Gyo

Gyo 1

Título Original: ギョ うごめく不気味 (Gyo Ugomeku Bukimi).
Género(s): Terror, Survival-Horror, Biopunk, Drama, Ficción Especulativa, Seinen.
Director: Yakayuki Hirao.
Estudio: Ufotable.
Emisión: 2012.
Duración: 71 minutos.
Extras:

Basada en el manga homónimo de Junji Ito, Gyo es la serie más sui generis que he visto en los últimos años. Su historia juguetea con muchos géneros pero no alcanza a concretar ninguno en su totalidad, muestra un poco de drama y romance, ciencia ficción apocalíptica, terror, ecchi, una dinámica que nos recuerda el correr y esconderse del Survival-Horror e incluso momentos que rayan en lo Kaiju. Pero sobre todo, logra generarte un impacto tal que te dejan con cara de desconcierto luego de los primeros veinte minutos.

La calidad general es buena aunque no sobresaliente, el diseño de personajes y escenarios es similar a la mayoría de las series emitidas en la última década, aunque eso sí, muy bien detallados. La música hace su trabajo pero tampoco es en extremo sobresaliente. Lo más destacable es el evento apocalíptico que da lugar a toda la obra y que a lo largo de filme se irá explicando pero de una forma que en lugar de aclararnos lo que está pasando nos dejará más desconcertados.

Gyo 10

La historia gira en torno a Kaori, una chica que se encuentra de viaje con dos de sus amigas en Okinawa. La salida parece ir bien hasta que un extraño incidente con un pez con piernas empieza a poner todo muy raro. De manera inesperada las criaturas marinas empiezan a salir del mar montadas en extraños aparatos a manera de piernas que se mueven gracias al gas producido por los cuerpos en descomposición de los animales. Rápidamente todas las ciudades costeras de Japón se vuelven un caos. En la incertidumbre, Kaori pierde contacto con su novio Tadashi, quien se encuentra en Tokio. Kaori decide regresar para encontrase con su amado.

Durante su travesía, Kaori conoce a Tsuyoshi, un reportero freelance que se une a ella en su afán por descubrir el origen de esas criaturas. No obstante, su viaje no será nada fácil, pues aquellos peces andantes empiezan a atacar a las personas, las cuales se convierten en gigantescos globos de gas que más tarde serán usados por aquellas maquinas como combustible. Mientras las maquinas absorben peces y humanos, los pocos sobreviviente luchan por su vida y el mundo empieza a sumirse en un fétido olor a muerte.

Gyo 6

Toda la esencia apocalíptica del filme está trabajada a la perfección. En primera porque empieza a mostrarnos el origen del incidente como cualquier película de terror —poco a poco— para después desatar el apocalipsis total y convertir todo en un Survival-Horror. Por si eso fuera poco, aquellas extrañas criaturas no sólo empiezan a absorber humanos, sino que se unen en grotescos y gigantescos monstruos que destrozan la ciudad, muy parecido a como lo haría un Kaiju.

Otro elemento que me encantó fue la explicación sobre el origen de las criaturas, por una parte se dice que son un experimento militar fallido (es un cliché lo sé), pero más que las máquinas que permitían caminar a los peces, el verdadero enemigo era el gas, pues había evolucionado en una especie de ser consiente que pretendía envolver al mundo entero. Lo único que me pareció débil fue el hecho de que es el amor lo que lleva a Kaori a enfrentar el horror con tal de reencontrarse con su amado, muy parecido a lo que pasa en Cloverfield, donde si no fuera por esa necedad romántica, los protagonistas no se verían envueltos en tales eventos. No obstante, aquí no era necesario, pues al final el gas y las máquinas lo invadían todo y dejaban a la tierra sumida en el apocalipsis.

Gyo 3

La forma en que la película retoma elementos tan diversos y los conjunta en una sola obra la hacen una verdadera joya, pero la forma que tiene para mantenernos en suspenso, asustarnos y dejarnos completamente confundidos es la razón por la que vale la pena verla. Además, el final de la serie deja todo en un apocalipsis del que no sabremos sin habrá esperanza o inevitablemente la humanidad llegará a su final.

Sin duda una gran recomendación para quien guste del terror, de la típica dinámica donde los personajes deben enfrentar un holocausto o tratar de sobrevivir, de la ciencia ficción con criaturas extrañas y del desconcierto que produce no saber qué esta generando aquella situación, pero sobre todo, un película indispensable para quien quiera quedar completamente confundido en cada escena y con cara de WTF? Y tampoco debemos olvidar la violencia innata del Seinen y los sendos toques de fan-service qué dicha demografía otorga, en otra palabras, un poco de sexo y escenas que rayan lo gore.

Karas

Karas 1Título Original: 鴉 (Karasu).
Género(s): Henshin, Sobrenatural, Meintantei, Drama, Seinen.
Director: Kehichii Sato.
Estudio: Tatsunoko Productions.
Emisión: 2005-2007
Duración: 6 OVA.
Extras:

Emitida originalmente como un programa de pago por ver, Karas es una de las obras animadas más espectaculares que podemos encontrar. Su animación es impecable y los diseños en 2D y 3D se combinan a la perfección, la calidad de detalle en los escenarios y la parafernalia es exquisita y la fluidez de las escenas de acción, junto con los toques de slow-motion, logra un resultado impresionante y nos ofrece las mejores escenas de acción a alta velocidad que yo personalmente he visto.

Su soundtrack es de los más épicos y magistrales que he tenido la oportunidad de escuchar, la ambientación que genera es fabulosa y aunado al detalle visual nos regalan un fabuloso deleite para los sentidos. Y con respecto al detalle visual, a diferencia de lo que pasa en otras obras sobrecargadas de elementos, como Tekkonkinkreet o Steamboy, Karas no genera contaminación visual y se mantiene en la línea de lo sobrecargado y lo ultra detallado, regalándonos una construcción urbana que juega con lo cosmopolita y lo underground al mismo tiempo.

Karas 3

El diseño de personajes es bueno, no es de lo más impresionante que hay pero funciona bien, algunos personajes cae en cliché pero logran cierta profundidad y finalmente tienen sus buenas razones para actuar como lo hacen, además de que todos tiene una historia de trasfondo que los hace más complejos.

La historia toma lugar en un ficticio Shinjuku y gira en torno a Otoha, un ex yakuza al borde de la muerte que hace un contrato con Yurine, el espíritu de la ciudad, para convertirse en Karas, el guardián protector que vela por humanos y youkais (espíritus). Además de proteger a la ciudad, Yurine y Otoha atienden un santuario donde cuidan y curan a los espíritus enfermos que han empezado a desaparecer debido a que los humanos se han olvidado de su presencia.

