Aeon Flux cortos

Aeon Flux 1

Título Original: Æon Flux.
Género(s): Ciencia Ficción.
Director: Peter Chung.
Estudio: MTV Animations.
Emisión: 1991.
Duración: 6 Cortos.
Extras:

Æon Flux surgió con un video piloto al que le siguieron cinco cortometrajes de corta duración que se transmitieron en el espacio Liquid Televisión de MTV. Posteriormente, su popularidad influyó en la creación de una serie de mayor duración que fue escrita y dirigida por el coreano Peter Chung, quien ha participado en trabajos como Animatrix y Dark Fury. Actualmente Æon Flux es una de las mayores series de culto, pues su compleja trama, sus distópicos escenarios y su excelente arreglo musical, que corrió a cargo de Drew Newman, le han valido un gran reconocimiento por parte de los espectadores más críticos y de los fieles seguidores de la ciencia ficción underground.

El diseño general de la obra es el clásico de las animaciones noventeras que se televisaban por la entonces cadena de videos musicales, con un diseño simple, rasgos físicos crudos pero con cierta estética muy característica de Peter Chung, unos escenarios muy rectos y cuadrados (lo cual no es malo) y una banda sonora sublime, la cual —sumada a la espectacular animación 2D— nos regalan geniales escenas de violencia estilizada.

Aeon Flux corto 1

Además de las obvias referencias e influencias del anime japonés, Chung se inspira en el surrealismo, la metaforización de imágenes y el humor negro. Asimismo, genera historias complejas con diferentes hilos argumentales que obligan al espectador a inferir qué es lo que pasa, aunado a la ausencia de diálogos y a una serie de giros argumentales que terminan por dejarnos con más preguntas que respuestas.

La historia es compleja porque cada corto es un mundo en sí mismo y no comparte elementos con ningún otro, salvo los personajes. Además, los extraños elementos de ficción futurista nos incitan a imaginar un trasfondo mucho más complejo de que lo posiblemente es con tal de explicarnos qué es lo que acabamos de ver. Por dichas razones se ha convertido en una pieza iconográfica de la ciencia ficción animada y en uno de los programas más elogiados de MTV.

Aeon Flux corto 2

Piloto

Es el primer corto. En él vemos a Aeon infiltrarse en una base secreta al tiempo que acribilla al ejército de guardias que custodian el edificio. Vemos un descomunal despliegue de armas y sangre, así como un extraño insecto que infecta a las personas. Al final, un intrincado giro argumental cambia por completo nuestra percepción de las cosas.

War

Nos muestra una batalla entre los agentes a los cuales pertenece Aeon y un ejército rival. Lo genial en éste corto son los constantes e inesperados cambios de protagonista, pues al morir uno, otro toma su lugar. Al final vemos que ambos ejércitos luchan por un fin particular.

Gravity

Vemos a Aeon caer del cielo hacia un tren mientras observa a sus enemigos subir algo por un acantilado. La imagen del video se corta de repente y el resto es sólo audio, el cual nos rebelará qué sucedió con Aeon si escuchamos con cuidado.

Aeon Flux corto 4

Leisure

Aeon está en su cocina buscando huevos, como se han agotado va en busca de ellos a una nave extraterrestre, donde será perseguida por un furioso alienígena

Mirror

Aeon se infiltra a una casa pero tiene un contratiempo con la cámara de seguridad, la cual le hará perder el tiempo y su distracción le costará caro.

Tide

Aeon, su prisionero y una aparente compañera bajan por un elevador. Aeon busca la cerradura indicada e intenta impedir que los enemigos implanten un dispositivo en la plataforma del edificio. Desafortunadamente nada es lo que parece y al final todo se complica con dobles y triples traiciones que desembocan en un genial chiste de humor negro.

