El Castillo Ambulante

Título Original: ハウルの動く城  (Hauru no Ugoku Shiro).
Género(s): Fantasía, Ciencia Ficción/Steampunk, Romance.
Director: Hayao Miyazaki
Estudio: Studios Ghibli.
Emisión: 2004.
Duración: 119 minutos.
Extras:

El Castillo Ambulante es una película basada en la novela homónima de Diana Waynne Jones y dirigida por el director más representativo de Ghibli, Hayao Miyazaki. Es, como todas las producciones de este estudio, una total obra de arte que deleitará los sentidos, tanto por su hermosa historia como por su espectacular calidad de animación y preciosos escenarios.

La atención que Ghibli puso a los detalles es evidente cuando observamos las hermosas praderas, las nubladas montañas, las descuidadas casas y los ostentosos palacios. La animación es de tal calidad que dice tanto o más que la propia historia, incluso resulta emotivo observar las habitaciones repletas de artilugios perfectamente detallados. Un aspecto extraordinario es que nunca se genera la mínima contaminación visual a pesar de que la cantidad de elementos que aparecen en pantalla es inmensa.

La música es excelente y armoniza perfectamente con todas las escenas, sean estas emotivas, dramáticas o cómicas. Además, sus tonadas de vals y sus marchas se acoplan al contexto histórico en que se desarrolla la obra, mejorando aún más la ambientación.

Los personajes son adorables y están diseñados de forma impresionante, pues cada uno de ellos juega un papel indispensable. Sería difícil lograr tal emotividad si por lo menos uno de ellos estuviera ausente. A su manera cada uno aporta algo que engancha al espectador. Como es costumbre en Ghibli, son los personajes femeninos quienes tienen los papeles principales.

La historia gira en torno a Sophie, una joven que trabaja en una tiene de sombreros y que nunca se ha considerado bonita. Un día se ve envuelta en apuros a causa del mago Howl, razón por la cual es maldecida por la bruja Calamidad, quien le da el aspecto de una anciana de noventa años. Al verse en tan situación Sophie decide escapar y vagar por las montañas, hasta que encuentra el castillo de Howl al que entra a trabajar como ama de llaves.

En el castillo conoce a Calcifer, un demonio de fuego que trabaja para Howl, y a Marukus, el joven aprendiz de mago. Juntos desentrañarán los secretos del hechicero y buscaran una solución para Sophie mientras intentan escapar de las brujas y los horrores de la guerra. Todo esto ambientado en una Inglaterra fantástica del siglo XIX, llena de extrañas maquinas voladoras y gigantescos buques acorazados.

El desarrollo general es espléndido, pues todos los personajes maduran y se desenvuelven de manera tal que nos permiten conocer sus intenciones y motivaciones, sin olvidar lo atractivo que resulta ver cómo resuelven sus problemas. No obstante, nunca conocemos totalmente el pasado de ninguno de ello, pero eso termina por ser irrelevante.

Es difícil encasillar a cualquier personaje como bueno o malo, cada uno hace simplemente lo que su corazón de dicta y en su conjunto nos muestran un hermoso mensaje sobre la vejes, que intenta enseñarnos que la edad no significa la pérdida de una razón para vivir, sino la ganancia de habilidades que muy difícilmente podremos desarrollar en la juventud. Sophie nos demuestra que la edad está en el corazón y mientras conservemos ese espíritu de lucha podremos seguir adelante.

Petshop of Horrors

Título Original: ペットショップ・オブ・ホラーズ (Pettoshopu obu Horâzo).
Género(s): Sobrenatural, Suspense, Meitantei, Seinen.
Director: Matsuri Akino.
Estudio: MadHouse.
Emisión: 1999.
Duración: 4 OVA.
Extras:

A pesar de lo que su nombre y fama pudieran aparentar, Petshop of Horrors está más enfocada en sucesos y criaturas sobrenaturales envueltas en un halo de misterio que en una historia enfocada en el miedo. Sin embargo, la acción constante en que se desarrollan los capítulos la convierten en una excelente obra llena de suspenso.