Karas 9

Como los espíritus están desapareciendo, Ekou, un antiguo Karas que se reveló contra su Yurine, trata de eliminar a los humanos para que la ciudad sea sólo de los espíritus, para ello empieza a reclutar a youkais y los convierte en híbridos mecánicos que necesitan devorar humanos para seguir con vida. Para evitar que Ekou logre sus propósitos, Karas y Yurine deberán enfrentarlo, pues si todos los humanos mueren los espíritus también desaparecerán.

A la par de la historia principal tenemos otras dos historias individuales que se entrelazan a manera de novela río. Una de ellas es el conflicto personal entre Nue, su hermano menor y Ekou. Nue es un híbrido mecánico que se revela contra los planes de Ekou pues no está de acuerdo en exterminar a todos los humanos, aún si es su culpa el que los espíritus este desapareciendo, él al igual que Yurine, Karas y el resto de youkais no mecánicos abogan por la igualdad entre espíritus y humanos. Para evitar que Ekou logre su cometido, Nue inicia una lucha individual en la que intentará impedir que su hermano sea usado para esos malvados propósitos.

Karas 10

La otra rama de la historia la tenemos en el mundo humano. En el departamento de observación, una rama de la policía dedicada a investigar crímenes perpetrados por los espíritus, los detectives Minoru Sagisaka y Narume Kure investigan extraños asesinatos que al parecer están relacionados con los espíritus mecánicos credos por Ekou. Dicho departamento nació cuando Yoshiko, la hija de Minoru fue testigo de los crímenes perpetrados por youkais, pero nadie, salvo su padre, le creyó.

Las historias están íntimamente relacionadas pero al mismo tiempo tienen su propio desarrollo, lo que debemos destacar es esa esencia del folclore japonés donde los espíritus conviven con los humanos aunque no podamos verlos, y que además necesitan que nosotros creamos en ellos para no desaparecer. Esa simbiosis entre vivir y creer resulta muy diferente a la concepción que tenemos en occidente sobre los espíritus, además de que el hecho de que ellos estén entre nosotros me recuerda otras obras como El viaje de Chihiro.

Karas 5

Corpse Party TS

Corpse Part TS 1

Título Original: コープスパーティー (Kôpusu Pâti).
Director: Ajira Iwanaga.
Género(s): Sobrenatural, Gore, Terror, Ecchi, Seinen.
Estudio: Asread.
Emisión: 2013.
Duración: 4 episodios.
Extras: Corpse Party MF.

Corpse Party: Tortured Souls son una serie de ova basadas en la franquicia de videojuegos del mismos nombre, de los que existen siete historias diferentes y cinco mangas, además de otro pequeño ova de 11 minutos lanzado en 2012 titulado Corpse Party: Missing Footage, que nos muestra una serie de escenas con mucho fan-service y que sirven de previo para la historia que posteriormente veremos en TS.

El diseño de personajes es bueno aunque el estilo no resulta diferente al de las animaciones comerciales de los últimos años. La personalidad de los protagonistas muestra una enorme variedad algo estereotípica pero que da juego para que los terroríficos sucesos puedan desarrollarse. Tanto el diseño de escenarios como la banda sonora son muy buenos y logran una ambientación que te sumerge dentro de una escuela embrujada llena de espíritus sedientos de venganza.

Corpse Part TS 6

La historia gira en torno a nueve protagonistas, sietes estudiantes de la academia Kisaragi, una profesora de esa misma escuela y la hermana pequeña del héroe principal. Sus problemas comienzas cuando hacen el ritual de Sachiko por siempre, con el que pretenden sellar su amistad ya que una de sus amigas está por mudarse de ciudad. Para su mala fortuna, algo sale mal y son trasportados a Heavenly Host, una lúgubre escuela del pasado plagada de fantasmas de niños asesinados.

Mientras buscan una salida, nuestros personajes deben enfrentar a los enfurecidos espíritus, lidiar con el terror que se apodera de sus mentes hasta llevarlos a la locura y evitar morir de una forma horrible. Mientras luchan por su vida, descubren pistas sobre lo que en realidad pasó hace varios años en ese lugar y la forma en que pueden regresar a su mundo, para ello deberán apaciguar el alma de los muertos, regresarles sus lenguas mutiladas y obligar al asesino a confesar su crimen.

Corpse Part TS 7

La historia tiene muy buenos giros argumentales que logran sorprender al espectador, pero uno de los puntos más interesantes es el manejo de los multiversos fantasmagóricos a los que llegan los protagonistas. Al parecer existen diferentes realidades en esa escuela embrujada y eso evita que los personajes interactúen de forma directa. No obstante, el manejo narrativo va superponiendo los sucesos y poco a poco entenderemos que algunos de los eventos que no tuvieron explicación en la historia de un par de personajes son porque ocurrieron en el contexto de otros personajes que están en un espacio diferente.

La historia puede ser un poco compleja al principio pero rápidamente entenderemos porque pasaron cosas que en un principio no tuvieron sentido. Además, cabe aclarar que como en toda historia de terror con muchos protagonistas, estos van muriendo paulatinamente, pero sus muertes están perfectamente dosificadas y llegan en el momento menos esperado.

Corpse Part TS 3

La historia va in crescendo con forme pasan los capítulos, y aunque al principio puede parecer algo lenta, una vez que nos hemos dejado envolver por la atmósfera de terror y permitimos que las escenas sugestionen nuestra mente, tendremos un espeluznante espectáculo frente a nosotros. El manejo del terror, eso sí, es muy japonés, pero para los fanáticos del anime acostumbrados a los patrones culturales nipones, funcionará perfectamente.

Un elemento clave en la construcción del terror y que es un recurso básico en las obras orientales, es el uso de niños. En este anime los fantasma son infantes asesinados, y el máximo exponente lo tenemos en Sachiko, una niñita atormentada que desata toda su maldad contra los protagonistas. A diferencia de occidente, donde los niños aparecen la mayoría de las veces como víctimas, en oriente son ellos lo que nos producen miedo.

Serial Experiments Lain

SE Lain 1
Título Original:シリアルエクスペリメンツレイン (Shiriaru Ekusuperimentsu Rein).
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk/Wirepunk, Psicológico, Seinen.
Director: Ryutaru Nakamura.
Estudio: Triangle Staff.
Emisión: Julio 1998 – Septiembre 1998.
Duración: 13 Episodios.
Extras:

Serial Esperiments Lain no sólo es considerada como una de las máximas obras de culto en la animación japonesa, también comparte el podio con obras cyberpuk de la calidad de Akira o Ghost in the Shell, y es, sin duda alguna, la obra wirepunk por excelencia.