The Devil Went Down to Georgia

The Devil Went to Georgia 1

Título Original: The Devil Went Down to Georgia.
Género(s): Clip Musical, Audiovisual, Sobrenatural.
Director: Mike Johnson.
Estudio: Fat Cactus Film.
Emisión: 1996.
Duración: 4:36 minutos.
Extras:

The Devil Went Down to Georgia es una canción de 1979 escrita originalmente por The Charlie Daniels Band. En 1996 la banda Primus realizó un cover, el cual lazó en 1998 en su álbum Rhinosplasty, que estaba acompañado de un DVD llamado Videoplasty (relanzado en 2003), en el cual se incluía el videoclip de la canción en modalidad Claymation.

La animación, pese a ser en Stop Motion y tener casi dos décadas de vida, presenta una calidad increíble, pues la fluidez de sus escenas, el realismo de sus bailes y la gracias de sus personajes, hacen de ella una verdadera joya animada. Sin olvidar la rítmica melodía que nos incita a bailar junto a los personajes.

El video nos muestra el intento del Diablo por robar el alma de un campesino llamado Johnny, a quien reta a un duelo musical, sin embargo, la destreza de Johnny en el violín humilla los no tan sobresalientes acordes del demonio.

El clip es simplemente genial, la historia es graciosa, la música pegajosa, el diseño de personajes muy atinado y la animación impecable, así que tiene todo para que podamos considerarlo uno de los mejores videos musicales animados. Una perfecta recomendación para los fans del Country, Primus o el Stop Motion.

El Huevo del Ángel

Título Original: 天使のたまご (Tenshi no Tamago).
Género(s): Experimental, […].
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Studio Deen.
Emisión: 1985.
Duración: 71 minutos.
Extras:

En algunas ocasiones, a los fanáticos de la animación nos llega una etapa en la que buscamos algo diferente, algo que no sea la misma basura comercial que todos ven, algo que nos invite a pensar y reflexionar. En esta búsqueda es cuando encontramos pequeñas joyas animadas, tal es el caso de Tenshi no Tamago, una OVA producida por Takuma Shoten y musicalizada por Yoshihiro Kano, totalmente sui generis y extraña a más no poder.

La calidad técnica es buena para su tiempo, incluso comparándola con los estándares actuales, aunque tampoco es que busque asombrar por sus elementos artísticos. De entre todos los aspectos, el apartado sonoro es el que más sobresale, la música es muy buena y junto con el sonido ambiental crea una atmósfera tétrica perfectamente acoplada al ritmo de la obra que nos sumerge en un mundo frio, aletargado y decadente. El diseño de personajes y escenarios es muy característico de los ochenta. Los personajes tienen un raro encanto que los hace atractivos, pero son los paisajes lo que se ganan al público, pues trasforman a la tierra en un planeta extraño y atemorizante. Además de lo anterior se hace uso de imágenes difusas, escenas extrañamente estáticas y cuadros en negros que no indican cambios de escena sino de perspectiva.

La historia gira en torno a una extraña niña que vaga por una ciudad en ruinas mientras cuida un huevo. De repente, un extraño hombre se acerca a ella y le pregunta por el contenido de aquel misterioso huevo. La niña no le responde pero le pide que no lo dañe. Con el paso del tiempo la niña le adquirirá más confianza y juntos nos develarán un poco del trasfondo de la historia, dejando el resto a la interpretación del espectador.

Es realmente difícil describir la historia de esta obra, pues la cantidad de diálogos es mínima y no nos revelan los secretos que se ocultan en la misteriosa ciudad ni en aquel preciado huevo. La ciudad —que posee una arquitectura de estilo europeo— parece haber sido devastada por la guerra, no queda, salvo la pequeña niña, nadie que la habite, tan sólo unas pocas estatuas de pescadores que en ocasiones vuelven a la vida para capturar un pez, pero no son más que una metáfora del antiguo esplendor que la humanidad tuvo y que ahora queda sólo como una sombra.

