por esa época y, sobre todo, me recordó mi época de preparatoria, cuando (en lugar de fanzines) decidí iniciar un blog para tener un espacio donde hablar de lo que tanto me gustaba, la animación japonesa (de eso ya hace más de diez años). El remontarme a mi época de bachiller me hizo pensar que esa etapa fue la más apreciada por esos japoneses pues fue cuando tuvieron mayor posibilidad para dedicar su tiempo libre a lo que ellos disfrutaban, algo que sabían iban a perder cuando entraran al mundo laboral.

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Tengen Toppa Gurren Lagann

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Título Original: 天元突破グレンラガン (Tengen Toppa Guren Ragan)
Género(s): Mecha, Acción, Aventura, Comedia.
Director: Hiroyuki Imaishi.
Estudio: Gainax.
Emisión: Abril-Septiembre 2007.
Duración: 27 episodios.
Extras: Childhood’s End, The Lights in the Sky are Stars, Parallel Works.

Luego de disfrutar Little Witch Academia y Kill la Kill, dediqué un tiempo a buscar otras obras del mismo estudio para continuar maravillándome con su trabajo, pero para mi sorpresa Trigger era una empresa aún joven en el ámbito de la animación japonesa con muy pocas obras en su catálogo. Luego, al indagar un poco respecto de sus orígenes continuamente resaltaba cierto patrón, en cualquier fuente o página que consultara siempre se repetían cuatro palabras: Tengen Toppa Gurren Lagann.

En un futuro lejano, la humanidad ha sido desplazada de la superficie terrestre; las pocas aldeas que quedan se han adaptado a una vida completamente subterránea. Acosados por terremotos continuos y ataques de terribles hombres-bestia, sobreviven como pueden bajo el régimen tiránico del Rey Espiral. Kamina y Simon son dos jóvenes amigos pertenecientes a una de estas aldeas cuyo sueño es salir a la superficie, pero constantemente son reprimidos por sus semejantes.

Durante una excavación para ampliar la comunidad, Simon desentierra un enigmático robot que únicamente se activa al usar otro misterioso artefacto con forma de taladro. Las cosas dan un giro completo cuando la aldea sufre el ataque de otro robot gigante; Kamina sugiere usar el mecha recién descubierto para combatir la amenaza y con la ayuda de una extraña chica llamada Yoko vencen al Gunmen. Una vez en la superficie, los tres forman una alianza para derrocar al Rey Espiral.

Tengen Toppa Gurren Lagann fue una de las últimas producciones que el equipo fundador de Trigger realizó antes de separarse de Gainax, incluso comparte director con Kill la Kill, lo cual origina multitud de semejanzas entre ambas series. Lo primero que salta a la vista es el impecable apartado técnico que se mantiene casi en todos los episodios; aunque en varias ocasiones se llega a percibir un sutil descenso en la calidad, la animación es fluida y llena de vitalidad.

El argumento es simple: los protagonistas deben derrotar a los enemigos, ganar power-ups y vencer al jefe final. Pero también se enriquece con interesantes historias paralelas que tocan todo tipo de temas más serios, para lograr una perfecta mezcla entre acción, comedia, romance y drama. En ningún momento la historia deja de ser interesante y realmente se siente un progreso que va desde combates a pequeña escala en ciudades subterráneas hasta conflictos de proporciones galácticas.

Existe gran variedad entre personajes y todos ellos están bien construidos; nos muestran todo tipo de facetas y tienen motivos reales para seguir su propio camino. Aunque en un principio los clásicos mensajes de “la amistad es lo más importante” o “cree en ti y conseguirás cualquier cosa” están presentes, no salen repentinamente de la nada y a menudo se nos muestra el arduo esfuerzo que cada quien dedicó a la culminación de sus objetivos.

La serie es exagerada y a menudo no la podemos tomar en serio, sin embargo Gurren Lagann va más allá para entregar un paquete completo de diversión para todas las edades con la duración perfecta y al final, casi de forma furtiva, transmitir un profundo mensaje al espectador. Las secuencias de acción son increíbles y presenciamos todo tipo de batallas entre poderosas máquinas que se desarrollan sobre todo tipo de entornos llenos de sorpresas.

Tengen Toppa Gurren Lagann es una serie de proporciones épicas, con un apartado técnico, sonoro y gráfico de primera, apoyado por un argumento en un principio simple, pero lleno de pequeños detalles y sub-tramas que aumentan su profundidad hasta niveles insospechados. Es una recomendación obligada para todo fan de la animación japonesa; una obra que se disfruta sin problemas desde el primer episodio y que sin duda marcó el comienzo de una nueva era.

