Reseñas

Resident Evil – Degeneration

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Título Original: Biohazard – Degeneration.
Género(s): Terror, Acción, Suspenso.
Director: Makoto Kamiya.
Distribuida por: Sony Pictures Entertainment.
Fecha de Estreno: Octubre 2008 (Japón) Diciembre 2008 (Norteamérica).
Duración: 96 minutos.

El primer largometraje basado en las series de Resident Evil utilizando la última tecnología en animación por CGI. A diferencia de la tetralogía de Constantin Films, basada ligeramente en las series, Degeneration está ubicada dentro del mismo universo que los videojuegos, concretamente siete años después del ya legendario Incidente de Raccoon City.

Resident Evil marcó una época en el mundo de los videojuegos cimentando las bases y creando los estándares del Survival-Horror. La sensación que generaba jugar al primer Resident Evil no podía compararse con nada existente hasta el momento. Destrozar zombis y otras bestias infernales en los pasillos de la tenebrosa mansión mientras recorríamos sus estancias, dependiendo únicamente de un cuchillo y un par de balas, era brutal.

Desde 1996 han pasado muchas cosas y la saga ha creado gran variedad de títulos, la mayoría de ellos best-sellers en cualquier consola a la que se han adaptado. Pero no vive sólo de videojuegos, también existe toda una industria de merchandising que intenta vendernos figuras de acción, cómics o películas. Sobre éste último apartado tenemos la reciente la tetralogía cinematográfica. Las nuevas generaciones se han divertido con ella, disfrutando las aventuras postapocalípticas de Super-Alice, pero si miramos detrás del telón, nos encontramos con un escenario vacío de ideas, un guión flojo, decorados pésimos y actores que no están al nivel. La acción es su único punto fuerte, pero no es suficiente para satisfacer a los fans acérrimos de una serie con tanta historia como lo es Resident Evil.

Afortunadamente, Capcom decidió hacer una nueva película por su cuenta, pero con la diferencia de ser totalmente digital, una película de Resident Evil hecha 100% por computadora y apegada a la historia de que los adeptos a los videojuegos tanto deseaban: Resident Evil Degeneration.

Uno de los principales aspectos que debía superar esta película era mantenerse fiel a la saga sin perder de vista que no es un juego, y que por tanto debe seguir unas reglas muy diferentes a las habituales. No sólo eso, también debe complacer a los fans más tradicionalistas de la saga, aquellos que crecimos enfrentando las amenazas que acechaban en los oscuros sótanos de la vieja Estación de Policía.

Lo primero que veremos al iniciar la película será un flashback donde se nos muestra el destino de Raccoon City y lo que pasó después, desde el punto de vista de los medios de comunicación. Tras la destrucción de la ciudad, las acciones de Umbrella se desplomaron y la malvada corporación desapareció para siempre. Nuevas farmacéuticas han surgido desde entonces, así como organizaciones que luchan contra el uso de armas bio-orgánicas. Entre ellas se encuentra WilPharma, una corporación a la que se le acusa de llevar a cabo pruebas con agentes víricos en la India. En el segundo grupo tenemos a Terra-Save, una organización que lucha contra el bioterrorismo. Claire Redfield, sobreviviente de Raccoon City y miembro de esta organización, ha acudido al aeropuerto a recoger a una niña y a su tía, colaboradoras de Terra-Save. El Senador Ron Davis, un político poco honesto al que los medios y los activistas de Terra-Save persiguen, también se encuentra en el lugar.

Sin tiempo para reaccionar, Claire se verá implicada en un nuevo brote del Virus-T en el aeropuerto y pronto un accidente los dejará incomunicados. Para rescatar a los sobrevivientes, un agente muy especial y conocido por nosotros será enviado para solucionar el problema, acompañado de los miembros del SRT (Special Response Team), Angela Miller y Greg Glenn. Al final, conseguirán sobrevivir al aeropuerto infestado, no sin lamentar perdidas, para descubrir que detrás de los ataques bioterroristas puede estar un conocido de Angela, y un mal aún mayor que T.

Como aspecto más sobresaliente, y a favor de los fans, la película es un claro tributo para celebrar el décimo aniversario de Resident Evil 2, considerado por muchos como la mejor entrega de la saga y cumbre del Survival-Horror. Gráficamente, los modelados de algunos personajes y varias animaciones no están a la altura de otras producciones como, por ejemplo, la obra maestra de Square-Enix, Final Fantasy VII – Advent Children. Sin embargo, esto se debe a que el filme sigue su propio estilo visual y diseño artístico. Por otro lado, en los momentos de acción, las animaciones son realmente muy buenas, en especial la recta final con algunos movimientos impresionantes de Leon y la batalla contra el enemigo principal. En general el nivel de la película es sobresaliente.

La historia no es una continuación directa del aclamado Resident Evil 4, Degeneration tiene su propia esencia y funciona como un capítulo completamente nuevo de las series que se conecta coherentemente con la linea cronológica oficial, incluyendo muchas referencias a la saga para regocijo de los fans. También presenta elementos nuevos que conectan con entregas posteriores, de modo que el ciclo se cierra, y un nuevo enemigo que sustituye a Umbrella se presenta en el horizonte. Claire y Leon repiten los roles con los que debutaron hace ya más de diez años, de forma un poco encubierta, incluso aparecen nuevos sujetos que sustituyen a los personajes secundarios y varias situaciones irónicas que nos recuerdan las escenas más importantes de RE2. La película posee un argumento sencillo y sólido que le permite seguir por sí misma, olvidándonos de entregas anteriores.

