Título Original: Lolita. Género(s): Romance, Drama, Director: Stanley Kubrick. Emisión: 1962. Duración: 153 minutos. Extras: –
Una de las películas y obras literarias más controversiales de la historia es Lolita, novela escrita por Vladimir Navokob en 1955, quien también fungió como guionista de la primera adaptación a manos de Stanley Kubrick en 1962. La razón es porque la trama se centra en la relación romántica entre un hombre de 40 años y una niña de 12 años (17 al final de la historia), lo que por supuesto ha sido motivo de sorpresa para la clase más conservadora, y también el hecho de que la protagonista del primer filme (Sue Lyon) tuviera 14 años al momento del rodaje.
La historia ya muchos la deben conocer o al menos saben de manera general de qué trata, así que lo resumiré brevemente. Un escritor llamado Humbert Humbert pasa el verano en New Hampshire donde se hospeda en la casa de la señora Charlotte Hazel, quien tiene una hija de catorce años (doce en la novela) de quien Humbert quedó prendado a primera vista. La chica es malcriada y algo vulgar, pero le hace leves insinuaciones al escritor que termina enamorado de ella. Por su parte, la madre se enamora de Humbert y este termina casándose con ella como una forma para poder estar con la niña. Después la madre muere en un accidente y Humbert se queda con Lolita pero ella lo abandona.
Esa es la premisa básica la cual puede diferir un poco de la novela y la adaptación de 1997. Antes de hablar del argumento hay que mencionar la parte técnica. La música está bien al igual que la dirección de cámaras y todo eso, muy de la época, es una película a blanco y negro pero que se ve muy bien. No podríamos tener demasiadas quejas teniendo a Kubrick a cargo. La parte que más llamó mi atención fue el tipo de actuación, que es algo propio de la década de 1960 hacia atrás, donde los actores eran más teatrales e interpretaban a sus personajes de una forma que ahora concebiríamos como exagerada y artificial, pero que era el método actoral de esa época. A mí en lo personal no me gusta, de hecho muchas de esas películas viejas en inglés me son difíciles de entender a pesar de saber el idioma y tener un buen nivel en comprensión (listening), es esa forma de entonar los diálogos que hace que esas películas me aburran mucho, aunque casualmente en esta película no me pasó eso.
Otro elemento que me pareció interesante fue que la película, al ser vieja, empieza a parecer costumbrista, pues podemos ver elementos de la vida cotidiana en aquella época que al día de hoy ya no se acostumbran, por ejemplo, el fumar en todos lados, sobre todo en interiores, el tipo de ropa y los autos, la parafernalia y la estética también nos atan a la década en particular, sin olvidar la parte de segregación racial (abordada muy levemente) y la manera en que se realizan las reuniones.
Ahora sí, la parte controversial que más escandaliza a algunos y atrae a los más pervertidos, la sexualidad explícita en niñas, tema recurrente en la obra de Nabokov. Lo primero que tengo que decir es que si lo quieren es una película erótica o pornográfica no la encontrarán aquí, si quieren algo más subido de tono vean la adaptación del 97, ya si de plano quiere algo explícito busquen cierta versión porno rusa de Lolita en su portal preferido donde podrán ver lo que quieren. De hecho, a mi parecer la obra es muy leve en cuanto a la sexualización de la niña, cosa que responde un poco a la década en que se filmó y a la edad de la actriz y razón por la cual la adaptación de Adrian Lyne está más subida de tono.
Como seres humanos somos seres sexuados por naturaleza, así que sin importar la edad no debería negarse la sexualidad innata a cualquier persona ni establecer una edad para que sea socialmente aceptable que una niña empiece a tener deseos sexuales. No obstante, la controversia de la historia no es tanto por las insinuaciones que Lolita podría haber o no hecho a Humbert, sino por el hecho de que Humbert era un hombre maduro que se sintió atraído por la niña e hizo varias cosas para manipular la situación y estar con ella. Lo que la sociedad ha visto mal es que ese hombre se aprovechara de la inocencia de la niña para satisfacer sus deseos, sin mencionar que cuando se casa con la madre de Lolita, la niña se convierte en su hijastra.
