Reseñas – Página 28 – Café Anime Lair

Rozen Maiden -Zurückspulen-

6 abril, 20161 abril, 2016Vossk2 comentarios

Título Original: ローゼンメイデン (Rozen Maiden ~Zurückspulen~)
Género(s): Shôjo, Comedia, Sobrenatural, Drama.
Director: Mamoru Hatakeyama.
Estudio: Studio Deen.
Emisión: 04 Julio – 26 Septiembre 2013.
Duración: 13 Episodios.
Extras: Rozen Maiden, Rozen Maiden ~Traümend~, Rozen Maiden ~ Ouvertüre ~, Rozen Maiden Duellwalzer.

Tras concluir las dos temporadas anteriores de Rozen Maiden, la historia quedó suspendida indefinidamente; la serie de manga homónima tuvo varios altibajos hasta que fue terminada abruptamente. Varios meses después, las autoras superaron las supuestas diferencias que tenían con la editorial y lanzaron Rozen Maiden Tales, serie de 10 volúmenes donde se da fin a la historia como un todo.

Casi cinco años después se decide animar Tales, desligándose de los acontecimientos acaecidos en ~Träumend~ que no aparecen en el manga original y terminando con la historia de una vez por todas para regocijo de todos los fans. Esta tercera temporada, también conocida como Rozen Maiden (2013) tomó por sorpresa a más de uno, pues era bastante improbable que se realizara luego de todo el camino recorrido.

El que no aceptó

Zurückspulen se desarrolla en un mundo paralelo donde nuestro hikikomori favorito, Jun Sakurada, declinó el contrato ofrecido por Shinku, quinta muñeca Rozen Maiden, por lo tanto jamás se vio envuelto en los sucesos relacionados con el Alice Game. Cinco años después su vida es un limbo de depresión, apatía y frustración. Vive solo en un diminuto apartamento, trabaja medio tiempo en una aburrida librería donde es maltratado por su jefe, además la universidad es una carga insoportable.

Un fatídico día comienza a recibir misteriosos mensajes de texto y un extraño paquete que contiene las primeras piezas para armar una muñeca. Para cambiar un poco la rutina, ensambla todas las piezas cuyo resultado termina siendo la misma Shinku, quien cobra vida frente a él y le explica someramente la situación: en otro mundo, ella, sus hermanas y el «otro Jun» están en grave peligro debido a la séptima Rozen Maiden, Kirakishou.

Los mensajes que ha recibido son de su «otro yo» del mundo paralelo quien busca su ayuda para derrotar a la muñeca malvada. El Jun adulto se muestra incrédulo, pero decide apoyar a Shinku en su cruzada; sin darse cuenta en un principio, la muñeca ha conseguido alegrar un poco su vida y poco a poco cambiar su actitud. Días después llega Suigintou, la primera Rozen Maiden, pues Kirakishou también está raptando humanos de todas la épocas para aumentar su poder.

La vida de Jun comienza a cambiar para bien gracias a la influencia de ambas muñecas; sin embargo, Shinku no puede permanecer más tiempo en este universo y debe volver. Temeroso de regresar a su monótona rutina, el joven cae en un engaño de Kirakishou y crea un nuevo cuerpo con el que la perversa muñeca puede materializarse. Ahora depende de él y sus nuevos amigos detener a la última de las Rozen Maiden.

Schönen Schneeblüte Kristall

Desde el punto de vista técnico, la serie tiene una calidad muy superior a sus encarnaciones pasadas. La nueva apariencia de los personajes es más fiel al manga, acompañados por una animación y apartado sonoro excelentes. Volver a ver a todas las Rozen Maiden con un diseño actualizado que les hace justicia es un verdadero festín visual, independientemente de quien sea tu muñeca favorita.

Luego de resumir en diez minutos los acontecimientos que esta última parte toma como punto de partida, el resto de la serie se enfoca en la vida diaria del Jun adulto, conocemos su aburrida vida, a sus compañeros de trabajo, y poco después volvemos a ver a Shinku. Cada episodio sigue un patrón similar en un día cualquiera: Jun despierta, atiende a Shinku, va a trabajar, trata de hacerse notar a la chica que le gusta, va a sentarse a la universidad y regresa por la noche.

El principal punto negativo de la serie es que la trama tarda bastante en avanzar. Los episodios alternan entre largas porciones slice of life, las clásicas disputas entre Shinku y Jun, o aún mejor, entre Shinku y Suigintou cuya interacción sigue siendo tan divertida como siempre y las inquietantes apariciones Kirakishou conforme ejecuta sus planes. Las otras Rozen Maiden participan esporádicamente y las batallas son casi inexistentes.

Después de dos temporadas siguiendo los mismos conceptos, repasarlos por tercera vez se vuelve tedioso. La serie transmite de nuevo un mensaje de auto-superación y amistad, pero al mismo tiempo reafirma la idea de que jamás presenciaremos un verdadero Alice Game. Rozen Maiden ~Zurückspulen~ es altamente recomendable para todo seguidor de las encantadoras muñecas titulares, pero probablemente falle a la hora de retener a una audiencia primeriza.

Punch Line

25 febrero, 201625 febrero, 2016Cuauh5 comentarios

Título Original: パンチライン (Punchi Rain).
Género(s): Comedia, Ecchi, Sobrenatural, Henshin, Ciencia Ficción.
Director: Yutaka Uemura.
Estudio: MAPPA.
Emisión: Abril 2015 – Junio 2015.
Duración: 12 Episodios.
Extras: –

Hay animes que empiezas a ver porque crees que son la típica serie de comedia con fan-service sin mayor complejidad, pero en ocasiones descubres que una serie que empezó de esa manera se convierte en algo más profundo, con complejos temas de Ciencia Ficción como los viajes en el tiempo y elementos sobrenaturales de índole espiritual; sin olvidar un desarrollo que va girando la trama hacia elementos cada vez más inesperados. Ese es el caso de Punch Line.

La calidad del anime está dentro del promedio que podemos esperar de las series comerciales, buena música pero no sobresaliente, una animación muy agradable y un diseño de personajes que si bien caen en el cliché sí tienen algunos momentos de originalidad. El fan-service es contante pero muy ligero y decente, básicamente se basa en el uso exclusivo de pantsu-shots, que de hecho resultan un elemento importante para el personaje principal.

