Título Original: 彼女と彼女の猫 (Kanojo to Kanojo no Neko). Género(s): Drama, Romance, Kemono, Slice of Life. Director: Makoto Shinkai. Estudio: Creado totalmente por Makoto Shinkai. Emisión: 1999. Duración: 5 minutos. Extras: –
Kanojo to Kanojo no Neko (Ella y su Gato) es considerada la primera obra de Makoto Shinkai, aunque en realidad no lo es. Sin embargo, se ha convertido en un cortometraje de culto entre los seguidores del talentoso director, pues es el primer trabajo en que vemos de lleno el estilo tan particular que tiene para contar historias dramáticas en poco tiempo.
La animación resulta excelente, tomando en cuenta que tuvo que hacerla en blanco y negro para que su ordenador soportara y poner escenas muy cortas con poco movimiento. Y las voces originales que fueron puestas por él y su novia le agregan un valor por demás nostálgico muy apreciado por los fans.
La historia nos lleva por el día a día en la vida de una joven mujer a través de la narración de su gato, Chobi. Ambos llevan una vida tranquila y sin sobre saltos e intentan disfrutar de las cosas más insignificantes de la vida. Chobi se enamora de su dueña y esto le impide ver sus defectos, pero tampoco entiende del todo lo que pasa a su alrededor, lo único de lo que está realmente consiente es de sus sentimientos por ella.
En tan sólo 5 minutos el corto nos narra el más enternecedor y puro amor que puede sentirse por una persona, y no sólo es el hecho de que sea romántica lo que la hace atrayente, sino la cantidad de interpretaciones que se le pueden dar.
El existencialismo que maneja es muy importante, ya que nos muestra la vida triste y solitaria de la dueña de Chobi, a quien éste ve como la persona más maravillosa del mundo y por lo tanto como una persona feliz. También nos narra la cruda y triste realidad de la joven mujer, quien lleva una vida melancolía al igual que Mimi, la gatita novia de Chobi, quien a pesar de saber que éste ama a su dueña, se aferra a creer que tiene oportunidad de estar con él.
El estilo narrativo de la obra es algo que debemos resaltar, pues hace uso de la concepción shinto-budista al usar las cuatro estaciones del año como una metáfora de las etapas de la vida. Sin olvidar, claro, al animal como el personaje central de la historia. En fin, las interpretaciones en este cortometraje son innumerables, pero sin duda es un gran clásico que ejemplifica el potencial que su director mostraba desde sus primeras obras.
Título Original: 東のエデン (Higashi no Eden). Género(s): Psicológico, Thriller, Romance. Director: Kenji Kamiyama. Estudio: Production I.G. Emisión: 2009. Duración: 11 Episodios. Extras:Air Communication, The King of Eden, Paradise Lost.
Escrita y dirigida por Kenji Kamiyama, director de obras como Ghost in the Shell, Eden of the East es una de las series más inteligentes de los últimos años, pues su enfoque psicológico y sus misteriosos e inconclusos argumentos logran atrapar con mucha facilidad a casi cualquier espectador, sobre todo porque lo obligan a intentar descifrar los misterios de la historia y resolver los acertijos que giran en torno a los múltiples personajes.
La calidad visual es asombrosa, pues presenta minuciosos y muy detallados escenarios urbanos que por sí solos logran una gran ambientación incluso sin el apoyo sonoro. La música es igualmente buena, con un toque moderno y alternativo. Por su parte, los personajes están bien diseñados y sus personalidades son creíbles y muy agradables.
La historia gira en torno a Akira Takisawa, un joven que al parecer se borró la memoria y que es parte de un extraño juego en donde doce individuos son seleccionados por Mr. Outsider para ser los seleção, un grupo de personas a quienes se les ha entregado un celular cargado con 10 mil millones de yenes y con el que pueden hacer lo que quieran mientras tengan saldo; su misión es salvar a la sociedad japonesa usando ese dinero.
