Production I.G.

Suisei no Gargantia: Viaje hasta los confines del mundo

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Título Original: 翠星のガルガンティア (Suisei no Garugantia: Meguru Kôro, Haruka).
Género(s): Ciencia Ficción, Scrappunk, Mecha.
Director: Kazuya Murata.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2015.
Duración: 2 episodios.
Extras: Suisei no Gargantia, Suisei no Gargantia OVAS.

Cuando vi Suisei no Gargantia me gustó, pero no le di tanto seguimiento porque pensé que era como muchas de esas series que tiene Crunchyroll en su catálogo de una sola temporada, después vi las ovas precuela y volvía a acordarme de ella y este año la plataforma de anime subió las ovas secuela de la saga, dos episodios de cincuenta minutos aproximadamente en los que vemos lo que ocurre con la flota naval y nuestros protagonistas Amy y Ledo después del final de la serie.

La historia nos muestra el día a día en la flota, la forma en que se organizan, comercian, trabajan y obtienen sus suministros, así como partes del navío que no habíamos visto antes. Y si bien la historia se centra en Riema, una chica nueva que acaba de integrarse a la flota del Gargantia y a quien Amy le enseña el trabajo de repartidora pero que en realidad es una infiltrada que trata de llevarse a Ledo para que le ayuda en la investigación de unos robot de combate parecidos a los Machine Calibers, lo que a mí más me gustó fue el poder ver toda la vida a bordo del barco.

La dinámica social es interesante, la división de las actividades por gremios y la idea de una ciudad flotante me fascinaron. La ciudad comercial de Ryuuguu y el descubrimiento de que sí hay países en tierra firme que al parecer han estado en guerra por muchos años me resultó muy interesante y lo suficientemente prometedor para que se hubiera hecho otra temporada. La idea de una nación libre y pacífica como Gargantia donde cualquiera puede unirse y la de un mundo en tierra firme con guerra y donde los niños viven una vida rígida y dura lo considero un contraste muy bueno para desplantar una historia aún más extensa y compleja.

Además de la intriga y el giro argumental que mete la nueva integrante así como la expansión del mundo, tanto por saber que más allá del mar sí hay tierra firme como el poder observar la forma en que trabajan y viven día a día en la flota (vemos cómo cultivan y crían ganado), hubo otro aspecto que me gustó mucho y fue el formidable desarrollo del género que en conjunción con el diseño de escenario y el modo de vida que tienen basado recuperar objetos hundidos, lo hace una excelente exponente del Scrappunk, pues la serie pertenece a éste género en toda regla, más por estética que por temática pues no es tan punk que digamos, pero igual entra en el género sin problemas.

Una cosa que me percaté al ver las ovas es la constante que tienen los japoneses de darle una paleta de colores variada, luminosa pero algo deslavada a las series de este género, como Noiseman Sound Insect, donde los tonos pastel iluminan las paredes de unas casas hechas 00con desperdicios, similar a la forma en como está construida Gargantia al unir barcos viejos y retazos de metal y cuya paleta de colores es preciosa y entona perfecto en el entorno marítimo que vemos allí.

La serie tampoco es que sea la gran cosa, pero a mí me gusta mucho a pesar de que no la considero una súper serie, pero tiene muchos de esos elementos que suelen gustarme como la parte espacial de Ciencia Ficción, los Mechas y una historia entretenida con batallas y criaturas que se desarrolla en un entorno hecho con partes usadas generando un colorido Scrappunk del que siempre he sido fan. Si vieron la serie y les gustó recomiendo totalmente ver estas ovas.

Suisei no Gargantia OVAS 1 y 2

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Título Original: 翠星のガルガンティア (Suisei no Garugantia).
Género(s): Ciencia Ficción, Mecha.
Director: Kazuya Murata.
Estudio: Production I. G.
Emisión: 2013.
Duración: 2 episodios.
Extras: Suisei no Gargantia, Suisei no Gargantia: Meguru Koro, Haruka.

Suisei no Gargantia fue uno de los primeros animes que disfruté mucho por Crunchyroll y cuando me enteré de que la plataforma había incluido las 2 ovas quise verlas cuanto antes, aunque no lo hice porque si bien la serie fue de mí agrado, había pasado tanto tiempo que ya no recordaba de qué trataba y mucho menos en qué se había quedado. Retomar la serie tantos años después fue algo difícil, pero luego de ver esa fabulosa estética Scrappunk que tanto me atrapó en antaño volví a engancharme de inmediato.

Al igual que con la serie original, la animación me encanta, sobre todo el diseño de escenarios que considero mí aspecto favorito, aunque el diseño de los personajes tampoco está nada mal pero no logran superar a esos impresionantes escenarios industriales de las flotas humanas que navegan por el océano. La historia tampoco era el fuerte de la serie, pero me sorprendió disfrutarla más de lo esperado y a pesar de que no recordaba en qué se había quedado fue fácil entender lo que estaba pasando.