La serie gira en torno a Yuta Iridatsu, un chico común que se excita de sobremanera cuando ve las pantaletas de una mujer. En una ocasión mientras viajaba en el autobús, es víctima de un secuestro, pero es rescatado por Strage Juice, la heroína con poderes mágicos que lucha por la justicia. Sin embargo, después del incidente Yuta muere y su espíritu termina a la deriva. Más tarde, el espíritu de Yuta conoce a Chiranosuke una entidad espiritual en forma de gato que le revela a Yuta una misión para salvar el mundo de la destrucción, pues al parecer un meteorito se estrellará contra la tierra y es su deber evitarlo. Inician así una serie de situaciones cómica en las que el espíritu de Yuta deberá evitar la destrucción del mundo mientras ayuda a sus amigas Mikatan, Ito, Rabura y Meika.

La serie tiene un principio muy intenso y eso te engancha al instante, pero con forme se desarrolla la historia te das cuenta de que no se trata de una serie Ecchi con toques de Mahô Shôjo. Luego de la presentación de los personajes empezamos a ver el ámbito espiritual y conocemos las reglas básicas que rigen a los espíritus así como la misión de Yuta. Hasta aquí todo tiene pinta de ser como esas obras donde el protagonista tiene que viajar en el tiempo muchas veces hasta que logre hacer las cosas de modo correcto, como en El Día de la Marmota, 8 Minutos antes de Morir o Al Filo del Mañana. Eventualmente descubriremos que esto no es así.

Con forme pasan los capítulos se va esbozando un trasfondo secreto de héroes que buscan salvar al mundo y grupos secretos que quieren su aniquilación. Sale a la luz el grupo Qmay, responsable de que el meteorito se estrelle con la tierra, conocemos el pasado de Yuta y Mikatan y descubrimos que sus poderes, conocidos como estado Uber, son producto del virus Hércules. Eventualmente la serie pasa de ser algo cómico y Ecchi con cosas espirituales, a una temática de ciencia ficción con grupos extraños y más complejos de lo que pudimos imaginar en un principio.

Chiranosuke revela a Yuta que no es la primera vez que intenta usar al espíritu de Yuta para detener al meteorito, sino que van más de 600 mil millones de intentos y que él pertenece a algo llamado “El Proyecto de Salvación Humana”. Cada que un Yuta fracasa, su espíritu debe regresar en el tiempo para inténtalo de nuevo; así hasta que algún Yuta logre llevar a la tierra por una línea temporal que no contemple su destrucción. Pero no estamos hablando del mismo Yuta, cada Yuta es de una línea temporal distinta y cuando fracasa la tierra de su línea temporal es destruida y él muere. Podría seguir explicando cómo se dan estos viajes en el tiempo pero eso generaría spoilers que le quitaría la sorpresa a quienes aún no han visto la serie.

Como podemos ver la historia se vuelve realmente compleja, pero el manejo teórico sobre los viajes en el tiempo es sencillamente perfecto. Cada que la historia se reinicia en realidad está empezando por primera y única vez en esa línea temporal. Y si eso nos parece complejo, las cosas que hacen todavía más confusas cuando agregamos un cambio de cuerpo en los personajes, que a su vez implica cambio de sexo y género. Con forme conocemos el pasado de Yuta (Pine), Mikatan (Chiyoko) y Guriko nos damos cuenta que los personajes no son como nosotros creíamos. Y no obstante lo complicados que llegan a resultar, incluso los eventos más aleatorio están justificados y explicados debidamente.

La serie tiene cambios muy radicales, pues de repente suelta cosas muy densas que te dejan desconcertado, sobre todo después de estar viendo escenas de comedia sin sentido saturadas de fan-service. Tenemos un trasfondo inesperado para cada personaje, extraños poderes y organizaciones secretas, viajes en el tiempo, cambios de cuerpo y fabulosas y épicas batallas. Un excelente ejemplo de que el uso de fan-service no implica poca complejidad en los argumentos y una genial recomendación para quien busque cosas ligeras y cómica que se complejizan con forme pasan los episodios pero sin llegan a nada demasiado intrincado e incomprensible.

Z Nation Temporada 2

5 febrero, 201625 enero, 2016Cuauh1 comentario

Hasta ahora no había reseñado la segunda temporada de ninguna serie, salvo algunas de anime, pues es común que las temporadas posteriores continúen la historia sin cambios radicales, únicamente con la inclusión de nuevos eventos y personajes. Sin embargo, la segunda temporada de Z Nation me gustó tanto que merecía una entrada al respecto.

Estoy consciente de que Nación Z no es mejor que The Walking Dead, su calidad de efectos, la producción en general, las caracterizaciones y los escenarios son de menor calidad y la coherencia argumental por momentos parece no existir. Sin embargo, es mucho más divertida y emocionante. En primera porque no tiene una fórmula hiper rígida como TWD que le deja muchos minutos con escenas letárgicas que llegan a ser aburridas. El hecho de saber que hay momentos de emoción seguidos de minutos de diálogos que intentan ser dramáticos hacer que dicha serie sea tediosa, pero eso nunca pasa con Nación Z.

La acción en Z Nation es muy aleatoria y eso mantiene la tensión en el espectador, pues uno no sabe en qué momento pasará algo emocionante; incluso hay capítulos donde la acción trepidante está presente de principio a fin. Además de ello, en la segunda temporada se integran elementos que si bien son descabellados en cuanto a su coherencia dan mucho juego a los personajes y los obligan a enfrentar situación que van más allá del esconderse, disparar y sobrevivir.

Uno de los primeros elementos que podemos notar es la variedad de zombis. Aquí no tenemos sólo a los muertos vivientes clásicos, también hay mitad zombis (humanos mordidos o infectados con la sangre de Mophy), mutantes (causados por radiación, no confundir con los zombis radioactivos que vimos en la primera temporada), Fitozombis (zombis mitad planta), animales zombis e incluso al mismísimo G. R. R. Martin Zombi. Si toda esa variedad zombi no fuera suficiente hay capítulos muy extraños donde se hace alusión a elementos cinematográficos de la cultura pop y a los extraterrestres (¿extraterrestres zombis?).