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Rebuild of Evangelion 2.0: You Can (Not) Advance

Título Original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版: 破 (Wevangelion Shin Gekijô-ban: Ha).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Khara, Gainax.
Emisión: Septiembre 2009.
Duración: 108 minutos.
Extras: Rebuild of Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, Rebuild of Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo.

Dos años después de la primera película llega a nosotros la segunda entrega de cuatro programadas. Ha reivindica totalmente el nombre de Eva y nos demuestra que el Rebuild no es una simple remake más como bien pudimos creer luego de ver Jo.

El primer largometraje fue una simple recapitulación de los primeros seis episodios, que a mucho nos quedó a deber, pues la historia era enteramente la misma al igual que los diálogos. Afortunadamente Rebuild 2.0 no recapitula la serie como tal, ni siquiera retoma del todo el desarrollo de Jo. Lo que Ha hace es crear situaciones que, si bien no son nuevas, sí presentan una novedad para el Eva-fan.

You can (Not) Advance está llena de novedades que aparentemente no tienen mucho sentido, como el cambio en el nombre de Asuka —ahora se llamará Asuka Langley Shikinami (アスカ・ラングレー・式波) y no Asuka Langley Sôryû (アスカ・ラングレー・惣流)— o la integración de un nuevo personaje, Mari Illustrious.

Muchos creían que Mari tomaría un lugar central desplazando a Rei o Asuka, pero su papel no es tan sobresaliente al menos para esta entrega. Su mejor escena es la pelea que tiene contra Zeruel donde vemos un nuevo estado en los Evas, el modo The Beast. Otra de las novedades es que el Eva 05 cuenta con cuatro extremidades inferiores y en las superiores tiene un par de armas en vez de manos.

Las personalidades de los tres pilotos cambian un poco, pues vemos a una Rei más humana y abierta al hablar de sus sentimientos, a un Shinji un poco más considerado con las personas y a una Asuka un tanto más distante. Esto posiblemente responde al hecho de que Hideaki busca enfatizar las emociones que ya eran parte del personaje pero que nunca pudimos apreciar del todo. En el caso de las batallas, estas son impactantes y muy emotivas. En cuanto a los Ángeles, muchos son omitidos pero los pocos que aparecen ocupan el lugar con mucho decoro.

En el aspecto técnico observamos una calidad de imagen igual que en la primera película. La animación y los escenarios están finamente trabajados y el soundtrack es excelente a pesar de presentar muchos remakes de las viejas canciones. A mí en lo personal me gustó mucho la banda sonora, incluso más que la de You are (Not) Alone.

La historia inicia aproximadamente con la llegada de Asuka a Japón y se va desarrollando de manera similar a la serie salvo por ciertas y marcadas diferencias que le dan un cambio un tanto radical. Como es costumbre, no ahondare en la historia para no arruinarle la película a quien no la haya visto, solamente diré que el final es la mejor parte y nos deja justo al borde del Tercer Impacto y con la llagada de Trabis.

Rebuild vuelve todavía más complicado a Eva, que de por sí ya es difícil de entender, pues agrega nuevos simbolismos, personalidades, trasfondos y temáticas que no habíamos visto en la serie. Me atrevo a decir que Rebuild nos presenta lo que en realidad Hideaki quiso mostrarnos pero que no logró con la serie de televisión. Sin embargo, no es una versión nueva o que pueda separarse de la serie original, todo lo contrario, está estrechamente ligada y depende de Neon Genesis para ser entendida.

Aún no se, ni me imagino, que cambios puedan venir con Evangelion Q, pero desde la primera entrega, y más ahora con la segunda, he llegado a pensar que estas películas en realidad se desarrollan después del Tercer Impacto en The End of Evangelion.

No es mi intención profundizar en el tema ni tratar de descubrir todas las pistas escondidas en los aparentes diálogos al azahar o en los escenarios de fondo, eso lo dejaremos al tiempo y tarde o temprano las próximas películas mostrarán si tengo razón.

Rebuild of Evangelion: 1.0 You Are (not) Alone

Título Original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版:序 (Wevangelion Shin Gekijô-ban: Jo).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Khara, Gainax.
Emisión: Septiembre 2007.
Duración: 98 minutos.
Extras: Neon Genesis Evangelion, Evangelion: Death & Rebirth, The End of Evangelion.

Rebuild of Evangelion es la producción más reciente para la franquicia Eva. El proyecto consta de un remake de cuatro películas basadas en el anime de 1995. Sin embargo, a diferencia de la serie original, Rebuild nos plantea una visión un tanto diferente de la historia, los personajes y el contexto en general. Además, nos promete nuevos protagonistas, ángeles y un final alternativo para la cuarta película.