Lo anterior nos lleva a una de las interpretaciones más comunes y críticas hacia la obra de Novakob, y es que lo que la historia logra es hacernos sentir empatía por un pedófilo (aunque Humbert no sería estrictamente un pedófilo, al menos no en el filme, pues Lolita ya estaba en la pubertad, por lo que es este caso sería un efebófilo). Sentir empatía por una persona con ese tipo de deseos sexuales es lo que considero más ha escandalizado a la sociedad, pues la moral nos dice que no debería agradarnos un sujeto así.
Y allí es donde yace una de las interpretaciones que se le ha dado a la historia. Dicha interpretación dice que toda la obra está narrada desde el punto de vista de un pedófilo, que las insinuaciones de Lolita nunca existieron y que todo fue parte de las retorcidas fantasías que Humbert tenía. Y en efecto, en varias escenas vemos esas paranoias en el protagonistas, que no sé si sea realmente porque esa es la verdadera interpretación de la historia o por el estilo de suspenso y terror psicológico que Kubrick maneja y plasma inevitablemente en todas sus obras, pero esa obsesión del protagonista con la chica, sus celos, delirios de persecución y fantasías homicidas nos muestran una mente desequilibrada.
Personalmente creo que la teoría de que todo estuviera en su mente, sea o no cierta, hace más interesante el trasfondo y queda mejor con la he hechura de Kubrick, pero la historia donde Lolita sí siente algo por Humbert y tiene una sexualidad precoz y sus insinuaciones son reales y responden a un deseos sexual sería un tema todavía más complejo e interesante de discutir, sobre todo por esa manía que nuestra sociedad tiene de negar la sexualidad en niños y ancianos, sin considerar lo que ya dije antes de que todos los seres humanos somos seres sexuados desde el nacimiento hasta la muerte y es algo que debería verse más normal pero que la sociedad occidental ha escandalizado; tema que en uno de mis libros favoritos, Hombres Salmonela en el Planta Porno (de Yasutaka Tsuitsui el maestro de la metaficción japonesa) se aborda de manera excelente.
Si no se escandalizan con facilidad y el tema de la sexualidad en las niñas no les molesta, la película y la novela son una gran recomendación para ustedes, sobre todo porque podríamos plantear si el escandalizarse por niñas de catorce años ejerciendo su sexualidad con adultos debería ser realmente un tema tan estigmatizado o si el hecho de que lo sea y trate de negarse y ocultarse es lo que realmente genera todos los problemas. Quizás si el tabú dejase de serlo y el tema fuese abordado de manera directa con las y los adolescentes, los problemas derivados de ese tipo de relaciones podrían disminuir. Recordemos que el tratar de ocultar el problema por la pena de hablar de él sólo lo hace más grande.
Los géneros, subgéneros y demás derivaciones que se emplean para catalogar a la Ciencia Ficción pueden ser tan amplios como el número de obras existentes, prácticamente cada una de ellas presenta elementos particulares que enriquecen al género o —en menor medida— crean subgéneros independientes debido a lo particular de sus rasgos. Muchos de estos subgéneros y términos fueron acuñados en alguna obra en específico y de ahí retomados posteriormente para designar obras con características semejantes. Uno de estos términos es el de Ciencia Ficción Psicodélica, bastante inútil por sí mismo pero que considero pertinente mencionar.
Iniciaré con una definición que lo que yo entiendo por Ciencia Ficción Psicodélica:
La Ciencia Ficción Psicodélica hace referencia a aquellas obras audiovisuales de Ciencia Ficción que dentro de su discurso evocan sonora, lírica o visualmente la experiencia psicodélica que provoca el uso de sustancias psicoactivas (marihuana, LSD, etcétera).
Como podemos apreciar, este término no es realmente un subgénero, pero estrictamente hablando, muchos de los Géneros Punk tampoco lo son. Su utilidad radica en permitiros saber por anticipado que, dentro de la historia, en algún momento y por la razón que al director le plazca, encontraremos ciertas escenas llenas de color, formas indistinguibles y una temporalidad alterada, ya sea que la perciba un personaje o que funcione como figura retórica (sinestesia), que en este caso sería visual o auditiva.