Resident Evil – Degeneration es un trabajo que disfrutarán los fans de la saga. Por suerte no tiene algo que ver con las películas de acción real, y respeta el espíritu de Resident Evil, de modo que volveremos a oír a los actores originales de los videojuegos prestando su voz para esta entrega. Gráficamente es muy buena, con un par de detalles negativos que no impiden disfrutarla en su plenitud. Un buen argumento, nuestros personajes originales, zombies y virus asesinos la convierten sin duda en una compra obligada para todo fan.

Nausicaä del Valle del Viento

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Título Original: 風の谷のナウシカ (Kase no Tani no Naushika).
Género(s): Ciencia Ficción, Drama.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Ghibli [Topcraf].
Emisión: Marzo de 1984.
Duración: 116 minutos.
Extras: –

Considerada la primera producción de Studio Ghibli y basada en el manga homónimo del mismo Miyazaki, Nausicaä es el mejor referente del estudio y de su director, así como una de las más representativas obras de la animación japonesa. Pese a ser su primer trabajo y tener un carácter un tanto experimental, logra concretar todas las ideas que Hayao había plasmado en trabajos previos pero que no había podido explotar al máximo. Nausicaä contiene todos los argumentos clave que posteriormente se fueron desglosando en sus demás producciones. Y pese a que podríamos decir que el subsecuente trabajo ha sido mejor, lo que hace a éste filme tan especial es el hecho de poder ver a Miyazaki en su estado más puro, mostrando la culminación de un estilo que definiría para siempre a todo el universo Ghibli.

La calidad de animación es impresionante (obviamente tomando en cuenta la época) y terminó con la idea occidental que se tenía del anime como un producto de baja calidad. Y a pesar de que algunas escenas son un tanto simples y un poco descuidadas, otras son sencillamente espectaculares. Además, el estilo clásico que aún podemos observar en ese Miyazaki de los 80 nos permite apreciar el estilo artesanal que ha caracterizado a Ghibli como un verdadero productor de obras de arte.

El diseño de escenarios y otros aspectos secundarios es algo que cabe destacar, pues la construcción del bosque, las imponentes naves aéreas y los mortales insectos, se conjugan a la perfección para dar como resultado una obra cruda y dramática muy intensa. El diseño de las ciudades, la ropa de los personajes y las armas de guerra, son elementos muy particulares de Hayao y nos remiten a una Europa medieval con tecnologías de la revolución industrial, conformando una estética inclasificable dentro de la Ciencia Ficción que visualmente raya en la Fantasía. El diseño del bosque es muy atinado, pues nos sitúa en un lugar mágico sin realmente estarlo. Por su parte, el estilo de los insectos otorga ese sutil toque retro, mientras que la parafernalia bélica nos regala espectaculares naves voladoras que parecen barcos flotantes.

La música, compuesta por Joe Hisaishi, es un componente fundamental de la obra, pues realmente logra compaginar las melodías con la historia. Además, la mezcla de música instrumental con melodías ochenteras de sintetizador crea un ambiente único, llamativo y de gran poder emocional que sin duda atrapan al espectador. No por nada Hisaishi se ha mantenido en el equipo de Miyazaki desde entonces.

Hablar de Ghibli es hablar del diseño de sus personajes, único de este estudio y con una esencia matriarcal. Como en todas las obras de Hayao, las mujeres ocupan el papel central de la historia, son quienes soportan el peso de la trama, dan juego a los demás personajes y tiene esa actitud guerrera y esa fortaleza que ningún hombre es capaz de alcanzar; ellos son relegados a personajes secundarios y de soporte, generalmente subordinados a alguna mujer.

En el filme podemos apreciar a dos féminas icónicas que actúan como protagonista y antagonista. Como protagonista tenemos a la joven Nausicaä, la princesa del Valle del Viento, de actitud noble, inteligente, decidida pero con una fuerza interna realmente violenta. En su contraparte está Kushana, la líder de Tolmekia, quien está decidida a acabar con el bosque para evitar que su gente muera aún a costa de la vida de otros pueblos. Lo importante aquí es que ninguna de las dos es realmente la buena o la mala, ambas son imperfectas y lo que buscan es el bienestar de su comunidad, aunque por caminos que quizás no son los más correctos. Un aspecto que me gustaría mencionar es que la historia gira en torno a personajes jóvenes o viejos, no hay adultos de mediana edad, los valores son representados por el vigor de la juventud y la sabiduría de los ancianos.

En el pasado, unos extraños seres (los dioses guerreros) destruyeron a la humanidad en lo que fue conocido como “los siete días de fuego”, que junto con la ambición humana, el desenfrenado desarrollo tecnológico y el irreversible deterioro ambiental, terminaron por llevar a la humanidad al borde de la extinción. Mil años después, en un mundo postapocalíptico, sólo unos pocos pueblos sobreviven, amenazados por el “Mar de la decadencia”, un gigantesco bosque venenoso habitado por enormes insectos que se extiende sin control. Sin embargo, cuenta la leyenda que una extraña chica de ropa azul pondrá fin a la decadencia humana.

A partir de esta premisa se desarrolla la historia, que gira en torno a Nausicaä, quien está empeñada en descubrir los secretos que se ocultan en el venenoso bosque para poder encontrar una cura que evite más muertes a causa de las toxinas que impregnan el ambiente. Sin embargo, el poderoso imperio militar de Tolmekia planea usar el ancestral poder del dios guerrero para quemar el bosque y devolver el control de la tierra a los humanos, lo que ellos no saben es que los insectos, guiados por los imponentes Ohmus, pelearan a muerte para defenderlo, y dependerá de la joven Nausicaä hacer entrar en razón a humanos e insectos para que ambos puedan cohabitar en paz.