Las ovas están integradas por dos capítulos que aportan muy poco a la trama en general, sobre todo la primera ova en donde vemos a nuestros personajes del Gargantia explorar una flota abandonada. Mientras recorren los viejos y oxidados pasadizos temerosos de encontrar algún fantasma, la comandante Ridget recuerda a una amiga que dejó Gargantia para unirse a esa flota. El capítulo no tiene una ubicación temporal clara, bien podría desarrollarse entre algunos de los 13 capítulos de la serie original. Y si bien no aporta nada nuevo, resulta muy agradable ver esa parte de recuerdos nostálgicos y tranquilos, es de esos extraños capítulos que se disfrutan a pesar de todo.

La segunda ova es una precuela de la historia que viven Kugel y Striker al llegar a la tierra y explica cómo termina comandando la flota de piratas y volviéndose loco de poder al tratar de regir a los humanos como si fuera un Dios. Esta ova sí aporta a la trama al explicarnos el pasado de un personaje en particular y se desarrolla entre los episodios 1 al 10 de la serie original.

Las ovas en realidad son episodios especiales que fueron lanzados como parte del Blue-ray en 2013 y parecen más bien episodios que pudieron haber sido parte de la serie original. Y podríamos considerarlos como tal, salvo que su presencia o ausencia no modifican en nada la trama general, a lo mucho explican los propósitos de Kugel.

Para mí este anime tiene algo particular que hace que me guste mucho, pues su historia tranquila y simple pero con emoción y aventura, me resulta entretenida, sus personajes son carismáticos y su diseño se sale un poco del estilo genérico que ha dominado la industria en lo que va del siglo, pero sobre todo es la estética vieja y desvencijada de sus escenario lo que más me gusta. Las ovas no son un gran aporte pero resultan una buena forma de retomar la serie y prepararnos para la secuela real, Suise no Gargantia: Meguru Koro, Haruka, que está integrada igualmente por 2 ovas.

Ghost Hound

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Título Original: 神霊狩 (Gôsuto Haundo).
Género(s): Sobrenatural, Terror, Thriller, Psicológico, Biopunk.
Director: Ryûtarô Nakamura.
Estudio: Production I.G.
Emisión: Octubre 2007 – Marzo 2008.
Duración: 22 episodios.
Extras: –

Creada por Masamune Shirow (Ghost in the Shell) y dirigida por Ryûtarô Nakamura (SE Lain), Ghost Hound es una extraña y rara serie sobre fenómenos paranormales que por momentos parece ser demasiado compleja, pero que lamentablemente nunca explota al máximo su potencial. A pesar de que las personas relacionadas con su producción tienen en su haber series de culto, esta obra no logra estar a la misma altura.

La calidad es buena y el diseño de personajes es agradable y resulta fresco, sobre todo si están un poco hartos de los diseños genéricos del anime actual. La animación es agradable, los escenarios cumplen y los espectros, pese a estar lejos de ser tenebrosos, tampoco están tan mal. Lo más destacable y que es de reconocer es la grandiosa ambientación que genera la banda sonora. Muchas veces la historia es algo confusa y no sabes si intenta dar miedo o confundirte, pero la música ambiental sin duda logra generar ese suspenso que requiere cada escena.

La historia gira en torno a Tarô Komori, un chico de 14 años que sufre narcolepsia y otros traumas derivados de un secuestro que sufrió cuando niño. Incidente en el cual su hermana mayor falleció y dejó igualmente trastornada a su madre. Tarô sufre una serie de experiencias extracorpóreas, en las que su mente abandona su cuerpo y viaja al reino de los espíritus. Tarô es atendido por un psicólogo que viene desde Tokio, quien intenta hipnosis para ayudarle a recuperar algunas memorias perdidas.

Makoto Ôgami, es un compañero de clases con quien Tarô tiene problemas ya que en el pasado su padre fue acusado de participar en el secuestro, motivo por el que algunos creen se suicidó. Masayuki Nakajima, otro compañero recién transferido, enfrenta a ambos chico y los convence de ir al lugar donde mantuvieron retenidos a Tarô y a su hermana a fin de averiguar si el padre de Makoto estuvo implicado. Los tres chicos viajan hasta ese lugar donde sufre una experiencia extracorpórea y descubren que la presa es el lugar donde vive los espíritus. A partir de ese momento una serie de eventos sobrenaturales empiezan a afectar a diversos habitantes de la región.

La serie no es como tal una historia de fantasmas y terror, es más un Thriller lleno de suspenso en el que se abordan temas sobre religión y cuestiones folclóricas japonesas, pero también juguetea con el fenómeno ovni y la manipulación genética. El padre de Masayuki es el jefe de una planta de bioingeniería que recién se asentó en el pueblo de Suiten, donde transcurre la historia. En dicha planta crean bioides, seres orgánicos sin vida que son usados para generar órganos humanos para trasplantes.

La historia combina los fenómenos sobrenaturales con un mensaje biopunk sobre la manipulación genética, y también el fanatismo religioso y los secuestros que ocurrieron en Suiten años atrás. Tengo que aceptar que la premisa es muy buena, pues en esencia los fenómenos paranormales ocurren a causa del desequilibrio generado por la creación de vida artificial. Lo bioides no estaban vivo según la definición de vida de la biología, pero poseían un espíritu; cuando los espíritus naturales y los artificiales  entraron en conflicto fue que empezaron a suceder todos los fenómenos extraños.