La obra es simbólica a más no poder, densa y algunos dirían que hasta indigerible. Tiene tantas lagunas en su historia que resulta difícil llenar los huecos. Sin embargo, eso la hace atractiva, pues uno sólo sabe que cada elemento, por mínimo que éste sea, fue puesto ahí por alguna razón y posee un significado; la emoción radica precisamente en tratar de otorgarles un significado. Como resulta obvio, la obra no es para todo público, es lenta en su ritmo y tiene un final tan inconcluso que irremediablemente dudaremos sobre todo lo que hayamos inferido hasta entonces.

La cantidad de simbolismo sólo pueda ser determinada por sus creadores, pero existe uno muy particular, el agua. El vital líquido es usado aquí como un símbolo de vida, asociado a la madre, el vientre y la gestación, por algo el huevo es la imagen icónica del filme. El hecho de que el personaje principal sea una mujer junto a los elementos antes citados nos trata de decir que aún en un lugar tan desolado y triste algo tan bello y delicado puede aferrarse a la vida. La delicadeza de la niña contrasta con su fortaleza por ser mujer y eso se hace evidente en el hecho de que pudo sobrevivir sola en aquella ciudad, aquel misterioso hombre que la sigue tan sólo le sirve de compañía y la hace sentir más segura, pero no es para nada indispensable.

Otro mensaje importante, además de aquellos que aluden al Cristianismo, pues durante la obra se citan algunas frases de la biblia (sobre todo del Diluvio), es el de la soledad. Parece extraño que únicamente cuando los dos personajes principales están juntos por primera vez es que notamos que habían estado solos todo el tiempo.

Tenshi no Tamago es una de esas obras que uno no entiende pero no puede dejar de ver. Y realmente no hay que tratar de entenderla, simplemente hay que enfocarnos en sentir las emociones que nos produce. La perfecta recomendación para quien busca animación diferente y para aquellos fanáticos de la Ciencia Ficción ochentera

The Parachute Ending

Título Original: The Parachute Ending.
Género(s): Ciencia Ficción Psicodélica.
Director: Steve Scott.
Estudio: Not to Scale.
Emisión: 2009.
Duración: 3:20 minutos.
Extras:

The Parachute Ending es uno de esos trabajos que uno ve casi por casualidad, de tintes experimentales y sin una historia clara, carente de todo diálogo y completamente libre a la interpretación de cada espectador. Sin embargo, resulta ser un excelente ejemplo de Ciencia Ficción Psicodélica, pues logra evocar una sinestesia gracias a sus multiformes escenarios llenos de color y acompañados de música electrónica.

El corto es en realidad el clip musical de la canción homónima del grupo francés Birdy Nam Nam, quienes —al igual que sus compatriotas de Daft Punk con el filme Interstella5555 de Leiji Matsumoto— optaron por la animación para crear el video de su sencillo. El estilo de música es similar al ya citado dueto francés y se acopla de manera adecuada a las delirantes escenas del corto, y aunque en lo personal no me gusta este tipo de música, resulta ser un elemento importante en la creación de psicodelias. Centrándonos en el elemento visual, resulta muy atractivo tratar de imaginar cuál es la historia tras las peculiares imágenes que estamos observando, las cuales retoman la esencia del clásico europeo de 1973 La Planète Sauvage de René Laloux.

Fantasy

Título Original: Fantasy.
Género(s): Audiovisual, Bizarre, Teenploitation.
Director: Jérémie Périn.
Estudio: [producido por: Excuse My French / PH & Tigersushi].
Emisión: 2011.
Duración: 3:35 minutos.
Extras:

Muchos grupos musicales han tenido la atinada idea de realizar sus videoclips apoyándose de la animación, Bandas como Gorillaz o el DJ japonés Ken Ishii han sacado un gran provecho de este peculiar formato de trabajo y no sólo han logrado posicionar sus canciones en el gusto del público, sino que en ocasiones han logrado regalarnos verdaderas obras maestras e historias que rayan en lo inverosímil pero sin dejar de ser asombrosas. Éste es el caso de la banda francesa de electro-pop DYE, quien nos sorprende con un video que aborda las más oscuras visiones del despertar sexual, desarrollando un género muy poco usual dentro de mundo de la música y retomando la esencia de la animación japonesa.