A pesar de pertenecer a la franquicia original de Gainax, Rebuild of Evangelion será producida por Khara (estudio de animación creado por Hideaki Anno y otros ex miembros de Gainax con el propósito específico de producir esta saga), pero ambos estudios compartirán los créditos.

Hideaki escribió el guion de la primera película y será el director general y manager del proyecto, Kazuya Tsurumaki será el encargado de dirigir las películas, Yoshiyuki Sadamoto diseñará los personajes, Ikuto Yamashita  diseñará los Evas, Shinji Higuchi realizará los storyboard y Shiroh Sagisu producirá el soundtrack.

Entre los cambios más evidentes en éste nuevo proyecto está la gramática del nombre, de la forma tradicional: ヴァンゲリン, a la nueva forma:ヴァンゲリン. Como ven, no es más que el cambio del primer carácter y el penúltimo. Y a pesar de que ahora se le dice Wevangelion la traducción más correcta sería Wevangeriwon.

Para el no fanático de Eva, este largometraje es más de lo mismo, y la verdad sí, es más de lo que todos ya conocemos: mismos diálogos y mismas escenas. La mejorada animación, la nueva música y el renovado diseño de Evas y Ángeles (que los hacen más orgánicos y menos acartonados) no son suficientes para evitar que se convierta es un simple y llano remake más. Sin embargo, algunas escenas y sutiles cambios en la historia logran atrapar el interés del Eva-fan.

En algunos momentos la historia llega a ser un tanto aburrida —sobre todo a la mitad— pues avanza dando algunos saltos, que de no ser porque ya conocemos la historia a fondo, quedarían como verdaderas incógnitas. Siendo honesto, esta primera entrega no me gustó, pues me dejó con un mal sabor de boca al repetir los mismos argumentos y no mostrarnos nada verdaderamente novedoso.

The End of Evangelion

Título Original: エヴァンゲリオン劇場版 Air/まごころを、君に (Evangelion Gekijô-ban: Air/Magokoro wo Kimi ni,).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno.
Estudio: Gainax.
Emisión: Julio 1997.
Duración: 120 Minutos.
Extras: Neon Genesis Evangelion, Evangelion: Death & Rebirth, Rebuild of Evangelion.

The End of Evangelion (EoE) es la segunda película de la saga y nos muestra un desenlace total y contundente, pues con el final que expone nos queda claro que no habrán segundas partes, ya que retomar la serie a partir de éste haría perder la esencia original del anime. Y estrictamente hablando no existen, hasta ahora, al menos de manera oficial, series, películas o mangas que retomen la historia después del capítulo 26.

EoE mantiene una calidad de audio similar a la serie de televisión, sin embargo, algunos aspectos visuales son bastante precarios comparados con ésta y presentan un diseño de personajes y escenarios ligeramente diferente. La película se compone de dos partes, el episodio 25 (“Air”) —que corresponde al “Rebirth” en la primera película— y el episodio 26 (“Magakoro wo, Kimi ni”).

Dentro del episodio 26 existe un pequeño subcapítulo más conocido como The End of Evangelion: Un final más: “te necesito”. Este pequeño apartado corresponde en realidad a la famosa escena en que Shinji y Asuka yacen junto al mar de LCL y él intenta estrangularla pero se detiene cuando ella acaricia su rostro.

Si bien la película no nos aclara todas las dudas de la historia, si le otorga un final muy digno, pues qué importa ya quién mató a Kaji si al final todos se convirtieron en LCL. Además, nos regala la mejor batalla de toda la saga: la pelea de Asuka contra los Evas en serie.

El final, como no podía ser de otra manera, retoma esas abstracciones filosóficas y metafísicas propias de la serie original, y las mezcla con extrañas escenas de acción real, cameos y uno que otro desnudo intercalado en el collage. A pesar de ello, The End of Eva —como verdadero final— cumple con todas las características necesarias para dar por concluida una serie de tal magnificencia.

Evangelion: Death and Rebirth

Título Original: エヴァンゲリオン 劇場版 & シト新生 (Evangelion Gekijô-ban: Shito Shinsei).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno.
Estudio: Gainax.
Emisión: Marzo 1997.
Duración: 120 Minutos.
Extras: Neon Genesis Evangelion, The End of Evangelion, Rebuild of Evangelion.

Death & Rebirth (D&R) es la primera entrega de Eva para la pantalla grande. La película intenta crear un verdadero desenlace al inconcluso final que presentó la serie de televisión, el cual fue provocado debido a los bajos presupuestos y el poco tiempo con el que Gainax contaba para ese entonces. Debemos recordar que Evangelion fue emitida originalmente como una serie on-going, es decir, cuando empezó a transmitirse aún no se terminaba de filmar.