La serie es compleja pero no como para rompernos la cabeza. Sí hay que prestar mucha atención a los diálogos porque si nos perdemos alguno puede que después no entendamos por qué acurren las cosas. El halo de misterios me agradó y ese jugueteo con el terror puede que a muchos no les guste, ya que no logra se totalmente contundente con ninguno de sus género. Sin embargo, su principal problema es que tiene demasiados elementos y se restan peso e importancia entre ellos.

Creo que la serie pudo haber sido maravillosa si se hubiese centrado sólo en un par de elementos específicos: el biopunk y los secuestros de niños, la religión de Ôgami y los espíritus, el aspecto psicológico de los traumas y las breves alusiones a ovnis, en fin, cualquier combinación con no más de tres elementos hubiera generado una historia más sólida, pero aquí ninguno de esos elementos logra destacar y algunos incluso son relegados para la parte final. A pesar de ello la serie es interesante, aunque algo lenta, y si bien no engancha desde el primer capítulo ni es de terror como tal, resulta una opción diferente si están cansados de ver anime genérico.

Suisei no Gargantia

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Gargantia 01

Título Original: 翠星のガルガンティア (Suisei no Garugantia).
Género(s): Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Social, Mecha, Distopía.
Director: Kazuya Murata.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2013.
Duración: 13 Episodios.
Extras: 2 OVA.

Con una variada y rica mezcla de géneros, escenarios impresionantes, una historia llena de misterios y giros argumentales, fabulosas batallas y sendos toques de fan-service, Gargantia es uno de los animes mejor realizados que he visto en los últimos años. Su excelente ambientación y el complejo trasfondo que se va develando poco a poco logran mantenerte atrapado durante cada uno de los episodios.

La calidad es excelente en todos los aspectos. La banda sonora es muy buena y permite una ambientación más que adecuada. El diseño de personajes es impresionante, pues no sólo les otorga una personalidad acorde al papel que desempeñarán en la historia, también los hace visualmente atractivos con el fin de proporcionar un fan-service muy elegante; sin olvidar que su vestimenta y parafernalia van muy acorde con la estética general de la arquitectura y la tecnología. Pero son los escenarios el aspecto mejor logrado, pues nos sitúan en una civilización postapocalíptica donde la tecnología ha resurgido a partir de los restos recuperados de antaño y toda la infraestructura tiene matices que juguetean con el Scrappunk y la saturada visceralidad de la arquitectura neobrutalista propia del Cyberpunk. Los gigantescos barcos en done viven los personajes nos remiten a esas ciudades decadentes, pero con color y una enorme riqueza folclórica.

Gargantia 06

La historia gira en torno al alférez Ledo, un soldado de la Alianza Galáctica de la Humanidad que pilota un Machine Caliber llamado Chamber; juntos luchan contra los Hideauze, una raza extraterrestre que amenaza a la humanidad. En su intento por exterminar a los extraterrestres, la Alianza lanza un ataque final, pero este falla y Ledo termina viajando por un agujero de gusano lejos de su base militar. Al despertar, descubre que se encuentra en un planeta desconocido cubierto por un inmenso mar, pero habitado por humanos “primitivos” que viven en enormes flotas que van armando al unir diversos barcos. Gargantia es el nombre de aquella embarcación y ese extraño planeta parece ser la Tierra, el planeta original de los humanos que todos creían inhabitable.

Con forme pasan los episodios, Ledo empieza a relacionarse con los tripulantes, a entender sus costumbres, aprender su idioma e incluso busca un trabajo para colaborar con la flota. En esta primera parte vemos lo bien logrado que está el aspecto etnográfico, pues la organización social de la flota, sus costumbres y tradiciones realmente refleja la cultura marítima de esas personas. Posteriormente empiezan los giros argumentales, primero al presentar enemigos y problemas dentro de Gargantia y después al conectar los acontecimientos en la Tierra con la Alianza Galáctica y explicar cómo se originó la guerra contra los Hideauze.

Gargantia 02

La forma en que se desarrolla la historia me encantó, pues en un inicio tiene un argumento idéntico a Knights of Sidonia, después todo parece cómo en esas películas donde un extranjero proveniente de una sociedad con un desarrollo tecnológico mayor termina por alguna razón con un grupo más primitivo, posteriormente parece que todo se desarrollará en torno a Gargantia y el mar, después inician las peleas y vemos el trasfondo que dio origen a la guerra espacial y se revela un intrincado y fascinante secreto sobre la humanidad. Al final todo converge en elementos de carácter distópico y en una compleja argumentación de carácter filosófico sobre el control, el poder, la libertad y el papel de la inteligencia artificial como herramienta para el control social. Y lo mejor es que todos esos giros argumentales resultan imposibles de predecir.