Lo que resulta sobresaliente de SE Lain es el hecho de haber sentado muchas de las bases para el posterior desarrollo de género Wirepunk, pues la serie se adentra en cuestiones filosóficas sobre los conceptos de comunicación, realidad y divinidad, todo desde un red virtual en la que el mundo entero está interconectado.

SE Lain g4

La serie presenta el típico estilo noventero simple y desgarbado, gran parte de los elementos,  como escenarios y personajes, tienen pocos detalles y visualmente no resaltan mucho. Sin embargo, las sombras, los cables eléctricos y las luces de neón generan una estética muy particular que nos remite a la visceralidad arquitectónica del Cyberpunk clásico. La banda sonora es sobresaliente, pues la música y los sonidos ambientales generan una atmósfera intrigante.

La calidad de animación es buena y se ajusta tanto a las breves escenas de acción como a las extensas escenas introspectivas. El diseño de personajes es excelso y nos presenta una variedad de personalidades que se complementan, generan conflictos e impulsan el desarrollo de la historia, en especial Lain, quien expone tres facetas de su personalidad muy distintas entre sí y nos permite apreciar la formidable construcción psicológica de los personajes.

SE Lain g6

La serie gira en torno a Lain Iwakura, una introvertida y solitaria niña de 14 años que empieza a interesarse por la computación cuando recibe un correo electrónico de una compañera muerta. Lain se adentra en el mundo de las Navi y en el Nexo, una red virtual similar a internet, y descubre que el mundo real y el virtual están más conectados de lo que parece.

Mediante un dispositivo conocido como psiquis, Lain logra entrar de forma libre a la red y adquiere tanto poder que se convierte en un ser omnipresente. Su popularidad le genera enemistades y termina enfrentando a los Caballeros, un grupo de hackers que dominan el Nexo. Con forme su poder aumentar, Lain empieza a cuestionarse sobre la realidad, las limitantes de poseer un cuerpo físico y la existencia de un dios.

SE Lain g3

El ritmo es letárgico, pero a pesar de la lentitud de algunas escenas, lo estáticas que pueden llegar a ser o los largos periodos de silencio, la obra es sumamente densa, en todo momento hay información fluyendo y eso obliga al espectador a poner mucha atención. Realmente es difícil captar todo lo que la serie dice y lograr que esa información en su conjunto signifique algo que nos ayude a entender lo que pasa.

La serie tiene una gran cantidad de referencias propias de las obras cyberpunk, entre ellas están los dispositivos que permiten una conexión entre el usuario y el Nexo, las drogas sintéticas, el onirismo, los avatares virtuales que difieren de nuestra personalidad en el mundo real, planes y conspiraciones gubernamentales, tecnología extraterrestre y una constante temática existencialista.

SE Lain g8

Como muchas obras cyberpunk, SE Lain recurre a los tópicos más clásicos del género, como el submundo anarco-punk, ejemplificado en el club Cyberia, los hackers, y la corriente filosófica del Transhumanismo o en este caso posthumanismo, pues plantea que la evolución humana será capaz de trascender únicamente mediante el uso de la tecnología que le permita superar sus limitaciones físicas.

También está presente una fuerte disertación sobre el concepto de dios, que retoma algunos de los elementos que constituyen a una divinidad y los contrasta con aquellas características que un humano puede tener en el mundo virtual, llegando a la conclusión de que si existe un dios sólo puede estar en la red.

SE Lain g5

Como toda obra wirepunk, SE Lain se cuestiona sobre el concepto de realidad, teniendo como base la existencia de dos mundo (el real y el virtual) dentro de los cuales existen seres cuyas características permiten definirlos como seres vivo. Quizás quienes sólo habitan en el mundo virtual no sean seres biológicos, pero viven, se desarrollan y evolucionan aún más que quienes nacimos en el mundo real, pues ellos no están limitados a las ataduras que un cuerpo material nos impone.

La serie representa un verdadero reto para el amante de la animación, pero es uno de los clásicos de culto más apreciados entre los espectadores. Sus complejos argumentos nos incitan a cuestionarnos sobre la evolución humana, la fusión entre el mundo real y el virtual y el concepto de realidad. Una verdadera joya del anime, de su propio género y de los medio audiovisuales en general.

Ghost in the Shell

Ghost in the Shell 1

Título Original: 攻殻機動隊 (Kôkako Kidôtai).
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk/Wirepunk, Seinen.
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I. G.
Emisión: 1995.
Duración: 82 minutos.
Extras: Ghost in the Shell: Innocence, Ghost in the Shell: SAC, Ghost in the Shell SAC 2nd Gig, Ghost in the Shell: SAC Solid State Society.

Basada en la manga homónimo de Masamune Shirow, Ghost in the Shell es una de las películas más representativas del Cyberpunk animado a nivel mundial. Su estética, sus personajes y la poética forma de abordar la dicotomía entre la realidad y la virtualidad son sencillamente impresionantes.

Ghost in the Shell no sólo es uno de los anime de culto más importantes de las últimas décadas, también es la perfecta concretización del Cyberpunk, el Nanopunk y el Wirepunk en una sola obra. El filme fluctúa entre la frontera de esos tres géneros y retoma algunos de sus elementos más esenciales, lo que la hace una referencia obligada para todo amante de la Ciencia Ficción, no por nada ha sido inspiración para muchas obras del género, como la saga Matrix de los hermanos Wachowski.

Ghost in the Shell 7

La calidad de animación es tan impactante que aún hoy luce vigente. El estilo gekiga usado en los personajes es excelso, pues la rudeza de estos logra reflejar la violencia de ese mundo distópico y tecnológico. La música es bellísima y ambienta de manera sublime cada una de las escenas, generando una atmósfera lúgubre y siniestra.

El diseño de escenarios es uno de los aspectos más sobresaliente, pues no sólo hace uso de esa estética oscura, industrial y sobresaturada propia del Cyberpunk, también nos muestra elementos más delicados y minimalistas que coquetean con el Nanopunk. La detallada urbe logra un aspecto visceral y hacinado pero sin abusar del neobrutalismo, lo que resulta sumamente atractivo. Sus escenarios están inspirados, sin duda, en la ciudad de Kowloon, Hong Kong, el lugar con la mayor densidad demográfica en el mundo hasta su destrucción en 1993.