IMÁGEN Y SONIDO
Evocar una psicodelia o sinestesia de manera literaria (también llamada metáfora sinestésica) es algo difícil y su comprensión resulta complicada para el lector. Sin embargo, los medios audiovisuales nos permiten experimentar a través de la pantalla la confusión, al menos, de las sensaciones auditivas y visuales, aún no de las gustativas, olfativas ni táctiles.
Con la mezcla de colores brillantes y extraños sonidos,la experiencia sinestésica se convierte en un recurso audiovisual que ha sido empleado en diversas obras de Ciencia Ficción, aunque pocas veces entendida y generalmente criticada. Quizás el ejemplo más clásico del uso de una psicodelia sea el final de la película 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968). Pero sin duda el filme por excelencia, el que básicamente definió este género, es Liquid Sky (Slava Tsukuerma, 1982), donde lo fashion se mezcla con tubos de neón, extraterrestres invisibles, orgasmos y un alto consumo de heroína.
Cuando no referimos específicamente al sonido no existen grandes problemas para captar sus elementos sinestésicos, pero cuando se trata de imágenes la cosa puede ser más ambigua. Quizás hayan escuchado decir que una obra tiene escenarios psicodélicos sólo porque son muy coloridos, sin embargo, mientras la intención de dichos colores no sea evocar una psicodelia (confusión de los sentidos) no podremos decir que estamos frente a una obra de este género. Como ejemplo está Interstella5555, que tiene escenarios coloridos y una banda sonora netamente electrónica, pero que aun así no evoca una sinestesia.
Liquid Sky (Slava Tsukuerma, 1982)
ESCENAS FRAGMENTADAS
Al no ser una temática específica ni parte de la historia, sino una herramienta audiovisual, no encontraremos una obra que sea únicamente psicodélica, dichas escenas (o audios en dado caso) se encontraran esparcidas a lo largo de la obra y por una corta duración. Por esta razón no existen obras puras de Ciencia Ficción Psicodélica —excepto Liquid Sky, esa sí es totalmente psicodélica todo el tiempo— y por lo mismo algunas personas no lo consideran un género, a lo mucho un extraño elemento audiovisual.
ONIRISMO Y PSICODELIA
El onirismo puede entenderse de manera simplificada como la disolución de la realidad, es decir, cuando no sabemos qué es real y qué falso, como en un sueño, recuerdo o alucinación. El onirismo también es un recurso común en el cine y la literatura (no sólo en la Ciencia Ficción), pero no debemos confundirlo con la psicodelia. El onirismo nos impide distinguir entre lo real y lo no real, mientras que la psicodelia confunde nuestros sentidos y altera nuestra percepción espaciotemporal, y aunque están relacionadas no son lo mismo.
Para quienes hayan visto Mizu no Kotoba esta distinción será más sencilla, pues lo que vemos en este corto es onirismo, los comensales del café están seguros de lo que ven, pero no saber si es real o no, en ningún momento se confunden sus sentidos.
Título Original: Follow the Sun. Género(s): Publicidad. Director: MK12. Estudio: MK12. Emisión: Agosto de 2009. Duración: 114 minutos. Extras: –
Creado por el colectivo MK12 —originario de Kansas City, Missouri, y fundado en 2008— cuyas producciones se enfocan en el ámbito artístico y comercial, Follow the Sun es un cortometraje que retoma la vieja tradición norteamericana de la publicidad en los cines y autocinemas, el intermedio. El corto es una especie de homenaje al viejo estilo que los diseñadores tenían en la década de los 50 en Estados Unidos, desde la esencia de los carteles, posters y música, hasta la extraña mezcla de animación, Stop Motion y realidad. Sin embargo, también resulta ser una crítica muy inteligente a la sociedad consumista que actualmente sostiene al mercado americano.