Sólo al inicio y al final se observan de forma directa elementos de la Ciencia Ficción Social con tendencia distópica, pero estos resultan clave para entender el argumento general y juegan un papel fundamental en toda la trama, pese a que no puedan ser percibidos en la parte media de la serie. Se hace todo un análisis sobre el liderazgo y el control de masas a partir del miedo como estrategia de control, e incluso hay revueltas sociales. Otro aspecto que sólo se debela al final son las cuestiones Transhumanistas, que de hecho dan origen a toda la serie y obviamente a discusiones sobre la guerra, en desarrollo humano y la posibilidad de poder convivir, o no, con alguien que si bien es diferente forma parte de la misma humanidad.

Gargantia 04

Un aspecto que me enamoró fueros los escenarios, pues es como ver una versión colorida y feliz de los escenarios Cyberpunk con una gran riqueza cultural y una estética postapocalíptica propia de Scappunk donde todo está construido a partir de oxidados y viejos desechos. Aunque esto sólo es en apariencia, pues la serie ni es Cyberpunk ni es Scappunk. Visualmente, hacía mucho que no me gustaba tanto un anime. Otro elemento muy bien logrado es la forma en que se manejó la existencia de dos idiomas de forma que el espectador pudiera entenderlos en todo momento, pero respetando el hecho de que si un extrañó chico montado en un robot gigante llega del espacio no va a hablar el mismo idioma que tú.

Los escenarios nos remiten al Scrappunk, pero la tecnología también, pues si bien están en el mar, hay maquinas voladoras y mechas submarinos que dan un toque futurista muy necesario en la serie, pues a pesar de que todo se ve viejo, estamos muchos años en el futuro. A pesar de lo que la tecnología de Gargantia pudiera hacernos pensar al compararla con la de la Alianza Galáctica, aquí no ha viajes en el tiempo, sólo un enorme desfase en el desarrollo tecnológico entre ambas civilizaciones. Dicho desfase se dio principalmente por las condiciones que cada grupo humano tuvo que enfrentar para sobrevivir.

Gargantia 10

Por si todo lo anterior les pareciera poco, también hay argumentaciones de carácter filosófico sobre humanidad, sociedad y cultura y cómo estas se transforman a partir del desarrollo tecnológico o la evolución biológica. No haré ningún spoiler, pero dichos elementos son abordados desde el mismo punto de vista que la naturaleza de ángeles y humanos en Neon Genesis Evangelion. Al final, la guerra entre humanos y Hideauze, así como la de ángeles y humanos no es sino una lucha entre dos estrategia de supervivencia explicadas a partir de conceptos ecológicos y biológicos.

Insecto bioluminiscentes que proporcionan electricidad, mechas del espacio, secretos en el fondo del mar, piratas, una guerra contra extraterrestres, humanos modificados, peleas entre robots, una férrea organización social propia de la distopía, extrañas sectas y mucho fan-service que nunca cae en lo vulgar, son sólo algunas de las cosas que este fabuloso anime nos ofrece. Sin duda una de las mejores serie que he tenido la oportunidad de ver, pues aborda aspectos tan diametralmente distintos que uno nunca creería posible encontrar en un anime sobre barcos que viajan por un mundo donde todo es mar.

Gargantia 08

Ghost in the Shell

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Ghost in the Shell 1

Título Original: 攻殻機動隊 (Kôkako Kidôtai).
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk/Wirepunk, Seinen.
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I. G.
Emisión: 1995.
Duración: 82 minutos.
Extras: Ghost in the Shell: Innocence, Ghost in the Shell: SAC, Ghost in the Shell SAC 2nd Gig, Ghost in the Shell: SAC Solid State Society.

Basada en la manga homónimo de Masamune Shirow, Ghost in the Shell es una de las películas más representativas del Cyberpunk animado a nivel mundial. Su estética, sus personajes y la poética forma de abordar la dicotomía entre la realidad y la virtualidad son sencillamente impresionantes.

Ghost in the Shell no sólo es uno de los anime de culto más importantes de las últimas décadas, también es la perfecta concretización del Cyberpunk, el Nanopunk y el Wirepunk en una sola obra. El filme fluctúa entre la frontera de esos tres géneros y retoma algunos de sus elementos más esenciales, lo que la hace una referencia obligada para todo amante de la Ciencia Ficción, no por nada ha sido inspiración para muchas obras del género, como la saga Matrix de los hermanos Wachowski.

Ghost in the Shell 7

La calidad de animación es tan impactante que aún hoy luce vigente. El estilo gekiga usado en los personajes es excelso, pues la rudeza de estos logra reflejar la violencia de ese mundo distópico y tecnológico. La música es bellísima y ambienta de manera sublime cada una de las escenas, generando una atmósfera lúgubre y siniestra.

El diseño de escenarios es uno de los aspectos más sobresaliente, pues no sólo hace uso de esa estética oscura, industrial y sobresaturada propia del Cyberpunk, también nos muestra elementos más delicados y minimalistas que coquetean con el Nanopunk. La detallada urbe logra un aspecto visceral y hacinado pero sin abusar del neobrutalismo, lo que resulta sumamente atractivo. Sus escenarios están inspirados, sin duda, en la ciudad de Kowloon, Hong Kong, el lugar con la mayor densidad demográfica en el mundo hasta su destrucción en 1993.