Ghost in the Shell 3

La historia gira en torno a la teniente Motoko Kusanagi, una cyborg que trabaja para el departamento policial en el área de delitos tecnológicos, conocida como “sección 9”. Los problemas comienzan cuando su unidad es encomendada para atrapar a un pirata cibernético, el “Maestro de Marionetas”, quien se ha infiltrado en el “fantasma” de algunas personas con el fin de crear conflictos políticos.

Todo se complejiza cuando Kusanagi descubre que dicho criminal es en realidad una inteligencia artificial surgida del océano de información que hay en la red. Dicha entidad se reconoce a sí misma como una nueva forma de vida y exige asilo político.

Ghost in the Shell 6

La historia toma lugar en un futuro en donde los cerebros de todas las personas están interconectados en una red mundial. Asimismo, muchos humanos han modificado su cuerpo a tal punto que lo único humano que queda de ellos es su “fantasma”, que podemos denominar como conciencia o alma, y que les permite diferenciarse de los androides.

Los temas que trata la obra son muchos y muy complejos, pero en esencia, todo puede resumirse al conflicto filosófico de la realidad, que resulta ser el tema principal en las obras wirepunk, sobre todo cuando hablamos del mundo natural en contraposición con la vida artificial creada por los humanos. La película se plantea sobre qué nos hace humanos, qué es real y cómo debemos redefinir al “ser vivo” en una era en la que existe una vida 2.0.

Ghost in the Shell 4

Hablando sobre qué nos hace humanos, tenemos que si el cuerpo artificial de un cyborg puede simular las mismas funciones que las de un cuerpo humano, entonces los atributos fisiológicos dejaran de ser un distintivo entre ambos. Si la inteligencia artificial puede reproducir, sentir y pensar las mismas cosas que un humano entonces dónde estará la diferencia entre uno y otro. El “fantasma” es esa delgada línea que separa lo natural de lo artificial, pero si lo artificial crea sus propios “fantasmas” entonces ya no existirá diferencia.

Los empiristas dicen que la realidad es todo aquello que percibimos con nuestros sentidos y que podemos recordar. Sin embargo, el filme nos muestra que las experiencias pueden ser simuladas o haber sufrido alteraciones y que nuestros recuerdos pueden ser implantados. Todo esto redefine lo que somos, pues nuestra identidad se construye con base en lo que hemos vivido pero no tendremos forma de comprobar si esto fue real.

Ghost in the Shell 5

Finalmente, si una inteligencia artificial toma conciencia de sí misma, reproduce las mismas emociones y experiencias que un humano y supera el conflicto sobre su origen pues se reconoce como nacida de un cúmulo de información destinado a evolucionar, entonces cuáles serán los argumentos para no considerar viva a esa entidad. Posiblemente no nació como un organismo biológico, pero sus procesos de crecimiento y desarrollo, pese a no ser físicos, siguen el mismo patrón que el de cualquier otro ser viviente.

Ghost in the Shell es una obra magnífica, con temáticas de una profundidad abismal en lo que respecta al ámbito científico, político y filosófico. Nos cuestiona sobre aquello que nos define como humanos y como individuos únicos, nos pone en alerta sobre lo que consideramos realidad y nos deja pensando sobre si un ser vivo debe ser forzosamente un ente orgánico.

Jigoku Shôjo

Jigoku Shôjo 1

Título Original: 地獄少女 (Jigoku Shôjo).
Género(s): Sobrenatural, Thriller, Horror, Drama, Suspence, Seinen.
Director: Takahiro Omori.
Estudio: Studio DEEN.
Emisión: Octubre 2005 – Abril 2006
Duración: 26 Episodios.
Extras:

Una extraña flor iluminando el cielo, el leve vaivén de la canoa te despierta para encontrar a Enma Ai escoltándote al infierno, es lo último que verás pues ya estás muerto. Con una animación fabulosa, personajes entrañables y una crítica social mordaz, llega Jigoku Shôjo, una de las mejores series animadas de los últimos años, que explora las fronteras del miedo y el odio desde una perspectiva poco convencional, teniendo a la venganza como principal objetivo.

La calidad de animación es buena en todos los aspectos, pero el diseño de personajes y escenarios es un tanto genérico, con rasgos usados por gran parte de las series en los últimos años. La banda sonora es espléndida y quizás sea el elemento técnico mejor logrado. Sin embargo, lo que destacar realmente es la complejidad de los personajes a un nivel psicológico, pues resulta sumamente atractivo ver los miedos y frustraciones tanto de los personajes incidentales como de los protagonistas, cuyos tormentos influyen directamente en el desarrollo de la historia.

Jigoku Shôjo 2

La historia gira en torno a una serie de personajes incidentales que se ven atormentados por problemas de todo tipo, al punto de llevarlos a la desesperación y obligarlos a contactar con la chica del infierno, quien a cambio de su alma tomará venganza en su nombre. Y mientras las afligidas víctimas esperan la media noche para contactar con Enma Ai, un joven periodista y su hija intentan descubrir los misterios detrás de aquel correo infernal, tratando de convencer a los usuarios de desistir de su venganza.

Así es como vemos una serie de historias independientes en las que el odio, el miedo, la injusticia y la sed de venganza adquieren un papel protagónico. Enma conducirá al destinatario al infierno, pero a cambio tu alma también será tomada cuando llegue tu muerte. Un trato aparentemente justo, la peor venganza a un costo elevado, para muchos una exageración, para otros es el mínimo comparado con el infierno que viven actualmente.

Jigoku Shôjo 8

Si bien la crítica social es el punto fundamental de la historia, pues nos muestra cómo las acciones aberrantes de algunas personas tienen graves repercusiones en otras al punto de convertir su vida en un verdadero infierno y obligarlos a desear el peor castigo a sus enemigos, no es éste el único mensaje de la serie, pues también nos invita a reflexionar sobre qué tan válido es tomar venganza y qué le está pasando a nuestra sociedad para que dichas acciones sean cada vez más frecuentes.

En un mundo que va tan rápido y está tan comunicado, qué tan tristes podemos sentirnos y qué tan solos podemos estar para llegar a pensar que no tenemos otra salida más que la peor de las venganzas. Por otro lado, qué tanto podemos lastimas a otros por el simple placer de hacerlo o por obtener una ventaja. Jigoku Shôjo nos expone ambos lado de la moneda, nos introduce en el sufrimiento de la víctima al grado de desear con ella todo el mal para los agresores y nos enseña que las malas accione siempre conllevan un castigo.