Akira aparece desnudo frente a la Casa Blanca y conoce a Saki Morimi, una joven recién graduada que pertenece a un club de reciclaje integrado por desempleados, quienes desarrollaron un programa en internet de reconocimiento de imágenes. A partir de ese momento el destino de Saki y Akira queda fuertemente unido, y mientras Saki busca empleo, Akira intenta descubrir la verdad sobre su pasado, los misterios que encierra su peculiar celular y la relación que él tiene con el Lunes Descuidado, un extraño acto terrorista que lanzó varios misiles al centro de Tokio. Así, la serie se convierte en una complicada teoría conspiracional.
La historia es compleja, pero el desarrollo argumental lo es aún más, pues en todo momento el espectador se ve obligado a inferir la verdad sobre el pasado de Akira, además de que la tensión constante y el suspenso característico que manejan los thriller obliga a prestar atención a cada diálogo y cada escena a fin de intentar descifrar la verdad de los extraños eventos que plantea la historia. Sin embargo, la complejidad de la serie no termina ahí, pues la diversidad de los seleção nos muestra una gama muy amplia de personalidades, cada una de las cuales busca salvar a la sociedad pero desde perspectivas muy diferentes, algunas de ellas incluso aberrantes y genocidas.
Este aspecto nos muestra una real, aunque cruda, visión de la sociedad japonesa y nos cuestiona sobre la forma de actuar de una persona cuando recibe un gran poder, que en este caso es el dinero. Esta crítica al poder del dinero podría no ser evidente, pero la serie lo hace de forma muy directa y nos expone la facilidad que una persona tiene en esta sociedad para obtener lo que ella desee mientras cuente con el dinero suficiente.
Otro de los temas principales es la crítica a la pérdida de valores, pues algunos seleção en verdad se preocuparon por ayudar a las personas, mientras que otros simplemente usaron el dinero para vivir cómodamente o vengarse de sus enemigos. Está critica nos cuestiona sobre qué tan dispuestos estamos para ayudar a los demás si tenemos la oportunidad, o qué tan miserables seremos para dejar morir a alguien tan sólo por obtener una ventaja (aspecto que Gantz ya había planteado hace algunos años).
Entre los temas que me gustarían destacar están la dificultad que los jóvenes enfrentan para conseguir empleo y el caso de las personas que ni estudian ni trabajan. En la serie se hace una referencia totalmente directa a este tipo de personas y nos enseña que éste problema afecta a todo el mundo. Sin duda es una excelente recomendación para quien gusta de series inteligentes plagadas de referencias y complots en donde la interpretación dependerá de cada espectador.
Título Original: Jojo in the Stars (Jojo en las estrellas). Género(s): Romance, Drama. Director: Marc Craste. Estudio: Studio Aka. Emisión: 2004. Duración: 11 minutos. Extras: –
Jojo in the Stars en un cortometraje Inglés con una estética muy retro que nos recuerda el viejo cine mudo en blanco y negro de los años veinte. Aunque también tiene muchas características del cine negro de la década de los cincuenta, el llamado Cine Noir. Además, la animación es muy amena y detallada, con unos personajes muy originales y unos escenarios un tanto postapocalípticos que, junto con el increíble acompañamiento musical, nos sumergen en una melancolía y una soledad muy crudas.
El corto nos narra la historia de un joven que asiste a un circo de fenómenos debido a que está enamorado de Jojo, una joven con alas que es la atracción principal del evento. Sin embargo, Jojo es mantenida presa por el dueño del circo y sufre el repudio de las personas que no pueden aceptar su diferencia. Para evitar que Jojo siga sufriendo, el joven decide liberarla y escapar con ella, pero su plan es frustrado por los engendros y Jojo es capturada mientras el joven cae al frio y desolador exterior, lugar donde sufre por el abandono y la falta de esperanza hasta que el tiempo y la lluvia se encargan de desfigurar su cuerpo. Diez años más tarde, el joven es captura por el circo como una nueva atracción y es encerrado con Jojo, quien aún conserva su amor por él.