Toda esa descabellada y por momentos ridícula variedad quita seriedad a la trama, pero le otorgan muchísima diversión, y al final eso es lo importante en una serie cuya misión es entretener. Aunque hay un elemento que de hecho hace una crítica brutal a la realidad que estamos viviendo entre México y Estados Unidos, el narcotráfico. Si alguien va a sobrevivir al apocalipsis esos van a ser los cárteles de la droga, pues tiene unidad, armas, organización, dinero y toda clase de recursos a su disposición. En esta segunda temporada nuestros protagonistas deberán no sólo huir de los muertos, sino lidiar con los Zetas, el cártel mexicano que busca a Morphy para crear una vacuna e iniciar un nuevo mundo, no sin antes sacar un provecho de todos los zombis y usarlos como combustible y composta para cultivar marihuana.

Ver a un cártel en el apocalípsis es muy entretenido, aunque sea con los típicos estereotipos exagerados de la mexicanidad. La variedad de zombis le da un toque que se agradece mucho y la explicación del trasfondo que dio origen a la pandemia se va revelando de una forma que te deja enganchado y a la espera de la tercera temporada. Eso además del hecho de que los personajes son mucho más agradables y entretenidos que cualquiera de TWD, o al menos para mi gusto. Una excelente opción para quienes quieran divertirse con una serie de zombis que los espante, los haga reír y sobre todo los entretenga sin tener que recurrir a tramas complicadas ni a efectos deslumbrantes.

Suisei no Gargantia

31 enero, 201621 enero, 2016Cuauh3 comentarios

Título Original: 翠星のガルガンティア (Suisei no Garugantia).
Género(s): Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Social, Mecha, Distopía.
Director: Kazuya Murata.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2013.
Duración: 13 Episodios.
Extras: 2 OVA.

Con una variada y rica mezcla de géneros, escenarios impresionantes, una historia llena de misterios y giros argumentales, fabulosas batallas y sendos toques de fan-service, Gargantia es uno de los animes mejor realizados que he visto en los últimos años. Su excelente ambientación y el complejo trasfondo que se va develando poco a poco logran mantenerte atrapado durante cada uno de los episodios.

La calidad es excelente en todos los aspectos. La banda sonora es muy buena y permite una ambientación más que adecuada. El diseño de personajes es impresionante, pues no sólo les otorga una personalidad acorde al papel que desempeñarán en la historia, también los hace visualmente atractivos con el fin de proporcionar un fan-service muy elegante; sin olvidar que su vestimenta y parafernalia van muy acorde con la estética general de la arquitectura y la tecnología. Pero son los escenarios el aspecto mejor logrado, pues nos sitúan en una civilización postapocalíptica donde la tecnología ha resurgido a partir de los restos recuperados de antaño y toda la infraestructura tiene matices que juguetean con el Scrappunk y la saturada visceralidad de la arquitectura neobrutalista propia del Cyberpunk. Los gigantescos barcos en done viven los personajes nos remiten a esas ciudades decadentes, pero con color y una enorme riqueza folclórica.

La historia gira en torno al alférez Ledo, un soldado de la Alianza Galáctica de la Humanidad que pilota un Machine Caliber llamado Chamber; juntos luchan contra los Hideauze, una raza extraterrestre que amenaza a la humanidad. En su intento por exterminar a los extraterrestres, la Alianza lanza un ataque final, pero este falla y Ledo termina viajando por un agujero de gusano lejos de su base militar. Al despertar, descubre que se encuentra en un planeta desconocido cubierto por un inmenso mar, pero habitado por humanos “primitivos” que viven en enormes flotas que van armando al unir diversos barcos. Gargantia es el nombre de aquella embarcación y ese extraño planeta parece ser la Tierra, el planeta original de los humanos que todos creían inhabitable.

Con forme pasan los episodios, Ledo empieza a relacionarse con los tripulantes, a entender sus costumbres, aprender su idioma e incluso busca un trabajo para colaborar con la flota. En esta primera parte vemos lo bien logrado que está el aspecto etnográfico, pues la organización social de la flota, sus costumbres y tradiciones realmente refleja la cultura marítima de esas personas. Posteriormente empiezan los giros argumentales, primero al presentar enemigos y problemas dentro de Gargantia y después al conectar los acontecimientos en la Tierra con la Alianza Galáctica y explicar cómo se originó la guerra contra los Hideauze.

La forma en que se desarrolla la historia me encantó, pues en un inicio tiene un argumento idéntico a Knights of Sidonia, después todo parece cómo en esas películas donde un extranjero proveniente de una sociedad con un desarrollo tecnológico mayor termina por alguna razón con un grupo más primitivo, posteriormente parece que todo se desarrollará en torno a Gargantia y el mar, después inician las peleas y vemos el trasfondo que dio origen a la guerra espacial y se revela un intrincado y fascinante secreto sobre la humanidad. Al final todo converge en elementos de carácter distópico y en una compleja argumentación de carácter filosófico sobre el control, el poder, la libertad y el papel de la inteligencia artificial como herramienta para el control social. Y lo mejor es que todos esos giros argumentales resultan imposibles de predecir.

Sólo al inicio y al final se observan de forma directa elementos de la Ciencia Ficción Social con tendencia distópica, pero estos resultan clave para entender el argumento general y juegan un papel fundamental en toda la trama, pese a que no puedan ser percibidos en la parte media de la serie. Se hace todo un análisis sobre el liderazgo y el control de masas a partir del miedo como estrategia de control, e incluso hay revueltas sociales. Otro aspecto que sólo se debela al final son las cuestiones Transhumanistas, que de hecho dan origen a toda la serie y obviamente a discusiones sobre la guerra, en desarrollo humano y la posibilidad de poder convivir, o no, con alguien que si bien es diferente forma parte de la misma humanidad.