Jigoku Shôjo 7

Más allá de lo bueno y lo malo, la serie te invita a reflexionar a un nivel más profundo. En ocasiones vivimos situaciones que nos resultan insoportables y desearíamos dejar de sufrirlas a cualquier costo, pero muchas veces las cosas termina por solucionarse o superarse con el tiempo, sólo es cuestión de soportarlas lo suficiente. Nada dura para siempre, ni los buenos momentos ni los malos, el problema es que los malos momentos se recuerdan más y es complicado deshacerse de ellos.

Pero donde la crítica moral tiene su cúspide y radica la grandeza de la serie es en su capacidad para generar empatía. En ocasiones la serie te hará desear la venganza justo como si tú fueras la víctima, pero en otras estarás consiente de que vengarse no es lo correcto. Y es allí donde la serie te hace ver que ni todo es blanco ni todo es completamente negro.

Jigoku Shôjo 10

La serie refleja lo enferma que puede estar la sociedad y lo hace de una manera soberbia. Al principio inicia con casos racionales, en los cuales la persona ya vive un infierno y es entendible que desee tomar venganza, pero al pasar los capítulos la venganza se hace obtusa, pues es usada como salida fácil, por el simple placer o el odio irracional.

Además de la crítica social y la reflexiona moral, la obra está perfectamente aderezada con buenas dosis de misterio, secretos sin revelar y un trasfondo relacionado con Enma que te dejará impactado. Debido a que el ritmo de la serie es lento y monótono, esto podemos advertirlo en los primero capítulos, me parece que fue un gran acierto incluir a Hajime y Tsugumi, periodista e hija interesados por descubrir quién está detrás de aquellos asesinatos, encontrando en su búsqueda un secreto que no hubiesen imaginado.

Jigoku Shôjo 4

La dupla padre e hija es genial, pues Hajime es el guía moral que ve de forma negativa la venganza, mientras que Tsugumi entiende porque las victimas desean hacerlo. La combinación del aspecto periodístico con el misterio innato que maneja la serie generan un Thriller lleno de suspenso, y pese a que la historia no es de terror como tal, si logra generarnos algo de miedo al mostrarnos las atrocidades de las que son capaces algunas personas; te hace temerle al mal que había dentro de nosotros.

Otro aspecto a destacar es la forma en que la obra logra adaptar elementos ancestrales de la cosmovisión y el folclor japonés —como los Tsukumogami y los Yôkai— con el mundo moderno, el hecho de que el medio de comunicación con Ai sea mediante correo electrónico nos da un perfecto ejemplo de ello. Finalmente, debemos recordar que Enma no es mala, simplemente cumple un trabajo que se le fue asignado. Si ya tu vida es un infierno, no vale la pena pasar por ese sufrimiento dos veces, menos si uno de ellos será eterno.

Gantz

Gantz 1

Título Original: Gantsu (ガンツ)
Género(s): Gore, Ciencia Ficción, Seinen, Psicológico.
Director: Ichiro Itano.
Estudio: Gonzo.
Emisión: Abril 2004 – Noviembre 2004.
Duración: 26 episodios.
Extras:

Gantz es la adaptación al anime del manga homónimo creado por Hiroya Oku. Es una serie llena de acción, violencia y sexualidad que nos lleva hasta los límites de la condición humana en su intento por sobrevivir a una brutal cacería, en la cual tendremos que decidir entre asesinar o ser asesinados.

El apartado sonoro es uno de los mejores elementos que presenta la serie, es fuerte, pegajoso y se ajusta de una manera sublime con el apartado visual y el argumental. La música resalta lo suficiente para que la notes, pero no predomina sobre los demás elementos que componen la trama, por el contrario, se funde con ellos y los complementa. La calidad de animación es buena, aunque por momentos el uso de travelings generados en computadora hace que decaiga un poco, pese a que nos regalan preciosas imágenes del entorno. Las escenas de acción son muy fluidas y los personajes interactúan con los escenarios de una manera armoniosa. El diseño de personajes es genérico y cae en clichés, pero logra hacerlos crecer y madurar con forme avanza la historia.

Gantz 9

La historia gira en torno a Kurono, Katô y Kishimoto, tres jóvenes que murieron y fueron reclutados por Gantz para asesinar extraterrestres en una especie de juego enfermizo, en el cual deberán luchar por su vida e intentar obtener 100 puntos para poder ser libres. A lo largo de los capítulos, más gente que ha muerto se unirá a ellos.

Kurono y Katô son viejos amigos de la infancia y murieron atropellados por un tren, mientras que Kishimoto es una chica que decidió suicidarse. Al morir son trasportados a una extraña habitación donde hay una esfera negra, la cual les da indicaciones, armas y trajes para poder hacerle frente a los violentos alienígenas que deberán desafiar. Sin embargo, no todo es correr y disparar, pues tendrán que afrontar dilemas morales y decidir si sus compañeros son amigos o enemigos, todo esto mientras tratan de evitar convertirse en psicópatas asesinos.

Gantz 5

El desarrollo de la historia te permite involucrarte lentamente en ella e inferir qué es lo que pasa. Una vez entendido el argumento principal notaremos que no es tan complejo y podremos dedicarnos a disfrutar de la formidable acción y las vistosas peleas.

Una peculiaridad que separa a Gantz de muchas otras obras gore es que su argumento central nos proporciona una razón de peso para la masacre. Los personajes reclutados no matan por gusto, al menos al principio, sino porque su vida depende de ello. Esto hace de las encarnizadas batallas y las crudas muertes un deleite para el amante del género, pues proporciona la violencia clásica del seinen (generalmente acompañada de sexo totalmente alejado del erotismo y el romance) pero no con un nivel de sangre que no cae en la exageración.

Gantz 16

Gantz también hace un sinnúmero de críticas sociales muy diversas, pues nos plantea cuestiones como miedo, acoso, perversión, pandillas, violencia doméstica, impunidad, desprecio, arrogancia e intolerancia, entre muchas otras. Sin embargo, la principal es la indiferencia con la cual las personas tratamos a los desconocidos, principalmente cuando tienen problemas y decidimos mirar hacia otro lado en lugar de ayudarles.

Otra crítica sustancial es el hecho de que actualmente sólo pensamos en nosotros mismos y todas nuestras acciones están encaminadas a nuestro bienestar, sin importar que para lograrlo violentemos los derechos de otras personas. Esa apatía que tenemos para con los demás hace que nos apartemos como sociedad y nos unamos únicamente cuando el problema nos afecta a todos.