Petshop se desarrolla a partir de historias independientes cuya única relación son los dos personajes principales, los cuales juega el papel de protagonista y antagonista típico de las novelas policíacas. Y pese a que contamos con personajes principales, los conflictos giran en torno a los personajes incidentales de cada episodio.

La calidad de animación es buena pero un tanto anticuada, pues, si bien es una serie de finales de los años 90, su estilo de animación y diseño de personajes es muy característico de los años 80. Sin embargo, los rasgos gekiga de los personajes permiten reflejar de manera excelente las expresiones de horror y asombro.

En el aspecto musical, el soundtrack —aunque no es malo— resulta repetitivo y no resalta mucho salvo en contadas ocasiones, pero junto a la exótica parafernalia, propicia una adecuada ambientación para una tienda que vende criaturas extrañas.

La historia gira en torno al Conde D, un andrógino y extraño sujeto encargado de una tienda de mascotas en Chinatown que intentará llenar el vacío emocional de sus clientes causado por la pérdida de un ser amado. No obstante, los compradores tendrán que respetar tres sencillas reglas para mantener a sus nuevas mascotas y deberán recordar en todo momento que son animales y nunca podrán reemplazar a quienes han muerto.

Por otra parte, el detective León Orcot investiga misteriosas muertes cuya única conexión es la tienda de mascotas, pues todos los que han muerto eran sus clientes. Así es como el Conde y León empezarán una extraña relación de detective e informante.

Petshop of Horrors 3

El tema principal de la serie es el onirismo, pues los clientes reflejarán sus miedos y culpas en los animales que compran. Y pese a que estos están ahí como símbolo del amor y esperanza que alguna vez tuvieron sus amos, ellos desvirtuarán la realidad y se obsesionarán tanto por lo que han perdido que sus mascotas se convertirán en monstruos de pesadilla.

Ésta es la carta fuerte de Petshop, pues los horrores son diferentes en cada caso y se enfocan en criticar el apego emocional que algunas personas pueden llegar a tener por algo. Lamentablemente la serie es muy corta y nunca conoceremos la verdadera identidad del Conde ni de sus exóticos animales, pero esto no disminuye la calidad de la obra.

Afro Samurai

Título Original: アフロサムライ (Afuru Samurai).
Género(s): Artes Marciales, Gore, Ciencia Ficción, Seinen.
Director: Fuminori Kisaki y Jamie Simone.
Estudio: Gonzo.
Emisión: 2007.
Duración: 5 OVA.
Extras: Afro Samurai Resurrection.

Afro Samurai es una de las más vanguardistas obras animadas de la actualidad, pues el particular estilo de Gonzo, el toque americano afro-western y la música Hip Hop, logran un resultado muy original y divertido, además de otorgar un toque multicultural y multirracial a un anime japonés.

La producción corrió a cargo de Samuel L. Jackson, quien ha participado en películas como Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993) o Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994). Además de producir, el actor puso la voz al personaje principal, quien gracias a eso refleja su herencia afroamericana de manera muy creíble.

La calidad de animación es impactante, los escenarios y los personajes están finamente diseñados, y el estilo gekiga enfatiza los rasgos afroamericanos. Además, esa característica personalidad de los barrios negros estadounidenses se acentúa debido a que la serie está hablada totalmente en inglés.

La fluidez de las tomas es un aspecto sobresaliente, ya que no se pierden detalles ni en las más rápidas batallas, que al combinarse con slow-motion ofrecen un detalle inmejorable. La banda sonora es otro aspecto que debe mencionarse pues no es común escuchar un soundtrack de anime basado en canciones de Hip Hop.

La historia gira en torno a Afro, un joven samurái que intenta vengar la muerte de su padre y convertirse en el peleador número uno del mundo, para ello primero tendrá que convertirse en el número dos, pues sólo el segundo mejor puede retar al primero. En su camino tendrá que enfrentar diferentes enemigos y superar los errores de su pasado. Todo esto acompañado de sangrientas y brutales peleas repletas de cuerpos destrozados y un pequeño toque de sexo.