El corto es sencillamente hermoso, pues nos muestra una tragedia muy al estilo de Shakespeare y nos enseña que el amor puro luchará contra cualquier calamidad y perdurará sin importar el tiempo, la distancia o el aspecto físico. Una grandiosa obra animada que bien merece una oportunidad.
Título Original: 一騎当千(Ikkitousen Great Guardians). Género(s): Shônen, Súper Ecchi, Peleas, Romance, Yuri. Director: Koichi Ohata. Estudio: Arms. Emisión: Junio 2008 – Agosto 2008. Duración: 12 episodios. Extras:Great Guardians OVA, Ikkitousen, Ikkitousen DD, Ikkitousen XX.
Luego de dos inigualables temporadas, Ikkitousen regresa con más peleas, chicas hermosas, cuerpos esculturales y ropa destrozada. Great Guardians es la tercera entrega de la saga y conserva toda la calidad de sus precuelas, más una mejora indiscutible en el desarrollo de personajes e historia.
La animación y el audio mantienen un nivel similar al de Dragon Destiny, con buenos gráficos y música adecuada que se acoplan perfectamente, aunque sin llegar a ser demasiado sobresalientes. El aspecto sexual aumenta considerablemente y pierden prácticamente toda la censura sutil característica de la serie, y pese a que no hay escenas de sexo, no se pierde la oportunidad de mostrar a las protagonistas totalmente desnudas en cada ocasión.
A pesar de que el ecchi y las peleas eran la carta fuerte en las primeras dos temporadas, en ésta se dejan a un lado para dar mayor peso a la historia. Sin embargo, las peleas son relegadas un poco y ya no vemos las gloriosas riñas entre colegios ni una majestuosa batalla final. Aun así, es posible apreciar algunas peleas de menor magnitud, pero éstas distan mucho de aquellas en donde los protagonistas peleaban hasta la inconsciencia.
Uno de los aspectos más significativos es el crecimiento y desarrollo de todos los personajes. En la primera temporada sólo nos centramos en Hakufu y el colegio Nanyo, mientras que en Dragon Destiny los personajes principales son del colegio Seito. Para Great Guardians se retoman la mayoría de los personajes de las dos temporadas anteriores más otros nuevos, y se combinan perfectamente dando protagonismos y madurez a cada uno de ellos, en especial a algunos personajes olvidados de la primera temporada.
La historia es prácticamente la misma de toda la saga. Los personajes están atados al destino del héroe legendario del cual son la reencarnación y tendrán que pelear contra otros luchadores. A demás de las típicas peleas y las numerosas escenas de pantsu-shots, la historia se centra en el pasado de algunos personajes y los sentimientos y personalidades de otros, lo que nos permite conocerlos más a fondo; Hakufu y Gentoku se encasillan en su personalidad moe, Kan-u Unchô muestra su lado sentimental y sus tendencias yuri, mientras que Ryofu Housen toma el papel protagónico.
La serie comienza cuando Ryofu Housen, quien había muerto en la primera temporada, es encontrada viva y sin memoria por Ryomô Shimei. A lo largo de la serie Ryofu intentará recordar su pasado y descubrir la razón por la cual aún vive. Sin embargo, las cosas se complican cuando Saji Genpô, una misteriosa chica con la capacidad de usar genjutsu, intenta apoderarse de la mente de los demás luchadores para destruirlos y tener el poder total.
La trama es sencilla y sin muchas complicaciones, lo que la hace realmente buena es el hecho de recurrir al pasado de los personajes y explorar sus verdaderos sentimientos y motivaciones para mostrarnos a unos protagonistas más maduros, realistas y humanos, con pasiones y miedos que influyen directamente en el supuesto destino al cual están condenados. Esto nos permite notar que no sólo ellos han cambiado, sino que la saga entera ha madurado, conservando su calidad con el paso de los años y evitando caer en versiones absurdas que se alejan de la idea original.