Es fácil comparar el argumento central de Nausicaä con el de La Princesa Mononoke, y es que ambas plantean un mensaje ecológico que aboga por la armonía entre humanos y naturaleza, sean plantas, animales o seres míticos. La invasión de un pueblo contra otro proyecta un mensaje social muy directo, pues si no logramos convivir en paz con nuestros semejantes, tendremos que enfrentarnos al peor enemigo de los humanos: nosotros mismos. La crueldad humana se hace evidente y es la crítica más dura que hace la obra.

Como podemos ver, Nausicaä hace uso de elementos muy propio de la sociedad medieval, como leyendas en pinturas y tradición oral, sin olvidar la estructura social del reino del Valle del Viento, que se conjuga con la sociedad industrial de Tolmekia. También tenemos algunas referencias a la Odisea de Homero, pues el propio nombre de la película hace referencia a Nausícaa, la esposa de Telémaco, hijo de Odiseo. En colusión, Nausicaä es el referente clave de Ghibli y Miyazaki, además de un indiscutible clásico de la animación japonesa.

Follow The Sun

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Título Original: Follow the Sun.
Género(s): Publicidad.
Director: MK12.
Estudio: MK12.
Emisión: Agosto de 2009.
Duración: 114 minutos.
Extras: –

Creado por el colectivo MK12 —originario de Kansas City, Missouri, y fundado en 2008— cuyas producciones se enfocan en el ámbito artístico y comercial, Follow the Sun es un cortometraje  que retoma la vieja tradición norteamericana de la publicidad en los cines y autocinemas, el intermedio. El corto es una especie de homenaje al viejo estilo que los diseñadores tenían en la década de los 50 en Estados Unidos, desde la esencia de los carteles, posters y música, hasta la extraña mezcla de animación, Stop Motion y realidad. Sin embargo, también resulta ser una crítica muy inteligente a la sociedad consumista que actualmente sostiene al mercado americano.

El corto tiene un estilo totalmente retro en todos los aspectos, puesto que su finalidad es realmente emular el viejo estilo de la publicidad en los cines. Podemos observar una animación de gran calidad pero modificada de tal forma que luce un tanto anticuada y simplona. La música es repetitiva tal y como lo era en esos años. Además, la integración de descuidadas escenas en Stop Motion y acción real la hacer verse todavía más retro.

El video nos muestra a los diversos productos que venden en los cines (palomitas, helado, refresco, etcétera) caminar felices disfrutando de la vida, hasta que un accidente mata a uno de los alegres compañeros. A partir de este momento el corto se aleja bruscamente de su estilo inicial y deriva en una perturbarte y psicótica realidad llena de grotescas muertes, locura, tortura, sufrimiento, sangre y una cargada connotación sexual.

El drástico cambio en la historia se debe a la crítica que el corto hace del consumismo y la opresión que los medios publicitarios ejercen hoy en día sobre el televidente, al grado de sumirlo en la enajenación y obligarlo —muchas veces de manera inconsciente— a consumir sus productos. Esta violencia que las compañías pueden ejercer es lo que lleva a los simpáticos personajes al borde de la locura, pues no logran mantener la aparente perfección que su compañía se esfuerza por mostrar en sus productos. Y no debemos olvidar el homenaje que rinde al clásico de terror El Resplandor (Stanley Kubrick, 1980), película a la cual aluden en la escena de los helados y la sangre, la famosa “The river of Blood”. En conclusión, el corto me parece genial tanto por su aspecto crítico como por retomar el viejo concepto de la publicidad norteamericana, elemento icónico de la cultura pop estadounidense.

Mi Villano Favorito

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Título Original: Despicable Me.
Género(s): Comedia.
Director: Pierre Coffin y Chris Renaud.
Estudio: Universal Sudios, Illumination Entertainment.
Emisión: Julio de 2010.
Duración: 95 minutos.
Extras: –

Nominada como mejor película de animación para los Globos de Oro en 2011, Mi Villano Favorito es una de las comedias animadas más divertidas de los últimos años. Con una trama simple, personajes graciosos y situaciones demasiado evidentes pero que resultan entretenidas, el filme logra captar la atención de los niños, dejarles un mensaje positivo y de paso hacer reflexionar a un público más maduro sobre las complicaciones de la vida laboral y familiar.

La calidad de animación es muy buena, pues hasta los detalles más insignificantes fueron perfectamente diseñados. El diseño de personajes es igualmente bueno, pues logra explotar todas las características de su personalidad para desarrollar situaciones muy cómicas. Sin embargo, la simpleza que hace graciosos a los personajes también los estereotipa un poco y no permite que veamos algo realmente novedoso, aunque debemos tener en cuenta que para contar la historia se requieren personalidades muy específicas (el villano malo, las niñas buenas, la madre cruel).

La historia gira en torno a Gru, el más afamado villano del mundo, quien ve peligrar su puesto cuando Vector, un villano novato, hace su aparición y realiza un robo que sobrepasa toda proeza. Para salvar su honor, Gru deberá idear un plan que vuelva a posicionarlo como el más grande de todos los tiempos, para ello decide robar la luna, aunque primero necesita un rayo reductor. Sin embargo, Vector intenta impedir que Gru logre su cometido y le roba el rayo. Para recuperarlo Gru recurre a la ayuda de tres niñas huérfanas, Edith, Margo y Agnes. Gru adopta a las niñas con el fin de lograr su cometido, lo que no se imagina es que sus nuevas hijas pondrán su mundo de cabeza y lograrán cambiar su forma de pensar.