Si bien Afro Samurái no es la gran serie ataviada de referencias complicadas, sí es una gran opción para quien busca un anime que salga de los estereotipos convencionales y del diseño habitual del anime actual. Su mezcla racial es sin duda el aspecto fundamental que la hace tan original, pues es difícil imaginarse a un samurái negro con un gran peinado afro partir balas y misiles con su espada mientras pelea contra robots y extraños sujetos con extremidades biónicas.

Otro punto a su favor, es el hecho de que es una de las pocas series que sabe explotar su género al máximo, pues no sólo destroza gente porque sí, sino que plantea en cada enemigo y combatiente una razón de peso que lo obliga a realizar la masacre.

El aspecto más débil son los clichés americanos que contiene, pues nuestro personaje principal es el típico héroe americano (aunque de hecho no es un héroe) que sin importar las dificultades siempre resulta vencedor. Sin embargo, eso no le resta mérito alguno, pues en todo momento estarás pegado a la pantalla intentando no perderte ni un corte de la afilada catana de Afro.

FLCL

Título Original: Furi Kuri (フリクリ)
Género(s): Comedia, Ciencia Ficción, Mecha, Anime Progresivo, Shônen.
Director: Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Gainax, Production I.G.
Emisión: Abril 2000 – Marzo 2001.
Duración: 6 OVA.
Extras:

FLCL es una obra diferente, atrevida, divertida y extraña; quizás por eso es considerada como el más claro exponente del Anime Progresivo, a pesar de que catalogar a una serie dentro de éste género es muy subjetivo, pues tiene que ser vanguardista y novedosa, contar con una historia diferente que no siga los estándares establecidos, modificar las temáticas recurrentes en su género y mostrarnos personajes que no caigan en estereotipos.

La serie está plagada de referencia, desde las que aluden a otros trabajos del mismo estudio, como Evangelion o el video de apertura de la Daicon IV, hasta parodias de South Park, Gundam y Michael Jackson. Incluso se mencionan marcas famosas de instrumentos musicales.

La calidad de animación es buena y muy característica del estilo Gainax, con escenarios que van desde los más pintorescos y simples hasta los más psicodélicos y surrealistas. El diseño de personajes es atractivo y muy acertado, pues se desenvuelven de una manera hilarante y tan fuera de lo común que consiguen retorcer la historia en una extraña mezcla de ficción, locura y tecnologías sin sentido.

En el aspecto sonoro, la obra se defiende muy bien, pues el audio es sencillamente formidable y conjuga una buena selección de canciones de rock interpretadas por el grupo The Pillows que se acoplan perfectamente con la trama y el estilo en general.

FLCL 3

Furi Kuri nos presenta una historia sencilla y hasta cierto punto fácil de entender, pero que se desarrolla de una manera tan compleja y extravagante que resulta complicado seguirle el paso y lograr entender los numerosos diálogos plagados de frases incomprensibles y palabras que no existen.

La historia gira en torno de Naota Nandaba, un chico normal que vive una vida común pese a verse obligado a convivir con Mamimi Samemija, una chica algo rara y exnovia de su hermano. Todo cambia cuando es atropellado por Haruko Harukara, una chica que aparentemente no es de este mundo y que anda en busca de Atomsk, el Rey Pirata capaz de robar planetas. A partir de ese accidente, Naota adquirirá la extraña habilidad de sacar robots y demás objetos extraños de su cabeza, los cuales le causarán problemas que tendrá que resolver con ayuda de Haruko.

Entre las cosas raras que podemos disfrutar, están la mezcla de animación con dibujos de manga y la presencia de imágenes de acción real en el Ending, sin olvidar el extravagante y cómico —aunque muy poco sugerente— fan-service. También se muestran mensajes que hacen referencia a los cambios en la adolescencia, principalmente en el despertar sexual y en las implicaciones sociales que estos acarrean.