Gantz 7

El choque de ver personajes tiernos en situaciones espantosas te hace sentir pena e impotencia, pues sabes que no podrán afrontar los horrores que les esperan. Por otra parte, hay personajes tan sádicos que de hecho lo disfrutan, lo cual te hace desear que sufran hasta la muerte. He aquí el quid principal de la obra: ¿matar a alguien cuando tu vida depende de ello es válido?

En un enfermizo juego de cacería, sobrevivir no sólo significa exterminar y destrozar sin piedad al enemigo —el cual puede ser cualquiera que disminuya nuestras posibilidades de lograrlo, incluso nuestros propios compañeros— sino reflexionar por qué estamos matando, quiénes son las víctimas y si en verdad merecen morir.

Gantz 15

Pese a los factores a favor, la serie tiene algunas fallas, pues el final es sumamente forzado ya que trata de hacer un Tour de Force que no le sale. Además, algunos diálogos y personajes son algo tediosos y le rompen el ritmo a las encarnizadas batallas, sin olvidar que los capítulos finales ya no están basados en el manga, pues éste aun no terminaba de publicarse. En mi opinión la serie debió terminar en el capítulo 22.

De cualquier forma, Gantz es un excelente exponente del gore-seinen clásico, con violencia cruda, desnudos, sexo, sangre en la medida adecuada (mucha pero sin caer en lo Splatter), una crítica social mordaz y un interesante experimento en el que las personas mostrarán todo lo que serían capaces de hacer con tal de sobrevivir.

Higurashi no Naku Koro ni

Título Original: ひぐらしのなく頃に (Higurashi no Naku koro ni)
Género(s): Thriller, Terror, Psicológico, Sobrenatural, Meitantei, Gore, Drama, Romance, Comedia, Harem, Seinen.
Director: Chiaki Kon.
Estudio: Studio DEEN.
Emisión: 2006.
Duración: 26 Episodios.
Extras: Higurashi no Naku koro ni Gaiden Nekogaroshi-hen.

Basada en la novela visual de 07th Expansion, Higurashi no Naku Koro ni es una de las más grandes obras de suspenso y terror dentro de la animación nipona de todos los tiempos. La historia es compleja, oscura y enredada, pero logra atrapar al espectador de una manera tan fuerte que sin duda creará pesadillas en varios de ellos.

Higurashi es buena en todos los aspectos, tanto en su complejísima y formidable calidad argumental como en su calidad técnica. Desde el primer minuto la serie genera una atmósfera de suspenso mediante una banda sonora que incrementar la tensión, el misterio y la paranoia en personajes y televidentes. Otro aspecto importante es la alternancia en el estilo de dibujo, pues va desde lo chibi para las escenas más cómicas, hasta lo gekiga para aquellas más violentas. Un aspecto visual que ayuda mucho a la ambientación lúgubre son los tonos cálidos usados en los atardeceres. En general, tanto en lo auditivo como en lo visual, la serie tiene todo lo que se requiere para hacernos reír y temblar de miedo en una misma escena.

Higurashi 12

El escenario es otro factor clave en el éxito de la serie, pues todo se desarrolla en una pequeña aldea un tanto aislada, lo que crear un ambiente claustrofóbico y un sentimiento de aislamiento y vulnerabilidad. El pequeño pueblo hace que te sientas atrapado y expuesto, sin un lugar a donde huir ni una persona en quien confiar, principalmente por la cerrada idiosincrasia que reflejan sus pobladores. Un elemento recurrente es la voz en off, que posiciona a cierto personaje como narrador y logra un dramatismo muy sombrío pues nos introduce en la intimidad del personaje, en sus pensamientos y en los horrores de su pasado.

En cuanto a los personajes, esto son realmente maravillosos, pues poseen una tierna inocencia y al mismo tiempo una despiadada brutalidad homicida. El uso de las características moe en los personajes femenino está usado magistralmente, ya que pueden aparentar una gran ternura y segundos después caer en la demencia. Las chicas son tiernas y cursis al punto de lo insoportable, pero por otro lado son siniestras, sin miedo a usar la tortura ni recurrir a la crueldad. Lo que la obra trata de mostrarnos es que dentro de una misma persona podemos encontrar lo mejor y lo peor de la humanidad, solo hacen faltan los incentivos adecuados para detonar cada tipo de personalidad.

Higurashi 15

La historia de desarrolla en el pueblito de Hinamizawa en el verano de 1983 y gira en torno a una serie de homicidios y desapariciones que han tenido lugar los últimos cinco años justo en la celebración del Watanagashi, una festividad para honrar a Oyashiro-sama, el dios y protector de la comunidad. Los extraños y brutales crímenes parecen haberse desatado a raíz de un conflicto que la comunidad tuvo con el gobierno por un proyecto para construir una presa que inundaría toda la región, y al parecer el origen de todo es la familia Sonozaki, una de las tres principales de la aldea.

El argumento corre a cargo de seis personajes principales: Keiichi, Rena, Mion, Shion, Rika y Satoko. Con forme avanza la historia, el arco argumental da violentos giros y nos muestra ya sea la misma historia con un final alternativo o desde el punto de vista de otro personaje, de esa forma los seis personajes adquieren protagonismo en determinados capítulos. Cada capítulo se compone de 2 a 6 episodios y en cada uno de ellos se responden distintas incógnitas y en su conjunto nos muestran una visión global de todos los acontecimientos, pero dependerá del espectador ir armando el complejo rompecabezas.

Higurashi 21

La serie está pensada para que sea el espectador quien se responda sobre lo que está pasando, como si él fuese el encargado de resolver el crimen, el problema con esto es que al ver un capitulo nuevo fácilmente nos podemos confundir, en primera porque la historia parece reiniciarse y quienes habían muerto reaparecen o mueren en condiciones diferentes, lo que nos hace dudar sobre qué pasó realmente. El segundo problema es que al ver la historia desde la perspectiva de un nuevo personaje vemos sucesos que no habíamos visto pero que resultan esenciales para comprender lo que pasa, aunque esto nos hará dudar sobre todo lo que creíamos haber deducido hasta entonces. Es importante estar atentos a cada detalle para no perder el hilo argumental.

La historia inicia como cualquier otra, entre comedia y slice of life bastante cursi, pero con forme avanzan los episodios se van introduciendo elementos que derivan en algo aterrador. Los crímenes y asesinatos son llevados a un nivel realmente terrorífico, pues hace que los personajes alcancen un grado de locura tan enfermizo que sus actos terminan por ser realmente atroces. Y el hecho de que introduzcan las pistas con violentos cambios en la personalidad de los personajes realmente impacta al espectador, lo ponen en alerta y lo hace sugestionarse.