El corto presenta una calidad de animación impecable, un excelente diseño de personajes y un inigualable acompañamiento musical de toques ochenteros, así como una interesante historia en la que muchos jóvenes podrán verse reflejados y cuya ausencia de diálogos permite una libre interpretación. El corto nos narra la historia de cuatro adolescentes preparatorianos que irrumpen en una piscina pública a media noche. Y lo que inició como un inocente nado nocturno se tornará en algo romántico que explotará el deseo sexual de sus protagonistas.

La interpretación que puede dársele a la obra es muy extensa, pero de manera general el video trata de mostrarnos el despertar sexual de una chica que en un principio se reusaba a aceptar y entender esas nuevas sensaciones, distorsionando en algo grotesco todo lo referente al sexo y tratándose de aferrar a su ya concluida infancia. Entrar en ese nuevo mundo lleno de emociones y acercamientos antes desconocidos puede ser atemorizante para algunas personas y el clip sabe ejemplificárnoslo de manera magistral, pero también sabe cómo mostrarnos de manera indirecta la pérdida de esa inocencia.

Independientemente del apartado erótico, lo que me cautivó del video fueron las referencias a las obras en las que está basado. Por una parte desarrolla de manera extraordinaria el género Bizarre, propio de la Serie B y el cine de Horror-Erótico (aunque más bien pornográfico) japonés. La analogía grotesca que hace de lo sexual es retomada de películas como Society de Brian Yuzna (1989) y Cosas Feas de Isaac Ezban (2010); incluso podemos observar cierta similitud con una escena de Kids de Larry Clark (1995).

Interstella 5555

 

Título Original: インターステラ 5555 (Intaasutera 5555)
Género(s): Ciencia Ficción/Space Opera, Romance, Drama, Audiovisual.
Director: Leiji Matsumoto y Kazuhisa Takenouchi.
Música por: Daft Punk, álbum “Discovery”.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: Diciembre de 2001.
Duración: 68 minutos.
Extras:

Dirigida por el experto japonés en Space Opera, Leiji Matsumoto, y musicalizada por el dueto francés Daft Punk, Interstella 5555 es una magistral obra de animación que mezcla todas las características de la Ciencia Ficción japonesa y el video musical, para lograr un filme dramático y emotivo que retoma la concepción de la música como lenguaje universal.

La calidad de animación es grandiosa, con escenarios psicodélico llenos de luz y sonido que nos sitúan en un planeta ajeno pero al mismo tiempo un tanto familiar. El diseño de personajes es el clásico de los trabajos de Matsumoto, quien es un maestro en la reutilización de personajes. La personalidad de estos se refleja de manera magistral y es fácilmente entendible a pesar de la ausencia de diálogos. La música es sin duda la parte fundamental, pues son sus ritmos y letras quienes nos cuentan la historia,  pues la obra no es más que el video musical del álbum Discovery, pero contado de una manera elocuente a través de cada una de las canciones.

La película nos cuenta la historia de una galaxia lejana, donde la música es el principal vehículo de comunicación, y donde la avaricia de la humanidad y la codicia de un hombre por tener el mejor grupo musical pondrán en peligro la estabilidad del universo. Una banda de extraterrestres es secuestrada por un mezquino empresario terrícola, quien lucrará con el talento de los músicos y los explotará hasta el cansancio, alejándolos de sus seres queridos y forzándolos a olvidar su antigua vida.

Realmente no hay mucho que decir al respecto, la película es muy agradable, tiene una trama simple, personajes atractivos, acción, aventura, romance y un poco de nostalgia. Sin embargo, a pesar de ser una Space Opera, no se exime de la crítica social, muy matizada, nada compleja y sin elevadas pretensiones, pues lo único que busca es mostrar cómo la mediatización en el ambiente artístico muchas veces (casi siempre) otorga beneficios sólo a la parte administrativa y no a los artistas reales.