Ghost in the Shell 3

La historia gira en torno a la teniente Motoko Kusanagi, una cyborg que trabaja para el departamento policial en el área de delitos tecnológicos, conocida como “sección 9”. Los problemas comienzan cuando su unidad es encomendada para atrapar a un pirata cibernético, el “Maestro de Marionetas”, quien se ha infiltrado en el “fantasma” de algunas personas con el fin de crear conflictos políticos.

Todo se complejiza cuando Kusanagi descubre que dicho criminal es en realidad una inteligencia artificial surgida del océano de información que hay en la red. Dicha entidad se reconoce a sí misma como una nueva forma de vida y exige asilo político.

Ghost in the Shell 6

La historia toma lugar en un futuro en donde los cerebros de todas las personas están interconectados en una red mundial. Asimismo, muchos humanos han modificado su cuerpo a tal punto que lo único humano que queda de ellos es su “fantasma”, que podemos denominar como conciencia o alma, y que les permite diferenciarse de los androides.

Los temas que trata la obra son muchos y muy complejos, pero en esencia, todo puede resumirse al conflicto filosófico de la realidad, que resulta ser el tema principal en las obras wirepunk, sobre todo cuando hablamos del mundo natural en contraposición con la vida artificial creada por los humanos. La película se plantea sobre qué nos hace humanos, qué es real y cómo debemos redefinir al “ser vivo” en una era en la que existe una vida 2.0.

Ghost in the Shell 4

Hablando sobre qué nos hace humanos, tenemos que si el cuerpo artificial de un cyborg puede simular las mismas funciones que las de un cuerpo humano, entonces los atributos fisiológicos dejaran de ser un distintivo entre ambos. Si la inteligencia artificial puede reproducir, sentir y pensar las mismas cosas que un humano entonces dónde estará la diferencia entre uno y otro. El “fantasma” es esa delgada línea que separa lo natural de lo artificial, pero si lo artificial crea sus propios “fantasmas” entonces ya no existirá diferencia.

Los empiristas dicen que la realidad es todo aquello que percibimos con nuestros sentidos y que podemos recordar. Sin embargo, el filme nos muestra que las experiencias pueden ser simuladas o haber sufrido alteraciones y que nuestros recuerdos pueden ser implantados. Todo esto redefine lo que somos, pues nuestra identidad se construye con base en lo que hemos vivido pero no tendremos forma de comprobar si esto fue real.

Ghost in the Shell 5

Finalmente, si una inteligencia artificial toma conciencia de sí misma, reproduce las mismas emociones y experiencias que un humano y supera el conflicto sobre su origen pues se reconoce como nacida de un cúmulo de información destinado a evolucionar, entonces cuáles serán los argumentos para no considerar viva a esa entidad. Posiblemente no nació como un organismo biológico, pero sus procesos de crecimiento y desarrollo, pese a no ser físicos, siguen el mismo patrón que el de cualquier otro ser viviente.

Ghost in the Shell es una obra magnífica, con temáticas de una profundidad abismal en lo que respecta al ámbito científico, político y filosófico. Nos cuestiona sobre aquello que nos define como humanos y como individuos únicos, nos pone en alerta sobre lo que consideramos realidad y nos deja pensando sobre si un ser vivo debe ser forzosamente un ente orgánico.

The Sky Crawlers

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Título Original: スカイ·クロラ (Sukai Kurora).
Género(s): Militar, Drama, Ciencia Ficción, Seinen.
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I.G.
Emisión: Agosto de 2008.
Duración: 122 minutos.
Extras: –

Basada en la novela homónima de Hiroshi Mori y dirigida por el  afamado Mamoru Oshii, quien ha dirigido grandes clásicos como Ghost in the Shell, The Sky Crawlers es un largometraje con gran calidad artística pero que dista mucho de las grandes obras que podemos encontrar dentro del repertorio de su talentoso director.

La calidad técnica es impecable y muy sobresaliente en lo que respecta a la parte sonora, pues se detalla hasta el más mínimo elemento auditivo (disparos, sonidos de motor) en las escenas de acción, creando así la ambientación perfecta. La música es igualmente buena, las canciones son pausadas y se adecuan perfectamente con el ritmo del filme. Otro aspecto sobresaliente es la construcción de escenarios, inspirados en los parajes naturales y urbanos de Polonia e Irlanda, que resultan tan perfectos que incluso parecen reales.

La animación en general es asombrosa, no es la mejor que he visto pero se destaca en sus escenas de acción, pues a pesar de que son batallas aéreas, los movimientos de cámara no son bruscos y siempre mantienen enfocados a los protagonistas. Los personajes resultan ser son la parte más débil de la obra, su diseño es regular y siguen los estándares actuales sin caer en lugares comunes, pero su desarrollo es pobre y no se consolida su historia ni se profundiza en su personalidad.

