Komaneko

Komaneko 1

Título Original: こまねこ (Komaneko).
Director: Tsuneo Goda.
Género(s): Kemono, Comedia, Fantasía.
Estudio: Animación independiente.
Emisión: 2006.
Duración: 60 minutos.
Extras:

¿Qué puede ser más tierno que un adorable gato hecho en Stop Motion haciendo sus propios cortos de Stop Motion? Komaneko es un filme japonés que aglomera cinco historias, a manera de pequeños cortometrajes independientes, sobre Koma-chan, un pequeño y creativo felino que debe sortean numerosas dificultades a fin de crear su propio cortometraje animado con su vieja cámara de 8mm.

La calidad de animación es excelente y ese diseño infantil, un tanto europeo, le da un toque de ternura inigualable, que pese a estar destinado a un público infantil no deja de ser gracioso para los mayores. La música es igualmente tierna y aunque es repetitiva es difícil hartarse de escucharla. Los diálogos son lo mejor del mundo pues se limitan a breves maullidos usados en el momento correcto, el resto de la historia no necesita de voces para ser contada.

Komaneko 2

La película va alternando secuencias hechas con maquetas y marionetas con otras mucho más sencillas hecha con claymation sobre un fondo pintado. Las partes que requieren set tienen escenarios muy detallados y realistas, mientras que las otras únicamente usan un fondo pintado o hecho con plastilina, pero ambas son buenas y muy entretenidas. Aunque eso sí, las imágenes filmadas en escenarios que parecen casitas de muñecas son fabulosas.

Si son de esas personas que gustan de ver animaciones que destila ternura, pero sin excederse, esta obra es para ustedes, y si son simples amantes del Stop Motion tampoco se la pueden perder, pues la calidad de detalles de algunos escenarios es algo que seguramente les fascinará. Además, el final alcanza tintes tan dramáticos y emotivos que te deja sin palabras.

ParaNorman

ParaNorman 1

Título Original: ParaNorman.
Director: Chris Butler y Sam Fell.
Género(s): Sobrenatural, Comedia, Terror.
Estudio: Laika.
Emisión: 2012.
Duración: 92 minutos.
Extras:

ParaNorman es, en mi opinión, una de las dos mejores películas animadas en Stop Motion de todos los tiempos, la otra es, para regocijo del estudio Laika, Coraline. Argumentalmente ambas historias son del mismo nivel, quizás Coraline es mejor por momentos, pero visualmente y en cuanto a nivel de detalle creo que ParaNorman tiene el primer lugar, pues su estética mezcla la modernidad del mundo actual con un dejo de nostalgia que nos remite por ahí de los años 70, cuando el cine de terror Serie B dominada la gran pantalla.

La calidad visual es impactante, súper realista e impecable, y el hecho de saber que fue animada cuadro por cuadro incrementa aún más su calidad. Los pequeños y cuasi imperceptibles detalles en los escenarios son un verdadero deleite para el cinéfilo más exigente y esos cambios en la cromática que enfatizan el ambiente de terror son perfectos. La música es muy buena, pero incluso ella se ve opacada con la calidad visual. Los personajes están diseñados de manera grandiosa, pues retoman a un grupo muy diverso de jóvenes cuyas habilidades conjuntas les harán salir adelante, y aunque suena a cliché, su construcción tiene la suficiente originalidad para no serlo.

ParaNorman 4

La historia gira en torno a Norman Badcock, un solitario niño que tiene la habilidad de ver y hablar con fantasmas. Norman vive la desgracia del rechazo por parte de sus vecinos y compañeros ya que lo consideran raro, incluso sus padres no logran entenderlo. A pesar de ello entabla amistad con un simpático y regordete chico, Neil Down, a quien la capacidad sobrenatural de Norman le parece fascinante. Para desgracias de Norman, su tío, que posee la misma habilidad, muere inesperadamente, pero antes de dejar este mundo le encomienda la misión de proteger al pueblo de la maldición de la bruja mediante un ritual especial que deberá realizar esa misma tarde.

Durante el resto de la película veremos como Norman, su hermana Courtney, Alvin (el chico malo), Neil y su hermano mayor Mitch, se enfrentan a los zombis y tratan de revertir la maldición de Agatha, una bruja ejecutada 300 años antes en esa ciudad y que sólo planea vengarse de quienes la juzgaron.