El corto tiene un estilo totalmente retro en todos los aspectos, puesto que su finalidad es realmente emular el viejo estilo de la publicidad en los cines. Podemos observar una animación de gran calidad pero modificada de tal forma que luce un tanto anticuada y simplona. La música es repetitiva tal y como lo era en esos años. Además, la integración de descuidadas escenas en Stop Motion y acción real la hacer verse todavía más retro.
El video nos muestra a los diversos productos que venden en los cines (palomitas, helado, refresco, etcétera) caminar felices disfrutando de la vida, hasta que un accidente mata a uno de los alegres compañeros. A partir de este momento el corto se aleja bruscamente de su estilo inicial y deriva en una perturbarte y psicótica realidad llena de grotescas muertes, locura, tortura, sufrimiento, sangre y una cargada connotación sexual.
El drástico cambio en la historia se debe a la crítica que el corto hace del consumismo y la opresión que los medios publicitarios ejercen hoy en día sobre el televidente, al grado de sumirlo en la enajenación y obligarlo —muchas veces de manera inconsciente— a consumir sus productos. Esta violencia que las compañías pueden ejercer es lo que lleva a los simpáticos personajes al borde de la locura, pues no logran mantener la aparente perfección que su compañía se esfuerza por mostrar en sus productos. Y no debemos olvidar el homenaje que rinde al clásico de terror El Resplandor (Stanley Kubrick, 1980), película a la cual aluden en la escena de los helados y la sangre, la famosa “The river of Blood”. En conclusión, el corto me parece genial tanto por su aspecto crítico como por retomar el viejo concepto de la publicidad norteamericana, elemento icónico de la cultura pop estadounidense.
La reseña de Ergo Proxy que escribí originalmente tenía una extensión tan grande que decidí dividirla en dos, pues se alejaba totalmente del estilo general del blog y no a todos les iba a interesar. Por ese motivo decidí hacer ésta segunda entrega desarrollando todos los temas de la serie más afondo. Advertencia: el siguiente post contiene spoilers.
MÚSICA
El aspecto musical es sencillamente asombroso. La música promueve una ambientación fabulosa que por momentos semeja coros eclesiásticos, tornando la atmósfera en algo lúgubre y sacro. El sonido ambiental es igualmente excelso, pues genera esa sensación de estar en un mundo desolado, hostil y frio.
Entre los aspectos más destacados tenemos las canciones de apertura y cierre, cuyo estilo se acopla perfectamente a la temática de la historia. En primera instancia, el Ending (Paranoid Android de RadioHead) nos hace referencia a ese mundo gris y muerto que hay afuera de Romdo y su letra describe perfectamente parte de su argumento central. Por su parte, el Opening (Kiri de Monoral) nos muestra una cantidad de referencias tales que bien podrían resumirnos la serie entera. Se hacen menciones que van desde la cepa del virus ébola, hasta los conflictos presentes en la robótica de Isaac Asimov, pasando por referencias religiosas, científicas, gubernamentales, bélicas, industriales, apocalípticas y psicológicas.
Las canciones con letras en inglés parece que se han vuelto algo recurrente en las series cyberpunk de los últimos años, y creo que el estilo de estos grupos y la naturaleza de ese idioma es algo que va perfecto con la temática futurista. SE Lain y Texhnolyze también han hecho uso de ese idioma.
ESCENARIOS
La construcción de los escenarios es algo que debemos destacar, ya que toda la serie se desarrolla en lugares oscuros, lúgubres y desolados. Sin embargo, el manejo de luces hace que nunca encontremos escenas en las que nos sea difícil distinguir lo que pasa, tampoco se afecta la imagen y siempre se mantiene enfocado al personaje clave de la escena, algo que no es común en el cyberpunk, ya que pocos saben sacarle tanto provecho a este tipo de ambientes.
Entre los escenarios clave encontramos la ciudad de Romdo (donde trascurre gran parte de la historia), cuya construcción exhibe la clásica megalópolis típica del Cyberpunk, pero con una estética muy cuidada, moderna y pulcra. Asimismo, su aparente perfección genera cierta monotonía y aburrimiento en sus habitantes, lo que se ve reflejado en su pasividad, convirtiendo al escenario en un elemento fundamental de la trama.
