Autor: Cuauh

Recuerdos del Ayer

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Título Original: おもひでぽろぽ (Omohide poro poro).
Género(s): Romance, Drama, Slice of Life, Josei.
Director: Isao Takahata.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 1991.
Duración: 118 minutos.
Extras:–

Basada en el manga homónimo de Hotaru Okamoto y Yuko Tone, Recuerdos del Ayer es la segunda película dirigida por Yakahata y una producción muy particular dentro de Ghibli debido a su temática y género. La obra puede catalogarse como un drama adulto enfocado al público femenino, lo que contrasta con el estilo infantil y fantástico presente en las demás obras del estudio.

La animación conserva, como ya es costumbre, la técnica artesanal que ha hecho famoso a Ghibli, pero en esta ocasión con un diseño de personajes más serio y maduro, al menos visualmente. La animación es muy fluida y los escenarios son bellísimos, quizás de los mejores que he visto en las películas de este estudio. La música es bastante peculiar pero logra generar una buena ambientación, que al conjugarse con los escenarios, logra que el espectador entienda que está viendo cómo era ese país hace 40 años aunque no sea japonés.

La historia gira en torno a Taeko Okajima, una joven de 27 años que viaja a la casa de campo de su cuñada para pasar las vacaciones, pero durante el trayecto regresan a su mente los recuerdos de su infancia en el año de 1966 que la harán reflexionar sobre su futuro. La historia nos relata, en pocas palabras, la infancia del personaje a partir del personaje adulto —como lo han hecho algunas series de televisión como Los Años Maravillosos y Cuéntame cómo pasó— y nos permite apreciar algunos de los sucesos más emblemáticos para Japón, pero específicamente para el personaje, como la llegada de The Beatles, las primeras minifaldas, los desayunos escolares, la guerra de Vietnam y demás sucesos ocurrido en la década de los 60.

El filme nos cuenta una doble historia, pues desarrolla simultáneamente la vida de adulta de Taeko y los recuerdos de su infancia, lo que resulta un poco confuso en los primeros minutos ya que pareciera que se trata de dos historias diferentes. Sin embargo, en la primera parte de la película la infancia de Taeko se convierte en el escenario principal y nos cuenta cosas típicas y triviales de la infancia con las que nos identificaremos, como las competencias deportivas en la escuela, los berrinches, la primera vez que nos gustó alguien, las primeras clases de sexualidad o el inicio del ciclo menstrual en las niñas.

Además de las cosas personales, el hecho de ver en retrospectiva la vida de un personaje nos permite apreciar cosas propias de la cultura japonesa, como los viajes al campo, la estructura familia (sobre todo porque el personaje es la menor de tres hermanas) e incluso la fruta exótica que no es típica de esas latitudes (hay una escena muy graciosa de cuando comen piña por primera vez). En la segunda parte del filme nos centramos en la Taeko actual, quien reflexiona sobre su pasado, su trabajo y su vida sentimental, contraponiendo su vida citadina con la ruralidad del campo que le presenta Toshio, un joven agricultor por el cual ella siente un gran cariño.

Algo que me gustaría destacar es la cromática de las escenas y el diseño visual en general. En las escenas de recuerdos los colores se ven más deslavados y antiguos, como si estuviéramos frene a la viñeta de un viejo manga, mientras que en las escenas del presente los colores son más fuertes y serios, lo cual facilita al espectador diferenciar el manejo de tiempos. Y hablando de cronología, a pesar de estar viendo los recuerdos de un personaje, dichas escenas no puede considerarse como flash backs.

Recuerdos del Ayer es una hermosa obra que nos invita a recordar nuestro propio pasado, a reflexionar sobre nuestro presente y a imaginar nuestro futuro. Rememorar las cosas que nos producían pesares o felicidad en nuestra infancia es una forma de viajar en el tiempo, pues al final nada de lo que poseemos es nuestro, sólo nuestros recuerdos lo son.

Finalmente, debemos admitir que esta historia no es para todo público, principalmente por estar enfocada a un público femenino maduro y llevar un ritmo realmente lento en algunas escenas. A pesar de ello, es una historia que realmente nos invita a reflexionar sobre nuestra propia vida, sobre lo que hacemos y lo que queremos o quisiéramos hacer. Es un Slice of life como pocos, porque no sólo se enfoca en el ahora, sino en el ayer, y nos demuestra que los personajes comunes viviendo vidas comunes también tienen historia interesantes que contar.

El Huevo del Ángel

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Título Original: 天使のたまご (Tenshi no Tamago).
Género(s): Experimental, […].
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Studio Deen.
Emisión: 1985.
Duración: 71 minutos.
Extras:–

En algunas ocasiones, a los fanáticos de la animación nos llega una etapa en la que buscamos algo diferente, algo que no sea la misma basura comercial que todos ven, algo que nos invite a pensar y reflexionar. En esta búsqueda es cuando encontramos pequeñas joyas animadas, tal es el caso de Tenshi no Tamago, una OVA producida por Takuma Shoten y musicalizada por Yoshihiro Kano, totalmente sui generis y extraña a más no poder.

La calidad técnica es buena para su tiempo, incluso comparándola con los estándares actuales, aunque tampoco es que busque asombrar por sus elementos artísticos. De entre todos los aspectos, el apartado sonoro es el que más sobresale, la música es muy buena y junto con el sonido ambiental crea una atmósfera tétrica perfectamente acoplada al ritmo de la obra que nos sumerge en un mundo frio, aletargado y decadente. El diseño de personajes y escenarios es muy característico de los ochenta. Los personajes tienen un raro encanto que los hace atractivos, pero son los paisajes lo que se ganan al público, pues trasforman a la tierra en un planeta extraño y atemorizante. Además de lo anterior se hace uso de imágenes difusas, escenas extrañamente estáticas y cuadros en negros que no indican cambios de escena sino de perspectiva.

La historia gira en torno a una extraña niña que vaga por una ciudad en ruinas mientras cuida un huevo. De repente, un extraño hombre se acerca a ella y le pregunta por el contenido de aquel misterioso huevo. La niña no le responde pero le pide que no lo dañe. Con el paso del tiempo la niña le adquirirá más confianza y juntos nos develarán un poco del trasfondo de la historia, dejando el resto a la interpretación del espectador.

Es realmente difícil describir la historia de esta obra, pues la cantidad de diálogos es mínima y no nos revelan los secretos que se ocultan en la misteriosa ciudad ni en aquel preciado huevo. La ciudad —que posee una arquitectura de estilo europeo— parece haber sido devastada por la guerra, no queda, salvo la pequeña niña, nadie que la habite, tan sólo unas pocas estatuas de pescadores que en ocasiones vuelven a la vida para capturar un pez, pero no son más que una metáfora del antiguo esplendor que la humanidad tuvo y que ahora queda sólo como una sombra.

La obra es simbólica a más no poder, densa y algunos dirían que hasta indigerible. Tiene tantas lagunas en su historia que resulta difícil llenar los huecos. Sin embargo, eso la hace atractiva, pues uno sólo sabe que cada elemento, por mínimo que éste sea, fue puesto ahí por alguna razón y posee un significado; la emoción radica precisamente en tratar de otorgarles un significado. Como resulta obvio, la obra no es para todo público, es lenta en su ritmo y tiene un final tan inconcluso que irremediablemente dudaremos sobre todo lo que hayamos inferido hasta entonces.