Debemos admitir que FLCL no es para todo público pero es una serie que bien merece una oportunidad, pues es una gran exponente de su género y nos demuestra que los trabajos alocados e innovadores también tienen cabida en esta industria.

Wolf’s Rain ovas


Título Original: ウルフズ・レイン (Warafusu Rein).
Género(s): Kemono, Drama, Romance, Fantasía, Ciencia Ficción /Biopunk/Ciencia Ficción Social.
Director: Tensai Okamura.
Estudio: Bones.
Emisión: 2003.
Duración: 4 ova.
Extras:

Los OVA de Wolf’s Rain son la continuación de la serie y le dan un final más conciso, pues después de los cuatro tediosos capítulos de relleno, que aparentemente se debieron a problemas en el estudio de animación, el final de la serie resultó inconcluso y forzado.

Los OVA conservan la misma calidad en cuanto a música y animación, pero la historia da un giro dramático y se hace más cruda, pues los personajes sufren grandes desgracias que incluso los llevan a la muerte. En lo personal me parece que se abusa del sacrificio, pues la mayoría de los personajes exponen su vida para alcanzar un paraíso que aparentemente no existe.

En estos cuatro capítulos conocemos más de los personajes que en toda la serie, y podemos notar el crecimiento y madures que en realidad alcanzaron. También terminamos por entender el misterio sobre Cheza, el paraíso, el Libro de la Luna, Darcia y la relación entre lobos y humanos, razón por la cual los OVA son indispensables para conocer el desenlace final de la historia.

A pesar de que los ova son en realidad los capítulos finales, me parecen recomendables únicamente para aquellos que en verdad hayan disfrutado la serie y quieran conocer el verdadero final.

Life no Color

Título Original: Life no Color.
Género(s): Romance.
Dirigido por: Tazawa Ushio.
Estudio: GODxDOG Production.
Duración: 4:00 minutos.
Emisión: 2003.
Extras:

Con música de Kousuke Ouchi y la voz de Mami como vocal, Life no Color es un pequeño corto que nos remonta a esos fugaces y casuales encuentros sumamente significativos en nuestra vida, los cuales muchas veces nos obligan a ir en contra de las normas a fin de repetirlos.

Lo que Ushio nos muestra en esta pequeña animación es la ternura de aquella primera atracción casual y repentina hacia una persona, que si bien es totalmente desconocida, a partir de ese momento se convertirá en alguien sumamente especial.

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La calidad en cuanto a animación es muy buena, aunque nada espectacular; los matices tenues y los colores deslavados de los escenarios se conjugan magistralmente con la lenta y envolvente banda sonora.

En el corto vemos a un joven encontrarse con una chica en el teleférico mientras va en camino a la escuela nocturna. En ese momento el chico recuerda la primera vez que se vieron y decide regresa en su búsqueda desafiando las diferencias sociales.

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La historia nos muestra una sociedad donde la división y discriminación entre clases sociales se encuentra firmemente marcada, al grado de que los diferentes estratos usan ropa de un color específico para diferenciarse, una temática que resultará familiar a quienes hayan leído Un Mundo Feliz de Aldous Huxley.

La obra es preciosa, pues cada aspecto se conjuga perfectamente para lograr la emotividad de ese primer encuentro. Además, el mensaje que nos muestra es algo que todos debemos tener en mente: “Vida, no discriminación”.

Wolf’s Rain

Título Original: ウルフズ・レイン (Warafusu Rein).
Género(s): Kemono, Fantasía, Drama, Ciencia Ficción/Biopunk/Ciencia Ficción Social, Romance.
Director: Tensai Okamura.
Estudio: Bones.
Emisión: 2003.
Duración: 24 episodios.
Extras: 4 OVA.

Un desarrollo lento, una ambientación gris y una historia sólida, que desgraciadamente no explota todo el potencial que tiene, hacen de Wolf’s Rain más que el típico anime postapocalíptico de una sociedad decadente y al borde de la destrucción, pues la conjunción de sus argumentos y los elementos totémicos que incluye la convierten en una serie novedosa y amena.

