Basada en el cortometraje homónimo de Shane Acker y producida por Tim Burton y Timur Bekmambetov, 9 es una de las películas de animación estadounidense más novedosas de la actualidad, pues su estilo único y sus complejos escenarios le han valido la creación de su propio subgénero, el Stitchpunk, aunque esto corresponde más a una moda de crear géneros que a una verdadera clasificación, pues en lo personal creo que también podría denominarse como Scrappunk.
Además de la gran historia de ficción que nos presenta, la estética novedosa que aporta al género y esa mezcla de fantasía y ciencia que le dan un toque muy particular, la discusión que desató en la rede con respecto al género es algo que debemos tomar en cuenta, pues muchos de los géneros cinematográficos nacieron a partir de una única obra que en su momento revolucionó a la gran pantalla pero posteriormente fue emulada por otras cintas. Eso mismo es lo que ha pasado con 9 y el Stitchpunk.
La calidad de animación es simplemente impactante, pues la nitidez y detalle de las escenas son tan realistas que por momentos parece una película de acción real y no una animación. Los movimientos de cámara son muy naturales, y a pesar de la gran cantidad de escenas de acción, en ningún momento se ven torpes o de baja calidad. Los escenarios postapocalípticos son los más hermosos que he visto, pues nos muestran un mundo destruido y contaminado lleno de desperdicios y con una aparente ausencia de seres humanos. La música también está perfectamente trabajada y se acopla adecuadamente a las distintas escenas, otorgando la emotividad correspondiente.
Los personajes son la parte fundamental, pues la historia no profundiza de manera excesiva en el trasfondo de la historia, sino que se enfoca en mostrar sus distintas personalidades. Dichos personajes, que si bien están estereotipados, son en realidad una representación física de la conciencia humana (o alma, si prefieren ese término). Estos extraños muñecos de trapo hacen alusión al concepto alquímico de los homúnculos.
La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico en el que la humanidad ha sido devastada debido a una cruenta guerra entre humanos y máquinas, y gira en torno a Nueve, el noveno muñeco de trapo creado por un científico con el fin de otorgar esperanza a la raza humana y a la vida en la tierra.
Nueve y sus ocho compañeros, deberán luchar contra una máquina creada por el mismo científico que los creó a ellos, la diferencia es que los muñecos poseen parte del alma del científico, mientras que la máquina únicamente posee su inteligencia y no tiene la menor consideración por la vida, razón por la cual se reveló contra los humanos. En el trascurso de la historia vemos como el crecimiento y la unión de los nueve personajes conjuga las habilidades y capacidades necesarias para llevar a cabo la misión.
Sin duda 9 es una película espectacular, y aunque su final es inconcuso, quizás para una segunda parte, la calidad en cuanto a su estética y parafernalia es algo que nunca antes había visto, pues resulta verdaderamente innovador ver extraños robos autómatas creados a partir de desperdicios y basura (de ahí mi definición de Scrappunk). Asimismo, su historia es sólida y puede llegar a ser emotiva y un poco dramática.
Tim Burton ha sido un tanto sobrevalorado en la industria del cine aunque su nombre es usado como estandarte de calidad, pero más allá del aporte que él tenga en este filme, me parece que la simple estética le vale un gran reconocimiento al director, animadores y creativos, sobre todo porque nos presentan otra forma de abordar el trillado tema del hombre contra las máquinas, sobreexplotado por la industria del cine desde siempre.
Título Original: 空の音・夢ノ彼方 (Sora no wo to: Yume no Kanata). Género(s): Militar, Shôjo, Drama, Comedia, Ciencia Ficción. Director: Mamoru Kanbe. Estudio: A-1 Pictures, Aniplex. Emisión: Junio 2010. Duración: 24 minutos. Extras:Sora no wo to.
El segundo OVA de Sora no wo to toma lugar un año después del inicio de la serie y nos narra la búsqueda de Kanata por encontrar su sueño, en su búsqueda conocerá los sueños y motivaciones de sus compañeras y otros personajes de la ciudad.
La historia no tiene muchas complicaciones, pero contribuye ampliamente al conocimiento, en un aspecto más íntimo, de los personajes. Además, proporciona una buena base para una segunda temporada, principalmente porque conjuga gran parte de la información previa de la serie y nos da nuevas pistas para tratar de comprender qué pasó con el mundo y dónde están realmente los países de Helvetia y Roma.
Título Original: 饗宴・砦ノ戦争 (Kyōen: Toride no Sensō). Género(s): Militar, Shôjo, Comedia. Director: Mamoru Kanbe. Estudio: A-1 Pictures, Aniplex. Emisión: Junio 2010. Duración: 24 minutos. Extras:Sora no wo to.