La cantidad de simbolismo sólo pueda ser determinada por sus creadores, pero existe uno muy particular, el agua. El vital líquido es usado aquí como un símbolo de vida, asociado a la madre, el vientre y la gestación, por algo el huevo es la imagen icónica del filme. El hecho de que el personaje principal sea una mujer junto a los elementos antes citados nos trata de decir que aún en un lugar tan desolado y triste algo tan bello y delicado puede aferrarse a la vida. La delicadeza de la niña contrasta con su fortaleza por ser mujer y eso se hace evidente en el hecho de que pudo sobrevivir sola en aquella ciudad, aquel misterioso hombre que la sigue tan sólo le sirve de compañía y la hace sentir más segura, pero no es para nada indispensable.

Otro mensaje importante, además de aquellos que aluden al Cristianismo, pues durante la obra se citan algunas frases de la biblia (sobre todo del Diluvio), es el de la soledad. Parece extraño que únicamente cuando los dos personajes principales están juntos por primera vez es que notamos que habían estado solos todo el tiempo.

Tenshi no Tamago es una de esas obras que uno no entiende pero no puede dejar de ver. Y realmente no hay que tratar de entenderla, simplemente hay que enfocarnos en sentir las emociones que nos produce. La perfecta recomendación para quien busca animación diferente y para aquellos fanáticos de la Ciencia Ficción ochentera

Porco Rosso

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Título Original: 紅の豚 (Kurenai no Buta).
Género(s): Fantasía, Romance, Drama, Comedia.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 1992.
Duración: 94 minutos.
Extras:–

Contraponiéndose a lo que Ghibli nos tiene acostumbrados, Porco Rosso es de las pocas producciones del estudio en donde el protagonista es varón, lo cual genera una dinámica algo diferente de sus anteriores filmes. A pesar de ello, es una película magnífica, con bellos escenarios, una musicalización estupenda y personajes entrañables que nos demostrarán que la bondad y honor de un hombre nunca está en su apariencia física.

La animación es muy buena, con la tradicional técnica que Ghibli siempre ha usado y una fluidez en los movimientos que se agradece al momento de ver las batallas aéreas. El diseño de escenarios resulta espectacular y logra situarnos perfectamente en el Mediterráneo. El aspecto musical es sin duda grandioso pues sus tonadas evocan un ambiente Italiano muy campirano. Finalmente, los personajes están perfectamente construidos y muestran la fuerza, determinación y bondad que Ghibli siempre pone en cada uno de ellos. Y a pesar de que existen villanos, ninguno es realmente malo o cruel, por el contrario, la historia es muy ligera y está aderezada con atinados tintes de comedia que nos permite disfrutar de una historia alegre con un mensaje sobre la paz y el honor.

La historia gira en torno a Marco Pagot, un antiguo piloto de la Fuerza Aérea que peleó en la Primera Guerra Mundial y que por una extraña y desconocida maldición su cabeza tiene forma de puerco. Marco, o Porco, como lo llaman los lugareños, se dedica a atrapar piratas aéreos que pilotan hidroaviones y roban a los barco, por esa razón es odiado por los maleantes, quienes lo persiguen sin descanso. Además de los burlescos piratas, Marco es constantemente espiado por el gobierno fascista. Y por si esto fuera poco tiene que enfrentarse en un duelo aéreo con Donald Curtis, un americano considerado como uno de los mejores pilotos de hidroavión. Sin embargo, no todo es pesar en la vida de Porco, pues en lo profundo de su corazón ama intensamente a Gina, la famosa cantante del Hotel Adriano quien corresponde su amor. También está Fio, una joven mecánico aguerrida e inteligente a quien Porco da la oportunidad de reparar su hidroavión y con quien hará equipo para vencer a Curtis.

El manejo de la indumentaria y maquinaria están muy bien logrados, desde la comunicación con telégrafo, banderas y lámparas, hasta la ropa y el diseño de las naves. La mezcla de tecnología que hace Miyazaki genera un resultado inclasificable, pues muestra aparatos novedosos, diseños viejos y motores de vapor con un toque fantástico. Esas formidables maquinarias son algo común en Hayao y las hemos visto tanto Nausicaä del Valle del Viento como en El Castillo Vagabundo. La arquitectura es otra de las joyas que esta obra nos regala, tanto en las industriosas calles de Milán como en los pasibles y bellos jardines del Hotel Adriano

A pesar de que la historia se desarrolla en Europa, Miyazaki no logra desligarse por completo de la dinámica de la sociedad japonesa. Y eso pasa con muchos de sus filmes, el contexto europeo aunado a una idiosincrasia nipona genera una sociedad que al mismo tiempo que nos resulta familiar nos parece exótica. Además de la estructura social, el entorno bélico sigue siendo una constante en las producciones de Ghibli. Recordemos que la historia se desarrolla en un periodo entreguerras y poco después de la Gran Depresión de 1929, por lo mismo hay mucha parafernalia bélica y pobreza en los habitantes, como el mismo Marco hace notar a Fio durante su viaje. A mi parecer, lo que Miyazaki intenta hacer al desarrollar historias en periodos pacíficos pero con una estabilidad social muy delicada que podría explotar fácilmente en guerra, es aumentar la emotividad de los sucesos que trata de contarnos; vimos lo mismo en Totoro.

La película realiza varios guiños a personajes de la primera guerra mundial, como el Barón Rojo, y a otros filmes de mediados de siglo XX, como Casablanca (Michael Curtiz, 1942). Igualmente, vemos en los personajes diversas características que simbolizan elementos del cine hollywoodense, la relación entre Porco y Gina, y la propia personalidad de éste, me recuerdan mucho a los anti-héroes del Film Noir, mientras que Fio mantiene la esencia de la animación japonesa. La obra es bella, tierna, emotiva, emocionante y llena de acción, tiene personajes carismáticos y muy agradables que fácilmente haremos nuestros, escenarios deslumbrantes y una banda sonora más que recomendable. Por todo eso, y por el mensaje sobre honor, paz y amor que intenta dejarnos, Porco Rosso merece ser considerara una obra maestra.

Midori

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Título Original: 少女椿 (Midori).
Género(s): Eroguro, Horror.
Director: Hiroshi Harada.
Estudio: Kiryûkan.
Emisión: 1992.
Duración: 50 minutos.
Extras:–

Midori: La Niña de las Camelias o Mr. Arashi´s Amazing Freak Show es una extremadamente perturbarte animación basada en el manga del maestro del Eroguru (erotique, grotesque, nonsense) Suehiro Maruo, titulado Chika Gentou Gekika Shôjo Tsubaki. Se trata de una obra de culto de la que sólo se habla en los pasillos más bajos dentro del circuito del Gore y el Hentai, y a la que sólo los más conocedores o perturbados espectadores son capaces de apreciar.