La historia, aunque nunca se dice directamente, se desarrolla al sur de los Estados Unidos y retoma elementos simbólicos de las tribus indígenas que antiguamente habitaron aquella región, algo nunca antes visto en la animación japonesa. Podemos ver alusiones al Valle de la Muerte en California y una posible referencia a Ernest Thompson Seton, quien inicio el movimiento “woodcraft” para proteger la vida salvaje y cuyo interés se inició por el incidente con un lobo.

La calidad de animación es muy buena, pues la nitidez de los gráficos hace que los escenarios luzcan espectaculares y en ningún momento encontramos escenas lúgubres con falta de luz. Por su parte, la música es muy amena y le da a la serie una ambientación única y original, pues sus tonadas lentas y de estilo andaluz rompen con el ambiente apocalíptico y contrastan totalmente con los escenarios, creando un efecto por demás agradable.

El diseño de los personajes —sobre todo de los principales— sí deja mucho que desear, pues caen en los estereotipos del chico malo, el amable, el tierno y el líder. Además, su desarrollo y crecimiento en la historia es casi nulo pues, salvo algunos aspectos muy someros de su vida, no conocemos prácticamente nada de su pasado y su personalidad se mantiene constante durante toda la serie. Afortunadamente, los personajes secundarios toman las riendas de la historia y desarrollan perfectamente los elementos dramáticos.

La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico donde la mayoría de la población vive en la miseria y sólo los acaudalados nobles gozan de las comodidades tecnológicas en las fortificadas ciudades que los protegen del perpetuo invierno y de las cruentas guerras que se libran en el exterior.

Cuatro jóvenes lobos, Kiba, Hige, Toboe y Tsume, intenta encontrar a Cheza (la chica flor) para poder llegar al paraíso antes de que los nobles la capturen y usen para sus despiadados propósitos. Por su parte, la científica Cher Degre y el detective Hubb Lebowski, acompañados del Sheriff Quent Yaiden quien desea vengarse de los lobos que destruyeron su ciudad, intentan descubrir el secreto de Cheza.

La historia usa perfectamente las características lupinas de sus personajes principales, y el hecho de presentarlos con forma humana les da un toque más íntimo y personal para con el televidente. Además, la integración de una cosmovisión indígena que mezcla las creencias que los nativos americanos tienen sobre la naturaleza y la muerte resulta una idea más que acertada.

El único aspecto que podría resultar molesto es la lentitud con la que avanza la serie y la falta de escenas de acción que uno esperaría al tener lobos como personajes principales. Sin embargo, a pesar de lo plana que pueda resultar la historia, ésta no es repetitiva ni monótona en ningún momento, salvo en el enorme flash-black (episodios 15 al 18) que intenta desarrollar más los personajes. A pesar de ello, me parece que cumple con el propósito de entretener y cuenta con las características suficientes para ser un buen y agradable anime.

Toki wo Kakeru Shôjo

Toki wo Kakeru Shôjo 1

Título Original: 時をかける少女 (Toki wo Kakeru Shôjo).
Género(s): Slice of Life, Drama, Romance, Ciencia Ficción, Shôjo.
Director: Mamoru Hosoda.
Estudio: MadHouse.
Emisión: Julio 2006.
Duración: 98 minutos.
Extras:

Basado en la novela homónima de Tsutsui Yasutaka, Toki wo Kakeru Shôjo es actualmente uno de los mejores trabajos animados que mezclan drama y ficción. La historia, los personajes, los escenarios y la música son simplemente perfectos, no en vano ha sido galardonada en diferentes festivales de cine y animación en todo el mundo.

La peculiaridad en Tokikake es la forma en que logra fundir, a un nivel casi poético, uno de los elementos más intrincados de la Ciencia Ficción (los viajes en el tiempo) con una historia de amor y drama que se desarrolla a un ritmo pausado e íntimo propio de Slice of Life, algo pocas veces visto en obras cinematográficas pero que nos demuestra que en la Ciencia Ficción también hay lugar para los sentimientos y las cosas mundanas.