El primer OVA corresponde a un punto cinco, y se sitúa entre los capítulos siete y ocho. En él vemos como Kureha nos relata los eventos ocurrido durante el día a manera de diario. Todo comienza cuando Kanata intenta descubrir lo que esconden en el sótano, para evitarlo Phylisia (Filisia) convence a las chicas del pelotón y a Yumina de hacer una batalla a manera de simulacro, si el equipo de Kanata ganaba le dirían la verdad, pero si perdía mantendrían el secreto. Después de la batalla —y la victoria de Kanata— las chicas toman un baño y se ponen a beber, terminando completamente ebrias a excepción de Kureha.
El OVA es un simple capítulo más que no aporta nada verdaderamente importante a la historia, pero resulta en extremo divertido ver como las chicas se desinhiben al calor de las copas. Además, nos aclara cómo es que Kanata se enteró de los negocios que el pelotón tenía con los gangters con quienes comerciaban el licor que ellas mismas destilaban y nos muestra un poco de la historia personal de Yumina. Sin duda una excelente recomendación para quien sea fan de la serie y la comedia.
Título Original: ソ・ラ・ノ・ヲ・ト (Sora no wo to). Género(s): Militar, Drama, Comedia, Retrofuturismo, Shôjo. Director: Mamoru Kanbe. Estudio: A-1 Pictures. Emisión: Enero 2010 – Marzo 2010. Duración: 12 Episodios. Extras:7.5, 13.
Con música muy emblemática, conceptos artísticos propios del modernismo, ambientación militar y una extraña combinación de elementos europeos, Sora no wo to es uno de los animes más encantadores que he visto, pues la mezcla de ternura que se opone a la crueldad de la guerra logra un resultado sobresaliente. Además, su simpleza y nula pretensión la convierten en una serie tranquila y digerible, que si bien no busca consagrarse como la gran revelación, sí nos ofrece un lindo mensaje sobre la igualdad.
La calidad de animación es impecable, los escenarios están finamente detallados y los gráficos son en extremo nítidos, al igual que la ambientación que hace alusión a las provincias europeas. La ciudad de Seize —lugar donde trascurre la serie— es una copia casi fiel del poblado de Cuenca, España, principalmente de las Casas Colgantes y el Puente de San Pablo. También nos presenta elementos propios de folclor Alemán, Francés, Español, Austriaco, Suizo y Japonés, como el Obon (Fiesta des Lumieres), algo así como el Día de Muertos, y referencias a la Tomatina que se celebra en Valencia, España.
Todas esas referencias culturales y folclóricas crean un contexto novedoso a la vez que familiar, pues la mezcla de elementos orientales con tradiciones europeas y parafernalia militar, hacen que la serie adquiera un toque retro, pues los escenarios nos remiten a la región franco-cantábrica, mientras que el elemento militar nos remonta a las revoluciones previas a la Primera Guerra Mundial.
Además de las referencias ya mencionadas, en el opening se hace alusión a Gustav Klimt, pintor austriaco que creó obras como El Beso y que ha sido retomado por otros animes como Elfen Lied. No podemos olvidar las referencias a los Calvados (vinos) franceses ni melodías como el himno cristiano Amazing Grace, canción que ya ha sido usada por animes como Eureka 7.
La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico en el que una cruenta guerra destruyó toda la tecnología existente y acabó con la vida en los océanos, obligando a los ejércitos a regresar a la vieja tecnología del siglo XX. Kanata Sorami es una joven recluta que se enlistó en el ejército con el fin de aprender a tocar la trompeta, instrumento con el cual se dan las órdenes militares. Para su fortuna, es asignada al pelotón 1121 en la ciudad de Seize, provincia de Helvetia (Suiza).
En el pelotón, integrado sólo por mujeres, conocerá a otras reclutas y compañeras, con las cuales tendrá que entrenar, proteger a los habitantes de la ciudad y evitar que se desate la guerra contra Roma (que de hecho es Alemania pues el idioma que los “romanos” hablan es alemán). Para ello deberán desafiar a la mafia, conseguir otros trabajos con los cuales ganar dinero y enfrentar sus miedos y traumas del pasado para dejar de ser una tropa menospreciada.
La historia nos muestra un poblado un tanto medieval, con fortalezas, castillos, mercados, talleres artesanales y monopolios manejados por la mafia como en la época de la Gran Depresión (1929). También hace alusión a la guerra bacteriológica, con virus como la muerte invisible, que es una probable referencia a la peste negra o a la viruela. Además, nos muestra que las diferencias entre el estado gobernante y la religión son por lo general a causas de intereses personales, porque ambas buscan —al menos en teoría— el bienestar del pueblo. Esto lo podemos apreciar en la ayuda mutua entre pelotón 1121 y la Iglesia Ortodoxa.
El desarrollo de la serie es muy particular, pues se maneja como un Slice of life hasta la mitad de la serie, ya que en los primeros capítulos únicamente vemos el día a día en el cuartel. En la segunda mitad se introducen elementos mucho más dramáticos, pero sin dejar la indiscutible ternura que los personajes le aportan. Y para el final nos otorga un excelente ejemplo sobre igualdad, partiendo del hecho de que la música es universal, y que sin importar a que país o batallón pertenezcamos o que idioma hablemos, siempre podremos entender y disfrutar las notas musicales.