La historia gira en torno a un grupo de jóvenes conocidos como Kildren (personas que no envejecen ni maduran), quienes están destinados a ser pilotos de la fuerza aérea europea y pelear una cruenta guerra mundial contra la facción americana. Entre estos chicos se encuentra Yuichi Kannami, un virtuoso piloto que es asignado a un pequeño grupo aéreo. A su llegada, descubre que hay algo misterioso detrás de su traslado y del origen de los Kildren, tras los que se ocultan una serie de reencarnaciones, clonaciones, implantación de recuerdos y extrañas habilidades bélicas. A partir de ese momento la historia toma un rumbo netamente filosófico sobre los horrores de la guerra y las causas que la originan.

La película se cuestiona sobre qué tan necesario es madurar para pelear una guerra cuando las probabilidades de morir son muy altas. Los Kildren son inmaduros para poder hacerle frente a la guerra y de cierta forma no estar conscientes de lo peligroso de su trabajo; ni siquiera se cuestionan por qué lo hace y si tiene un verdadero propósito. La inmadurez es una forma de esquivar la horrenda realidad que sólo una guerra puede provocar, una guerra sin fin que no puede ser abolida y cuyo único escape es la muerte.

Adentrándonos más en la trama y su trasfondo, descubrimos que los Kildren en realidad son un extraño experimento militar que buscaba crear armas humanas para la guerra. Ellos vivían en una realidad letárgica, donde todo parecía un lejano sueño difícil de recordar. Y como no envejecían ni cuestionaban su participación en las acciones bélicas, eran los soldados perfectos para una industria militar en la que el vencedor es aquel que obtiene más ganancias.

La obra es muy profunda y más compleja de lo que a primera vista aparenta, pues incluso criticar la incapacidad del capitalismo para desarrollarse sin la necesidad de guerras. Sin embargo, no termina por concretar su historia y deja muchos cabos sueltos, tampoco se aclaran los misterios por parte de los personajes ni del experimento que creó a los Kildren. A pesar de ello, la denuncia sobre los movimientos armados es fabulosa y lleva por buen camino la crítica social.

Considero que la película es buena, aunque su ritmo pausado puede no ser del gusto de todos los espectadores. Pese a todo ello, el filme logrará entretener y cautivar a un púbico más específico y maduro que el anime convencional, y sin duda lo bastante crítico como para apreciar este tipo de historias y la forma en que está narrada.

Eden of the East

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Título Original: 東のエデン (Higashi no Eden).
Género(s): Psicológico, Thriller, Romance.
Director: Kenji Kamiyama.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2009.
Duración: 11 Episodios.
Extras: Air Communication, The King of Eden, Paradise Lost.

Escrita y dirigida por Kenji Kamiyama, director de obras como Ghost in the Shell, Eden of the East es una de las series más inteligentes de los últimos años, pues su enfoque psicológico y sus misteriosos e inconclusos argumentos logran atrapar con mucha facilidad a casi cualquier espectador, sobre todo porque lo obligan a intentar descifrar los misterios de la historia y resolver los acertijos que giran en torno a los múltiples personajes.

La calidad visual es asombrosa, pues presenta minuciosos y muy detallados escenarios urbanos que por sí solos logran una gran ambientación incluso sin el apoyo sonoro. La música es igualmente buena, con un toque moderno y alternativo. Por su parte, los personajes están bien diseñados y sus personalidades son creíbles y muy agradables.

La historia gira en torno a Akira Takisawa, un joven que al parecer se borró la memoria y que es parte de un extraño juego en donde doce individuos son seleccionados por Mr. Outsider para ser los seleção, un grupo de personas a quienes se les ha entregado un celular cargado con 10 mil millones de yenes y con el que pueden hacer lo que quieran mientras tengan saldo; su misión es salvar a la sociedad japonesa usando ese dinero.

Akira aparece desnudo frente a la Casa Blanca y conoce a Saki Morimi, una joven recién graduada que pertenece a un club de reciclaje integrado por desempleados, quienes desarrollaron un programa en internet de reconocimiento de imágenes. A partir de ese momento el destino de Saki y Akira queda fuertemente unido, y mientras Saki busca empleo, Akira intenta descubrir la verdad sobre su pasado, los misterios que encierra su peculiar celular y la relación que él tiene con el Lunes Descuidado, un extraño acto terrorista que lanzó varios misiles al centro de Tokio. Así, la serie se convierte en una complicada teoría conspiracional.

La historia es compleja, pero el desarrollo argumental lo es aún más, pues en todo momento el espectador se ve obligado a inferir la verdad sobre el pasado de Akira, además de que la tensión constante y el suspenso característico que manejan los thriller obliga a prestar atención a cada diálogo y cada escena a fin de intentar descifrar la verdad de los extraños eventos que plantea la historia. Sin embargo, la complejidad de la serie no termina ahí, pues la diversidad de los seleção nos muestra una gama muy amplia de personalidades, cada una de las cuales busca salvar a la sociedad pero desde perspectivas muy diferentes, algunas de ellas incluso aberrantes y genocidas.