Gorillaz

Dentro del mundo de la animación existe una gran diversidad de trabajos que hacen uso de este tipo de técnicas. Uno de los mejor ejemplos es la banda virtual Gorillaz, creada en 1998 por el cantante británico Damon Albarn y el artista Jamie Hewlett. Este grupo musical se ha caracterizado por sus novedosas animaciones, su peculiar diseño de personajes, su vasto repertorio de estilos musicales y la forma en que hace interactuar personajes virtuales con público en vivo.

El ascenso del ogro

Gorillaz se integra por cuatro personajes: El sádico, pervertido y degenerado Murdoc Niccals; el torpe, bien educado, sin ojos, amante de los zombis, 2D (Stu-Pot); el rapero poseído imán de los fantasmas, Russell Hobbs, y la pequeña japonesa experta en armas y artes marciales, Noodle. Todos de orígenes muy distintos pero con una historia en común, plagada de tormentos, accidentes y tétricas experiencias.

En sus inicios Gorillaz nos mostraba videos donde los personajes y los escenarios eran totalmente animados, principalmente en su primer álbum, el cual lleva el nombre de la banda. En su segunda etapa, el álbum Demon Days, ya es posible ver un crecimiento y madures en el estilo musical, en los personajes y en la animación en general, pues nuestros protagonistas ya interactúan en escenarios reales. Para la siguiente etapa, el álbum Plastic Beach, el desarrollo argumental de sus videos ya estaba totalmente estructurado y tanto las canciones como los clips musicales nos cuentan una historia que lleva el nombre de Journey to Plastic Beach y se integra por los videos Stylo y On Malancholy Hill. Sin embargo, a lo largo de todos los videos y canciones —desde el primer álbum— es posible inferir la historia de la banda.

La historia es algo que ha interesado a un conjunto muy amplio de sus seguidores, incluso más que la propia música. Podríamos decir que existen dos clases de fans, aquellos que disfrutan de su inigualable repertorio musical y aquellos interesados en los personajes y la animación, aunque ambos aspectos se complementan. Asimismo, es difícil inferir si la historia fue creada desde el principio o si se fue desarrollando con forme la banda crecía, pero de cualquier forma se obtiene un resultado perfecto: una banda misteriosa basada en personajes animados, con una historia oscura y siniestra, un estudio embrujado con zombis y fantasmas, y una serie de videos que describen —en parte y de manera muy velada— la historia del grupo.

Independientemente de la historia interna (la banda) y la externa (la gente real detrás del proyecto), Gorillaz hace una interesante propuesta audiovisual que busca conjuntar buena música, personajes atractivos y una historia con muchos huecos para provocar mayor interés por parte del público que quiera conocer los pormenores de la banda. Esto ha llevado a la creación del libro The Rise of the Ogre, donde se cuenta la historia del grupo en una especie de entrevista a manera de biografía. También han surgido rumores por parte de los fans sobre una supuesta relación entre Noodle y 2D.

Gorillaz, asesinos de las celebridades inútiles

Gorillaz surgió en una época en la que el público buscaba tener mayor interacción con los grupos musicales y aún no existían las redes sociales que actualmente facilitan esa tarea. Sin embargo, la banda logró esto a pesar de ser virtual, pues ofrecía una plataforma alternativa a través de su página de internet. Esa facilidad que una banda animada tenía para acercarse a sus seguidores, aprovechando la creciente popularidad de la web en los sectores de clase media, fue lo que catapultó la popularidad del grupo, sin olvidar su enorme calidad musical y su crítica de los estereotipos musicales de los crecientes artistas de plástico.

Damon Albarn buscaba crear un grupo que rompiera con los estereotipos de las bandas artificiales, para esto creó a la banda más artificial del mundo, una banda virtual, más artificial que cualquiera pero con verdadera música que sabía explotar diversos estilos musicales y no le daba miedo experimentar a fin de crear algo novedoso que no se estancara en la música comercial que actualmente domina el mercado. Dicha originalidad sonora dio como resultado un estilo muy particular, que Gorillaz bautizó como el Dark Pop Zombie Hip-hop, el en cual se vierten elementos de la música japonesa, latina, reggae, pop, punk, rock, electrónica, entre muchos otros.