Un aspecto que me enamoró fueros los escenarios, pues es como ver una versión colorida y feliz de los escenarios Cyberpunk con una gran riqueza cultural y una estética postapocalíptica propia de Scappunk donde todo está construido a partir de oxidados y viejos desechos. Aunque esto sólo es en apariencia, pues la serie ni es Cyberpunk ni es Scappunk. Visualmente, hacía mucho que no me gustaba tanto un anime. Otro elemento muy bien logrado es la forma en que se manejó la existencia de dos idiomas de forma que el espectador pudiera entenderlos en todo momento, pero respetando el hecho de que si un extrañó chico montado en un robot gigante llega del espacio no va a hablar el mismo idioma que tú.

Los escenarios nos remiten al Scrappunk, pero la tecnología también, pues si bien están en el mar, hay maquinas voladoras y mechas submarinos que dan un toque futurista muy necesario en la serie, pues a pesar de que todo se ve viejo, estamos muchos años en el futuro. A pesar de lo que la tecnología de Gargantia pudiera hacernos pensar al compararla con la de la Alianza Galáctica, aquí no ha viajes en el tiempo, sólo un enorme desfase en el desarrollo tecnológico entre ambas civilizaciones. Dicho desfase se dio principalmente por las condiciones que cada grupo humano tuvo que enfrentar para sobrevivir.

Por si todo lo anterior les pareciera poco, también hay argumentaciones de carácter filosófico sobre humanidad, sociedad y cultura y cómo estas se transforman a partir del desarrollo tecnológico o la evolución biológica. No haré ningún spoiler, pero dichos elementos son abordados desde el mismo punto de vista que la naturaleza de ángeles y humanos en Neon Genesis Evangelion. Al final, la guerra entre humanos y Hideauze, así como la de ángeles y humanos no es sino una lucha entre dos estrategia de supervivencia explicadas a partir de conceptos ecológicos y biológicos.

Insecto bioluminiscentes que proporcionan electricidad, mechas del espacio, secretos en el fondo del mar, piratas, una guerra contra extraterrestres, humanos modificados, peleas entre robots, una férrea organización social propia de la distopía, extrañas sectas y mucho fan-service que nunca cae en lo vulgar, son sólo algunas de las cosas que este fabuloso anime nos ofrece. Sin duda una de las mejores serie que he tenido la oportunidad de ver, pues aborda aspectos tan diametralmente distintos que uno nunca creería posible encontrar en un anime sobre barcos que viajan por un mundo donde todo es mar.

Martyrs

21 enero, 201621 enero, 2016Cuauh3 comentarios

Título Original: Martyrs.
Género(s): Terror.
Director: Pascal Laugier.
Emisión: 2008.
Duración: 99 minutos.
Extras: –

Advertencia: en esta entrada encontrarás en enlace a un video no apto para… en realidad no debería ser apto para nadie ni siquiera existir. La realidad supera, de una forma que nunca debería haber superado, a la ficción.

Hacía mucho tiempo que una película no me lograba incomodar al menos un poco. Como amante del género gore he visto mucha violencia y sangre en la pantalla, pero toda ella elevada a un nivel tan demencial que llegaba un punto en el que parecía inverosímil y por lo tano ficticio, cosa que nunca ocurre con esta película, cuya violencia siempre está dentro de un nivel de realismo tan crudo que el espectador promedio no podrá soportar. Y si bien la película no es gore, pues la sangre es mínima tomando en cuenta los estándares del género, sí nos regala una ultra violencia tan atroz que resulta escalofriante.

Martyrs sabe intercalar muy bien los momentos de terror y suspenso, además de que no es autocomplaciente, su violencia es brutal, cruda, directa, sin medias tintas. La barbarie que vemos en pantalla no llega a esos excesos que, en la mayoría de los casos, quitan realismo el gore. Aquí, el trato inhumano ejercido contra las protagonistas te hace sentir mal, pues en todo momento ves una tortura tan metódicamente diseñada que es coherente y realista, tanto que te hace sentir incómodo aún si eres un conocedor del género.

¿Qué pasaría si los mártires no fuesen una invención religiosa, si ver qué hay más allá de la muerte fuese una cualidad humana presente en algunas personas? Con esa base argumental se desarrolla Martyrs, cuya historia gira en torno a dos chicas, Lucie y Anna. Lucie fue secuestrada de pequeña y abusada física y psicológicamente por un grupo desconocido, cuando logra escapar de sus captores es internada en un orfanato donde se hace amiga de Anna. Quince años más tarde, Lucie logra encontrar la casa de sus captores y decide tomar venganza, así que entra a la casa y acribilla a toda la familia. Anna intenta ayudarla, pero la mente de su amiga está demasiado dañada y es atormentada por un espectro que la obliga a matar y a lastimarse.

Anna duda sobre si las victimas de su amiga en realidad fueron sus captores, pero al recorrer la casa descubre un laboratorio secreto en el que una chica está encarcelada. Su cuerpo y mente tienen marcas de horribles torturas, pero antes de que Anna pueda hacer algo para ayudarla un grupo de desconocidos armados entran a la casa y capturan a la chica. Mientras Anna está apresada, una mujer mayor le revela el porqué de tan aberrantes actos. Al parecer los torturadores son parte de una organización que busca crear mártires a partir de la tortura con el fin de averiguar qué hay más allá de la muerte, conocimiento que sólo puede ser alcanzado por un estado de éxtasis luego de mucho sufrimiento. Para la mala suerte de Anna, ella será la nueva mártir.

La historia tiene dos giros argumentales que no sólo van complejizando la trama, sino haciendo más ruin y despiadada la violencia ejercida contra ciertos personajes. Esa violencia logra su máximo nivel gracias a los pequeños detalles y a la formidable banda sonora. Generalmente cuando vemos una obra con tanta violencia solemos evadir toda esa tensión por el hecho de ser ficticio, pero la estructura de este filme te impide evadir la realidad, pues todas las acciones que vemos en pantalla son perfectamente realizables por cualquier persona, salvo la tortura final a la que es sometida Anna y que en mi opinión estuvo desperdiciada, pues si se hubiese mostrado la escena íntegra y a detalle más de un espectador no hubiera soportado llegar hasta el final.