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En apariencia pareciera que el argumento abusa del tema del chico que es molestado simplemente por ser diferente a fin dar un mensaje de superación, algo que hemos visto innumerables veces, pues siempre es el introvertido quien es puesto en una peripecia que lo convertirá en héroe. Para nuestra fortuna, la trama va más allá y nos deja ver las atrocidades que somos capaces de hacer por miedo a lo que no entendemos.

Con forme la historia avanza, nos alejamos del cliché del chico buleado y nos centramos en un pasado oscuro y una venganza de ultratumba que mantiene maldito al pueblo, un poco como Silent Hill. La intención es obvia, darnos una enseñanza moral matizada con bien pensados giros argumentales que incrementan la tensión y nos sitúan en un torbellino de acción, terror y un diseño artístico impresionante.

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Durante todo el filme vemos numerosos guiños a los clásicos de terror como Jason Voorhees, las obras de Geroge A. Romero, Psicosis y Poltergeist. No bastando con todas esas referencias, al final vemos un breve pero contundente mensaje sobre la diversidad sexual que es obviamente necesario y debería ser natural en películas ya sean para adultos o para niños. De hecho, durante todo el filme, lo que se busca es precisamente exponer un mensaje sobre la aceptación de todo aquello que es diferente.

ParaNorman es la adaptación perfecta del cine de Zombis y el terror en general para el público infantil, pues no sólo retoma la esencia más pura del género, sino que la combina con un mensaje sobre aceptación, diversidad y tolerancia que es muy necesario en la infancia de hoy en día.

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Pio Films

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Facebook

Hace unos tres años tuve la intención de hacer una serie de entradas sobre el proceso de animación a partir de la experiencia de un estudio dedicado a ello. En mi búsqueda descubrí que una chica de mi escuela estaba haciendo un cortometraje en Stop Motion. Gracias a ella conocí indirectamente la ardua, larga y laboriosa tarea que implica hacer un trabajo de este tipo. Lamentablemente (o quizás afortunadamente) deseche la idea de hacer esos reportajes para centrarme en algo que me apasionaba aún más, la teoría de género y la Ciencia Ficción, pero seguí de cerca el proceso de animación a través de la página de Facebook del estudio.

Hace pocas semanas, y luego de varios años desde que el estudio iniciara con su primer cortometraje, estrenaron su primer corto, Iluminado. Su proyecto original sigue sin terminarse por diversas complicaciones, pero me da gusto que Pio Films se empiece a dar a conocer el en medio con trabajos, que si bien son más sencillos que el proyecto principal, no dejan de significar una ardua tarea para las integrantes del estudio.

El hecho de poder ver cómo nace un estudio de animación con personas realmente apasionadas por ese arte que pese a todo lo que les ha costado siguen firmes en su propósito de dedicarse a ello es algo que debemos admirar, pero también debemos estar conscientes de las pocas oportunidades que existen para que una persona pueda no sólo dedicarse a hacer animación, sino vivir de ello.

Esta primera estrega tiene algunas fallas menores en cuanto al mensaje que intenta dar, pues está sobre exhibido en la parte final, pero dado que es la opera prima me aparece que cumple muy bien. Esperemos que pronto podamos ver más proyectos de este estudio mexicano independiente, al menos aquí les seguiremos la pista en los próximos trabajos que hagan. Si quieren observar de cerca todo lo que implica el proceso de animación, no olviden visitar la página de Facebook y el perfil, donde podrán encontrar fotografías sobre sus trabajos en proceso, elaboración de sets, información y demás cosas curiosas. Sin más que agregar, les dejo una jocosa (por decir lo menos) entrevista que hace tiempo les hicieron a las chicas de Pio Films y posteriormente su cortometraje.

When the Wind Blows

Título Original: When the Wind Blows.
Género(s): Bélico, Ucronía, Drama.
Director: Jimmy T. Murakami.
Estudio: Sullivan Studios, Hanho Studios.
Emisión: 1986.
Duración: 80 minutos.
Extras:

Así como la segunda guerra mundial nos dejó una gran cantidad de cine bélico, los años ochenta nos proporcionaron nuevo material relacionado con la guerra, pero en ésta ocasión a causa de los conflictos militares entre Estados Unidos y Rusia, la llamada Guerra Fría. Y como parte de los medios audiovisuales, la animación también se empapó de estos tópicos.