Gru es un villano que realmente disfruta su trabajo, y como todas las personas, quiere ser el mejor en lo que hace. Este aspecto es una crítica muy inteligente de la vida laboral, pues nos muestra las complicaciones que cualquier persona tiene para destacar en su empleo, sobre todo cuando debe enfrentarse a jefes testarudos y adversarios jóvenes. El principal aporte del filme es presentar la vida de un villano y exponer cuáles serían las problemáticas de su vida, razón por la cual vemos su faceta como hijo (incapaz de satisfacer a su madre), su faceta como trabajador y su faceta como padre.

Entre los personajes importantes también tenemos a las niñas, a quienes en lo personal considero un cliché, pues son las típicas huérfanas que terminan por cambiar la vida de un tipo duro y malo. No obstante, debemos aceptar el hecho de que la incompatibilidad en cuanto a sus personalidades con respeto a la de Gru es lo que da juego a muchas de las situaciones más cómicas.  Y pese a que Gru presenta muchos elementos clásicos del villano no cae en un cliché tan evidente como las niñas. Otros personajes que no debemos olvidar son los Minions, los amarillos secuaces de Gru, quienes representan esa inocencia infantil pero al mismo tiempo el lado pícaro y malvado que todos tenemos, y resulta en extremo divertido ver los enredos en los que se meten debido a sus descuidos.

El juego que Vector le da a Gru me parece que es el aspecto mejor pensado de toda la obra. Por una parte, Vector representa al villano moderno con nuevas ideas y mejor armamento, mientras que Gru es de la vieja escuela. Esta relación es una clara referencia a la vida laboral y al desplazamiento que muchas personas sufren por parte de las nuevas generaciones y las nuevas tecnologías. Aunque no debemos olvidar que ambos villanos comparte el menosprecio por parte de sus respectivos padres.

Una peculiaridad que realmente supieron explotar es la temática del villano, pues en todas las películas de superhéroes el malo siempre es el personaje más complejo. Además, el hecho de que no existan héroes permite que todo el protagonismo recaiga en Gru, y podamos ver y entender la finalidad para todas las maldades que hace. Usar al malo como personaje principal resulta realmente atractivo para muchas personas pues generalmente está tan bien diseñado que resulta molesto el hecho de que deba perder contra el bueno siempre. Además, hacer el mal generalmente es más divertido y los niños se identifican más fácilmente con el malo.

Otro tópico importante es la relación padres-hijos. Tanto la madre de Gru como el padre de Vector no sienten orgullo por sus hijos ni les demuestra su cariño, a pesar de que en el fondo sí los quieren. Esa frialdad y distanciamiento es lo que orilló a Gru a buscar apoderarse de la luna a toda costa, en el fondo sólo quiere cumplir un sueño de la infancia para que su madre esté orgullosa de él. También podemos hablar de cómo la relación con nuestros padres nos marcará en la relación con nuestros hijos, por ejemplo, Grú nunca imaginó ser padre ni encariñarse con las niñas que adoptó.

Finalmente, la temática del padre soltero y la adopción son dos elementos que no sólo dan juego a la historia, sino que reflejan la realidad de muchas familias donde es el hombre quien se encarga de cuidar a los hijos, ya sea porque la madre trabaja o porque está ausente. A lo largo de la película podemos apreciar el crecimiento de Gru como padre, pues en un principio él lleva una vida de soltero y su casa no está diseñada para niños, además de que ni él ni las niñas saben cómo actuar el uno con el otro, pero con forme pasa el tiempo se van tomando confianza y cariño.

Como podemos ver, Mi Villano Favorito es una excelente recomendación para el público infantil y una interesante propuesta para el público adulto, pero sobre todo, resulta una comedia divertidísima para todas aquellas personas que siempre nos identificamos con el malo de la película, aunque en una versión muy rosa, tierna y predecible.

Un trágico día de verano, Hiroshima

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Título Original: 夏服の少女たち (Natsufuku no Shôjo-tachi).
Género(s): Drama, Documental, Shôjo.
Director: Mitsuko Ono (autor).
Estudio: MadHouse, NHK.
Emisión: 1988 [1990].
Duración: 25 minutos.
Extras: –

En raras ocasiones Canal 11 nos ofrece dentro de su programación algunas emisiones que usa para rellenar su tiempo al aire. Quizás hayan tenido la oportunidad de ver, ya entrada la noche, un programa japonés de la década de los ochenta (creo) sobre el cuerpo humano y su funcionamiento. Pues bien, el siguiente documental ha sido televisado por el mentado canal cultural un par de veces, generalmente como intermedio.

Este especial fue realizado para conmemorar el 43 aniversario del desastre nuclear causado por la bomba atómica en Hiroshima. El video nos cuenta la historia de un grupo de niñas de secundaria que fallecieron a causa del bombardeo. La historia inicia en abril de 1945, primer día de labores en la escuela, y continúa hasta el 6 de agosto, fecha del fatídico suceso, tiempo durante el cual nos muestra cómo vivieron los civiles el conflicto armado y cómo su rutina diaria se vio radicalmente afectada por la guerra.