Midori no es una obra para todos, se requiere tener de algunas horas recorridas dentro del universo gore y una mente abierta capaz de descifrar la extraña historia que envuelve a esta obra, así como de un estomago que no sea sensible. Sin embargo, si son amantes de este tipo de géneros ésta es una película que no se pueden perder, ya que es una de las pocas dentro del anime que desarrolla el Eroguro puro, sin desvirtuase por la parte gore ni por el contenido sexual.

La calidad técnica deja mucho que desear; la animación es mala y la música es regular (auditiva o acústicamente hablando, porque en cuanto a emotividad y ambientación está perfecta). Aunque esto se debe a la falta de patrocinio para su producción. El diseño de personajes se apega mucho al estilo de Maruo y desentona drásticamente con el estilo que empezaba a consolidarse en los primeros años de la década de 1990. Los escenarios son raros, extraños e incluso incómodos, al igual que los personajes, algunos llegando a ser verdaderamente repugnantes. El único inconveniente es que muchas de las escenas son dibujos estáticos e incorporan muy pocos elementos animados, lo cual degrada la calidad y hace que todo parezca una simple transición de imágenes con sonido.

La historia gira en torno a Midori, una niña que vende flores a fin de conseguir dinero para poder ayudar a su madre, quien sufre una enfermedad desconocida. Desafortunada y repentinamente su madre muere y Midori queda sola. Para su desgracia, es engañada por un hipnotista para unirse a un circo de fenómenos, en donde será humillada, violada y degradada por parte de los perversos y desagradables sujetos que integran aquel perturbante circo. Para su fortuna, un enano que hace magia al estilo occidental llega al circo y se queda prendado de ella, protegiéndola y mimándola a partir de ese momento. Sin embargo, no todo es lo que parece y Midori termina aferrándose a un amor enfermizo que se mantiene debido a que es la única forma de salvación que ella encontró para poder sobrevivir a aquel violento mundo.

Lo que la obra nos refleja es que incluso dentro del más hostil de los ambientes, llenos de perversiones, amoralidad, crueldad y deformidad, es posible que algunas cosas se mantengan puras, como nuestra protagonista, quien inclusive en esas tortuosas condiciones pudo conocer el amor, pero también el miedo a lo que podría sufrir por el simple hecho de estar viva.

La crudeza de las escenas es simplemente impactante, pues no se trata de un gore estilizado y tierno (hasta donde cabe) como en Elfen Lied, ni de un gore visceral y rudo como en Gantz. Todo lo contrario, estamos frente a una obra que busca generarnos incomodidad, tristeza y desesperación, pero no a partir de la violencia misma, sino a partir de la crudeza con la que expone lo más bajo del ser humano. La obra incluso hace uso de un lenguaje poético intrincado y difícil de descifrar (nonsense) pero cuyo propósito es ser artístico, aunque en realidad termina siendo extraño.

Lo más interesante de la obra es cuestionarnos por qué asistir a un circo tan desagradable. La respuesta nos la da el mensaje central del filme: existe una vida tan cruel y horrible que nosotros, desde nuestros cómodos hogares, nunca querríamos experimentar, pero que por alguna razón nos produce un extraño y morboso placer observarlo desde la seguridad de nuestros asientos.

En conclusión, Midori es una obra para reflexionar y no dejarse impactar por el morbo, la violencia ni la sangre, estos son únicamente los vehículos mediante los cuales Maruo envía su mensaje. Aunque debemos tomar este filme con pinzas, pues es grotesco hasta el punto de incomodar al más aventurado auditorio, pero a pesar de ello no deja de ser una interesante propuesta audiovisual que engloba lo más podrido y perverso del ser humano.

Animación Basura II: Mentes Enfermas

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Creador: Raúl Barrera.
Lugar de origen: Chihuahua, México.
Sitio Oficial: Mentes Enfermas
Otros Sitios: Raúl Barrera, Canal de YouTube.

Rulo Barrera y Mentes Enfermas

Diseñador Gráfico de profesión, apasionado de la animación y los videojuegos (como todo buen friki), Rulo Barrera es uno de los pioneros en la animación flash de comedia en México. Su página, Mentes Enfermas, es nada menos que la casa en la cual se originó el afamado y querido Dr. Gokú, personaje con el que Rulo y RAL saltarían a la fama después de varios años en el underground de la animación por internet. Rulo B. se ha dedicado a diversos trabajos relacionados con el diseño gráfico, la animación y la construcción de páginas web. Sin embargo, pocos conocen está faceta de él y únicamente lo ubican como uno de los creadores del Dr. Gokú. Desde sus tempranos 20, y posiblemente antes, empezó a grabar cortometrajes y parodias en las que actuaban él y sus amigos. Lamentablemente pocas personas conocen este tipo de trabajos, la mayoría son fans de Chihuahua que lo han seguido desde sus inicios.

Mentes Enfermas se mantuvo en el bajo mundo del internet por varios años, conocido por muy pocas personas pero incrementando el número de sus fieles seguidores. Sus primeros videos gustaron a la gente debido a la irreverencia, acides y lenguaje explícito del que hacía uso. Y si bien no se trataba de una gran producción —sino de una animación precaria, esfuerzo de su entonces joven creador— se convirtió muy pronto en una página obligada para quienes buscábamos contenido simple y divertido en la red, que no tuviera una gran profundidad pero nos distrajera con su ironía e insolencia.

Rulo y RAL
Rulo Barrera y Ricardo Adrián Lozoya «RAL» con su proyecto Capsu

Fue gracias a El consultorio del Dr. Gokú y Chihuahua: Police Department (ChPD) que Mentes Enfermas se catapultó a la fama. Por una parte, tenía a un personaje de anime mundialmente conocido y mexicanizado a más no poder que enganchó con los internautas de manera inmediata. Las nuevas situaciones en las que veíamos al que fuera el héroe de nuestra infancia resultaban jocosas y apelaban a nuestra nostalgia; Gokú estaba de regreso, hablando de temas diversos, burlándose de la sociedad mexicana y regalándonos nuevos momentos de diversión. Y no debemos olvidar el excelente doblaje que Rulo y RAL aportaron, lo cual resultó ser un factor muy importante pues no sonaba a un fandub mediocre y chafa.

En el otro extremo se encontraba ChPD, una serie policiaca sobre dos inútiles detectives que intentaban mantener al “Estado Grande” libre de malhechores. El éxito de esta serie se debió a la clara sátira que se hacía de los cuerpos policiacos de Chihuahua, en una época en que la delincuencia se convirtió en el mayor problema de nuestro país. La crítica era obvia pero no era lo único, pues las situaciones eran en extremo divertidas y las referencias a otras series de la cultura pop hacían una burla constante que en ocasiones rayaba en lo absurdo.

Chihuahua: Police Department

ChPD, producción realizada con la colaboración de Ral Animation Studios, nos narra las aventuras de Estatuo Augustes y Gustavo Maloof, quienes deben capturar a los más bizarros criminales y así librar a la sociedad de su maldad, al mismo tiempo que intentan sobrevivir a los regaños de su amargado jefe, Junior Milkwhitcoffe McKlein.