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El estilo y la calidad artística son asombrosos, los escenarios son muy simples pero finamente detallados y el estilo de animación es totalmente impactante. El soundtrack es muy bueno, tal vez no tan bueno como el de otras series ni tan sobresaliente como la historia en sí pero genera una ambientación muy agradable que siempre va acorde con las escenas.

El diseño de personajes es de los mejores que he visto, pues en tan sólo hora y media nos permite conocer las personalidades y problemáticas de todos ellos, algo muy difícil en tan corto tiempo. Y aunque no ahonda demasiado en su psicología, logra desarrollarlos de una manera muy divertida y emotiva. No podíamos esperar menos teniendo en cuenta que el diseñador de personajes fue Yoshiyuki Sadamoto.

Tokikake nos presenta una historia simple basada en un tema que ha sido sobreexplotado por el celuloide en los últimos años. Afortunadamente no centra su atención en complejas historias de ficción futurista sobre los viajes en el tiempo, por el contrario, se limita a no explicar ésta habilidad y eso le permite desarrollar sus argumentos a un nivel más íntimo.

La historia gira en torno a Makoto Konno, una chica de preparatoria que gusta de jugar béisbol y pasar el tiempo con sus dos mejores amigos, Chiaki y Kôsuke. Por azahares del destino obtiene la habilidad de saltar en el tiempo, con lo cual impedirá que cosas malas le pasen. Sin embargo, ninguna acción puede ser del todo impedida y los problemas que ella evita son trasferidos a otras personas. Con el paso del tiempo Makoto mejora su habilidad y la utiliza para evadir todas las situaciones que le son incomodas y desagradables, a pesar de que esto conlleve serias repercusiones para sus amigos.

A lo largo de la película podremos darnos cuenta de que los viajes en el tiempo no son el argumento principal de la historia, sino un simple elemento más para abordar las relaciones que Makoto tiene con su familia y amigos, las cuales se ven afectadas porque sus viajes desencadenan eventos propios de la teoría del caos.

Toki wo Kakeru Shôjo es sumamente recomendable, pues tiene una historia sólida, personajes bien diseñados y un perfecto manejo de tiempos que nos permite saber en todo momento si los acontecimientos que vemos son del presente o del pasado. Lo tiene todo para llegar a ser uno de los mejores largometrajes de la animación japonés de todos los tiempos y una de las favoritas entre los fans del anime.

Ani•Kuri 15 [11-15]

Tercera temporada

Neko no Shuukai

Director: Makoto Shinkai.
Estudio: CoMix Wave Film.

Chobi, el gato de la familia, quien constantemente sufre los pisotones de cola que sus dueños le propinan, sueña con vengarse —junto con todos los gatos del mundo— de los humanos que descuidan a sus mascotas.

Conocida la calidad y capacidad de Shinkai para crear historias cortas con mucho contenido, no se podía esperar menos de este gran director. La calidad de animación es formidable y la música aumenta el toque cómico de la historia, que sin duda es un parteaguas que se aleja de su ya conocido trabajo dramático.

Onmitsu Hime

Director: Mahiro Maeda.
Estudio: Gonzo.

La princesa Tama y su extraño muñeco-robot luchan contras los piratas espaciales para salvar su reino.

Éste corto es el único que utiliza totalmente los diálogos para narrar la historia, pues la música es meramente ambiental. La calidad de animación es muy buena y en ningún momento pierden calidad, ni siquiera en las rápidas escenas de acción.

Okkakekko

Director: Michael Arias.
Estudio: Studio 4°C.

Un grupo de niños juega y corre por el campo junto a un extraño robot gigante. El corto básicamente no tiene historia, pues al no haber diálogos el televidente puede generar su propia interpretación.

La animación es de las mejores de AK15, pues los escenarios y el diseño de personajes nos remiten a trabajos previos de su director, como Tekkonkinkreet. Michael Arias es el único extranjero que participó en este proyecto.