Ikkitousen es una de las mejores series es su género, y la idea de que madure y deje a un lado el Ecchi y las sensuales peleas por una historia con más contenido y emotividad me parece un gran acierto. Aunque no debemos olvidar que Ikkitousen sin desnudos no es Ikkitousen.
REC 7.5 es un pequeña OVA situada entre el capítulo 7 y 8, donde vemos a Matsumaru, Tanaka y Aka yendo a beber a un bar. Tanaka termina muy tomada y Matsumaru la lleva a su casa, lo cual causa celos en Aka.
Un OVA sin más complicaciones que no aporta mucho a la trama principal, es un capítulo más pero resulta muy divertido y además conserva todas las características de la serie, en especial el particular estilo de comedia.
La Space Opera (Opera Espacial u Opereta Espacial), término que hace referencia a la Soap Opera estadounidense, es un subgénero de la Ciencia Ficción caracterizado principalmente por su ambientación y su trama, aspectos que la diferencian del resto de los subgéneros. Su principal característica radica en que ni los aspectos tecnológicos ni el rigor científico son elementos fundamentales en la historia, pero están indiscutiblemente presentes en ésta, púes de otra manera lo que tendríamos sería un simple Melodrama.
Iniciaré con una definición personal del género:
La space opera es un subgénero de la ciencia ficción caracterizado por la acción, la aventura y el recurso del espacio profundo como escenario. Suele retomar algunos elementos clásico de la Fantasía Heroica, Épica y el género Western y los trasporta a un contexto ficticio en donde la racionalidad científica adquiere un papel secundario y la historia se centra en el melodrama y los personajes.
Cabe aclarar, que no todas las obras de Space Opera son Ciencia Ficción en el sentido estricto de la palabra. Puede darse el caso que, pese a mostrar tecnología futurista y más avanzada que la nuestra, el trasfondo real corresponda a una historia de Fantasía Espacial, como ocurre con la saga de Star Wars.
Star Trek (Gene Roddenberry, 1966-1969)
LA HISTORIA DE AVENTURA
En la Opera Espacial la tendencia más recurrente es relatar historias que se desarrollen alrededor de una aventura frecuentemente romántica, razón por la cual los personajes responderán a los estereotipos típicos de Héroe y Villano. Debido a esto es muy común que el héroe posea particularidades propias de la Fantasía Heroica o Épica, teniendo que rescatar a una doncella, pelear una batalla o enfrentarse a un poderoso villano. Todo esto siempre ambientado en una locación ficticia que contenga los parámetros necesarios para que la historia pueda seguir considerándose como Ciencia Ficción.
Otro de los géneros que han servido como base para la Space Opera es el Western, pues de él se han retomado numerosas historias y elementos que al ser extrapolados a un contexto espacial adquieren características de la Ciencia Ficción. Las viejas historias de expediciones a lugares extraños y exóticos, son ahora remplazadas por viajes espaciales que exploran galaxias y planeta. Sin embargo, los aspectos esenciales permanecen en ambas, pues los exploradores se convierten en viajeros espaciales y los barcos en cohetes.
A diferencia de la Ciencia Ficción normal la Space Opera no centra su historia en la ideaque da juego y permite la especulación racional de una ciencia futurista, por el contrario, son los personajes quienes adquieren el papel principal y es alrededor de ellos que la historia tiene lugar. Los aspectos propios de la Ciencia Ficción actúan simplemente como un fondo dramático que permite una ambientación y un escenario exótico para el melodrama.