When the Wind Blows, película basada en la novela homónima de Raymond Briggs, nos narra la historia de una tierna pareja de jubilados que viven despreocupadamente en las campiñas inglesas hasta que la paz de su hogar se ve afectada por un inminente ataque nuclear por parte de la Unión Soviética.

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La calidad de animación es buena para la época e incorporauna peculiar técnica que combina la animación en 2D con el Stop Motion y la integración de imágenes de acción real, dotando al filme de una estética muy particular. Los personajes están dibujados de manera muy simple, los escenarios interiores parecen maquetas y la utilería es de objetos reales. En lo personal no me gustan las imágenes de acción real, pero la mezcla de maquetas y animación hacen que la película luzca más moderna de lo que realmente es.

El diseño de personajes es inadecuado, pues luce caricaturesco e infantil, lo cual distorsiona el mensaje antibélico y la crudeza de la situación que viven los personajes; para el crudo desenlace de la historia el diseño debió ser más serio y violento. Los escenarios exteriores son muy simples y no aportan mucho, pero los escenarios interiores (la casa de los personajes) son estupendos y muy realistas. La música —aunque a mí personalmente no me gustó— es adecuada y enfatiza el mensaje que busca dar la obra.

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La historia gira en torno a Jim e Hilda Bloggs, un viejo matrimonio que vive despreocupado en la zona rural de Sussex, Inglaterra. Su vida es muy sencilla y sin sobresaltos, hasta que los conflictos bélico con Rusia amenazan con desatar un ataque nuclear en contra de la isla. Alarmado por el posible bombardeo, Jim inicia la construcción de un refugio con la ayuda de un manual proporcionado por el gobierno y que contiene todas las indicaciones para sobrevivir al ataque.

Pese a que Hilda considera exageradas las medidas de Jim, ambos siguen al pie de la letra las instrucciones gubernamentales, confiados de estar haciendo lo correcto y optimistas de que podrán solventar la situación, como ya lo habían hecho en guerras anteriores. La guerra se desata y el fatídico ataque arremete contra su hogar destrozándolo todo. Afortunadamente ambos sobreviven, pero la radiación, la ignorancia para saber cómo actuar después del ataque y la falta de suministros, lentamente merman su salud, hasta que llegado el momento Hilda y Jim deben afrontar el único desenlace posible.

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La obra tiene dos lecturas principales, la primera es más obvia durante la primera mitad del filme y la segunda sólo es apreciable hasta el final. En primera instancia, la historia parece ser una campaña gubernamental que pregona la preocupación del estado por su pueblo, dándoles instrucciones para hacer frente al inminente desastre bélico, asimismo, se critica la fe ciega del pueblo, quien obedecer todas las instrucciones creyendo que con ello estarán seguros. La segunda lectura no es más que la critica a las atroces consecuencias que un ataque nuclear puede provocar.

Independientemente del mensaje que optemos por adoptar, la película nos muestra la forma en que la población común afronta un desastre de tal magnitud, cometiendo errores y actuando sin pensar en las repercusiones que sus acciones podrían provocarles. Además, nos demuestra de forma muy directa que la ignorancia ante éste tipo de situaciones extremas es más común de lo que quizás querríamos aceptar, pues una cosa es conocer los daños que causa la radiación y otra muy distinta saber cómo afrontarlos. Y si bien la obra no es para todo público pues pretende hacernos reflexionar y tomar conciencia de los horrores que puede causar la guerra, es extremadamente lenta, tediosa y flemática como sólo los ingleses pueden ser,  resulta una visión distinta sobre el temor ante un ataque nuclear, sin el clásico dramatismo victimario de los japoneses ni la paranoica psicosis estadounidense.

When the wind blows 5

The Devil Went Down to Georgia

The Devil Went to Georgia 1

Título Original: The Devil Went Down to Georgia.
Género(s): Clip Musical, Audiovisual, Sobrenatural.
Director: Mike Johnson.
Estudio: Fat Cactus Film.
Emisión: 1996.
Duración: 4:36 minutos.
Extras:

The Devil Went Down to Georgia es una canción de 1979 escrita originalmente por The Charlie Daniels Band. En 1996 la banda Primus realizó un cover, el cual lazó en 1998 en su álbum Rhinosplasty, que estaba acompañado de un DVD llamado Videoplasty (relanzado en 2003), en el cual se incluía el videoclip de la canción en modalidad Claymation.