Romdo es el último paraíso humano bajo un ambiente degenerativo y retoma el argumento base de muchas series con temática existencialista, que en este caso es la idea del Zigurat: una ciudad paraíso aislada del ambiente hostil y al que no cualquiera puede ingresar. Un Zigurat (templo típico de la antigua Mesopotamia considerado morada de los dioses) es visto como un paraíso divino creado por los humanos en tiempos de crisis, y eso mismo es la cúpula de Romdo.
La oscuridad de la ciudad quizás oculta el aspecto neobrutalista, pero también es una forma de aludir a las tinieblas en las que se encuentra la población, que es incapaz de notar las conspiraciones de las autoridades, los problemas sociales y la decadencias de Romdo, que como fiel Zigurat se aleja del frio y decadente exterior, dando la espalda a los habitantes de afuera.
PERSONAJES
El diseño de personajes es muy simple, estético y estilizado, pero al mismo tiempo el poco detalle le da un aire minimalista, característica que diferencia al Nanopunk del sobrecargado Cyberpunk. El crecimiento y desarrollo es muy notorio en cada uno de los personajes, sin embargo, no todos cambian para bien, hay quienes terminan por aferrarse a su personalidad destructiva y obsesiva, lo que considero un gran acierto, pues refleja de manera magistral la naturaleza humana.
A pesar de que la serie recurre a una gran cantidad de personajes —y todos ellos juegan un papel esencial en la trama— los argumentos se centran en los tres personajes principales: Lil, Vincent y Pino, quienes a su vez representan a cada uno de los elementos que componen la historia (el humano, el divino y el artificial).
Lil Mayer (Re-L 124C41+). Es un personaje en apariencia insensible, pero en su interior tiene, al menos, algún interés y aprecio por los demás, o aprenderá a tenerlo durante su viaje. Lil es el típico personaje con un una infancia feliz que pasó de ser una niña sonriente a una joven seria, malhumorada, hostil y mandona, defectos que se van mostrando poco a poco en cada capítulo. La chica es arrogante, prepotente, dependiente e inmadura, aunque en el fondo su problema es no saber expresar sus sentimientos, quizás porque no sabe cómo o porque nunca ha tenido la necesidad de hacerlo. Durante la serie vemos como aprende a integrarse con los demás, aceptándolos como son y demostrándoles su aprecio.
Vincent Law. Es un chico tímido con miedos e inseguridades, preocupado por convertirse en un ciudadano ejemplar para dejar de ser tratado como inmigrante. Es el proxy número 1 y esto le provoca grandes conflictos existenciales, lo cual da pie para que la serie explote la temática existencialista sobre el ¿quién soy yo?
Pino. El pequeño androide con forma de niña, que es una referencia al Pinocho de Carlo Collodi y a Pinoko, personajes de Black Jack (manga de Osamu Tezuka). Pino representa la inocencia de un ser que no entiende ni conoce los males del mundo y es quien mantiene los toques de comedia y relaja los momentos más tensos. A lo largo de los capítulos vemos un gran crecimiento en este personaje, pues logra obtener muchas emociones y una personalidad propia, incluso algo que podríamos denominar alma. Pino también nos muestra el apego emocional que muchas veces tenemos por los objetos, recordemos que Pino no es humano pero aun así Lil y Vincent se encariñan con ella.
Lil
Vincent
Pino
RITMO
El ritmo en general puede parecer pausado, pero integra información constantemente, por lo que perder la noción de un sólo capítulo dificultará la compresión de la historia. A pesar de que ésta es básicamente lineal, se hace uso de algunos flash-backs que no tiene la menor complicación, lo que en verdad dificulta entender la serie es el onirismo presente en muchos de sus capítulos, los que aparentemente se salen de la cronología habitual y presentan un argumento totalmente ajeno a lo que estábamos acostumbrados, sobre todo los capítulos centrales (del 14 al 19), en los que no se explica cómo llegaron los personajes a esa situación y el espectador se verá obligado a inferir cómo es que todo se resuelve.
