Acción

Santo contra los Clones

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Título Original: Santo Contra Los Clones.
Género(s): Acción, Sobrenatural, Peleas.
Director: Carlo Olivares Paganoni.
Estudio: Cartoon Network Latinoamérica y LMT Animation Studio.
Emisión: Octubre 27 – Noviembre 24 2004.
Duración: 5 Episodios.
Extras: –

Buscando entre las viejas entradas del blog recordé una en particular intitulada El síndrome de viejo, donde mi editor recuerda de forma amarga los horribles programas de televisión transmitidos en durante nuestra infancia; hace referencia a dos clases en particular antes de la apertura hacia nuevos contenidos a finales de los noventa: programas norteamericanos con décadas de atraso y producciones nacionales deplorables.

Aunque mi experiencia fue muy similar, jamás pude soportar ver ni diez minutos de esos programas nacionales como el grotesco Chavo del Ocho o espantosas comedias americanas como La niñera. La televisión por cable, a la que tuve acceso a inicios del nuevo milenio, tampoco era muy diferente. Recuerdo haber visto las mismas series en Cartoon Network, aunque al menos este canal poseía mucha más variedad de vez en cuando.

Quizás debido a estas experiencias que desarrollé una apatía hacia todo tipo de producciones nacionales y por desgracia consideraba a lo mexicano como chafa o de menor calidad. Fue gracias al mismo Cartoon Network que comencé a reconsiderar las cosas, ya que de vez en cuando emitían pequeños cortos, spots, comerciales o eventos especiales que presentaban un contenido con un estilo diferente, adaptado al público latinoamericano.

Una serie en especial fue creada específicamente para ser trasmitida en México; apareció una buena noche al aire y de acuerdo con los registros desapareció al mes siguiente. Sin embargo, recuerdo haberla visto muchas veces debido a que me resultaba realmente entretenida y distinta a la programación habitual del canal. La obra en cuestión era Santo Contra Los Clones, protagonizada por el legendario Enmascarado de Plata.

La lucha libre ha sido un elemento siempre presente en la cultura mexicana contemporánea, alcanzando su momento culminante con las surrealistas películas de luchadores de los años sesenta, donde los enmascarados actuaban como superhéroes al más puro estilo Serie-B. De entre ellos el más famoso fue El Santo, protagonista de más de cincuenta cintas donde enfrenta criaturas sobrenaturales, científicos locos o criminales extravagantes.

Muy pocas veces logré ver una de estas películas pero desde que recuerdo, el prefijo Santo vs… provoca todo tipo de reacciones. Santo Contra Los Clones es una serie animada compuesta por cinco cortos episodios creada por Carlo Olivares Paganoni para Cartoon Network Latinoamérica. En ella El Santo debe detener el plan del Dr. Clon, un científico perverso que busca matarle al emplear un ejército de clones de sus más temibles adversarios y posteriormente conquistar el mundo.

La animación tiene sus fallas, pero funciona bien para dotar a la obra de un estilo propio y aunque el argumento es la típica historia donde el héroe derrota al villano para salvar el día, son quizás las múltiples referencias a la vida cotidiana en el Distrito Federal (ahora Ciudad de México) lo que nos mantiene interesados en la trama. Aparecen todo tipo de monstruos universales para enfrentar al enmascarado, quien los derrota sin mucho esfuerzo como si fuera otro día en el trabajo.

Santo Contra Los Clones es una serie muy entretenida y extravagante; para aquellos que tuvimos la oportunidad de verla al aire durante su corto tiempo de vida también es una especie de cápsula del tiempo nostálgica. Un claro ejemplo de una producción mexicana de calidad, que sale de la mediocridad y nos recuerda que existe mucho potencial pendiente de ser descubierto y patrocinado, en ocasiones por empresas extranjeras a falta de apoyo nacional.

Bayonetta: Bloody Fate

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Título Original: ベヨネッタ ブラッディフェイト (Beyonetta: Buraddi Feito)
Género(s): Acción, Sobrenatural, Peleas.
Director: Fuminori Kizaki.
Estudio: Gonzo.
Emisión: 23 Noviembre 2013.
Duración: 90 minutos.
Extras: –

Establecer una nueva serie no es algo fácil. Para la recién fundada PlatinumGames fue la perfecta oportunidad para darse a conocer como un estudio de calidad dentro del ámbito de los videojuegos. El staff ya había trabajado en series de renombre como Resident Evil y Devil May Cry, además de contar con el apoyo de SEGA. El resultado fue Bayonetta, un título de acción hack ‘n’ slash impresionante, pero que falló al momento de vender por enfocarse a un público objetivo reducido.