El romance y el drama son dos elementos muy recurrentes que suelen unir a los personajes o ser la base para la aventura. Y aunque es muy común que la Space Opera recurra a estos géneros, no está obligada a presentar romance ni drama en su historia. Otro de los temas recurrentes son las batallas en el espacio, en las cuales vemos gigantescas naves surcar el infinito y combatir a toda clase de enemigos. Recordemos también que a pesar de situarse en el espacio y convivir con numerosas razas alienígenas, los humanos tendrán un papel preponderante en la historia.
Uchû Senkan Yamato (Leiji Matsumoto, 1974-1975)
LA AVENTURA ESPACIAL
Como el propio nombre lo indica, la característica más distintiva del género son los viajes espaciales. Generalmente este tipo de obras se desarrollan en naves, en el espacio exterior y en otros planetas, aunque esto no excluye que algunos personajes o eventos trascurran en la tierra. La idea de los viajes espaciales, como sustitución de los antiguos viajes de conquista y exploración, es precisamente esa idea que debe ser racionalizada a partir del elemento científico, y es justamente este elemento lo que permite a la Space Opera pertenecer a la Ciencia Ficción.
Para que el viaje espacial pueda ser posible requiere forzosamente de una explicación racional del cómo se hace, esta explicación debe darse a partir de elementos científicos exclusivamente. Sin embargo, no está obligada a usar términos excesivamente técnicos como los haría la Ciencia Ficción Dura, pues el factor científico no es el principal. Además, como vimos en el artículo de Ciencia Ficción, la Space Opera tampoco está obligada a dar una amplia explicación sobre cómo la ciencia permite viajar y habitar otros planetas, puede limitarse a decir que la ciencia lo hace posible y no dar mayor explicación al respecto.
Finalmente, si la explicación está dada en términos mágicos o sobrenaturales, la historia deja de ser ciencia ficción. Debemos recordar que toda Space Opera se desarrolla en el espacio, pero no toda Ciencia Ficción que tiene lugar en el espacio es Space Opera, ni toda la Space Opera será siempre Ciencia Ficción. Además, el hecho de que se desarrolle en el espacio responde a la necesidad de un desplazamiento físico del escenario narrativo, el cual debe ser diferente a nuestro entorno real.
Firefly (Joss Whedon, 2002-2003)
DESPLAZAMIENTO CIENTÍFICO
Uno de los aspectos más duramente criticados dentro de la Space Opera es el desplazamiento de los aspectos más sólidos de la Ciencia Ficción, pues al desarrollar sus historias en otros planetas suele recurrir a inventar civilizaciones cuya organización, gobierno y aspecto físico, son similares a algunos elementos terrestres. Es común encontrar extraterrestres antropomorfos, es decir, que presentan características humanas —ya sean físicas, intelectuales o culturales— que los hace extremadamente similares a nosotros (bípedos, hablan el mismo idioma, respira oxígeno y usan ropa).
Algunos critican también la falta de explicación del funcionamiento de los desarrollos tecnológicos, como las naves espaciales capaces de viaja más rápido que la luz. Pero, como ya vimos, la Ciencia Ficción (mientras no sea Ciencia Ficción Dura) no está obligada a explicar el funcionamiento de sus tecnologías mientras éstas sean racionalmente aceptables.
En este tipo de obras es común que en las batallas espaciales las naves exploten creando grandes bolas de fuego (en el espacio no hay oxigeno que permita encender fuego y el vacío impide el desplazamiento del sonido) o que al realizar viajes a años luz no se produzcan los cambios que de acuerdo con Einstein ocurrirían debido a que el tiempo trascurriría de diferente forma a tales velocidades. Sin embargo, al pertenecer a la Ciencia Ficción Blanda, tiene mayor libertad para romper leyes científicas que ningún otro subgénero romperían.