El documental es en realidad una narración sobre la vida de las niñas, al estilo de lo que ahora clasificaríamos como Slice of life, en la que se van puntualizando los hechos históricos más relevantes de la Segunda Guerra Mundial. Nos muestra elementos muy crudos de la vida cotidiana, pero contados de manera tan elocuente que en lugar de remitirnos a la tragedia o vendernos lástima, nos invitan a reflexionar. Vemos aspectos como la organización y las reglas que las niñas debían seguir en caso de ataque aéreo, la falta de alimentos, la desintegración familiar y la escasez de recursos tan aparentemente convencionales como la tela, asimismo, nos ayuda a comprender por qué Hiroshima era un blanco militar estratégico.

Podríamos describir el corto como un reportaje histórico basado en los diarios escolares de unas niñas de secundaria. Dichos diarios son fieles testigos de cómo se vivía la guerra en las ciudades japonesas y de la forma en que las niñas interpretaban aquel conflicto. Uno de los aspectos más rescatables es el hecho de que podemos ver todas las implicaciones sociales que provocó el conflicto armado, como la ausencia de hombres en las labores del campo, lo que obligó a muchas niñas y mujeres a realizas dichos trabajos.

Un factor que hace extremadamente atractivo al documental, es el hecho de presentar la versión japonesa del conflicto, lo que resulta novedoso para nosotros que estamos acostumbrados a la versión americana. El reportaje nos muestra —como lo hace gran parte de la animación japonesa de la postguerra— la impresionante capacidad de organización, obediencia y paternalismo del pueblo nipón; obviamente quizás existe una excesiva exaltación de valores, pero no es algo que podamos criticar puesto que es la finalidad del reportaje.

Realizar un documental de la segunda guerra mundial será siempre un tema de discusión pues resulta difícil deshacernos de nuestros prejuicios para dar una visión neutral de los hechos, sin embargo, éste pequeño filme logra apartarse de tales problemas ya que se limita a rendir tributo a las niñas muertas. En otras palabras, el video no es un reportaje ni un documental como tal, sino una especie de semblanza o reseña histórica sobre la vida de un grupo de pequeñas durante la guerra. El tema principal es la vida de las niñas y el entorno bélico es únicamente el desafortunado contexto histórico en el que les tocó vivir.

Sin duda es un excelente ejercicio que realmente refleja la utilidad de la animación más allá de un mero entretenimiento o un elemento artístico, pues la animación genera una ambientación más agradable de lo que hubiera logrado cualquier dramatización con actores reales, además de que el anime se ha convertido en todo un icono de la cultura pop japonesa que realza el valor simbólico de hablar de un evento tan trágico.

El reportaje no es únicamente animación, también integra escenas reales y entrevistas con familiares y sobrevivientes de aquel fatídico 6 de agosto. La conjunción del trabajo periodístico y la animación hace de esta obra la mejor forma, al menos para mí, de llamar la atención del público joven y educarlo sobre este tipo de temas que debido a su crudeza muchas veces son evitados.

Ergo Proxy

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Título Original: エルゴ プラクシー (Erugo Purakushi).
Género(s): Psicológico, Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Social/Cyberpunk/Nanopunk, Distopía.
Director: Shukô Murase.
Estudio: Manglobe.
Emisión: Febrero 2006 – Agosto de 2006.
Duración: 23 Episodios.
Extras: –

Compleja, innovadora y oscura, son algunas palabras que describen de manera general a esta serie, que posiblemente se ya el más reciente clásico dentro de las animaciones de culto que explotan la temática punk, aquella que se enfoca en cuestionar las implicaciones sociales del alto desarrollo tecnológico. Escrita por Dai Satô, Ergo Proxy es el máximo exponente de su género para la primera década de este siglo; anexándose a precursores de los 80 como Akira y a clásicos de los 90 como Evangelion, Ghost in the Shell y Serial Experiments Lain.

Teniendo como antecedentes a los grandes animes de Ciencia Ficción —que no sólo se destacaron por su apartado tecnológico o social, sino por su crítica y análisis filosófico, psicológico y moral— no es de extrañarse que Ergo Proxy logre tal profundidad dentro de la temática filosófica que lo aleja de todo lo visto anteriormente; convirtiéndose así en una serie fresca, con contenido novedoso y una complejidad apabullante, que si bien no deja de ser difícil, puede entenderse con relativa facilidad si se presta la atención adecuada, pues conforme avanza la historia iremos entendiendo cada aspecto de ésta.

La calidad técnica es impecable, desde su alucinante ambientación musical hasta la simpleza en el diseño de personajes, sin olvidar el excelente manejo de sus oscuros y góticos escenarios, a los que sabe explotar y sacarles el mayor provecho. La ciudad futurista, el exterior decadente, los fríos humanos y los inquietantes androides están diseñados de una forma minimalista, original y nos remiten a un futuro desolado donde la tecnología está por encima de todo, incluso de la divinidad.

Un futuro postapocalíptico, la tierra en ruinas y la humanidad refugiándose dentro de ciudades protegidas por gigantescas cúpulas es el ambiente ideal para nuestra obra. Afuera no existe civilización alguna, salvo pequeños grupos de refugiados que sobreviven buscando entre los deshechos que arrojan las ciudades; los androides se infectan de un extraño virus que les hace darse cuenta de su propia existencia; proxies asesinan personas y un misterio que se oculta tras el poder de la última ciudad humana son los argumentos clave de los que parte la historia.