El juego cayó en el olvido durante varios años; las similitudes con otros títulos anteriores de varias compañías disminuían más su atractivo. Tiempo después, otros lanzamientos de PlatinumGames como Metal Gear Rising o el esperado NieR: Automata revivieron el interés por conocer sus trabajos anteriores. Bayonetta y su secuela vieron nuevamente la luz; en 2013 se lanza una OVA basada en los sucesos del primer juego, aunque los acontecimientos están resumidos para seguir un orden diferente.

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Tras 500 años de sueño ininterrumpido en el fondo de un oscuro lago, la bruja Bayonetta despierta en un nuevo mundo. Incapaz de recordar su pasado, batalla contra hordas de ángeles que se interponen en su camino por descubrir la verdad. Su viaje la lleva a la ciudad europea de Vigrid, cuna de la tecnología más avanzada del mundo, donde enfrenta a viejos conocidos mientras desentraña una conspiración que lleva medio milenio en marcha y el secreto detrás de los Ojos del Mundo.

En el apartado técnico el OVA posee una calidad más que aceptable, con una animación de primera acompañada por excelentes efectos de sonido en increíbles secuencias de acción. Los juegos de PlatinumGames resaltan por su acción desenfrenada y a menudo exagerada hasta lo absurdo. Bloody Fate respeta esta tradición; conserva todos los elementos característicos del Bayonetta original: protagonista pícara en atuendo revelador pelea contra varios monstruos hasta hacerlos polvo.

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De vez en cuando aparecen otros personajes para dar la ilusión de que existe una trama y que ésta avanza. Luego de cincuenta minutos, las cosas se vuelven un tanto caóticas, pero es fácil dejarlas a un lado para disfrutar de las batallas contra los ángeles, que conservan esos diseños tan llamativos y se trasladan muy bien a la pantalla, o contra algún jefe de los que aparecen el juego. A menudo se emplean imágenes generadas por computadora que combinan bien con la animación en dos dimensiones.

Bloody Fate es una genial adaptación del videojuego original que dará a los fans un buen rato de diversión; se enfoca en resumir de forma aceptable los acontecimientos del juego y las batallas, proporcionando grandes secuencias de acción mientras luce fabulosa; por otro lado, posiblemente se quede corta al momento de satisfacer a quienes no estén familiarizados con este universo por su argumento apresurado y predecible, además de un par de personajes un tanto molestos.

Tengen Toppa Gurren Lagann

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Título Original: 天元突破グレンラガン (Tengen Toppa Guren Ragan)
Género(s): Mecha, Acción, Aventura, Comedia.
Director: Hiroyuki Imaishi.
Estudio: Gainax.
Emisión: Abril-Septiembre 2007.
Duración: 27 episodios.
Extras: Childhood’s End, The Lights in the Sky are Stars, Parallel Works.

Luego de disfrutar Little Witch Academia y Kill la Kill, dediqué un tiempo a buscar otras obras del mismo estudio para continuar maravillándome con su trabajo, pero para mi sorpresa Trigger era una empresa aún joven en el ámbito de la animación japonesa con muy pocas obras en su catálogo. Luego, al indagar un poco respecto de sus orígenes continuamente resaltaba cierto patrón, en cualquier fuente o página que consultara siempre se repetían cuatro palabras: Tengen Toppa Gurren Lagann.

En un futuro lejano, la humanidad ha sido desplazada de la superficie terrestre; las pocas aldeas que quedan se han adaptado a una vida completamente subterránea. Acosados por terremotos continuos y ataques de terribles hombres-bestia, sobreviven como pueden bajo el régimen tiránico del Rey Espiral. Kamina y Simon son dos jóvenes amigos pertenecientes a una de estas aldeas cuyo sueño es salir a la superficie, pero constantemente son reprimidos por sus semejantes.

Durante una excavación para ampliar la comunidad, Simon desentierra un enigmático robot que únicamente se activa al usar otro misterioso artefacto con forma de taladro. Las cosas dan un giro completo cuando la aldea sufre el ataque de otro robot gigante; Kamina sugiere usar el mecha recién descubierto para combatir la amenaza y con la ayuda de una extraña chica llamada Yoko vencen al Gunmen. Una vez en la superficie, los tres forman una alianza para derrocar al Rey Espiral.