El éxito de ChPD llevó a sus creadores a intentar producir la serie en acción real, con ellos interpretando a los personajes principales y con las calles de Chihuahua como escenario. Lamentablemente el éxito no fue el mismo y desistieron de dicho intento.

El Consultorio del Dr. Gokú

Sin duda es la serie más conocida de Mentes Enfermas, la cual trascendió la propia página y se convirtió en todo un fenómeno de internet, permeando principalmente en las redes sociales. Rulo y RAL nos trajeron de vuelta al gran ícono de la animación japonesa de los años 90 en América, mexicanizado, actualizado y en un empleo en el que nunca lo hubiésemos imaginado.

El Dr. Gokú es la perfecta concretización del fanwork, aquellos comics, animaciones o doblaje que hacen los fans para seguir sus series favoritas o darles una historia diferente. Estos cortos nos dejan ver qué tanto significó Dragon Ball para muchos niños, hoy jóvenes, en nuestro país. El hecho de que la serie adquiriera tal popularidad es muestra inequívoca de ello, pues ver a un personaje que ahora podíamos tener tan cerca significó para el fan la única forma de lograr interactuar de manera directa con su héroe de la infancia.

El éxito se debió, en mi opinión personal, al buen doblaje que Rulo y RAL hicieron, logrando un gran parecido con las voces latinas del Gokú y Vegeta originales e imprimiendo un buen reflejo de sus personalidades, lo que requiere de un amplio conocimiento de la serie. El siguiente aspecto que los catapultó a la fama, además del evidente éxito que es Dragon Ball por sí mismo, fue la dinámica de aparente interacción con los internautas, a partir de responder preguntas que los fans enviaban por correo. Esa especie de Talk Show significó una novedad dentro de la industria de la animación flash por internet, al menos para las animaciones mexicanas que se había hecho de ese tipo en nuestro país.

El Show del Dr. Gokú presenta tres etapas. La primera es la dinámica tradicional de responder en vivo las preguntas del público, la segunda fue lo que conocemos como “El Show de Nappa” que seguía el mismo formato. Finalmente, la última fase es cuando vemos al Dr. Gokú vivir nuevas aventuras fuera del consultorio, dinámica que responde más a un spin off.

Independientemente de los aspectos anteriores, algo que hizo que el público mexicano se enganchara con la serie fue el tipo de preguntas que se hacían en el programa y la forma de contestarlas por parte de Gokú. Las preguntas eran sobre cosas sin importancia, dudas comunes, dudas frikis, dudas relacionada con la cultura pop e inclusive problemas sociopolíticos del país. Algunas incluso trataban de dar una aparente explicación a los elementos inconclusos de la serie original (cómo olvidar la fórmula descubierta por Manuelito Martínez). Su esencia random y la carencia total de sentido fue lo que las hizo graciosas, aunado al albur y doble sentido que se manejaba en el lenguaje. Y no podemos olvidar las burlas a personajes de la televisión y fenómenos de internet como el Rick Rolled.

Canemon: Monstruos de la lata de conservas

Canemon en quizás una de las series menos llamativas de toda la página, pese a ser una de las de mayor duración y una de las primera producciones de Mentes Enfermas, anterior a ChPD y el Dr. Goku. Lo que Canemon hace es una burla a Pokemon, en específico a su repetitivo desarrollo, en donde los protagonistas siempre buscan nuevos pokemones, luchan en los gimnasios y finalmente llegan al torneo, todo de forma muy evidente y predecible.

La historia nos cuenta las aventuras de Moki, quien junto a sus amigos Miyuki y Jimo, emprende un viaje para convertirse en el mejor maestro canemon del mundo. En su travesía deberá enfrentar poderosos enemigos, salvajes canemones y aguerridas batallas para lograr entrar al torneo canemon y demostrar que él puede ser el mejor.

Además de la parodia a Pokemon, la serie retoma personajes y elementos de otras series de anime y de la farándula mexicana, obteniendo como resultado un producto muy mexicanizado y lleno de elementos sexuales, dobles sentidos y estereotipos que resultan divertidos debido a que son usados en son de burla. Tenemos referencias a Yu-Gi-Oh, Dragon Ball, Evangelion, Los Súpercampeones y Meteoro, de los que se mezclan personajes en una especie de Crossover. También se hace una crítica al merchandising de los productos derivados de la serie y hasta de las elecciones del 2006.

Las Súper Sandeces del Superior

Esta serie nos narra la historia del Superior, un superhéroe retirado que intenta regresar a escena combatiendo a los malhechores de la ciudad con ayuda de su fiel amigo Súper Can. Estos cortos son una producción original de Mentes Enfermas, y pese a que el ritmo es lento, la animación mala y la historia algo mediocre, nos permite disfrutar de un montón de sandeces muy a la mexicana y de una burla al cliché del Superhéroe.

La obra recurre igualmente a parodiar y criticar diversos elementos de la cultura popular mexicana, factor que nos permite sentir mucha familiaridad con las situaciones y personajes. Y a pesar de que no es uno de los trabajos más destacado en cuanto a calidad, sí es propositivo hasta cierto punto, pues nos deja reflexionando sobre problemas cotidianos de nuestra sociedad.

Otros

Entre las animaciones varias que ha realizado Rulo destacan “Violenza” (un divertido corto sobre un profesor que cree que su alumno se burla de él), “El Show de Condorito” (un tributo al famoso personaje del comic chileno creado por Pepo), “Blank page of the Blind” (video musical del grupo Melt-Banana), “La Papa 8a salva la navidad” (una hilarante producción en donde vemos la Papa 8a, sus subnormales amigos y Hitler enfrentarse en una batalla épica contra el Consejo Judi a fin de salvar la navidad), y finalmente “Un cuento de Reyes” (una simpática historia en donde Roy, un niño que aún cree en los Reyes Magos, intenta evitar que estos caigan en el olvido agregándolos a Facebook).

Conclusiones

Sin duda, Mentes Enfermas se convirtió en el refugio de muchos internautas que buscábamos contenido novedoso y divertido que no tuviera mayores pretensiones que hacernos reír. Gracias a Rulo muchas personas empezamos a darle a la animación flash una oportunidad, pues a pesar de no contar con gran calidad ni historias impactantes, nos demostró que la sencillez y un poco burda creatividad de los moneros podía significar una nueva gama de contenido con el potencial de lograr un enorme éxito en la web.

Lamentablemente Rulo no logró mantener su éxito después de terminar El Consultorio del Dr. Gokú, sus posteriores propuestas se vieron coartadas por la expansiva mediatización que las empresas televisivas empezaron a desarrollar en YouTube. Afortunadamente, con motivo del año electoral que México vivió en 2012, el Dr. Gokú regresó como candidato a las elecciones; fungiendo así como una de las pocas parodias que criticaron la falta de propuestas de los candidatos, el sesgo de información por parte de las televisoras y la corrupción del país. Pero no fue sino hasta que Rulo pasó a integrar las filas de IrreverenTV que pudimos disfrutar de sus animaciones de nuevo, con ingeniosas propuestas como Buko Vaquero, El Velocirraptor de Harvard y Graims.