Battlestar Galactica (Ronald D. Moore, 2003-2009)
DESPLAZAMIENTO SOCIAL
Es conveniente puntualizar un aspecto que dificulta, en apariencia, la catalogación de una obra dentro de éste género. Al recurrir a aspectos sociales (como los imperios galácticos o la guerra entre diferentes razas extraterrestres), la Opera Espacial puede llegar a confundirse con Ciencia Ficción Social. La clave es saber distinguir el tema central, si la historia se desarrolla a partir del romance y el drama entre dos personajes y existe el juego del héroe-villano además de un viaje espacial de aventura, entonces es claramente Space Opera.
Finalmente, si hay una crítica a problemas sociales que hagan alusión a problemas reales de alguna sociedad humana sin importar de cual se trate, se podrá considerar Ciencia Ficción Social, y si el contexto se mantiene en un melodrama espacial también será una Space Opera, recordemos que la Ciencia Ficción Social es uno de los subgéneros más versátiles al momento de conjuntarse con cualquier otro de la Ciencia Ficción.
Título Original: レック (Reku). Género(s): Comedia, Romance, Drama, Slice of Life. Director: Ryutaro Nakamura. Estudio: Shaft. Emisión: Febrero 2006 – Marzo 2006 Duración: 9 Episodios (10 minutos cada uno). Extras: REC 7.5.
Basada en el manga homónimo de Hanamizawa Q-Tarou, el anime REC es una serie que suele ser menospreciada por el público más especializado, pues su trama simple y sus personajes comunes no presentan la complejidad que muchas veces esperamos de una animación japonesa. A pesar de ello, REC no es lo que denominaríamos una serie comercial, pues la historia —a pesar de tener un mensaje prefabricado— logra enganchar al espectador con su emotividad, principalmente a quien gusta de las novelas ligeras y la comedia romántica.
La calidad de animación es regular, pues los escenarios y el diseño de personajes son muy simples, cosa que no resulta tan grave, pues el aspecto primordial es la historia, y al tratarse de una novela ligera puede darse el lujo de no prestar demasiada atención a los aspectos técnicos, pues no necesita de un gran realce para que la comedia funcione; incluso llega un momento en que la deslavada animación se vuelve una peculiaridad y no un defecto.
El desarrollo de la historia es excelente, pues a pesar de usar un formato tan inusual y corto no presenta problemas graves, por el contrario, logra que entendamos a la perfección las dificultades que experimentan los personajes en esa etapa de su vida. La música, por su parte, logra ambientar adecuadamente las distintas escenas, pero carece igualmente de espectacularidad.
Los personajes son, a mi parecer, la parte fundamental de la trama, a pesar de que caen en los estereotipos típicos de su género. Por ejemplo, Onda Aka presenta la suficiente rareza y originalidad para dar pie al desarrollo de la historia, pero se encasilla dentro de sus rasgos moe sin que esto merme la calidad argumental.
La historia gira alrededor de Matsumaru Fumihiko y Onda Oka, quienes se conocen por accidente y después de peculiares eventos terminan viviendo juntos. Matsumaru es publicista en una empresa de botanas, mientras que Onda es aprendiz de Seiyû (actriz de doblaje). Para fortuna de Matsumaru, su proyecto para promocionar una nueva fritura fue aceptado y ahora deberá encontrar a la actriz adecuada para hacer la voz de Nekoki, el extraño gato-árbol que es la mascota oficial del producto. A partir de esta premisa se desarrollaran una serie de eventos donde nuestros personajes deberán afrontar la dura vida laboral y la vida en pareja.
Existen muchas referencias en la serie a pesar de su corta duración, entre las más notorias están las que aluden a la actriz británica Audrey Hepburn, quienes es la principal inspiración de Aka y cuya filmografía fue usada para nombrar los capítulos. Otra de las referencias, que sin duda es la más destacable, es la que aborda el trabajo de los seiyûs, pues nos muestra lo difícil que éste puede llegar a ser.
De manera muy simple, REC hace alusión a la vida cotidiana de los jóvenes que inician una vida laboral y nos muestra las dificultades que estos pasan para encontrar un buen empleo y obtener sus primeros logros. Además, nos muestra cómo la vida personal puede afectar nuestro trabajo, que la vida en pareja no es fácil y que pese a nuestras fallas y errores de nosotros dependerá seguir adelante.