La animación, pese a ser en Stop Motion y tener casi dos décadas de vida, presenta una calidad increíble, pues la fluidez de sus escenas, el realismo de sus bailes y la gracias de sus personajes, hacen de ella una verdadera joya animada. Sin olvidar la rítmica melodía que nos incita a bailar junto a los personajes.

El video nos muestra el intento del Diablo por robar el alma de un campesino llamado Johnny, a quien reta a un duelo musical, sin embargo, la destreza de Johnny en el violín humilla los no tan sobresalientes acordes del demonio.

El clip es simplemente genial, la historia es graciosa, la música pegajosa, el diseño de personajes muy atinado y la animación impecable, así que tiene todo para que podamos considerarlo uno de los mejores videos musicales animados. Una perfecta recomendación para los fans del Country, Primus o el Stop Motion.

Lee Hardcastle

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Los seguidores frecuentes del blog sabrán que soy un gran fan de Cyberpunk, sin embargo, otro de mis géneros favoritos es el Gore, en todas sus variantes, desde el Gore Clásico hasta el excesivo Slasher o el viscoso Splatter, géneros que nutrieron a la Serie B en su modalidad Grindhouse.

Hablar de animación gore resulta un poco difícil, pues no es un género al que los animadores recurran con frecuencia, posiblemente porque el manejo de la anatomía lo hace más complicado o simplemente porque al público no le interesa ver dibujitos llenos de sangre. Fuera de la animación japonesa, que ha explotado todos los géneros imaginables, han sido pocas las obras de éste tipo de temáticas que he tenido la oportunidad de ver. Y si hablar de animación gore resulta difícil, hablar de animación gore hecha mediante Stop Motion es todavía más complicado. Para fortuna de todos los que amamos el Gore, un animador independiente ha tomado la batuta para representar tan polémico género mediante una de las más tradicionales técnicas de animación, me refiero al animador británico Lee Hardcastle.

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I make claymations

“I make Claymation that are NOT for children”, es la frase y advertencia con la que siempre se presenta Lee, un animador independiente oriundo de Inglaterra y que se dedica a la creación de cortometrajes realizados mediante la técnica de Claymation, que no es otra cosa sino la animación mediante Stop Motion usando modelos de arcilla (plastilina).

La peculiaridad de Lee es su forma de trabajar. En primer lugar no usa grandes recursos, sus escenarios, personajes y demás utilería están hechos a partir de cosas tan simples como la plastilina y el papel. El equipo (cámara, computadora y software) con los cuales lleva a cabo su obra tampoco son de un alto nivel profesional; incluso los sets de sus cortos están hechos sobre una simple mesa.

En cuanto a la calidad artística podemos decir que Lee no es un gran escultor, sus diseños son burdos e incluso feos (es posible apreciar las huellas de sus dedos sobre la arcilla), pero eso acentúa ese estilo Grindhouse que su obra refleja. Ver una de sus obras es como ver una animación Serie B, porque en esencia eso es lo que estamos viendo: recursos limitados, trabajo realizado en poco tiempo, historias exageradas (propias de los géneros de los que parte) y una sobreexplotación del sexo y la violencia.

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De sangre y tripas

Las obras de Lee coquetean con prácticamente todos los subgéneros del Gore, principalmente con el Slasher (un loco masacrando gente) y el Splatter (mutilaciones y salpicadero de sangre por doquier). Además del clásico “género rojo”  sus obras presentan elementos del Terror, el Horror y la Ciencia Ficción. Y si bien el género principal es el Gore, sus obras en realidad pertenecen al Cine de Explotación (Exploitation), pues sobreexplotan temas como el sexo, la violencia, el miedo, la locura y un sinfín de estereotipos.

El hecho de buscar esa baja calidad a propósito le dan a sus cortos un aire de frescura e innovación, pues aunque puede recurrir a lo retro, termina por hacer un excelente homenaje —como lo han hecho Tarantino y Robert Rodríguez— al cine Grindhouse de los 70. Sin olvidar que con todo esto logra demostrarnos que no se requiere de un fino manejo del arte ni de un gran presupuesto, basta con tener en claro el género, la audiencia y una historia (que buena o no) atrape al público.