Animación Basura I: Introducción
Animación Basura III: Ral Animation Studios
Animación Basura IV: Cha Studios
Animación Basura V: La Familia de Barrio
Animación Basura VI: Vete a la Versh
Animación Basura VII: Producto Robot
Animación Basura VIII: La alternancia en internet

Animación Basura I: Introducción

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Con el bum de internet en los años 90 y la primera década del siglo XXI, propiciado por su cada vez más fácil acceso a la clase media, la facilidad para compartir información alcanzó límites inimaginables; ahora era posible estar informado en tiempo real del acontecer en la industria de los medios audiovisuales. Videojuegos, animación, televisión y cine se vieron forzados a adaptarse a esta nueva plataforma en la que todo era gratis, mucho más accesible y con un mercado de consumidores en exorbitante crecimiento a nivel mundial. Atrás quedaban los años en que las revistas y los rumores entre amigos y proveedores piratas en los tianguis significaban la mejor fuente de información para estar al día en el vertiginoso desarrollo tecnológico que ha permeado a la cultura pop.

El internet facilitó a sus usuarios la posibilidad de poder conseguir series, películas, videojuegos, canciones y software sin tener que recurrir al nada confiable mercado informal. Más importante aún, nos permitió conseguir artículos que eran muy difíciles de encontrar fuera de su país de origen (básicamente Estados Unidos y Japón) a no ser que se acudieras a alguna convención. Esto significó tres cosas para la industria audiovisual: en primera catapultó la fama de muchas producciones y las internacionalizó, creando acérrimos fans por todo el globo; en segunda, se creó un mercado pirata intangible y muy difícil de controlar a pesar de los esfuerzos de las casas productoras y los propios proveedores de servicios en internet, y en tercera, la capacidad para acceder de forma gratuita, directa y en cualquier momento a los mismo productos que tenemos en la televisión y el cine, crearon, a mi forma de ver, un hastío en el telespectador causado por la mala programación de las cadenas televisoras . Esta debacle televisiva tuvo, además, que competir con el brutal despegue de redes sociales y páginas de videos como YouTube.

Es justamente en YouTube donde hemos podido ver, en un periodo de poco más de cinco años, el desarrollo de una plataforma de entretenimiento que ha tenido que modificar su contenido a una velocidad realmente relampagueante. Algunos quizás recuerdan cuando en YouTube la mayoría de videos eran cosas random subidas por los usuarios sin un fin específico, posteriormente se saturó el canal con videos musicales y no tardó en hacer lo mismo con fragmentos de series de televisión y películas. Quizás YouTube hubiese seguido ese camino si no fuese por la cuestión legal de derechos de autor. La mayoría recordamos, estoy seguro, algún canal que frecuentábamos y que fue borrado por esta razón. El retiro de videos con Copyright forzó a los internautas a producir contenidos propios que ellos mismos compartirían sin la presión de que estos pudieran ser eliminados; surgió así la era de la “televisión por internet” (aunque propiamente no era televisión).

Mentes Enfermas 2

En esta etapa es cuando surgen los video blogers (vlogers), esos chicos que se paran frente a la cámara y habla de algún tema en específico (similar a lo que hacemos los blogueros pero en video). Antes de ellos ya habían surgido algunos usuarios que subían videos cómicos pero eran pocos y no se auto reconocían como una comunidad virtual en específico, como ya hacían los blogueros en ese entonces y como posteriormente hicieron los podcasters. A la par de los vlogers surgieron los moneros, chicos amantes de la animación y con algún conocimiento en flash y otros programas simples para animar.

Independientemente del precedente que sentó Huevocartoon como una de las primeras animación flash con fines cómicos, los moneros empezaron, en su mayoría, parodiando series de anime o haciendo videos chuscos que apelaban al albur, al humor ácido, a las historias simples y muchas veces al mal gusto, para agradar a los internautas. Algunos tuvieron un éxito tal que fueron vistos como un producto que podía venderse, sin embargo, no podía venderse a los consumidores, pero sí a los publicistas, quienes encontraron en el astronómico número de visitas una nueva mina de oro para la publicidad. Vlogueros y moneros lograron por fin recibir cierta remuneración por algo que hacían gratis. Esto los llevó a aumentar la producción de sus animaciones pero a reducir su calidad y esencia innovadora, irreverente y de improvisación que tenían en un inicio.

Esta “Animación basura” se convirtió en algo similar a lo que fue conocido en la escena cinematográfica underground como Cine Basura (Trash Cinema) y que ahora muchos de esos largometrajes son cine de culto, eso que renombramos como Serie B. Muchas de estas animaciones flash captaron un público realmente numeroso y fiel, que empezó a apoyar y difundir los trabajos de sus moneros favoritos, convirtiendo a varios de ellos en verdaderas celebridades de internet y creado disputas entre los fans por ver cuál serie es mejor. Independientemente de ello, lo que debemos destacar es el empeño que los moneros ponen en sus obras, pues —al menos en un principio— no recibían ningún pago por el trabajo que hacían, que podía llegar a ser verdaderamente arduo puesto que, además de no disponer de recursos, tenían que hacer todo el proceso de animación por ellos mismos: escribir la historia, diseñar personajes, animar, hacer doblaje y grabar el audio.

Vete a la Versh 1

Los monos como Hobby

La primera razón por la cual los moneros empezaron a subir sus videos fue el gusto, el amor a la animación y el hecho de que significaba un pasatiempo, que para algunos nunca fue más que eso mientras que para otros era una forma de iniciarse en una actividad a la que realmente se querían dedicar. Todos los moneros iniciaron en esto por gusto y posteriormente lograron entrar en la industria y recibir una paga.

Los monos como plataforma de publicidad

Con el bum de YouTube y su programa de Partners, el sueño de muchos internautas se hizo realidad; recibir una paga por jugar videojuegos o subiendo esos videos que por años habían hecho, ahora podría significar una forma para ganarse la vida. Y los moneros no fueron la excepción, Rulo Barrera y RAL-Negas son el mejor ejemplo de ello, tanto que por un tiempo quién atrajo la mayor cantidad de visitas al canal de IrreverenTV fue el Negas.

El hecho por el cual los youtuberos (o youtubers) se convirtieron en un producto redituable es porque ya tenían un mercado cautivo (los espectadores) y un medio de difusión (las animaciones, playgames o vlogs), sólo faltaba el efectivo, que fue lo que los patrocinadores, a través de TvAzteca (para el caso de IrreverenTV) y otras empresas, llegaron a inyectar.

El márquetin. Las empresas de publicidad, si algo tienen, es astucia. Cuando YouTube fue vendido a Google y se abrió a la publicidad permitió que la página obtuviera un margen de ganancias exorbitante. Como Google ganaba dinero con la publicidad un mayor número de visitas significaría un mayor número de ingresos, pero para que las visitas aumentaran debía de proporcionar contenido que atrajera mucho público. Sin embargo, Google no tenía tiempo para proporcionar contenido, pero si los muchos suscriptores que ya de por si hacían videos que muchas veces lograban recaudar miles de visitas al día. Se creó así el sistema de Partners, en el cual los canales suscritos obtendrían visitas a cambio de poner publicidad en sus videos, y mientras más visitas tuvieran más ingresos les generaría. Muchos moneros y principalmente vlogers usaron esto para empezar a recibir ingresos por algo que antes hacían gratis.