Higurashi 22

Si bien la historia tiene elementos gore y busca consolidarse dentro del Terror, su género principal es el Thriller, el cual tiene elementos policiacos tan marcados que algunos episodios pueden ser catalogados como Meintantei, sobre todo por la dinámica de pistas e interpretaciones que debe buscar y hacer el televidente. Profundizando un poco más en esta dinámica, tenemos que hay tres preguntas clave que el espectador deberá tratar de responderse: qué pasa, quiénes están involucrados y por qué. Dichas preguntas tienen diferentes respuestas dependiendo del capítulo, un mismo evento puede ser explicado desde lo policiaco hasta lo sobrenatural, lo importante es que será el público quien decida con cuál de todas las posibilidades se queda.

Finalmente, Higurashi se introduce en tu subconsciente, te mete en su escenario, te hace cuestionarte, dudar y sugestionarte para finalmente terminar aterrándote. Y es justo con la conjunción en el manejo de sus argumentos, personajes, escenarios y psicología que una historia de Terror logra realmente funcionar. En ningún momento la serie te da sobresaltos, es muy calmada en su ritmo, pero manipula tu mente de tal forma que te hace sentir miedo.

Manie Manie

Título Original: 迷宮物語 (Meikyû Monotagari).
Género(s): Experimental, Nonsense, Ciencia Ficción/Cyberpunk, Seinen.
Director: Rin Taro, Yoshiaki Kawajiri, Katsuhiro Ôtomo.
Estudio: MadHouse.
Emisión: 1986.
Duración: 50 minutos.
Extras:

Manie Manie o Laberinto de Historias como se le conoce en español, es una compilación de tres cortometrajes experimentales, que poco tienen que ver unos con otros, dirigidos por tres grandes dentro de la industria de la animación japonesa, los cuales han trabajado juntos en numerosas obras cyberpunk y básicamente han definido dicho género.

La obra es un deleite para el amante de la animación experimental y el Cyberpunk, pues nos presenta elementos de ese viejo Cyberpunk clásico de los ochenta que sentó las bases del género y que se popularizó dos años más tarde con Akira. Rin Taro hace un trabajo estupendo otorgando la parte experimental, pero son Kawajiri y Ôtomo quienes nos regalan dos joyas sublimes y nos muestran al Cyberpunk como debe de ser: rudo, violento, sobresaturado y oscuro, de ese que se hacía a la perfección en los ochenta y del que ya es difícil ver actualmente

Laberinto

Género(s): Experimental, Nonsense.
Director: Rin Taro.

“Laberinto” es la obra con la cual inicia el filme y posteriormente concluye la función después de los dos siguientes cortos. En esta primera parte Rin Taro sale de su zona de confort y nos brinda una confusa historia llena de simbolismos, escenas raras y personajes extraños, que sin duda fascinarán a quienes gustan de la animación experimental.

En el corto vemos a una niña, Sachi, y su gato, Cicerón, llegar a un extraño lugar luego de atravesar un espejo, una vez allí son guiados por un payaso a través de un extraño laberinto hasta un lúgubre circo. Terminada la función, Sachi y el gato son escoltados por las grotescas criaturas del circo, cuyo diseño resulta un tanto aterrador.

El apartado sonoro es muy bueno, logra la ambientación adecuada y nos sumerge en aquel oscuro mundo. Por su parte, el diseño de personajes y escenarios se aleja del estilo que han caracterizado a Rin Taro en obras como Galaxy Express 999. En cuanto a la calidad de animación podemos decir que es muy buena, no es algo muy sobresaliente ni deja de ser experimental pero mantiene un nivel por demás aceptable.

El argumento central está basado en Alicia a través de espejo de Lewis Carroll mientras que el estilo narrativo en netamente nonsense, de esos diálogos que en apariencia no dicen nada, ni nos aclaran nada y por el contrario más nos confunde. Es una obra rara con simbolismos difíciles de notar y que requiere ser vista más de una vez, a pesar de ello es una refrescante opción para quienes buscan algo alternativo para ver y pensar.

El Corredor

Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk, Seinen.
Director: Yoshiaki Kawajiri.

El segundo corto nos presenta una historia muy simple, un final un poco abierto y personajes nada complicados. En él vemos a un grupo de corredores arriesgar su vida en una competencia de automovilismo conocida como “el circo de la muerte”. Mientras la carrera tiene lugar, un reportero investiga la historia de Zack Hugh, el máximo campeón dentro del circuito. El resto de la historia no es más que explosiones, chatarra, velocidad, hombres fundidos con la máquina y un halo fantasmal que envuelve a la pista.

La calidad sonora es increíble, pues realmente nos trasporta dentro del evento y nos permite disfrutar de los vistosos accidentes. El diseño de personajes hace uso del Gekiga y enfatiza la rudeza de ese Cyberpunk que se hacía en antaño, al más puro estilo de la vieja escuela, con escenarios más que maravillosos, oscuridad y violencia. Además del aspecto estético, la narrativa y los personajes conservar cierta reminiscencia del Film Noir, de quien el Cyberpunk retoma mucho. En otras palabras, “El Corredor” nos presenta un Cyberpunk como siempre debería de hacerse.

Ordenes de Interrumpir la Construcción

Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk, Seinen.
Director: Katsuhiro Ôtomo.

El tercer y último corto es el de Ôtomo, y desde la primera escena uno nota su particular estilo tanto en el diseño de personajes como en los escenarios, el cual repite en Akira y en básicamente la mayor parte de sus obras de Ciencia Ficción. Asimismo, sus argumentos siguen enfrentando al hombre contra la máquina y enseñándonos un futuro hostil sobresaturado de concreto y tuberías.

La historia gira en torno al proyecto #444, quien envía a un nuevo supervisor a cancelar una gigantesca construcción en medio de la selva, sin embargo, los robots que llevan a cabo el trabajo se niegan a ejecutar la orden de cancelación.

La calidad musical es buena y cumple su función ambientadora, incrementando la tención o haciendo ligeramente cómicas algunas escenas. Lo que destaca enserio son los escenarios, pues la mezcla que resulta de la lucha entre la urbe y la selva es simplemente impresionante: un brumoso pantano que rodea gigantescos edificios de arquitectura neobrutalista, con cables y tubos saliendo por doquier. Y además del magistral trazo de Ôtomo y el estilo ochentero, que en mi opinión es el que mejor le queda al Cyberpunk, tenemos una cromática muy cálida en tonos rosáceos que seguramente fue la inspiración de Morimoto para su cortometraje Noiseman.