Tengen Toppa Gurren Lagann fue una de las últimas producciones que el equipo fundador de Trigger realizó antes de separarse de Gainax, incluso comparte director con Kill la Kill, lo cual origina multitud de semejanzas entre ambas series. Lo primero que salta a la vista es el impecable apartado técnico que se mantiene casi en todos los episodios; aunque en varias ocasiones se llega a percibir un sutil descenso en la calidad, la animación es fluida y llena de vitalidad.

El argumento es simple: los protagonistas deben derrotar a los enemigos, ganar power-ups y vencer al jefe final. Pero también se enriquece con interesantes historias paralelas que tocan todo tipo de temas más serios, para lograr una perfecta mezcla entre acción, comedia, romance y drama. En ningún momento la historia deja de ser interesante y realmente se siente un progreso que va desde combates a pequeña escala en ciudades subterráneas hasta conflictos de proporciones galácticas.

Existe gran variedad entre personajes y todos ellos están bien construidos; nos muestran todo tipo de facetas y tienen motivos reales para seguir su propio camino. Aunque en un principio los clásicos mensajes de «la amistad es lo más importante» o «cree en ti y conseguirás cualquier cosa» están presentes, no salen repentinamente de la nada y a menudo se nos muestra el arduo esfuerzo que cada quien dedicó a la culminación de sus objetivos.

La serie es exagerada y a menudo no la podemos tomar en serio, sin embargo Gurren Lagann va más allá para entregar un paquete completo de diversión para todas las edades con la duración perfecta y al final, casi de forma furtiva, transmitir un profundo mensaje al espectador. Las secuencias de acción son increíbles y presenciamos todo tipo de batallas entre poderosas máquinas que se desarrollan sobre todo tipo de entornos llenos de sorpresas.

Tengen Toppa Gurren Lagann es una serie de proporciones épicas, con un apartado técnico, sonoro y gráfico de primera, apoyado por un argumento en un principio simple, pero lleno de pequeños detalles y sub-tramas que aumentan su profundidad hasta niveles insospechados. Es una recomendación obligada para todo fan de la animación japonesa; una obra que se disfruta sin problemas desde el primer episodio y que sin duda marcó el comienzo de una nueva era.

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La Leyenda de Korra

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Título Original: The Legend of Korra.
Género(s): Acción, Fantasía, Drama, Aventura, Comedia.
Creado por: Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko.
Estudio: Nickelodeon Animation Studio, Ginormous Madman, Studio Mir y Studio Pierrot
Emisión: 14 Abril 2012 – 19 Diciembre 2014.
Duración: 52 episodios.
Extras: La Leyenda de Aang.

Tras la conclusión de Avatar, los creadores se tomaron un merecido descanso; el recién formado fandom se encargaría de mantener un interés constante por este nuevo universo en los meses siguientes y hasta se lanzaron un par de novelas gráficas para expandir la historia original. Varios años más tarde se anuncia el desarrollo de una secuela animada en toda regla; pero en esta ocasión no regresaban los personajes originales, pues esta era una nueva historia: La Leyenda de Korra.

Setenta años han pasado desde el fin de la Gran Guerra y el Avatar Aang ha partido ya hacia el otro mundo; el título de Avatar es heredado a Korra, una joven impetuosa y rebelde nacida en la Tribu Agua del Sur. Al contrario de su predecesor, Korra está más que dispuesta a cumplir con su misión sagrada y ya domina tres de los cuatro elementos a temprana edad. Sin embargo, el Aire Control sigue estando fuera de su alcance, aún con un descendiente directo de Aang como maestro particular.

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Para avanzar en su entrenamiento deciden trasladarse a Ciudad República, la metrópolis donde no hay distinciones entre raza u origen. Sin embargo, las personas comunes comienzan a sentirse oprimidas por aquellos maestros capaces de controlar los elementos. Surge una rebelión dirigida por el misterioso Amón y pronto la situación escapa al control de las autoridades locales. El Avatar decide entrar a la acción a la vez que descubre la verdadera naturaleza de este nuevo mundo.

La serie consigue superar el increíble apartado técnico de su predecesora: animación, apartado sonoro y argumento son todos de primer nivel; resulta imposible evitar compararlas: la primera tenía un tono más enfocado al humor, mientras esta segunda parte se siente más madura y oscura. Expande de forma magnífica ese mundo al que solo echamos un vistazo en la primera parte y este elenco de nuevos personajes es más que bienvenido.