Project Omega

Director: Shôji Kawamori.
Estudio: Satelight.

Un ovni se acerca rápidamente en curso de coalición con la tierra y su lugar de impacto será Tokio, en específico el edificio de la cadena de televisión NHK. Para salvar al planeta, el edificio entero se trasforma en un gigantesco mecha que lucha contra el ovni, el cual es tripulado por Domo-kun, la mascota de la compañía.

El corto es un tributo a NHK y su calidad es sobresaliente, pues pareciera que vemos la escena de algún anime de gran producción y no un simple cortometraje de 60 segundos.

Ohayô

Director: Satoshi Kon.
Estudio: MadHouse.

Una joven se levanta de la cama adormilada y realizas sus actividades matutinas mientras se despierta por completo.

Este es quizás el mejor cortometraje de todos, o al menos uno de los mejores, pues representa de una manera un tanto abstracta el concepto del sueño y la vigilia. La música es perfecta y tanto el diseño de personajes como la impresionante calidad, detalle y realismo de los escenarios son inigualables.

Temporada 1
Temporada 2

Ani•Kuri 15 [6-10]

 Segunda temporada

Project Mermaid

Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I.G.

Éste es uno de los cortos más extraños y difíciles de entender, pues no contiene diálogos y la música ambiental sólo ayuda a mantener el misterio. En la animación podernos ver a un pez convertirse en sirena y atravesar por una especie de portal hacia una ciudad postapocalíptica donde se desintegra.

La música es agradable y misteriosa, al igual que la animación, cuya calidad logra apariencias realista y psicodélicas.

Yurururu – Nichij­ô Hen

Director: Kazuto Nakazawa.
Estudio: Studio 4°C.

El corto nos muestra de manera muy cómica lo tardado y laborioso del proceso creativo. En él podemos observar cómo un animador pasa el día entero animando un clip de un segundo sobre unos extraños peces que están en la ciudad.

La calidad de animación es simple pero muy acertada, pues mezcla los trazos a lápiz en blanco y negro con una animación a color sencilla y detallada, además de que la música le otorga el toque cómico que requiere la historia. Y no debemos olvidar la parodia que hace sobre de la vida laboral de un animador de anime.

Gyrospter

Director: Range Murata y Tatsuya Yabuta.
Estudio: Gonzo.

Gyrospter nos muestra a la piloto de un girosóptico (extraña maquina voladora) visitar un espejo de agua mientras recuerda con nostalgia una batalla de girosópticos y la posible pérdida de un amigo.

La historia es un poco nostálgica y se apoya en la canción de fondo para contarla, la cual ayuda al espectador a inferir qué es lo que pasa. La calidad de animación es impresionante, pues se asemeja, tanto en escenarios como en personajes, a los diseños de Final Fantasy.

Supaatsutaisa

Director: Tobira Oda y Yasuyuki Shimizu.
Estudio: Studio 4°C.

Un pacífico samurái que vive en las montañas rodeado de animales es atacado por un ninja que intenta robarle su comida, posteriormente cae a un río y flota hasta una cascada mientras sus amigos, un oso y un cuervo, corren para rescatarlo.

El corto es de los pocos, si no es que el único, que hace uso de diálogos, narrador y una canción para contar su historia. El estilo de la animación es muy simple, pues se basa en trazos a lápiz que dan la impresión de ser una historieta o un storyboard.

Wandaba Kiss

Director: Atsushi Takeuchi.
Estudio: Production I.G.

El corto nos muestra un niño y su mascota diseñar una máquina Rube Goldberg (máquina diseñada para hacer un trabajo simple de manera complicada) con el fin de robarle un beso a una chica.

La música es muy agradable y aporta los toques chuscos a la historia. Por su parte, el estilo de animación es bastante cómico y nos recuerda a los animes para niños y a los trabajos de Ghibli. Lo más destacable del corto es que nos enseña que muchas veces complejizamos demasiado las relaciones sociales.

Temporada 1
Temporada 3