El patrocinio. La televisión y las empresas fijaron sus ojos en los videos de la red que tanto atraían a ese público que había dejado la televisión y como eran miles las visitas que recibían, optaron por patrocinarlos para que siguiera subiendo su contenido a cambio de algo de publicidad. Los Youtubers tuvieron así una segunda fuente de ingresos que ya no dependía directamente de la publicidad que insertaba YouTube, sino de los comerciales que los moneros y vlogueros hacían para productos comerciales. Así, las personas que se sentían muy originales por cambiar la tele por el monitor terminaron viendo un producto auspiciado por las marcas y televisoras que tanto criticaban.

Anime News 3

Los monos como plataforma artística

De entre todos los moneros y proyectos existen dos casos muy particulares, el de Darkar y el de Steve Morales. Ambos dedicados netamente a la producción audiovisual y que incluso estudiaron algo relacionado a ello, Animación en el caso de Darkar y Diseño Gráfico en el caso de Steve. Rulo Barrera también estudió Diseño Gráfico y se ha dedicado a ello, pero en cuestión de animación se ha enfocado en los monos, a diferencian de estos dos chicos que realmente quiere dedicarse a la producción de videos y a la animación a un nivel profesional.

Darkar tiene la meta de abrir su propio estudio de animación en California, mientras que Steve busca crear su propia serie original, desde los personajes, hasta la música y el doblaje. Cuando el internet se usa como plataforma para que futuros artistas, músicos o escritores inicien y hagan sus primeros proyectos, creo que realmente estamos haciendo un buen uso de tan increíble herramienta cibernética.

Los monos como plataforma social

Los de Barrio, familia creada por Sergio Navarro y Arturo Lebrija, son el máximo estandarte de denuncia animada, en sus cortos vemos cómo la ignorancia, la falta de oportunidades y la corrupción son los defectos que mantienen a nuestra sociedad sumida en la pobreza y el rezago en todos los aspectos, pero que al mismo tiempo nos dan un perfecto ejemplo de la vida cotidiana y los problemas mundanos a los que muchas familias de clase media-baja se deben enfrentar.

La Familia del Barrio nos retrata, se burla del estereotipo mexicano y al mismo tiempo nos invita a reflexionar sobre todas esas cosa de nuestro país de las que tanto no quejamos pero a las que nunca intentamos cambiar, porque no se trata de cambiarlas a ellas, sino de cambiar nosotros como sociedad y eso es lo que una buena animación debe invitarnos a hacer.

Lo que me he propuesto con ésta introducción es poner en contexto al lector para que pueda apreciar el desarrollo general que la animación amateur encontró en las nuevas plataformas que nos proporcionó internet. Lo que pretendo hacer en ensayos futuros es hablar de algunas de las creaciones y moneros mexicanos más exitosos de la web. Mi intención con esto es hacer un pequeño análisis de cómo una animación que muchas veces es soez y con poco contenido ha logrado crear un impacto tan grande que incluso empieza a sobrepasar el mundo de las redes sociales. En un mundo [virtual] en donde los memes y el humor gráfico simple se han adueñado de internet, la animación chafa es la nueva alternativa frente a una televisión abierta que cada vez resulta más decadente.

Animación Basura II: Mentes Enfermas
Animación Basura III: Ral Animation Studios
Animación Basura IV: Cha Studios
Animación Basura V: La Familia de Barrio
Animación Basura VI: Vete a la Versh
Animación Basura VII: Producto Robot
Animación Basura VIII: La alternancia en internet

Animación Basura VIII: La Alternancia de Internet

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Nota: El siguiente ensayo corresponde a la octava entrega de la serie Animación Basura, sin embargo, su fecha de publicación fue adelantada para coincidir con los tiempos políticos. El siguiente ensayo no es un análisis político, es un análisis de animación.

Quienes tengan la edad suficiente para recordar y haberse interesado por las elecciones para presidente de la república del 2006 (lo digo así porque en ese año muchos no teníamos aún la edad para votar), seguramente habrán visto alguno de los múltiples programas de sátira política que fueron televisados ese año. Tv Azteca y principalmente Televisa crearon variadas parodias en las que ridiculizaban a los entonces candidatos. Probablemente la más conocida de ellas fuera la serie/telenovela El Privilegio de Mandar, transmitida por el Canal 2 en horario estelar de los domingos (creo). Independientemente de que la sátira política tenga sus raíces siglos atrás (desde griegos, juglares o el Marqués de Sade) existe una diferencia sustancial entre el pasado año electoral del 2006 y el 2012: la simple presencia o ausencia de este tipo de contenidos en televisión abierta nacional.

A excepción de El Debatillo, producido por Televisa, que fue básicamente una crítica al concepto de Debate, los mexicanos no pudimos disfrutar de tan necesario elemento cómico. La peculiaridad de El Debatillo fue el hecho de que no satirizó a ningún candidato, los personajes que “debatieron” pertenecen a distintos programas de comedia. Y con esto no digo que la idea de Televisa haya sido mala, sino que se nota a leguas el compromiso de las televisoras con uno u otro candidato y que por esa misma razón no tuvieron el valor para parodiarlos y burlarse de ellos como lo han hecho otras tantas veces. Este año no tuvimos a un Chente, un Roberto, un Peje o un Calderón interpretados magistralmente por Arath de la Torre y los Mascabrothers, tampoco contamos con los queridos Peluches de Tv Azteca. Este año la alternancia televisiva estuvo en Internet.

A falta de contenido en la televisión abierta, el mexicano ha tenido que cambiar la pantalla chica por el monitor. Este año fue en las redes sociales donde los movimientos estudiantiles (como el Yo soy 132) pudieron surgir y difundir sus propuestas; Tlatelolco fue cambiado en esta ocasión por innumerables Muros en Facebook. También fue en la red donde la sátira política tuvo lugar y donde la animación, como distensor social, probó una vez más ser un excelente medio de reflexión y análisis cultural.

Los moneros de YouTube nos regalaron en esta ocasión a tres simpáticos candidatos que competirían mano a mano con Peña Nieto, Josefina, AMLO y Quadri. Y tampoco debemos olvidar la excelente sátira política que Huevocartoon produjo son su serie Huevos a la Política, con ese humor y doble sentido que los caracteriza. “El Noruego”, El Negas y el Dr. Gokú se lazaron como candidatos y demostraron que no hace falta ser de carne y hueso para ganar la presidencia y el cariño de la gente, basta con estar bien animado.

PARTIDO NACIONAL

El PN o Partido Nacional es el partido político mediante el cual “El Noruego”, como gustado miembro de La Familia del Barrio, lanza su candidatura a la presidencia. Las sátiras que Los del Barrio hicieron se enfocan en el debate, el proselitismo de las campañas y los spots en televisión.