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Korra en particular, es una protagonista extremadamente dinámica; durante la serie presenciamos su trasformación de una peleadora temeraria a un poderoso ser en equilibrio espiritual. Sus acompañantes a menudo no están a la altura, en contraste con Equipo Avatar original, pero los villanos son verdaderamente interesantes; cada uno pelea por sus propias creencias con un ímpetu increíble. Es realmente entretenido presenciar los enfrentamientos y razones detrás de cada uno.

Las escenas de combate son magníficas e incluyen todo un repertorio de técnicas nuevas. Al mismo tiempo, la atmósfera es muy diferente: mientras que el Avatar original estaba ubicado en una especie de época feudal, el mundo de Korra parece más bien una ciudad industrializada de los años veinte. Luego de la guerra se dio un gran impulso a todas las artes y ciencias; nuevas tecnologías aparecen cada día y con ellas nuevas amenazas o formas de ver el mundo.

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Por el contexto en el que vive, quizás el viaje de Korra sea más difícil que el de sus antecesores. Durante la serie se nos dan más datos respecto de este mundo, su historia, sus tradiciones y cómo lo ancestral lucha por coexistir con todos estos adelantos científicos. A menudo aparecen, o se hace referencia, a personajes que conocimos en el viaje anterior, añadiendo un toque casi nostálgico y alegre cada vez que aparecen en pantalla.

Mi principal temor en un principio era que la historia no «despegara» lo suficiente para consolidarse como algo independiente, y tuviera que recurrir a estos constantes cameos o reenvíos a la original para mantener nuestra atención. Por fortuna estuve equivocado y ahora puedo decir que esta segunda parte puede considerarse una de las mejores secuelas en el ámbito de la animación. Todo se siente más rápido, agresivo, poderoso y en paralelo, aún más real.

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Por supuesto, el humor continúa siendo parte elemental de esta bella mezcla y el romance tiende a colocarse en primer plano en multitud de ocasiones. También se tocan muchos temas novedosos en una serie enfocada a un público infantil y que de nuevo puede ser disfrutada por cualquiera sin problemas. Quizás uno de sus pocos defectos es que el ritmo se siente un tanto apresurado, y sigue existiendo ese molesto episodio de relleno que resume toda la historia.

A pesar de ser diferente, oscura y hasta caótica en comparación con su antecesora, La Leyenda de Korra es una digna sucesora a esta genial historia. De nuevo se puso especial cuidado en cada detalle para entregar otra historia épica e intrigante, pero suficientemente original, situada en este maravilloso mundo donde lo místico y lo tecnológico logran coexistir, poblado por increíbles personajes que consiguen dejar huella permanente en el espectador.

Resident Evil – Degeneration

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Título Original: Biohazard – Degeneration.
Género(s): Terror, Acción, Suspenso.
Director: Makoto Kamiya.
Distribuida por: Sony Pictures Entertainment.
Fecha de Estreno: Octubre 2008 (Japón) Diciembre 2008 (Norteamérica).
Duración: 96 minutos.

El primer largometraje basado en las series de Resident Evil utilizando la última tecnología en animación por CGI. A diferencia de la tetralogía de Constantin Films, basada ligeramente en las series, Degeneration está ubicada dentro del mismo universo que los videojuegos, concretamente siete años después del ya legendario Incidente de Raccoon City.

Resident Evil marcó una época en el mundo de los videojuegos cimentando las bases y creando los estándares del Survival-Horror. La sensación que generaba jugar al primer Resident Evil no podía compararse con nada existente hasta el momento. Destrozar zombis y otras bestias infernales en los pasillos de la tenebrosa mansión mientras recorríamos sus estancias, dependiendo únicamente de un cuchillo y un par de balas, era brutal.

Desde 1996 han pasado muchas cosas y la saga ha creado gran variedad de títulos, la mayoría de ellos best-sellers en cualquier consola a la que se han adaptado. Pero no vive sólo de videojuegos, también existe toda una industria de merchandising que intenta vendernos figuras de acción, cómics o películas. Sobre éste último apartado tenemos la reciente la tetralogía cinematográfica. Las nuevas generaciones se han divertido con ella, disfrutando las aventuras postapocalípticas de Super-Alice, pero si miramos detrás del telón, nos encontramos con un escenario vacío de ideas, un guión flojo, decorados pésimos y actores que no están al nivel. La acción es su único punto fuerte, pero no es suficiente para satisfacer a los fans acérrimos de una serie con tanta historia como lo es Resident Evil.