Algo que me fascinó fue el diseño de las torturas, pues están son creíbles, realistas y con una huella mayor e irreparable en la mente y la voluntad humana que la simple violencia física. Las torturas de Hostel (Eli Roth, 2006) palidecen ante la impresionante forma que tienen los verdugos para quebrantar el espíritu humano en este filme. Y si bien esa sistematización te insensibiliza con forme pasan las escenas, en realidad lo que el espectador experimenta en una especie de Síndrome de Estocolmo, pues acepta como inevitable la tortura que tiene ante sus ojo a fin de poder seguir viendo la película. Anna logra sobrevivir, en parte, gracias a esto, pues llega un punto en el que su mente acepta lo inevitable, deja que las cosas pasen y sin importar lo duro y brutal que sea ya no tiene miedo.

La película es maravillosa en todos los sentidos, pues es justamente el no exagerar lo que la apega a un realismo que da mucho miedo, pues todo lo que vemos en pantalla podría pasar (y seguramente está pasando) en alguna parte del mundo. Si no han visto el filme y deciden hacerlo les aseguró que en algún momento pasarán por su mente las cosas que harían para tratar de sobrevivir a una tortura que es inevitable, que no se detendrá ni desaparecerá jamás. La tortura final es lo único que podría aparecer exagerado, pero en este video podrán ver lo mismo y darse cuenta de que es una práctica convencional en cierto país de Asia. La razón por la que aquella misteriosa organización tortura a jovencitas es igual de válida que la razón por la cual torturan a los animalitos del video anterior.

Darnos cuenta de que acciones tan brutales pueden y de hecho son ejercidas diariamente a lo largo y ancho del mundo es algo que realmente deberíamos temer. La amenaza es real, por lo tanto el terror también lo es. El único punto débil de todo el filme es el final, como pasa con muchas obras del género, pues es tan ambiguo que ni siquiera cumple correctamente la función de hacer pensar al espectador sobré qué debió pasar para que las cosas terminaran así, y eso demerita un poco toda la violencia y brutalidad que hasta entonces habíamos visto. No obstante, es una genial recomendación para ver la parte más oscura que puede alcanzar la mente humana.

Misery

16 enero, 201618 enero, 2016Cuauh2 comentarios

Título Original: Misery.
Género(s): Terror, Thriller, Suspence.
Director: Rob Reiner.
Emisión: 1990.
Duración: 107 minutos.
Extras: –

Basada en la novela homónima de Stephen King, Misery es una grandiosa película de terror y suspenso que mantiene al espectador al borde del asiento en todo momento. La película logra asustarnos, sorprendernos y mantenernos a la expectativa sin la necesidad de tener que recurrir a la violencia explícita ni a las escenas sorpresivas que inundan la industria cinematográfica hoy en día. Con ingenio, inteligencia y un argumento lo suficientemente sólido la historia se mete en tu mente y te hace sentir temor sin recurrir a un gran despliegue visual.

Si bien el filme se basa en la novela, hay algunas sutiles diferencias entre ambas (que no mencionaremos aquí para evitar spoilers), pero como ha ocurrido con muchas otras novelas de Stephen King que han sido llevadas a la pantalla grande, la calidad de los argumentos y la excelente actuación de los actores la han llevado a convertirse en una película de culto para la cultura pop y principalmente para los fan de este género.

La historia gira en torno a Paul Sheldon, un afamado escritor famoso por crear la saga de Misery. Un día, al salir de las cabañas donde se encerraba a escribir, es alcanzado por una tormenta de nieve y su carro sufre un accidente. Para su fortuna, es rescatado por Annie Wilkes, una enfermera que casualmente es fan de sus libros. Annie idolatra a Shendon a un nivel casi enfermizo y hace todo por ayudarlo, lo lleva a su casa, cura sus heridas y lo alimenta mientras está convaleciente. Como forma de agradecimiento, Sheldon permite que Annie lea el manuscrito de su más reciente novela, pero el uso de palabras altisonantes la molesta y le provoca un ataque de ira.

La inestabilidad emocional en Annie se hace evidente cuando al leer el final de la saga de Misery explota contra el autor por haber matado al personaje principal, obligándolo a quemar su nuevo libro y a escribir una continuación de su saga favorita. A partir de ese momento Paul pasa de ser un invitado convaleciente a un rehén que es obligado a escribir bajo presión mientras es presa de infames y brutales actos de tortura. Sheldon intenta varias veces escapar pero sin éxito.

En un principio el filme podría parecer de esas películas viejas lentas y aburridas, pero no es así, la acción es constante pese a no ser trepidante como se acostumbra actualmente, la actuación es sobresaliente por parte de los actores, sobre todo por parte de Annie (Kathy Bates), cuya actuación le valió el Oscar. Los elementos que van develando el trasfondo personal de la enfermera están distribuidos de manera perfecta y aunados a su impredecible actuar generan una tensión constante en el espectador que es difícil de encontrar en las películas actuales que sólo apuestan por los sustos momentáneos.

El único punto débil es el paso del fanatismo a la obsesión por parte de la enfermera, pero luego de conocer un poco sobre su pasado termina por ser aceptable. Y justamente este es uno de los puntos más críticos de la película, pues hace énfasis en cómo la idolatría y el fanatismo por algo o alguien puede escalar a niveles enfermizos que resultan peligrosos. La obsesión que Annie tenía con la novela y el escritor se debía a que eran un medio para escapar de la realidad que tanto detestaba, por eso, cuando Sheldon mata al personaje principal, Annie se siente desprotegida pues aquello que era su medio de evasión había llegado a su fin. Similar a lo que pasa cuando privamos a un adicto de su droga.

Otro elemento de crítica social que me encantó y que puede pasar desapercibido por la mayoría de espectadores es la crítica al fenómeno de las sagas, tanto en el ámbito cinematográfico como en el literario, sobre todo en la actualidad donde ambos van muy de la mano; el cine depende de la novelas para tener buenas historias y las novelas dependen del éxito de su adaptación cinematográfica para incrementar sus ventas. Esa masificación y excesiva necesidad de consumo han provocado dos cosas, la primera es que los creadores desarrollen continuaciones que la mayoría de las veces no son coherentes ni están a la altura de la obra original, y la segunda es la producción de desenlaces complacientes con una audiencia que quiere más y no soportaría la idea de perder a sus personajes principales, en lugar de dar por terminada una obra en el momento correcto; por eso los libros de G. R. R. Martin generan controversia, pues mata cuando se tiene que matar sin importar la relevancia del personaje.