Escenario de «El Corredor»

A diferencia del corto de Yoshiaki, que resalta principalmente por su estética, el corto de Ôtomo lo hace también por su argumento, ya que retoma la clásica premisa asimoviana de los robots fuera de control que llevarán a cabo la tarea para la que fueron programados aún a costa de la intervención humana o su propia seguridad. Igualmente vemos una pequeña crítica a lo que pasa cuando el líder de un grupo se enloquece.

Sin duda los tres cortos merecen una oportunidad, pero para aquellos amantes del Cyberpunk clásico, ochentero, muy de la vieja escuela, los dos últimos cortos resultarán sencillamente deliciosos. En una opinión muy personal, este es el Cyberpunk en toda la expresión de la palabra, sin tanta tecnología, con anarquismo y escenarios magistrales. Argumentalmente el corto de Katsuhiro es mucho mejor, pero el de Yoshiaki es sencillamente perfecto y netamente puro en cuestión visual (estética, parafernalia y escenarios), incluso me atrevería a decir que es la animación con el mejor diseño cyberpunk que existe, incluso mejor que Akira por el simple hecho de que es anterior a ésta.

La Tumba de las Luciérnagas

La Tumba 1

Título Original: 火垂るの墓 (Hotaru no Haka).
Género(s): Drama, Bélico, Seinen.
Director: Isao Takahata.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 1988.
Duración: 88 minutos.
Extras:

Resulta peculiar como algunos directores son reconocidos por determinada obra en particular, pero resulta más atractivo cuando se les recuerda por su opera prima. Isao Takahata es reconocido principalmente por éste filme el cual es sin duda el mejor que ha dirigido. Más importante aún, es de las obras más apreciadas de su estudio y del cine en general. Cruda, violenta, realista y triste, La Tumba de las Luciérnagas —basada en la novela homónima de Akiyuki Nosara— es de los mejores trabajos antibélicos que nos exponen los horrores de la guerra.

Su calidad técnica es muy buena, desde los detallados escenarios en ruinas y la desolación que han dejado los bombardeos, hasta la formidable música que nos sumerge en un ambiente nostálgico y dramático que pocas veces podemos experimentar, llegando incluso a entristecernos o deprimirnos, y convirtiéndose en el elemento crucial en la construcción del escenario. El diseño de personajes es de lo mejor que he visto, de todos ellos podemos hacer una doble lectura y experimentar a partir de sus experiencias lo violento que puede resultar un cambio tan drástico como el ser refugiado o desplazado de guerra.

La historia se desarrolla en Japón en el verano de 1945 justo durante la Segunda Guerra Mundial y gira en torno a Seita, un chico de 14 años que vive en Kôbe con su hermana Setsuko de 5 años; desafortunadamente, los Estados Unidos inician bombardeos sobre blancos civiles y su ciudad es atacada. Durante los ataques la madre de los niños muere y estos se quedan solos y se ven obligados a mudarse con una tía lejana, sin embargo, los conflictos no tardan en presentarse y Seita decide dejar a su tía y valerse por sí mismo. Como es de esperarse, él aún no tiene la madures para hacerse cargo de su hermana y menos aún en un país que libra una guerra. A partir de ese momento la historia se convierte en una lucha constante para sobrevivir al hambre, las enfermedades y el desprecio por ser huérfanos, llevando a nuestros protagonistas al borde de la desesperación y forzando a Seita a robar para llevarle un poco de alimento a su hermana.

A pesar de no ser un documental sobre la guerra, como el cortometraje Un trágico día de verano, la obra nos permite observar aspectos que debieron ser comunes en la población civil durante los días de guerra, como los preparativos para los bombardeos, la forma de evacuar, la vida en los refugios, las provisiones enterradas en los jardines, el sistema de raciones, la escases de recursos y el miedo constante. Asimismo, nos muestra —de una forma un tanto incómoda— la devastación dejada por los ataques, las multitudes hurgando entre los escombros, las casas destruidas y la gente muerta, quemada o mutilada. Y si algo nos ha demostrado Ghibli y lo refuerza con esta producción, es que sabe retratar la realidad, ya sea que hablemos de algo feliz o de algo horrible.

Retomando la cuestión de los personajes y su doble discurso debemos mencionar que los japoneses no son mostrados ni como las victimas ni como los malos, de hecho no existen tales papeles en toda la obra, la gente simplemente hace aquello que considera necesario para sobrevivir. La tía de Seita debe racionar y aprovechar hasta el último trozo de alimento y por esa razón considera que los niños son una carga ya que no aportan nada a la casa. Por su parte, Seita comete errores que son propios de su edad y que no puede evitar ya que le es imposible madurar pese a que la situación lo requiere, la forma en que cuida a Setsuko es una clara prueba de ello, pues si bien se preocupa por ella y hace todo por hacerla feliz, no lo hace de la forma correcta. Con esto Ghibli nos invita a reflexionar sobre cómo enfrentaríamos nosotros una situación tan desesperanzadora como ésta (¿qué tan rápido sucumbirían ustedes?).

Después de ver una película así, uno toma más consciencia de las cosas que tiene, de las personas a las que quiere y de la vida misma. La historia es cruda, triste y con un final dramático que puede  dejarnos sin esperanza, pero que a pesar de ello es real; la vida puede llegar a ser cruel y la guerra es el mayor infierno que podríamos vivir. Isao no tenía por qué censurar o suavizar los horrores de la guerra, en nada ayudaba, por el contrario, uno realmente reflexiona cuando ve lo espantoso que puede llegar a ser. Y pese a que contar una historia así era una apuesta que bien pudo perder, Isao resultó vencedor.

La Tumba 13

La película tiene momentos realmente mágicos que nos muestran que incluso en un escenario de devastación total es posible mantener la esperanza y el ánimo, y que la alegría se puede encontrar en algo tan insignificante como un caramelo o una tarde en la playa. Los personajes logran vivir algunos momentos felices pero por más risas que escuchemos la historia no deja de ser triste en ningún momento.

A muchos (quizás no a tantos) nos gustan los finales tristes y odiamos cuando los personajes tienen un final feliz que desafía toda lógica luego de una jornada de abrumadoras penurias. Afortunadamente La Tumba de las Luciérnagas tiene un final digno que no desentona con la dinámica de toda la obra, la historia es en extremo dramática, por lo tanto el final también debía de serlo.