En lo personal creo que la serie funciona perfectamente para un público veinteañero que está por terminar la carrera o recién ha comenzado a trabajar, pues de ésta manera será más fácil identificarse con los personajes. Y si bien la serie ha sido subestimada por su simpleza, el hecho de no ser tan popular le permite mantener los ideales que predica, pero sobre todo, nos enseña a tomar con humor las dificultades de la vida.
En 1981, un pequeño estudio de animación llamado Daicon Films —integrado por Hideaki Anno, Takami Akai, Hiroyuki Yamaga y Toshio Oda— participó en la realización de un cortometraje que abriría la Daicon III, una convención de ciencia ficción que se celebra cada año en Osaka. El video es bastante precario en el aspecto técnico, propio de los años 80, pero maneja una historia que refleja algunos de los aspectos más tradicionales en la ciencia ficción japonesa.
El 25 de diciembre de 1984 se fundó Gainax, que vino a sustituir a Daicon Films. El recién fundado estudio recibió sus primeros trabajos por encargo de Bandai, para quien realizaron un film piloto en 1985. En 1987, ya establecidos en Tokyo, crearon su primera obra, Royal Space Force (Oritsu Uchugun: Honneamise no Tsubasa).
Aunque no fue un gran éxito como todo el mundo esperaba, Gainax no desistió y comenzó a pensar en un nuevo proyecto. Al año siguiente saldrían a la luz los tres primeros OVA de ¡Top o Nerae! Gunbuster, los cuales alcanzaría un gran éxito y producirían el definitivo relanzamiento de la compañía.
LA CONSAGRACIÓN
Gracias al éxito de Gunbuster, los jefes de NHK y Toho le propusieron a Gainax realizar una serie a partir de una vieja idea de Hayao Miyazaki. Se trataba de Fushigi no Umi no Nadia (1990), la cual alcanzó mucha popularidad y provocó el lanzamiento de la película un año después de finalizar la serie.
La consagración total vino en 1991 con la producción de los OVA Otaku no video y More otaku no video, una auténtica Biblia del anime para los aficionados, pues refleja un poco de la historia del estudio. Estos OVA son una especie de documental sobre la vida ordinaria del Otaku japonés.
Durante los cuatro años siguientes, el estudio dejó de producir. A mediados de 1995 empezaron a correr los primeros rumores sobre la aparición de Neon Genesis Evangelion, la cual iniciaría su trasmisión en octubre de ese mismo año. Evangelion batió todos los records de audiencia y ventas esperados, y llegó a ser la serie más representativa del estudio y de su director, Hideaki Anno. A pesar de que Gainax ha tenido mucho éxito con sus producciones posteriores, ninguna ha logrado sobrepasar el éxito de Eva.
Otaku no Video
EL ESTILO
Es difícil encasillar su estilo puesto que todas y cada una de sus obras son distintas a las anteriores. Quizás la principal característica en muchos de sus trabajos es contar con Yoshiyuki Sadamoto en el diseño de personajes. Podemos notar que —además de tener varios estilos— Gainax abarca casi todos los géneros, Mecha, Romance, Ciencia Ficción, Comedia y Ecchi, entre otros.
Pese a que el catálogo de Gainax es muy extenso, existen ciertas características muy particulares que nos permiten reconocer cuando un anime fue creado por este estudio. Si comparamos algunas de sus series más representativas como Fushigi no Umi no Nadia, Kare Kano, FLCL, Abenobashi, He is my master o Tengen Toppa Gurren-Lagann, podremos notar la gran versatilidad pero al mismo tiempo ese toque rareza y exoticidad presente en sus producciones.