Tanto la novela como la película son excelentes, sobre todo en el desarrollo del terror y el suspenso, pero también en la crítica social que hacen al extremo apego y a la producción de nuevas partes que simplemente buscan satisfacen la insaciable necesidad del consumidor en lugar ampliar la obra original. Misery se ha convertido en un elemento tan icónico de la cultura pop que ha sido parodiada, mencionada o aludida en muchas obras recientes. Uno de los ejemplos que más me gusta es en capítulo de La Casa de los Dibujos en donde Clara mantiene enfermo a Mueble O’Algo para seguir cuidándolo y parecer una buena persona. Sin duda un clásico que no se pueden perder sean fans o no del género.

Ghunship

25 diciembre, 201524 diciembre, 2019CuauhDeja un comentario

Página Oficial

Hace tiempo que no hablaba de un grupo musical, desde Gorillaz, pero eso se debe a que pocos grupos hacen uso de la animación para crear sus videos musicales. Gunship es un grupo inglés que podríamos describir como «los 80 hechos música» ya que tanto su música como la estética de sus videos, junto a todo el merchandising que ha generado la banda, nos remiten a una tienda de arcadias donde los juegos de 8bit y las primeras canciones electrónicas inundaban el lugar iluminado con tubos de neon.

Gunship es una oda a aquellos años ochenta donde la computación y los hacker dieron al cine Serie B cientos de ideas que se desarrollaron en películas Cyberpunk, y justamente es ese género el que vemos en la mayoría de sus videos. En lo personal me gustan sólo un par de sus canciones, Tech Noir es mi preferida, pero lo que si me facinó fueron sus videos musicales.

El primero de estos videos es Black Sun on the Orizon, que nos remite a animes ochenteros como Akira, o a la animación estadounidense de esa misma década llena de visceralidad y cosas rudas, un poco fantástica, un poco medieval; similar a He-Man que tiene aún cienta esencia pulp, en este caso esencia Hurlant. El segundo video es The Mountain, creado enteramente a partir de las cinemáticas de GTA V. El tercer video (no los estoy poniendo en orden cronológio) es Fly For Your Life, con una animación impresionante que nos remite a escenas de un cómic gracias al estilo de dibujo. Finalmente los dos últimos videos Tech Noir y Revel in Your Time son unas verdaderas obras de arte. Tech Noir, dirigido por Lee Hardcastle, nos lleva por un trepidante paseo a la época de los VHS con violencia, acción y muchos guiños al cine ochentero, mientras que Revel in Your Time es Cyberpunk puro y duro del nivel de Blade Runner, de hecho el pequeño video es el ejemplo perfecto de algo que podemos denominar como Tech Noir retrofuturista (o lo que es lo mismo Cyberpunk retrofuturista).

Sukitte Ii na yo

15 diciembre, 201516 diciembre, 2015CuauhDeja un comentario

Título Original: 好きっていいなよ。 (Sukitte ii na yo).
Género(s): Romance, Drama, Comedia, Shôjo.
Director: Toshimasa Kuronayagi.
Estudio: Zexcs.
Emisión: 2013.
Duración: 13 Episodios.
Extras: un OVA.

Basado en el manga homónimo de Kanae Hazuki, Sukitte ii na yo es un anime Shôjo de romance que cumple con los estereotipos típicos empleados para atraer a una audiencia determinada, pero a pesar de que es como muchas otras series, tiene algunos elementos que la hacen una recomendación interesante para cierto sector de jóvenes entre secundaria y preparatoria.

La calidad general es buena, el diseño de escenarios es muy bueno, por momentos roza la artificialidad pero no llega a verse del todo mal. El diseño físico de los personajes es bueno, aunque personalmente no me agradó mucho, sin embargo, su construcción en cuando a personalidad y emociones sí que me gustó, sobre todo por el crecimiento que todos tienen, incluso los personajes secundarios.

La historia gira en torno a Mei Tachibana, una chica de 16 años sin amigos, aislada del resto de sus compañeros y desinteresada por cualquier tipo de relación. Un día, Mei tiene un incidente con Yamato Kurosawa, el chico más popular de su escuela, quien por alguna razón se siente atraído hacia ella. A partir de ese momento Yamato intenta entablar una relación con Mei pero sin éxito, hasta que poco a poco Mei empieza a confiar en él y se va abriendo al resto de sus compañeros, hace algunos amigos y se permite amar por primera vez.

Toda la trama es un cliché para los adolescentes, lo acepto, pero hay algunos puntos rescatables de la serie. En primera instancia, la construcción psicológica de Mei en los primeros capítulos es genial, pues si bien es una chica apartada y distante de las relaciones sociales es centrada y autosuficiente, no es la típica chica tímida que se aparta del resto por miedo, sino la que se aparta del resto porque los desprecia. Esa Mei de los primeros episodios me encantó por ser hostil y agresiva. No obstante, el crecimiento que tiene en cuanto a su capacidad para relacionarse con los demás a lo largo de la serie es simplemente genial.

Ese desenvolvimiento lo vemos en todos los personajes, pues cada uno de ellos sufre o sufrió algún evento traumático en su pasado que los obligó a optar por la personalidad que tienen. Con forme avanzan los episodios, logran superar sus problemas y cambiar su personalidad para bien. Si bien eso nos remite a un final feliz, creo que es válido cuando la intención es captar a una audiencia que puede verse reflejada por su dificultad para relacionarse con los demás, sobre todo en temas romántico. La serie funciona y de hecho les deja un buen mensaje de superación a los adolescentes tímidos o asociales.

Si bien la serie es muy ligth, pues cuando mucho vemos un súper leve y muy matizado fan-service, tiene un trasfondo un poco sombrío, o que pudo ser sombrío si el director hubiese querido seguir por alguno de los caminos posibles que se presentaban al principio de la serie. El primero de ellos es que Mei hubiese seguido como la chica apática y hostil para siempre y aun así salir adelante, el segundo pudo haber explotado el apego y la obsesión de cierto personaje y derivarlo a un desenlace gore que hubiese sido excelente, y el último consistía en explotar las relaciones sexuales que se dan entre algunos personajes de una manera más explícita y erótica.