Todo inicia en Romdo, una ciudad decadente que es dirigida por un aparente gobernante que en realidad no es más que el títere de las mentes artificiales que están en el poder. La humanidad convive con androides (Auto-Raves) y dentro de la ciudad todo es calma y perfección, hasta que una racha de asesinatos y robots fuera de control empiezan a desestabilizar la delicada harmonía de la falsa utopía. La joven detective Lil Mayer, su Auto-Rave Iggy, el inmigrante Vincent Law y Pino, la simpática niña Auto-Rave infectada con el virus Cogito, se embarcaran en un viaje para descubrir la verdad tras el virus, la decadencia de su ciudad y los proxies. Para esto deberán recorrer el devastado mundo y las pocas ciudades que aún quedan en pie.

La serie avanza de manera clara y concisa (en lo que cabe) hasta más o menos la mitad de la serie. A partir de episodio 14 empieza a desvirtuar en extraños y raro capítulos que no tienen el menor sentido, donde aparentemente ya no se sigue el tema central y pareciera que la historia empieza a desarrollarse de una forma alternativa ajena a lo que veníamos viendo. Sin embargo, retoma el sentido en capítulos posteriores, en apariencia, pues a partir de aquí es difícil saber si lo que vemos es parte de la realidad, una paranoia, un sueño o alguna trama alternativa. Eso sí, es muy interesante tratar de seguir la lógica e intentar comprender qué es lo que pasa.

Hay que tener cuidado de no perder el hilo argumental en alguno de los muchos oníricos capítulos que iremos encontrando a lo largo de la serie, pues seguramente perderemos el contexto espaciotemporal. Y si bien estos capítulos podrían parecer raros, incomprensibles e incluso sin relación a la trama principal, nos irán dando pequeñas pistas que más tarde nos ayudarán a comprender la serie en general.

A pesar de que Ergo Proxy en un Cyberpunk en toda la extensión de la palabra, está matizado de tal forma, tanto en lo estético como en lo argumental, que conforma un subgénero totalmente distinto, el Nanopunk. Cuando la vi por primera vez me encantó por su letárgico ritmo, su paranoia, sus capítulos incomprensibles y sus escenarios oscuros, pero al verla por segunda ocasión, pude percatarme de la profundidad de sus argumentos, de su excelente desarrollo, de la gran construcción de sus personajes y de las innumerables referencias de Ciencia Ficción que la han convertido en una obra de culto que es hoy en día.

Coraline

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Título Original: Coraline.
Género(s): Fantasía, Sobrenatural.
Director: Henry Selick.
Estudio: Laika Entertainment y Pandemonium LLC.
Emisión: Febrero 2009.
Duración: 100 minutos.
Extras: –

Basada en la novela homónima de Neil Gaiman, quien ha participado en la adaptación de algunas obras de anime, como la Princesa Mononoke, Coraline es uno de los largometrajes de animación más recientes y exitosos que hacen uso de la técnica del Stop Motion, pues además de su historia, su calidad técnica es sorprendente y asombrará tanto a quienes son seguidores de este estilo de animación como a quienes no lo son.

La calidad de este filme es impresionante, desde la construcción de escenarios y personajes, hasta la fabricación de la indumentaria (ropa y accesorios) y la banda sonora. La historia es buena y muy consistente, pero lo que realmente resulta atractivo es imaginar todo el proceso de producción, ya que la cantidad de detalles que presenta debió requerir un esfuerzo impresionante para lograr que cada elemento se adecuara a la trama, sobre todo si consideramos que es una obra hecha cuadro por cuadro.

La intención de presentar un mundo obscuro y una historia sobrenatural dirigida al público infantil es un gran acierto por parte del estudio Laika, pues es difícil ver obras animadas de terror orientadas a los niños, que al mismo tiempo que llaman su atención y les dejan un bonito mensaje los están educando para consumir cierto tipo de géneros que no son tan reconocidos por los especialistas pero que tiene una importancia fundamental dentro del séptimo arte.

Los escenarios presentan un estilo sombrío que refleja la atmósfera planteada por la novela. Los personajes están muy bien diseñados, tanto en su aspecto físico como en su personalidad. La animación es muy buena, aunque por momentos el ángulo de cámara no logra evitar que nos sintamos como si estuviéramos viendo una maqueta desde lejos. Sin embargo, la animación es fluida y natural, salvo las expresiones faciales, que me parecen algo repetitivas. A pesar de ello, presenta una gran calidad y los pequeños detalles le dan un encanto particular. Finalmente, la música es espectacular, se adecúa perfectamente a la historia y le otorga esa ambientación lúgubre que necesita.

La historia gira en torno a Coraline, una niña de doce años bastante independiente y curiosa, y en ocasiones algo malhumorada y quejosa, quien frecuentemente se siente olvidada por su padres, ya que estos se pasan el día trabajando y no le ponen atención. Después de mudarse a una antigua mansión llamada el Palacio Rosa, Coraline descubre una pequeña puerta, la cual es la entrada a un mundo alterno en donde todo parece ser mejor, sus “otros padres” le prestan atención y sus “otros vecinos” son divertidos y amigables, a diferencia de los que viven en el mundo real.

Poco a poco Coraline se va enamorando de aquel hermoso y perfecto lugar, sin embargo, para permanecer en él debe perder sus ojos y cambiarlos por un par de botones. En ese momento descubre que su “otra madre” es en realidad una bruja que ha capturado las almas de otros niños y a sus verdaderos padres, Coraline tendrá que liberarlos y enfrentarse a la hechicera para poder escapar y regresar al mundo real.