Lo que hace tan genial a esta parodia, además de la atinada caricaturización de los candidatos (mi favorita tengo que admitir), es el reflejo fiel pero exagerado de los clichés que la personalidad de cada uno han producido y con los que el público se ha familiarizado. Tenemos así a un guapo pero hueco Enrique, a una aburrida Josefina, a un pacheco Quiadri y a un complotista AMLO.

Sin tapujos, sin “pelos en la lengua” (como decimos en México), sin miedo, con irreverencia y franca libertad, Los del Barrio nos dieron la oportunidad de relajarnos, divertirnos y burlarnos de aquellos hombres (y mujer) de poder a los que si no fuera por la sátira política los mexicanos promedio nunca podríamos rebajar a nuestro nivel. Un nivel en donde la ignorancia, además de ser el opio de las masas, resulta ser el mejor aliado del populismo, el acarreo y el cambio de votos por despensas.

PARTIDO NUEVO VALE VERGA

El PNVV o Partido Nuevo Vale Verga (o de manera no oficial: Peña Nieto Vale Verga), es el partido político mediante el cual el Negas lanza su candidatura a la presidencia. Negas, Don Makila, o como gusten llamarle, en esta ocasión toma el papel de Peña Nieto, luciendo un flamante copete, una operada barbilla y una fiel gaviota al hombro.

RAL nos regala una divertida parodia de los candidatos muy a su quejumbroso estilo y deja expuesta de manera un tanto evidente su simpatía política (que obvio no es por el PRI). Peña-Negas, Robotina Vazquez Mota, Quiadri y AMLO compiten y debaten para ganar los votos y simpatía del pueblo, mintiendo y alardeando para demostrar que son la menos “pior” de las opciones. Y si bien la propuesta de RAL es la menos desarrollada y se encasilla es su estilo personal, al menos es una opción más para ver por Internet.

“Se me hace fácil”

Con esa peculiar frase y aquella que dice: “la fuerza de Gokú, la fuerza de la gente, Gokú presidente”, es que ubicamos al Dr. Gokú, quien como candidato independiente busca ganar la presidencia, defendernos de los malos y proteger a la nación de invasiones extraterrestres.

Después de algún tiempo sin saber nada de la gustada serie de Mentes Enfermas, Rulo Barrera regresa a escena aprovechando de manera inmejorable los tiempos políticos y reposicionando al Dr. Gokú entre las redes sociales y los fans, quienes esperaban más aventuras de tan querido héroe luego del decepcionante final de la serie. Y aunque no se continúe con una nueva temporada, Rulo ya logró dejar grabada en la memoria colectiva de los internautas a su creación por varios años más.

La campaña de Gokú, si bien es la más austera, quizás sea la que más seguidores tiene. La sátira en la que Rulo se ha enfocado es principalmente en los spots publicitarios y en el debate, presentando a los candidatos como son pero haciendo una inteligente mezcla de Vázquez Mota con Babidi y utilizando de manera magistral el símbolo que el perverso mago ostenta en su cinturón (esa especie de M).

Huevos a la Política

No podía faltar, entre la sátira animada de internet, a los primeros personajes que alcanzaron fama a nivel internacional. Huevocartoon produjo una excelente sátira de las campañas electorales, los debates, las propuestas y los intereses de las personas que están detrás de cada candidato. Además, aprovechó cada rasgo de la personalidad y cada error que los políticos tuvieron durante estos meses, como aquel mentado incidente de Peña con los libros y el lugar al que se irá Obrador si no gana la presidencia (su rancho en la Chingada), para burlarse de ellos.

En lo personal considero que la propuesta de los Huevos es la más astuta, temeraria y peligrosa, pues no se escudan tras un personaje ya creado como en los casos anteriores, sino que van de lleno contra los candidatos, aunque claro, los ahuevan como es costumbre.

Tal vez los videos de los Huevos no son los más divertidos, pero son los únicos que enfatizan en los mensajes intertextuales que esconden los discursos de los candidatos, en las personalidades que están detrás de ellos (como Salinas) y en intereses de ciertas clases para apoyar a determinado personaje.

Como podemos apreciar, el internet no sólo fue una herramienta para los movimientos sociales, sino un escaparate para que el pueblo de mexicano olvidara la frustración, el estrés y el constante bombardeo de los spots en la tv. Los moneros nos permitieron reír y burlarnos de aquel que nos gobernará los próximos seis años, y sin importar que nos espere siempre podremos recurrir a la sátira para reír en vez de llorar. Finalmente, espero que hayan ido a votar y recuerden: no peleen por ser de izquierda o de derecha, todos somos de abajo y podemos hacer temblar a los de arriba.

Animación Basura I: Introducción
Animación Basura II: Mentes Enfermas
Animación Basura III: Ral Animation Studios
Animación Basura IV: Cha Studios
Animación Basura V: La Familia de Barrio
Animación Basura VI: Vete a la Versh
Animación Basura VII: Producto Robot

La Conferencia de los Animales

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Título Original: Die Konferenz der Tier.
Género(s): Fantasía, Comedía.
Director: Curt Linda.
Estudio: Linda Film.
Emisión: 1969.
Duración: 95 minutos.
Extras:–

No acostumbro recomendar nada que no haya visto, pero la realidad es que sí vi está película, sólo que me resultó imposible encontrarla en español y mi alemán no es tan bueno, de cualquier forma, si conoces de que va la historia te será fácil entender toda la obra únicamente por lo que pasa en las escenas sin la necesidad de diálogos.

La Conferencia de los Animales está basada en el cuento de Erich Kärsten que lleva el mismo nombre y fue publicado en 1949 como una súplica para dar fin a los conflictos bélicos, trauma heredado de la Segunda Guerra Mundial. Además de ser un parteaguas dentro de su propio género al meter temáticas políticas en un aparente cuento infantil, resulta ser la primera obra de animación alemana a color.

En cuanto al aspecto técnico no hay mucho que decir. Si comparamos la animación con la de ahora (cosa que me resulta innecesaria) es obvio que se verá simple y de baja calidad, pero para su tiempo creo que debió resultar algo novedoso, simplemente por la incursión del color. Los escenarios son algo cutres, hay que admitirlo, y repetitivos hasta el hartazgo, sobre todo en las escenas donde los animales corren sin parar. El diseño de los animales es gracioso y me recuerda a esas figuritas de plástico barato. Lo que si destaca y mucho es la música, con sus bellas y pegajosas melodías que sólo pueden describirse con la palabra “carnavalesca” y lo incitan a uno a menear los hombros.

Y de qué va la obra. Pues bien, al principio vemos un circo incendiarse, los adultos corren para salvarse dejando a los animales a su suerte, que para su fortuna son liberados por los niños y salvados de las llamas. Los animales regresan a sus respectivos hábitats, agradecidos con los chiquillos. Tiempo después se desata una guerra y los animales se enteran de aquel conflicto. Enojados por la incompetencia de los humanos para mantener la paz deciden actuar por su cuenta, convocan entonces a todas las criaturas (niños incluidos) a la gran conferencia de los animales.