Cuando todo se tiñe de rojo lo único que nos queda es dejarnos llevar por el festival de sangre y tripas que Hardcastle nos ofrece. Pero sus obras tienen de todo, algunas son realmente atemorizantes (T is for Toilet), otras presentan un exceso tal que caen en lo divertido (An Alien Claymation) y algunas más son un desenfreno total de acción pura (The Raid). Y justamente es esa versatilidad que Lee tiene para jugar con el gore lo que hace tan atractiva su obra.

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Más sobre Lee:
NoFilmSchool
The Setup

$9.99

Título Original: $9.99
Género(s): Drama, Romance, Comedia.
Director: Tatiana Rosenthal.
Guión: Etgar Keret.
Emisión: 2008.
Duración: 78 minutos.
Extras: Página Oficial.

Basada en el trabajo del israelí Etgar Keret, dirigida por su compatriota Tatiana Rosenthal y animada por un equipo australiano, $9.99 es una obra multicultural que aborda el complejo tema del significado de la vida, las dudas personales, los miedos y las satisfacciones que todos enfrentamos en búsqueda de la felicidad.

La obra es una verdadera obra de arte en todos los sentidos, desde su metafísica trama hasta la proverbial calidad de su animación. Esta última logra un detalle tan asombroso en sus escenarios que por momentos parecen una obra de hiperrealismo. Al ser un Stop Motion, le resulta imposible evitar los característicos movimientos de una marioneta, pero el detalle del vestuario y el diseño corporal de los personajes apela a un realismo directo, crudo, acido e incluso violento.

La obra nos presenta personajes comunes fácilmente entendibles para el público de cualquier país, pues resultan familiares, agradables y el espectador puede hacerlos suyos de manera inmediata, además de identificarse con alguno de ellos. Su bien planeada construcción psicológica es algo que debemos reconocer, pues cada uno refleja a determinados sectores de la sociedad, pero sobre todo refleja los constantes temores y dudas que todos hemos tenido en algún momento, sobre nuestro futuro, nuestros sentimientos o sobre la vida misma.

¿Qué les parecería responder todas sus dudas por tan sólo $9.99? Esa es la premisa de la historia, en la que podemos ver como se entrelazan las vidas de un grupo de vecinos, cada uno con problemas y frustraciones tan distintas que parecería inverosímil encontrar alguna conexión entre ellos, pero que existe aunque los propios personajes no la puedan ver y va más allá de compartir el mismo edificio, el cual se convierte en el escenario perfecto al mostrarnos la cantidad de historias que pueden ocurrir en un sólo lugar.

La técnica narrativa del filme es algo que me agrada mucho, pues transita de un personaje a otro y nos cuenta su historia de a poco y en pequeñas dosis (parecido a la película Amélie de Jean-Pierre Jeunet). Y a pesar de que para algunos podría resultar tedioso seguir la historia, la interacción entre los personajes facilita mucho esta tarea.

Tenemos todo tipo de personalidades: el viejo y frustrado abogado que vive con su hijo desempleado, el niño fanático del futbol que se ve obligado a ahorra para comprarse una figura de acción, el joven que ama a su prometida pero está temeroso del compromiso, el anciano viudo que se aferra a sus recuerdos, el indigente que se suicida y se convierte en ángel de la guarda, el joven Casanova y su novia supermodelo, un mago en bancarrota y una encuestadora por teléfono que debe soportar los malos tratos de sus encuestados. Todos ellos radicalmente diferentes, pero con algo en común, la búsqueda del significado y propósito de su existencia.

Manejar tal cantidad de personajes resulta siempre difícil y muy pocas producciones logran darle el espacio adecuado a cada uno para que pueda desarrollarse. Sin embargo, esta logra hacerlo al dosificar su participación, lo que deja mucho a la imaginación del espectador para que éste construya su propia interpretación de los hechos.

Al final la obra intenta dar un mensaje simple que al menos yo interpreto de la siguiente manera: la vida no tiene un sentido, pero existen una sola cosa que sí puede darle un sentido la felicidad. Encontrar lo que a cada uno nos hace felices es lo complicado, los viajes, el dinero o el amor pueden ser una opción, pero quizás la felicidad se encuentra en cosas más comunes y fáciles de obtener, en personas que están a nuestro lado, en viejos recuerdos del pasado o en una simple sonrisa. De cualquier forma, si sabemos dónde buscar, encontrarle un sentido a la vida nunca tendrá un costo superior a $9.99.