Si la serie hubiese seguido por alguno de esos caminos, podría haberse convertido en algo tan sensual y retorcido como School Days, pero optó por el camino tierno y amable, lo cual se agradece mucho, porque demuestra que no se necesita explotar el morbo del espectador para dejarle un mensaje (mensaje útil para una audiencia de cierta edad, claro está). Aunque debo admitir que mientras la veía estaba a la espera de ver algo así en cualquier momento, porque de hecho da esa impresión.

Creo que el ser un tanto gris, en cuanto a que no se decanta al cien por ciento por ningún aspecto (ni es del todo rosa, ni romántica, ni dramática, ni sexual), es lo que la salva de convertirse en una serie más del montón de “series para niñas” que se estrenan cada año. Claro está, recalco que es una serie que puede resultar atractiva para adolescentes que sufrieron o sufren bullying o tiene problemas para hacer amigos o decirle a alguien que les gusta. Si no pertenecen a esa demografía obviamente no les va a gustar, pero eso no quiere decir que sea mala o que al menos no tenga cosas rescatables.

Little Witch Academia: The Enchanted Parade

30 noviembre, 201529 noviembre, 2015Vossk5 comentarios

Título Original:リトルウィッチアカデミア魔法仕掛けのパレード Ritoru Witchi Akademia: Mahō Shikake no Parēdo).
Género(s): Fantasía, Comedia.
Director: Yoh Yoshinari.
Estudio: Trigger.
Emisión: Julio 3, 2015.
Duración: 53 minutos.
Extras: Little Witch Academia.

La primera parte fue un pequeño experimento creado por un grupo de verdaderos profesionales. Una vez tuvo un poco de difusión, su éxito fue arrollador; luego de una emocionante campaña de crowdfunding igual de exitosa y dos años de arduo trabajo, Trigger entrega a su fans los frutos de este esfuerzo conjunto: The Enchanted Parade.

De nuevo seguimos a las jóvenes brujas Akko, Lotte y Sucy mientras continúan aprendiendo hechicería en la Luna Nova Academy. A pesar de haber salvado la escuela, la cosas no pintan bien para el trío, ya que siguen metiéndose en problemas debido a sus excéntricos conjuros. Por accidente crean un horrible monstruo en clase y como castigo ahora deben organizar el desfile del Festival de las Brujas, a celebrarse en el pueblo a las afueras del instituto.

Sin embargo, los aldeanos conservan una imagen medieval de las brujas y año tras año el desfile se convierte en una cacería donde el verdadero incentivo es humillarlas por sus actos pasados. Akko no está de acuerdo con esta anticuada tradición, así que decide aprovechar la oportunidad para mostrar a la gente normal lo maravillosa que es la magia. Para ello, también deben hacer equipo con otras tres estudiantes problemáticas: Amanda, Constanze y Jasmineka. Esta es la última oportunidad para las seis. El desfile debe ser un éxito, o perderán el año.

Akko se pone de inmediato en el papel de líder y acapara todo el proyecto. Su actitud es un problema para el resto del grupo, pues se niega a aceptar otras opiniones, lo que culmina con la fractura del equipo. Sin sus amigas, continua por su cuenta con el plan. Usando la varita de Shiny Chariot consigue llevar la magia al pueblo y alistar todo para el desfile.

Pero una banda de chicos locales desean tener otro festival para cazar brujas, por lo que sabotean el plan de Akko y roban la varita brillante. Mientras las brujas intentan recuperar su fuente de poder, un antiguo gigante despertado por el ajetreo ataca a los habitantes. Akko y su equipo, a quienes se unen Diana, Sucy y Lotte, luchan contra el monstruo, consiguen derrotarlo y hacer del desfile un éxito.

The Enchanted Parade es todo lo que podríamos haber esperado de la secuela de Little Witch Academia. El apartado técnico es impecable. Las expresiones de los personajes son exquisitas. La animación es tan rápida, fluida y limpia que nos deja maravillados de principio a fin, incluso invitando a apreciarla cuadro por cuadro para descubrir todos los pequeños detalles.

Las voces, banda sonora y efectos están a la altura. Los personajes reciben un poco más de desarrollo en todos los aspectos, y con ellos también se amplía este pequeño mundo. Quizás, el único punto negativo es que la primera parte nos dejó unos estándares que rozan la perfección, y al comparar ambos trabajos puede que esta segunda OVA no satisfaga las expectativas de los más exigentes.

Dejando a un lado el fanatismo y los análisis a profundidad extrema, el resultado final es asombroso. Little Witch Academia: The Enchanted Parade es la digna secuela a uno de los trabajos de animación más sobresalientes en los últimos tiempos y una excelente obra de animación por méritos propios.

Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer

25 noviembre, 20153 diciembre, 2015VosskDeja un comentario

Título Original: ドラゴンボールZ　復活の「F」 (Doragon Bōru Zetto: Fukkatsu no Efu)
Género(s): Shônen, Peleas, Sobrenatural, Ciencia Ficción, Henshin.
Director: Tadayoshi Yamamuro.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: 18 de Abril de 2015
Duración: 93 minutos.
Extras:

Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer es la secuela directa de La Batalla de los Dioses, elevando el total de películas en la franquicia a diecinueve. Se estrenó el 18 de abril de 2015 en salas de cine japonesas y tras generar furor en los medios de habla hispana durante los meses siguientes, llegó a nuestro país doblada al español el 19 de Junio de este mismo año.

El éxito del largometraje anterior fue mayor al esperado. Se volvió obvio que el mundo ansiaba más Dragon Ball, por lo que el legendario Akira Toriyama anuncia el desarrollo de una nueva película en vez de otra saga completa como muchos esperaban; aunque eso también se arreglaría poco después.

Debido a la crítica negativa que generó el exceso de humor en su anterior producción, Toriyama dio al argumento un tono más serio, agregando un montón de referencias a las primeras sagas de Dragon Ball Z, revelando detalles poco a poco; con el tiempo el título salió a la luz. Mayor fue la sorpresa de muchos, mientras otros nos regocijamos aún más, pues de inmediato se volvió evidente a donde se dirigía esto. El título de la nueva película concluía con una sola letra: F.