La historia es interesante, muy sólida y muchos de los elementos que usa resultan novedosos, pero tampoco es un aporte radicalmente original a la industria animada, incluso resulta predecible por momentos. Sin embargo, el proceso creativo es otra cosa, pues a pesar de no revolucionar el Stop Motion como tal, su calidad técnica es tan buena que el simple hecho de verla resulta una experiencia visual muy agradable.

Coraline se ha convertido, gracias a su indiscutible calidad, en uno de los nuevos clásicos animados del cine y seguramente es ya una de las mejores obras contemporáneas en Stop Motion. Sus escenarios fantásticos, sus toques de terror, su inmejorable ambientación y sus agradables personajes le permiten competir mano a manos con cualquiera de los títulos animado ya consagrados.

Origen

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Título Original: Origen.
Género(s): Ciencia Ficción/Scrappunk.
Director: Yadira Rojas.
Emisión: 2010.
Duración: 3 minutos.
Extras: –

Hace unas semanas una persona me comentó sobre el concurso Animasivo, cuyo fin es difundir y promover la producción de animación en México, pero en específico me recomendó este corto, el cual fue ganador de mención honorífica en el concurso del 2010. Al parecer el trabajo fue realizado en muy corto tiempo, y pese a no ser la gran animación tiene un mensaje y una calidad que bien merecía reconocerse, sin olvidar que fue hecho en Stop Motion.

Lo primero que me atrajo de corto fue su estética Scrappunk (denominación que al parecer sólo yo utilizo como género fuera de la corriente artística), pues la historia nos muestra a un pequeño robot hecho de desechos que vive en un desolado México del futuro lleno de basura y contaminación. Analizando su situación, el robot decide construirse una compañera con los restos de basura a su alcance, y con la ayuda de su nueva amiga, siembra un grano de maíz.

Además del futuro apocalíptico, autómatas construyendo autómatas a partir de desechos, y la clara referencia cultural, el corto presenta una gran calidad de animación, un escenario muy adecuado a la trama y una selección musical estupenda. Todos estos aspectos le dan una esencia totalmente mexicana, lo que resulta muy agradable cuando se está acostumbrado a producciones extranjeras.

El trasfondo cultural es algo que salta a la vista y que se vislumbra desde el título. La referencia del maíz —que es sin duda el elemento mexicano por excelencia— nos remonta a los viejos mitos mayas de la creación; el robot, al sembrar el grano de maíz, está sentando las bases para la reconstrucción de toda una nación, la cual deberá resurgir de toda la basura y los problemas que actualmente tienen sepultado a nuestro país. Sin dada es un gran ejemplo del potencial que existe en México en cuestión de animación.

Kiki: Entregas a Domicilio

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Título Original: 魔女の宅急便 (Majo no Takkyûbin).
Género(s): Mahô-Shôjo, Comedia, Shôjo.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: Julio de 1989.
Duración: 103 minutos.
Extras: –

Basada en la novela homónima de Eiko Kanodo, Kiki es una de las historias más tiernas y entrañables en el repertorio de Miyazaki y Ghibli. La historia es sencilla, divertida y muy agradable, al igual que los personajes. Presenta algunos momentos tristes y en un tanto predecibles, pero en general desborda felicidad y alegría constante, lo cual se agradece mucho, pues hace del filme algo muy ameno de ver.

La calidad técnica es impresionante, pues tanto la música, como la construcción de escenarios y el desarrollo de personajes se amoldan y complementan a la perfección. El primer aspecto a resaltar es la construcción de escenarios, para los cuales Miyazaki optó por un estilo occidental que nos recuerda a los viejos clásicos en los que él participó, como Heidi. Los personajes, por su parte, presentan el diseño clásico de Ghibli, con personalidades únicas y sin estereotipos, y con las mujeres en los papeles centrales de la historia. Finalmente, la música es fabulosa, muy agradable y ambienta a la perfección cada escena del largometraje, con el mínimo detalle de que en ocasiones entra abruptamente.

La historia toma lugar en una ciudad de estilo europeo y corte colonial, que por momentos semeja a Inglaterra, aunque algunas construcciones tienen una arquitectura más alemana o suiza, y por ser una ciudad costera también presenta el estilo mediterráneo de las ciudades ibéricas. Además, a pesar de ser una ciudad aún conserva esa esencia de pueblo, con costumbres y tradiciones muy arraigadas que le otorgan mucha calidez.

Todo gira en torno a Kiki, una pequeña aprendiz de bruja de trece años, quien debe dejar su casa y su familia para vivir sola durante un año en alguna ciudad en la que requieran de sus servicios, para de esa manera entrenar y convertirse en una bruja de verdad. Kiki decide que por fin ha llegado el día de mudarse y emprende su viaje junto a su gato Jiji, pero en el camino y durante su entrenamiento surgirán dificultades que deberá aprender a superar, pues al llegar a una ciudad desconocida deberá afrontar el miedo, la soledad y el cambio de costumbres para demostrar que en verdad es independiente y puede valerse por sí misma.

El argumento central del filme es la independencia y la madurez que todos en algún momento deberemos enfrentar, aunque nos reusemos a ello. En lo personal creo que lo de ser bruja es un simple recurso para hacer más entretenida la historia, pues en el fondo Kiki es una niña más, una niña normal que debe enfrentarse sola al mundo y descubrir por si misma lo difícil que es crecer y alcanzar sus sueños. El mensaje central es que debemos tener la capacidad para no rendirnos incluso a pesar de haber perdido la seguridad en nosotros mismos. Todos estos aspectos se plasman constantemente durante la obra y nos permiten apreciar el crecimiento y desarrollo de todos los personajes, sobre todo del principal.