El largometraje se divide en dos partes:

DEATH. Es la primera parte de la película y tiene una duración de 70 minutos. El largometraje aglomera diversas escenas de la serie original, determinadas escenas de The Director’s Cut y otras imágenes nuevas para crear una especie de resumen.

“Death” ha sido fuertemente criticada debido a que no hace más que un extraño collage de imágenes y escenas entrecortadas que no tienen un sentido lineal ni ayudan a explicar los aspectos inconcusos de la serie. Sin embargo, “Death” está más allá de ser un simple resumen, pues la mezcla de escenas —que en apariencia no tienen relación— está hecha con el propósito de mostrar al espectador imágenes específicas que intentan explicar algunos aspectos que se mostraron de manera muy rebuscada en la serie y que no tiene un trasfondo real.

Muchas personas han considerado que no vale la pena ver Evangelion: Death, yo mismo creía que era un tedioso resumen innecesario y sin un aporte valioso para la historia. Sin embargo, Hideaki recurrió a su peculiar estilo para entremezclar los saltos de escenas que son prácticamente imperceptibles en la serie pero que son la clave para muchos de sus misterios, obteniendo como resultado un ingenioso pero poco entendido video experimental.

Lo que “Death” intenta es exponer algunas escenas que no tienen un aparente orden en la serie.  Muchos lectores tal vez no entiendan a lo que me refiero, pero los fanáticos más adentrados sabrán que existen numerosas escenas fugases a lo largo de la serie que no tienen mucha relación con el resto del episodio, pero que se relacionan con escenas fugases de otro capítulo y juntas explican algunos misterios de éste anime.

A pesar de que muy pocos espectadores sabrán apreciar el verdadero valor de “Death”, me pareció prudente hacer la aclaración del porqué es importante. Sin embargo, no debemos vanagloriar todos los trabajos de Anno, y éste largometraje maneja un discurso tan denso que en lugar de servir como una guía de aclaración termina siendo una extraña mezcla de imágenes que agradan a muy pocos televidentes.

Rebirth. Es la segunda parte del filme y su duración es de 27 minutos. La película corresponde a la primera parte de The End of Evangelion (EoE). “Rebirth” retoma la historia desde el capítulo 25, conocido como “Air”, y nos narra los eventos que tuvieron lugar después de la batalla entre Shinji y Kawaru durante el episodio 24. El largometraje nos muestra la invasión de Nerv por parte de Seele y los preparativos iniciales para el Proyecto de Instrumentalización Humana, así como la llegada de los Evas en serie.

Si D&R ya había sido fuertemente criticada debido a la rareza de “Death”, la redundante historia de “Rebirth” termina por enterrar a la película entera, pues a pesar de que nos plantea el inicio de un final verdaderamente concluyente para la saga, el hecho de que se repita en EoE no hace más que convertirlo en un preludio innecesario. Creo que D&R pudo haber funcionado mejor si EoE hubiese retomado la historia a partir de “Rebirth” en lugar de repetirlo. O quizás “Rebirth” simplemente debió omitirse de la primera entrega.

The Director’s Cut

Las “versiones del director” son por lo regular versiones extendidas de una obra cinematográfica o televisiva que incluyen escenas inéditas que por motivos de espacio o desarrollo de la historia fueron eliminadas. Sin embargo, The Director’s Cut ha sido blanco de numerosas críticas que la acusan de no ser una versión del director en el sentido estricto de la palabra, pues algunos creen que las escenas agregadas fueron creadas posteriormente con el fin específico de producir una versión extendida de la serie.

Independientemente de lo que decidamos creer, debemos admitir que —creadas a propósito o realmente agregadas— las nuevas escenas proporcionan un desarrollo argumental más complejo a la ya de por si multifacética historia de Eva. No puedo decir si las escenas agregadas en verdad aclaran algún elemento de la historia, pero sin duda la hacen más intrigante.

Director's Cut 2y3

Las nuevas escenas corresponden a los capítulos 21 al 24, y están acompañadas de mejoras en la calidad de audio y animación. En cuanto al audio podemos apreciar una configuración en sonido estéreo 2.0, así como efectos adicionales en las voces y los sonidos ambientales. La imagen nos presenta una mayor estabilidad que aún dista mucho de considerarse perfecta, pues la supuesta remasterización de la serie recurrió a técnicas tradicionales en lugar de realizar arreglos digitales. En otras palabras, lo que Gainax hizo fue disimular las imperfecciones de la serie original.

En mi opinión la calidad técnica de la serie no es el aspecto fundamental de esta versión, pues a pesar de que muchas escenas son indudablemente más nítidas, muchas otras terminan por ser verdaderamente lamentables, principalmente las que contienen escenarios oscuros en las que sólo vemos fondos negros. Lo que debemos destacar son únicamente las escenas agregadas.