Toda la fauna del planeta se reúne con la finalidad de hacer entrar en razón a los humanos y boicotear sus planes de guerra. Sin embargo, los militares se enteran y arremeten contra ellos usando la mejor maquinaria del ejército, la Soldatenmaschiene (máquina de soldados), que no es más que una ingeniosa metáfora visual que ilustra el proceso de lavado de mente y manipulación que el ejército ejerce sobre su milicia. Al final los animales triunfan y todo tiene un desenlace feliz.

Al filmarse después de la guerra y con Alemania aún dividida (el filme corresponde a la Alemania Occidental) podemos ver en ella un reflejo de la necesidad de paz y seguridad por parte de la gente. Linda y Kärsten usan el cuento como un medio para exigir paz, a diferencia de la cinematografía japonesa que refleja los horrores de la guerra o el comic americano que clama por un justiciero anónimo que los proteja. El cuento no sólo tiene un claro mensaje político, sino que nos muestra que toda la naturaleza sufre por las malas decisiones de los humanos, así que también lleva un mensaje ecológico.

Ya para terminar, debemos decir que la obra es bastante larga y puede llegar a ser tediosa debido a que hay muchas escenas de más, quizás la mitad de la obra son escenas que pudieron resumirse u omitirse pues realmente no aportan nada, sólo muestran a los animales caminando. De cualquier forma es una buena recomendación y una obra clásica, yo me atrevería a decir que hasta histórica, de la animación alemana.

En 2010 se estrenó una nueva versión de esta cinta, con una animación moderna y un diseño similar a la película Madagascar. No obstante, yo recomiendo de preferencia ver el filme original o en su caso leer la novela, que se encuentra traducida al español y puede ser más fácil de conseguir que una versión subtitulada de la vieja producción alemana.

El Café en retrospectiva, a cinco años de bloguear

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En alguno de los Podcast de Olallo Rubio, el Warping comentó que aquello que nos certificaba como bluseros, metaleros o cualquier cosa es el tiempo. Después de este primer lustro ininterrumpido en la red creo que ya puedo considerarme un bloguero, pero más importante aún, podemos considerar al Café como un blog consolidado, con una propuesta original y la intención de llegar a un grupo de lectores más especializado.

Bloguear, a pesar de lo que digan los escritores de a papel, también es un arte, es literatura y contiene información, aunque nadie nos edite. Pero sin importar lo mucho que escribamos o lo bueno que sea el contenido de lo que publiquemos, serán los lectores quienes nos dará la pauta para que nuestro trabajo pueda ser tomado en cuenta. Esta entrada no es para conmemorarme a mí, sí para festejar al blog, pero principalmente para agradecerles a lectores y colaboradores su interés, preferencia y ayuda durante estos primero cinco años.

Café Anime Lair, que en aquellos años de 2007 era conocido (y conocido entre comillas porque realmente la cantidad de lectores era mínima) como “Piedra, Papel o Tijera” empezó con reseñas cortas de unos tres párrafos como máximo, pésimas, de horrenda calidad y plagadas de faltas de ortografía así como de lugares comunes. La idea en ese entonces realmente no existía. Sin embargo, con el paso de los años, mi interés por la Ciencia Ficción, mi repentina atracción por el séptimo arte y el constante apoyo de Vossk, el Café extendió sus horizonte y me di cuenta de que existe en la animación algo más que un montón de frikis disfrazados en las convenciones. Surgió así la idea de analizar —desde la perspectiva de las Ciencias Sociales pero sin el rigor científico— este creciente fenómeno animado.

De esta forma iniciamos una nueva etapa en este modesto sitio de internet, con un camino de cinco años que dejamos a nuestras espaldas pero con muchos años más (espero) por delante. Para terminar mi participación en esta entrada, quiero agradecer a mi gran y querido amigo Vossk por todos estos años de consejos, ideas, aportes y correcciones, que en mayor o menor medida han hecho del Café lo que es hoy en día, y le agradezco por evitar que en numerosas ocasiones me desviara de la idea original del blog. También quiero hacer una breve mención de Mike, quien se integra como colaborador en un esfuerzo por ampliar el tipo de contenido de su blog y el mío.

  • Vossk: “Conozco este espacio desde su creación en el difunto Spaces. En un principio, se enfocó al ámbito de la animación japonesa. Sin embargo, el negocio de reseñar anime está sobresaturado y es extremadamente competitivo. Con eso en mente, Spidy ha dado un paso más adelante, ampliando su radio de acción para abarcar otros temas de actualidad que nuestros visitantes encontrarán muy interesantes”
  • Mike: “En plena era digital, y con la proliferación de los blogs, tenemos en nuestras manos un cúmulo inmenso de contenido a nuestra disposición, sin embargo, y sin demeritar el trabajo de nadie, la gran mayoría de este contenido se decanta hacia lo popular y más reciente, de aquí que una propuesta como la de Café Anime Lair resulta refrescante, ilustrativa y elogiables por su compromiso de poner de manifiesto facetas no tan evidentes de la animación en general. De aquí que como futuro colaborador no puedo más que sentirme totalmente agradecido por permitirme aportar mi granito de arena a este excelente proyecto, esperando que mis aportaciones sean sustanciales e ilustrativas”

Después de las palabras de los colaboradores, los dejo con la primera reseña que publiqué en el viejo blog para que se den una idea del crecimiento que el Café ha tenido. La reseña fue modificada para mejorar la ortografía y sintaxis, pero mantiene toda su esencia original.

Egao

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Egao 1

Título Original: 笑顔 (Egao).
Género(s): Audiovisual, Shôjo, Drama, Kemono.
Director: Makoto Shinkai.
Estudio: M. Shinkai/CW.
Duración: 2:14 minutos.
Emisión: 2003.
Extras: –

Egao es un pequeño clip musical creado por Makoto Shinkai mientras realizaba la producción de Kumo no Mokô Yakusoku no Basho. El video fue creado para el programa Mina no Uta (canciones para todos) de la cadena NHK y la canción fue interpretada por Hiromi Iwasaki. Existen cuatro versiones del video, la primera es la versión para la televisión y las otras tres fueron lanzadas únicamente en DVD. La segunda versión tiene un estilo de borrador, parecido a un storyboard, la tercera se centra únicamente en los detalles de los escenarios, y la cuarta nos presenta el video original visto desde diferentes ángulos.

Este video es sin duda uno de los trabajos más impactante de Makoto, pues a pesar de ser tan corto, hace muchísimas referencias a sus trabajos previos, incluso algunas —como las hojas de cerezo— serían evidentes en su posterior largometraje, 5 Centímetros por Segundo. El video se basa principalmente en dos de las obras de Shinkai, Kanojo to kanojo no neko y Hoshi no Koe.

Egao puede considerarse una historia alternativa o precuela de Kanojo, pues la historia, la trama y el departamento (escenario) son prácticamente los mismos. La principal diferencia entre las dos es el estilo de dibujo, ya que la simpleza de Egao le da una apariencia de ternura y sencillez, mientras que el formato a blanco y negro de Kanojo le otorga un aspecto de seriedad.

Sin duda, es un pequeño clip que aglutina toda la maestría de Shinkai en sólo unos minutos, razón por la cual vale la pena verlo. Además, la canción es totalmente congruente con las escenas y realiza la función de narrador dada la falta de diálogos.