El peor deseo de la historia

Mientras la Tierra disfruta de un periodo de paz luego de enfrentar la amenaza del mismísimo Dios de la Destrucción, los remanentes del otrora glorioso ejército galáctico de Freezer luchan por mantener cohesión entre sus filas. La cadena de mando ahora recae en unos pocos soldados fieles, con el maligno Sorbet a la cabeza.

Cansado de perder planeta tras planeta, decide que la única solución posible es utilizar sus últimos recursos para regresar a la vida al amo Freezer, aunque algunos de sus hombres se muestran escépticos. Sin poder hallar sobrevivientes del planeta Namek luego de años de búsqueda, sólo queda viajar a la Tierra para usar las esferas del dragón. En una misión encubierta, lleva consigo a Tagoma, su soldado más fiel y consiguen arrebatar las esferas a la banda de Pilaf.

Shenlong revive al tirano, pero su cuerpo vuelve tal y como Trunks del futuro lo dejo: cortado en decenas de pedazos. Acuerdan utilizar su más reciente tecnología de recuperación para reconstruir a su líder y parten a los confines del espacio, justo antes de que los defensores de la Tierra comiencen a sospechar.

Freezer se recupera con un único deseo en mente: matar a Gokú. Sus subordinados tratan de disuadirlo pues al pasar los años, los saiyajin se han vuelto inimaginablemente poderosos, llegando a derrotar a Majin Boo y Bills, Dios de la Destrucción. El villano se muestra sorprendido, pero asegura que tiene un plan; con unos meses de arduo entrenamiento podrá incrementar sus poderes y derrotarlos de una vez por todas, pues nunca antes ha necesitado esforzarse para ser más fuerte.

Luego de cuatro meses, invade la tierra auxiliado por lo que queda de su ejército. Ahí enfrenta a un reducido grupo de guerreros y demanda la presencia de Gokú. Los Guerreros Z derrotan a los hombres de Freezer, pero son fácilmente vencidos por el emperador del mal. Sin más opciones, convocan a Gokú y Vegeta, quienes se encontraban entrenando con Wiss en el planeta de Bills.

Después de tantos años, los legendarios rivales se enfrentan nuevamente, desatando un combate épico. Los poderes aumentados del villano dejan impresionado a más de uno, pero siguen siendo inferiores a los del saiyajin; aun así ambos se muestran confiados. Acuerdan dejar el calentamiento para mostrar sus verdaderos poderes; Gokú accede a su nueva forma de Dios Super Saiyajin y su rival exhibe su siguiente evolución, Golden Freezer.

En su forma dorada, Freezer es lo suficientemente poderoso como para inclinar la balanza a su favor por unos minutos, dejando sorprendidos a Gokú, Vegeta y al mismo Bills, quien visita la Tierra en esos momentos para saborear un delicioso postre junto a Wiss. El tirano se confía luego de dejar a su rival contra las cuerdas, pero su falta de experiencia usando sus nuevos poderes comienza a desatar efectos secundarios.

La fuerza de Freezer disminuye con el tiempo, detalle que el saiyajin aprovecha para voltear el flujo del combate. Frustrado al ver que su ansiada venganza se le escapa de las manos, declina la oferta de Gokú de volver a su plantea y pone en marcha su plan de emergencia. Mientras el guerrero se muestra condescendiente, se confía y Sorbet aprovecha para herirlo gravemente con un arma.

Con esta trampa estuvo a punto de ganar, de no ser por la intervención de Vegeta, quien también puede realizar la trasformación Dios Super Saiyajin. Vegeta vence a su antiguo jefe, cobrando venganza por la destrucción de su planeta natal. Pero antes de dar el golpe final, Freezer apuesta el todo o nada y destruye la Tierra en un instante, matando al príncipe junto al resto de los habitantes.

Sólo sobreviven los Guerreros Z que presenciaban el combate, junto a Gokú y Bulma, gracias a los poderes de Wiss. Bills sugiere darles otra oportunidad; usando una técnica especial de su maestro vuelven el tiempo tres minutos, circunstancia que Gokú aprovecha para acabar con su enemigo, enviándolo de vuelta al infierno.

Valoración

Desde el punto de vista técnico, este es el mejor trabajo en la franquicia hasta la fecha. Los gráficos y el aspecto sonoro son de primer nivel. Los personajes se ven limpios y dinámicos, incluso puede resultar muy difícil distinguir cuando a mitad de la batalla los peleadores son reemplazados por modelos en tres dimensiones para un par de escenas.

Mientras que para la mayoría el punto fuerte de la película es la nueva trasformación de los héroes, para mi es el regreso de mi personaje favorito de todo Dragon Ball. Toriyama se encargó de regresar a uno de los villanos más reconocidos del anime en toda su gloria; pero el detalle más importante es que además, en México casi todos los personajes conservan sus voces dobladas originales.

Cada vez que se anuncia un nuevo proyecto de las series, los fans mexicanos demandan la participación de estos actores de doblaje consagrados. Gracias al apoyo de los seguidores, han conseguido ganar el reconocimiento que merecen. En el papel de Freezer está Gerardo Reyero, luego de más de 15 años de no interpretar al personaje, su trabajo sigue siendo magnífico y en lo personal considero que fue la mejor interpretación del filme.

El argumento es el punto negativo más grande. Al ser una producción dirigida al cine, muchos detalles se omiten y se da prioridad a otros acontecimientos. Quizás nos hubiera gustado abundar más en otros aspectos que los mostrados en esos 93 minutos. A diferencia de La Batalla de los Dioses, la historia es extremadamente predecible y es casi idéntica a las películas de los noventas. Freezer regresa, un puñado personajes secundarios le hacen frente sin éxito, hasta que llega Gokú y salva el día.

Dejando a un lado esa fórmula repetida hasta el cansancio, que sigue gustando a los fans, la película es fantástica. Las escenas de acción, las dosis de humor, las interacciones entre Gokú y Vegeta, así como el hecho de revivir a Freezer son sólo algunos de los abundantes momentos memorables. Las batallas vuelven a ser las verdaderas protagonistas justo como los detractores de la película anterior lo deseaban, dando como resultado la mejor película de Dragon Ball Z hasta el momento.

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