Afortunadamente, Capcom decidió hacer una nueva película por su cuenta, pero con la diferencia de ser totalmente digital, una película de Resident Evil hecha 100% por computadora y apegada a la historia de que los adeptos a los videojuegos tanto deseaban: Resident Evil Degeneration.

Uno de los principales aspectos que debía superar esta película era mantenerse fiel a la saga sin perder de vista que no es un juego, y que por tanto debe seguir unas reglas muy diferentes a las habituales. No sólo eso, también debe complacer a los fans más tradicionalistas de la saga, aquellos que crecimos enfrentando las amenazas que acechaban en los oscuros sótanos de la vieja Estación de Policía.

Lo primero que veremos al iniciar la película será un flashback donde se nos muestra el destino de Raccoon City y lo que pasó después, desde el punto de vista de los medios de comunicación. Tras la destrucción de la ciudad, las acciones de Umbrella se desplomaron y la malvada corporación desapareció para siempre. Nuevas farmacéuticas han surgido desde entonces, así como organizaciones que luchan contra el uso de armas bio-orgánicas. Entre ellas se encuentra WilPharma, una corporación a la que se le acusa de llevar a cabo pruebas con agentes víricos en la India. En el segundo grupo tenemos a Terra-Save, una organización que lucha contra el bioterrorismo. Claire Redfield, sobreviviente de Raccoon City y miembro de esta organización, ha acudido al aeropuerto a recoger a una niña y a su tía, colaboradoras de Terra-Save. El Senador Ron Davis, un político poco honesto al que los medios y los activistas de Terra-Save persiguen, también se encuentra en el lugar.

Sin tiempo para reaccionar, Claire se verá implicada en un nuevo brote del Virus-T en el aeropuerto y pronto un accidente los dejará incomunicados. Para rescatar a los sobrevivientes, un agente muy especial y conocido por nosotros será enviado para solucionar el problema, acompañado de los miembros del SRT (Special Response Team), Angela Miller y Greg Glenn. Al final, conseguirán sobrevivir al aeropuerto infestado, no sin lamentar perdidas, para descubrir que detrás de los ataques bioterroristas puede estar un conocido de Angela, y un mal aún mayor que T.

Como aspecto más sobresaliente, y a favor de los fans, la película es un claro tributo para celebrar el décimo aniversario de Resident Evil 2, considerado por muchos como la mejor entrega de la saga y cumbre del Survival-Horror. Gráficamente, los modelados de algunos personajes y varias animaciones no están a la altura de otras producciones como, por ejemplo, la obra maestra de Square-Enix, Final Fantasy VII – Advent Children. Sin embargo, esto se debe a que el filme sigue su propio estilo visual y diseño artístico. Por otro lado, en los momentos de acción, las animaciones son realmente muy buenas, en especial la recta final con algunos movimientos impresionantes de Leon y la batalla contra el enemigo principal. En general el nivel de la película es sobresaliente.

La historia no es una continuación directa del aclamado Resident Evil 4, Degeneration tiene su propia esencia y funciona como un capítulo completamente nuevo de las series que se conecta coherentemente con la linea cronológica oficial, incluyendo muchas referencias a la saga para regocijo de los fans. También presenta elementos nuevos que conectan con entregas posteriores, de modo que el ciclo se cierra, y un nuevo enemigo que sustituye a Umbrella se presenta en el horizonte. Claire y Leon repiten los roles con los que debutaron hace ya más de diez años, de forma un poco encubierta, incluso aparecen nuevos sujetos que sustituyen a los personajes secundarios y varias situaciones irónicas que nos recuerdan las escenas más importantes de RE2. La película posee un argumento sencillo y sólido que le permite seguir por sí misma, olvidándonos de entregas anteriores.

Resident Evil – Degeneration es un trabajo que disfrutarán los fans de la saga. Por suerte no tiene algo que ver con las películas de acción real, y respeta el espíritu de Resident Evil, de modo que volveremos a oír a los actores originales de los videojuegos prestando su voz para esta entrega. Gráficamente es muy buena, con un par de detalles negativos que no impiden disfrutarla en su plenitud. Un buen argumento, nuestros personajes originales, zombies y virus asesinos la convierten sin duda en una compra obligada para todo fan.