En estos capítulos los argumentos son totalmente oníricos, se muestran realidades alternativas y la complejidad de los diálogos dificulta desentrañar la trama, lo que fácilmente puede hacernos perder el hilo argumental. Sin embargo, algunos episodios dan muchas claves sobre el pasado de la tierra, pues nos hablan del proyecto proxy, la reconstrucción de la raza humana, el proyecto boomerang y el virus cogito. También se abordan temas sociales como la tecnocracia y la utopía, y se critica la forma en que éstas ejercen su control absoluto sobre la población para garantizar la paz, la felicidad y la “perfección” (si sonreír es la clave para salvar al mundo, entonces se requiere de un estricto control sobre ello, pues la utopía perfecta requiere de reglas y numerosos sacrificios que terminan por acabar, paradójicamente, con esa perfección).
Afortunadamente otros capítulos son más digeribles pues se adentran en la esencia de los personajes, enfocándose en mostrarnos su crecimiento y desarrollo, como en el capítulo 16, en el que podemos ver cómo Lil empieza a adaptarse e integrarse con Vincent y Pino, dejando de tomar todo seriamente y permitiéndose sonreír.
TEMAS
La cantidad de temas que se abordan en Ergo Proxy es muy grande y requeriría más espacio del que tengo pensado dedicarle a este ya largo post, por esta razón simplemente mencionaré aquellos más obvios. Entre estos temas tenemos inmigración, segregarismo, marginación, conspiración y religión. Además de los dos principales rublos de los que parte la historia, en este caso el Psicoanálisis y la Filosofía, con referencias a Julia Kristeva, Carl Gustav Jung y J. J. Rousseau.
No sólo es posible observar temas científicos en la serie, también hay pequeños toques de romance, pero abordados desde una perspectiva cruda y obsesiva, y enfocándose en el sufrimiento y la no correspondencia (¿por qué a veces queremos permanecer al lado de alguien a pesar de que suframos por hacerlo?).
Finalmente, uno de los temas que sirve de conclusión para la serie es el Deus Ex Machia, en toda la expresión de la palabra, pues los dioses divinos son reemplazados por autómatas cuya superioridad y perfección —comparada con la de los humanos— es lo más cercano a un dios que tendremos la oportunidad de ver.
Referencias. Las referencias son igualmente extensas, pero entre las más constantes y evidentes tenemos las que aluden a la mitología griega; a clásico de la literatura como Isaac Asimov, Shakespeare (Hamlet y Ophelia), Blancanieves y Alicia en el país de la Maravillas; a clásico del cine como Stanley Kubrick (2001 Odisea del Espacio), Walt Disney y el Mago de Oz; incluso a programas de televisión como Jeopardy.
ARGUMENTOS
Es bastante complejo tratar de definir cuál es el quid específico de esta serie, pero lo que es seguro es que integra diversos temas, situaciones, personajes y elementos que en su conjunto nos ayudan a descifrar esa trama central. No debemos olvidar que la serie está planteada para que el público sea quien trate de resolver las incógnitas.
El Quid Robot. El manejo de los androides y el argumento principal de la historia son muy asimovianos y plantean el despertar de la conciencia robótica que impulsará a los androides a cuestionarse sobre su propia existencia.
Tecnocracia. La forma de gobierno en Romdo es una tecnocracia total y absoluta donde los humanos son usados simplemente como títeres de los androides, quienes ejercen el verdadero poder.
Revolución. La revolución, como lucha armada, se da por parte de las personas que habitan fuera del domo y por parte de los habitantes de Romdo en contra de los robots. Sin embargo, me parece que la verdadera intención es mostrar una “revolución de la conciencia”, mediante la introspección y la autoreflexión de sus personajes. Los inmigrantes terminan protegiendo la ciudad de los androides y se desata una guerra en contra de los robots, pues se consideran una amenaza por haber escapado del control humano y pensar por ellos mismos.
Ciudadanos Artificiales. Como en muchas obras cyberpunk, los humanos no nacen de forma natural, sino que son producidos artificialmente (en líneas de ensamblaje, como los autómatas) y manipulados para que sean buenos ciudadanos. Un claro referente al acondicionamiento neopabloviano que Aldous Huxley muestra en su libro Un Mundo feliz.