Este aspecto nos muestra una real, aunque cruda, visión de la sociedad japonesa y nos cuestiona sobre la forma de actuar de una persona cuando recibe un gran poder, que en este caso es el dinero. Esta crítica al poder del dinero podría no ser evidente, pero la serie lo hace de forma muy directa y nos expone la facilidad que una persona tiene en esta sociedad para obtener lo que ella desee mientras cuente con el dinero suficiente.

Otro de los temas principales es la crítica a la pérdida de valores, pues algunos seleção en verdad se preocuparon por ayudar a las personas, mientras que otros simplemente usaron el dinero para vivir cómodamente o vengarse de sus enemigos. Está critica nos cuestiona sobre qué tan dispuestos estamos para ayudar a los demás si tenemos la oportunidad, o qué tan miserables seremos para dejar morir a alguien tan sólo por obtener una ventaja (aspecto que Gantz ya había planteado hace algunos años).

Entre los temas que me gustarían destacar están la dificultad que los jóvenes enfrentan para conseguir empleo y el caso de las personas que ni estudian ni trabajan. En la serie se hace una referencia totalmente directa a este tipo de personas y nos enseña que éste problema afecta a todo el mundo. Sin duda es una excelente recomendación para quien gusta de series inteligentes plagadas de referencias y complots en donde la interpretación dependerá de cada espectador.

The End of Evangelion

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Título Original: エヴァンゲリオン劇場版 Air/まごころを、君に (Evangelion Gekijô-ban: Air/Magokoro wo Kimi ni,).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno.
Estudio: Gainax.
Emisión: Julio 1997.
Duración: 120 Minutos.
Extras: Neon Genesis Evangelion, Evangelion: Death & Rebirth, Rebuild of Evangelion.

The End of Evangelion (EoE) es la segunda película de la saga y nos muestra un desenlace total y contundente, pues con el final que expone nos queda claro que no habrán segundas partes, ya que retomar la serie a partir de éste haría perder la esencia original del anime. Y estrictamente hablando no existen, hasta ahora, al menos de manera oficial, series, películas o mangas que retomen la historia después del capítulo 26.

EoE mantiene una calidad de audio similar a la serie de televisión, sin embargo, algunos aspectos visuales son bastante precarios comparados con ésta y presentan un diseño de personajes y escenarios ligeramente diferente. La película se compone de dos partes, el episodio 25 (“Air”) —que corresponde al “Rebirth” en la primera película— y el episodio 26 (“Magakoro wo, Kimi ni”).

Dentro del episodio 26 existe un pequeño subcapítulo más conocido como The End of Evangelion: Un final más: “te necesito”. Este pequeño apartado corresponde en realidad a la famosa escena en que Shinji y Asuka yacen junto al mar de LCL y él intenta estrangularla pero se detiene cuando ella acaricia su rostro.

Si bien la película no nos aclara todas las dudas de la historia, si le otorga un final muy digno, pues qué importa ya quién mató a Kaji si al final todos se convirtieron en LCL. Además, nos regala la mejor batalla de toda la saga: la pelea de Asuka contra los Evas en serie.

El final, como no podía ser de otra manera, retoma esas abstracciones filosóficas y metafísicas propias de la serie original, y las mezcla con extrañas escenas de acción real, cameos y uno que otro desnudo intercalado en el collage. A pesar de ello, The End of Eva —como verdadero final— cumple con todas las características necesarias para dar por concluida una serie de tal magnificencia.

Evangelion: Death and Rebirth

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Título Original: エヴァンゲリオン 劇場版 & シト新生 (Evangelion Gekijô-ban: Shito Shinsei).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno.
Estudio: Gainax.
Emisión: Marzo 1997.
Duración: 120 Minutos.
Extras: Neon Genesis Evangelion, The End of Evangelion, Rebuild of Evangelion.

Death & Rebirth (D&R) es la primera entrega de Eva para la pantalla grande. La película intenta crear un verdadero desenlace al inconcluso final que presentó la serie de televisión, el cual fue provocado debido a los bajos presupuestos y el poco tiempo con el que Gainax contaba para ese entonces. Debemos recordar que Evangelion fue emitida originalmente como una serie on-going, es decir, cuando empezó a transmitirse aún no se terminaba de filmar.

El largometraje se divide en dos partes:

DEATH. Es la primera parte de la película y tiene una duración de 70 minutos. El largometraje aglomera diversas escenas de la serie original, determinadas escenas de The Director’s Cut y otras imágenes nuevas para crear una especie de resumen.

“Death” ha sido fuertemente criticada debido a que no hace más que un extraño collage de imágenes y escenas entrecortadas que no tienen un sentido lineal ni ayudan a explicar los aspectos inconcusos de la serie. Sin embargo, “Death” está más allá de ser un simple resumen, pues la mezcla de escenas —que en apariencia no tienen relación— está hecha con el propósito de mostrar al espectador imágenes específicas que intentan explicar algunos aspectos que se mostraron de manera muy rebuscada en la serie y que no tiene un trasfondo real.