En toda la película sólo hay dos aspectos que no me gustan. El primero es usar el recurso de la típica chica de campo que tiene que enfrentarse a la vida en la ciudad. Recurso que en lo personal considero un cliché sobreexplotado, aunque la migración es un fenómeno que sigue muy vigente en la actualidad. El segundo problema es que la película termina de forma muy abrupta, prácticamente lo hace al final del clímax y no da lugar al desenlace, lo que nos deja con una sensación de que algo falta. Y aunque al final se muestran algunas secuencias de lo que pasó con los personajes, eso no es suficiente para dar por concluida tan genial obra cinematográfica.

Como en todos los trabajos de Hayao, el papel central lo tienen las mujeres, constante por demás recurrente pero que aporta una gran emotividad en todas sus obras. Kiki es otra de esas grandes féminas que Ghibli nos ha regalado, es decidida, inteligente e independiente, pero además es la mujer más tierna y noble que el estudio ha producido. Cabe resaltar que Ghibli es de los estudios más congruentes en cuanto a la construcción de sus personajes, pues tanto el aspecto físico como la personalidad van acordes con la edad, los sentimientos e intereses de cada persona.

Parece que estar producida por Ghibli y ser dirigida por Miyazaki es sinónimo de éxito para una película, o al menos es garantía de que será una excelente animación en el aspecto técnico y argumental. Pero independientemente de eso, Kiki es una obra que entretiene, divierte y deja un mensaje de superación bastante obvio, que si bien puede ser prefabricado, nunca estará de más.

The Sky Crawlers

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Título Original: スカイ·クロラ (Sukai Kurora).
Género(s): Militar, Drama, Ciencia Ficción, Seinen.
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I.G.
Emisión: Agosto de 2008.
Duración: 122 minutos.
Extras: –

Basada en la novela homónima de Hiroshi Mori y dirigida por el  afamado Mamoru Oshii, quien ha dirigido grandes clásicos como Ghost in the Shell, The Sky Crawlers es un largometraje con gran calidad artística pero que dista mucho de las grandes obras que podemos encontrar dentro del repertorio de su talentoso director.

La calidad técnica es impecable y muy sobresaliente en lo que respecta a la parte sonora, pues se detalla hasta el más mínimo elemento auditivo (disparos, sonidos de motor) en las escenas de acción, creando así la ambientación perfecta. La música es igualmente buena, las canciones son pausadas y se adecuan perfectamente con el ritmo del filme. Otro aspecto sobresaliente es la construcción de escenarios, inspirados en los parajes naturales y urbanos de Polonia e Irlanda, que resultan tan perfectos que incluso parecen reales.

La animación en general es asombrosa, no es la mejor que he visto pero se destaca en sus escenas de acción, pues a pesar de que son batallas aéreas, los movimientos de cámara no son bruscos y siempre mantienen enfocados a los protagonistas. Los personajes resultan ser son la parte más débil de la obra, su diseño es regular y siguen los estándares actuales sin caer en lugares comunes, pero su desarrollo es pobre y no se consolida su historia ni se profundiza en su personalidad.

La historia gira en torno a un grupo de jóvenes conocidos como Kildren (personas que no envejecen ni maduran), quienes están destinados a ser pilotos de la fuerza aérea europea y pelear una cruenta guerra mundial contra la facción americana. Entre estos chicos se encuentra Yuichi Kannami, un virtuoso piloto que es asignado a un pequeño grupo aéreo. A su llegada, descubre que hay algo misterioso detrás de su traslado y del origen de los Kildren, tras los que se ocultan una serie de reencarnaciones, clonaciones, implantación de recuerdos y extrañas habilidades bélicas. A partir de ese momento la historia toma un rumbo netamente filosófico sobre los horrores de la guerra y las causas que la originan.

La película se cuestiona sobre qué tan necesario es madurar para pelear una guerra cuando las probabilidades de morir son muy altas. Los Kildren son inmaduros para poder hacerle frente a la guerra y de cierta forma no estar conscientes de lo peligroso de su trabajo; ni siquiera se cuestionan por qué lo hace y si tiene un verdadero propósito. La inmadurez es una forma de esquivar la horrenda realidad que sólo una guerra puede provocar, una guerra sin fin que no puede ser abolida y cuyo único escape es la muerte.

Adentrándonos más en la trama y su trasfondo, descubrimos que los Kildren en realidad son un extraño experimento militar que buscaba crear armas humanas para la guerra. Ellos vivían en una realidad letárgica, donde todo parecía un lejano sueño difícil de recordar. Y como no envejecían ni cuestionaban su participación en las acciones bélicas, eran los soldados perfectos para una industria militar en la que el vencedor es aquel que obtiene más ganancias.

La obra es muy profunda y más compleja de lo que a primera vista aparenta, pues incluso criticar la incapacidad del capitalismo para desarrollarse sin la necesidad de guerras. Sin embargo, no termina por concretar su historia y deja muchos cabos sueltos, tampoco se aclaran los misterios por parte de los personajes ni del experimento que creó a los Kildren. A pesar de ello, la denuncia sobre los movimientos armados es fabulosa y lleva por buen camino la crítica social.

Considero que la película es buena, aunque su ritmo pausado puede no ser del gusto de todos los espectadores. Pese a todo ello, el filme logrará entretener y cautivar a un púbico más específico y maduro que el anime convencional, y sin duda lo bastante crítico como para apreciar este tipo de historias y la forma en que está narrada.