Paranoia. Poco a poco la historia muestra de forma cada vez más evidente la locura y el desequilibrio mental de sus personajes, lo que puede provocar una verdadera confusión en el televidente si a eso le sumamos los capítulos en los que todo parece ser un sueño o una psicótica abstracción mental en la que no sabemos qué es real y qué es falso.
El Viaje. Dicen que los viajes cambian a las personas y que lo importante no es el destino sino el trayecto. Tal parece que esto aplica a la perfección dentro de esta serie, pues al salir y afrontar el frío exterior, los personajes crecer y toman conciencia de lo que ocurre fuera de esa perfecta burbuja en la que vivían.
VIRUS
Más que un tema o un argumento, el virus es la base a partir de la cual se logra desplantar toda la trama. El virus cogito es una clara referencia a la frase del filósofo René Descartes: Cogito Ergo Sum (pienso por lo tanto existo). De hecho, tanto el título como todo el planteamiento se basan en su propuesta filosófica. Los Auto-Raves pueden despertar por voluntad propia y evadir el control humano, como lo propone Asimov en muchos de sus relatos, sin embargo, más que plantear la evasión de las órdenes se trata de encontrar las inconsistencias en la lógica humana, que precisamente permitirá a los robots liberarse de sus ataduras.
Para estar sujeto a algo o alguien se requiere no tener identidad; los androides toman conciencia de sí mismos y esto les permite crearse una identidad propia más allá de la que sus amos les dieron. El ejemplo más claro de esto es Pino, quien inicia copiándolo todo porque no tiene identidad, pero a lo largo de la serie adquirirá y aprenderá emociones que la harán más “humana”.
Si lo vemos objetivamente, Ergo Proxy termina por ser una serie de Ficción Especulativa sobre un virus, pero en este caso se especula sobre ¿qué pasaría si los androides se infectaran de un virus que los hiciera cuestionar su existencia?, (todo el sistema se caería).
PROXY
Los proxies son el misterio central a partir del cual se desarrollan muchas situaciones que dan juego a los personajes, sin embargo, no son en realidad un elemento tan profundo, pese a que ocupan el lugar del principal referente filosófico: “El creador piensa, por lo tanto nosotros existimos. Y en caso de que el creador no exista nosotros pensamos en él, por lo tanto él existe”.
Los proxies son los dioses de la creación y deben luchar a muerte entre ellos, aunque también pueden enamorarse entre sí. Se dice que estos seres habitan en lo más profundo de las mentes humanas y que los domos son su paraíso. Son incompletos, por lo tanto sus creaciones (los humanos) también lo son.
A lo largo de la serie descubriremos que en realidad no son dioses, sino —como su nombre lo indica— un componente de una red que realizan una función en representación de otro, su fin es aparentar ser dioses, pero en realidad siguen ordenes de un ser superior inalcanzable para los humanos, por lo tanto ellos son una especie de intermediario entre dioses y humanos.
Nunca se da una concreta explicación de lo que es un proxy o cuál es su función, pero el mantener este elemento en constante incógnita permite plantear preguntas como ¿quién se revela a quién, el creador contra su creación o al contrario?
DEFECTOS
La aparente profundidad de la serie resulta ser su mayor defecto, pues si bien Ergo Proxy hace muchísimas referencias filosóficas y científicas, si lo vemos críticamente, estas referencias en realidad son la simple muestra de un cumulo de ideas vinculadas con la historia, pero que no tienen el respaldo suficiente para criticar a las distintas corrientes del pensamiento que mencionan. Digamos que la serie toma un bonche de ideas de manera aleatoria, y con la ayuda de sus engañosos diálogos, intenta aparentar una actitud crítica sin realmente tenerla.
Independientemente de su pretensión, su falsa profundidad y su inherente complejidad, Ergo Proxy es una serie realmente innovadora, pues explota elementos argumentales y temáticos que ninguna otra serie se había atrevido a abordar. Además, en su aspecto artístico, usa diseños que se alejan del estereotipo en que se encuentran las producciones del anime actual.
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