Con música de Eric Satie (Gymnopédie Nº1) y un excelente acompañamiento en el piano de Megumi Eda, Other Worlds es uno de los primeros trabajos de Makoto Shinkai, pionero en su particular estilo dramático y sentimental que posteriormente plasmó en Kanojo to Kanojo no Neko, pues a pesar de que ambas obras vieron la luz el mismo año, Makoto realizó la primera versión de Other Worlds a finales de 1997.
Esta obra puede considerarse como una precuela de Kanojo, incluso podríamos pensar que el personaje principal es el mismo en ambos trabajos, al menos yo creo que sí. Pero no sólo es la historia ni los personajes lo que las hace tan similares, sino el estilo de animación a base de cuadros estáticos y escenas con muy leve movimiento, que a pesar de su poco dinamismo expresan una cantidad enorme de sentimientos y mensajes relacionados son el afecto humano.
La animación es simple pero muy simbólica, además, los claroscuros de las entrecortadas y fugaces escenas, aunados con el formato en blanco y negro, le dan ese toque de emotividad y melancolía que requiere la historia, que por si fuera poco se vuelve aún más nostálgica debido a la ausencia de diálogos, lo que permite una libre interpretación por parte del espectador.
Independientemente de su carácter experimental, la animación nos permite observar la capacidad que Makoto tiene para contar historias dramáticas y contundentes en muy poco tiempo, y si bien no es un gran aporte para la industria del anime sí es un registro del primer trabajo de uno de los más reconocidos y sobresalientes directores de la actualidad.
Título Original: これが私の御主人様 (Kore ga Watashi no Gishûjin-sama). Género(s): Comedia, Ecchi, Drama, Romance. Director: Shouji Saeki. Estudio: Gainax, Shaft. Emisión: Abril 2005 – Junio 2005 Duración: 12Episodios. Extras: –
He is my Master, anime basado en el manga homónimo de Mattsu y Asu Tsubaki, es una muy ligera serie ecchi que, pese a contener mucho fan-service, está totalmente enfocada hacia un contexto de humor.
A pesar de ser una creación de Gainax, no alcanza la magnificencia que otras obras del mismo estudio han logrado. Es una serie simple, cómica, divertida y sin más complicaciones. La historia es muy sencilla y por momentos algo lenta y repetitiva. El humor que maneja muchas veces no se ajusta adecuadamente al contexto de la historia y nos provoca una impresión de que algo falta.
La calidad de animación es sencilla y se ajusta perfectamente al estilo de las novelas ligeras, pero algunas escenas parecen demasiado simples incluso a pesar del constante cambio en el estilo de dibujo. Otra de las características que sobresalen son las innumerables referencias a los antiguos trabajos de Gainax, sobre todo a Evangelion. En el aspecto musical, nos encontramos con buena música muy al estilo Idol, y pese a que el soundtrack no es tan sobresaliente, le da a la serie una ambientación adecuada.
La historia gira en torno a Yoshitaka, un joven pervertido y millonario quien contrata a dos lindas hermanas, Izumi y Mitsuki Sawatari, quienes son obligadas a trabajar como criadas y satisfacer todas las enfermas fantasías de su amo. La historia se complica cuando Anna Kurauchi, una obsesiva jovencita que está enamorada de Izumi, se une a las hermanas para trabajar en la mansión de Yoshitaka. Por si esto fuera poco, Pochi, el extraño cocodrilo mascota de las hermanas que está obsesionado con las mujeres, le hace la vida imposible a todo el mundo.
A pesar de que la trama central suena muy interesante y prometedora, la realidad es que la serie no explota al máximo los recursos con los que cuenta. Los personajes, la historia y el fan-service pudieron dar para más, pero se limitaron a desarrollar una serie simple y entretenida.
Pese a todos los inconvenientes que pueda tener y no ser la gran producción que cabría esperar de un estudio de tal reputación, es una buena recomendación para quien guste de las novelas ligeras con leves toques de romance y algo de comedia boba.
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