Gorillaz es en realidad un grupo colaborativo, una banda cuyas canciones son el resultado de la integración de un sin número de estilos, géneros y músicos diferentes. Podríamos decir que es un trabajo multidisciplinario, cuya voz toma presencia con Murdoc, 2D, Russell y Noodle.

Esa extraña mezcla musical es lo que ha hecho grande a este grupo, pues por una parte podemos centrarnos es sus múltiples influencias musicales que sus colaboradores y Albarn han vertido en él, o podemos quedarnos con la tétrica historia ficticia de los personajes virtuales. De cualquier forma el público es el que sale ganando.

Kong Studios

Como toda buena banda, Gorillaz debía tener un lugar base para su proyecto, y este lugar es Kong Studios, un gigantesco edificio abandonado, embrujado y plagado de zombis, con una historia tanto o más truculenta que la de sus personajes. La peculiaridad del los estudios Kong radica en que no sólo es el hogar del grupo, sino que es un espacio virtual que podemos visitar mediante su página de internet. Esta posibilidad de conocer la intimidad, el proceso creativo y las áreas en que habitan los personajes es algo que muy difícilmente podríamos hacer con un grupo real. Sin embargo, la animación hace posible acercarnos más que nunca a nuestros ídolos musicales.

El dinamismo que la página web otorgó al proyecto facilitó su popularidad y ayudó a que cada vez más gente supiera de Gorillaz y de su nueva propuesta musical y visual. Los Kong Studios se convirtieron así en un elemento más para el grupo, que no sólo era parte de su historia, sino un lugar de contacto entre el público y ellos.

Damon Albarn

El lado virtual de una banda virtual

Son numerosos los videos de Gorillaz que podemos disfrutar, pero algunos son especialmente significativos debido a que nos cuentan parte de la historia del grupo. Del álbum Gorillaz tenemos Tommorrow Comes today, una especie de “aquí estamos y venimos a cambiar con todo lo que estaban acostumbrados”; 19/2000, video que los define como una banda virtual; Clint Eastwood, el clip más emblemático y aquel que los presenta frente a su público, y Rock the house, donde muestran toda la irreverencia que poseen.

Del segundo álbum, Demon Days, destacan Dirty Harry, donde observamos mucha madures y crecimiento en el aspecto musical y en el desarrollo de los personajes; Feel Good Inc., que nos muestra un mundo ficticio y una historia que empieza a consolidarse más allá de los estudios Kong; El Mañana, primer video que retoma la historia de otro y que sirvió como base para desarrollar la historia de su posterior álbum;  Dare, video donde podemos ver a Noodle interactuando con una cabeza humana (Shaun Ryder).

Del tercer álbum, Plastic Beach tenemos los dos videos que integran “Jurney to Plastic Beach”: Stylo, que nos muestra el reencuentro de Murdoc, 2D y Cyber Noodle (creada a partir del adn de Noodle luego que ella muriera en El Mañana), quienes huyen de la policía, un extraño sujeto (Sun Moon Star) y un cazarrecompensas (Bruce Willis). On Melancholly Hill, que es la segunda parte de Stylo, donde vemos a nuestros personajes conducir un submarino en busca de la playa de plástico, acompañados del resto de sus colaboradores. La historia termina con Rhinestone Eyes, un video donde podemos ver lo que ocurre después de que Murdoc, Cyber Noodle y 2D llegar a Plastic Beach. Actualmente el álbum más reciente es The Fall.

Además de los videos musicales existen cortos titulados Gorillaz Bites, en los que podemos ver a nuestros personajes en diferentes actividades no muy convencionales. Todos estos factores, la animación, la música y la historia, han convertido a Gorillaz en una de las bandas más reconocidas y afamadas del medio musical.