Muchas personas han considerado que no vale la pena ver Evangelion: Death, yo mismo creía que era un tedioso resumen innecesario y sin un aporte valioso para la historia. Sin embargo, Hideaki recurrió a su peculiar estilo para entremezclar los saltos de escenas que son prácticamente imperceptibles en la serie pero que son la clave para muchos de sus misterios, obteniendo como resultado un ingenioso pero poco entendido video experimental.

Lo que “Death” intenta es exponer algunas escenas que no tienen un aparente orden en la serie.  Muchos lectores tal vez no entiendan a lo que me refiero, pero los fanáticos más adentrados sabrán que existen numerosas escenas fugases a lo largo de la serie que no tienen mucha relación con el resto del episodio, pero que se relacionan con escenas fugases de otro capítulo y juntas explican algunos misterios de éste anime.

A pesar de que muy pocos espectadores sabrán apreciar el verdadero valor de “Death”, me pareció prudente hacer la aclaración del porqué es importante. Sin embargo, no debemos vanagloriar todos los trabajos de Anno, y éste largometraje maneja un discurso tan denso que en lugar de servir como una guía de aclaración termina siendo una extraña mezcla de imágenes que agradan a muy pocos televidentes.

Rebirth. Es la segunda parte del filme y su duración es de 27 minutos. La película corresponde a la primera parte de The End of Evangelion (EoE). “Rebirth” retoma la historia desde el capítulo 25, conocido como “Air”, y nos narra los eventos que tuvieron lugar después de la batalla entre Shinji y Kawaru durante el episodio 24. El largometraje nos muestra la invasión de Nerv por parte de Seele y los preparativos iniciales para el Proyecto de Instrumentalización Humana, así como la llegada de los Evas en serie.

Si D&R ya había sido fuertemente criticada debido a la rareza de “Death”, la redundante historia de “Rebirth” termina por enterrar a la película entera, pues a pesar de que nos plantea el inicio de un final verdaderamente concluyente para la saga, el hecho de que se repita en EoE no hace más que convertirlo en un preludio innecesario. Creo que D&R pudo haber funcionado mejor si EoE hubiese retomado la historia a partir de “Rebirth” en lugar de repetirlo. O quizás “Rebirth” simplemente debió omitirse de la primera entrega.

FLCL

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Título Original: Furi Kuri (フリクリ)
Género(s): Comedia, Ciencia Ficción, Mecha, Anime Progresivo, Shônen.
Director: Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Gainax, Production I.G.
Emisión: Abril 2000 – Marzo 2001.
Duración: 6 OVA.
Extras: –

FLCL es una obra diferente, atrevida, divertida y extraña; quizás por eso es considerada como el más claro exponente del Anime Progresivo, a pesar de que catalogar a una serie dentro de éste género es muy subjetivo, pues tiene que ser vanguardista y novedosa, contar con una historia diferente que no siga los estándares establecidos, modificar las temáticas recurrentes en su género y mostrarnos personajes que no caigan en estereotipos.

La serie está plagada de referencia, desde las que aluden a otros trabajos del mismo estudio, como Evangelion o el video de apertura de la Daicon IV, hasta parodias de South Park, Gundam y Michael Jackson. Incluso se mencionan marcas famosas de instrumentos musicales.

La calidad de animación es buena y muy característica del estilo Gainax, con escenarios que van desde los más pintorescos y simples hasta los más psicodélicos y surrealistas. El diseño de personajes es atractivo y muy acertado, pues se desenvuelven de una manera hilarante y tan fuera de lo común que consiguen retorcer la historia en una extraña mezcla de ficción, locura y tecnologías sin sentido.

En el aspecto sonoro, la obra se defiende muy bien, pues el audio es sencillamente formidable y conjuga una buena selección de canciones de rock interpretadas por el grupo The Pillows que se acoplan perfectamente con la trama y el estilo en general.

FLCL 3

Furi Kuri nos presenta una historia sencilla y hasta cierto punto fácil de entender, pero que se desarrolla de una manera tan compleja y extravagante que resulta complicado seguirle el paso y lograr entender los numerosos diálogos plagados de frases incomprensibles y palabras que no existen.

La historia gira en torno de Naota Nandaba, un chico normal que vive una vida común pese a verse obligado a convivir con Mamimi Samemija, una chica algo rara y exnovia de su hermano. Todo cambia cuando es atropellado por Haruko Harukara, una chica que aparentemente no es de este mundo y que anda en busca de Atomsk, el Rey Pirata capaz de robar planetas. A partir de ese accidente, Naota adquirirá la extraña habilidad de sacar robots y demás objetos extraños de su cabeza, los cuales le causarán problemas que tendrá que resolver con ayuda de Haruko.

Entre las cosas raras que podemos disfrutar, están la mezcla de animación con dibujos de manga y la presencia de imágenes de acción real en el Ending, sin olvidar el extravagante y cómico —aunque muy poco sugerente— fan-service. También se muestran mensajes que hacen referencia a los cambios en la adolescencia, principalmente en el despertar sexual y en las implicaciones sociales que estos acarrean.

Debemos admitir que FLCL no es para todo público pero es una serie que bien merece una oportunidad, pues es una gran exponente de su género y nos demuestra que los trabajos alocados e innovadores también tienen cabida en esta industria.