Aunque la historia es muy ligera y se maneja de forma muy sencilla, el trasfondo histórico del que parte el conflicto militar tiene un origen realmente complejo y sombrío; a lo largo de los capítulos es posible observar algunas referencias al viejo mundo. Esto hace que la historia tenga una gran solides y permita la posterior creación de precuelas o secuelas de igual o mayor complejidad.
En lo personal me parece que es la conjunción de todos esos elementos de distintas épocas y ámbitos lo que hace tan peculiar y atractiva a la serie, pues es difícil encontrar una historia que compagine ambientes tan distintos de forma natural, y, sobre todo, que logre una gran armonía y desarrollo con tan amplia gama de referencias.
Título Original: サマーウォーズ (Sama Wôzu). Género(s): Ficción Especulativa, Comedia, Drama, Slice of life. Director: Mamoru Hosoda. Estudio: MadHouse. Emisión: Agosto de 2009. Duración: 114 minutos. Extras: –
Dirigida por Mamoru Hosoda, director de películas como Toki wo Kakeru Shôjo y Digimon Adventure Our War Game (1999), e inspirada en el clásico War Games de John Badham (1983), Summer Wars es uno de los largometraje más impresionantes y enternecedores de la actualidad, pues su calidad la hizo ser considerada como prenominada al Oscar 2011 como mejor animación.
El filme contó con la participación de Youji Takeshige como diseñador artístico y retoma el estilo de animación utilizado en Tokikake, combinándolo con escenarios muy similares a los que pudimos apreciar en la película de Digimon Adventure. El diseño de personajes corrió a cargo de Yoshiyuki Sadamoto quien respetó la simpleza en los rasgos físico. Finalmente, la preciosa música crea una ambientación perfecta al generar la tensión necesaria en los momentos dramáticos o la espontaneidad de los momentos cómicos.
La historia gira en torno a Kenji Koiso, un joven estudiante genio de las matemáticas pero con dificultad para relacionarse con los demás. Para su fortuna, es invitado a pasar unos días con la familia de Natsuki Shinohara, una compañera de la escuela que es de un grado superior. Lo que Kenji no sabe es que Natsuki pretende hacerlo pasar por su novio y presentarlo a su familia.
Durante su estadía en casa de la Familia Jinnai, Kenji recibe un mensaje que intenta descifrar, dicho mensaje contenía los códigos de acceso para OZ, un mundo virtual a manera de red social que controla prácticamente todos los negocios y servicios en el mundo. Una vez descifrado el código, la cuenta de acceso de Kenji es hackeada por un extraño virus que empieza a absorber otras cuentas, con lo que obtiene el dominio de OZ e inicia el colapso de todos los sistemas controlados por Internet. En el caos, Kenji y la Familia Jinnai intentan retomar el control de OZ y acabar con el virus que pone en riesgo la estabilidad de la raza humana.
La historia hace una muy inteligente crítica a la dependencia que actualmente tenemos de Internet, donde las redes sociales se han convertido en un espacio más dónde desenvolvernos, y cualquier colapso en el sistema virtual se verá reflejado en un colapso del sistema social real. Además, Summer Wars nos plantea la desaparición de esa frontera que nos permite diferenciar entre el mundo real y el virtual, ya que actualmente es muy difícil separar nuestra vida cotidiana de nuestras relaciones en la red.
Además del aspecto tecnológico, avatares y gadgets, Summer Wars nos presenta una construcción familiar muy entrañable, pues la estructura de la Familia Jinnai, además de ser tierna, es muy realista, sobre todo en el papel que juegan las mujeres como cabeza de familia. Y no sólo eso, la película también nos muestra cómo los problemas, secretos y conflictos consiguen superarse mediante la unión familiar, unión que muchas veces sólo se logra cuando las familias sufren una tragedia.
La amplia gama de personalidades en la familia es sin duda uno de los aspectos que le otorgan originalidad a la obra, pero que al mismo tiempo la hacen universal, pues sin importar de donde seamos, los valores familiares estarán presentes en nuestra sociedad. Esto propicia que pueda internacionalizarse con facilidad, sobre todo en países donde la ideología de la unión familiar aún es muy fuerte.
El filme también nos enseña que la modernidad no debe significar la pérdida de las costumbres, pues cuando la tecnología nos falle sólo nos quedaran las viejas tradiciones (aspecto que me recuerda el tema que aborda Honey Tokyo). El cambio cultural causado por el gran desarrollo tecnológico es un aspecto que nos hace vulnerables, pues confiamos tanto en la tecnología que es difícil saber qué hacer cuando no podemos contar con ella.
Summer Wars es una obra muy emotiva, que abarca numerosos temas dentro de su historia, desde el tierno y puro romance hasta el dominio que Internet tiene en las relaciones humanas, sin olvidar la importancia de la familia como la más básica e indispensable institución social.
Ésta película nos deja el mensaje de que la unión de la humanidad pude darse a través de las redes social si tiene como base a la familia. Mensaje que si bien no es original —pues ya lo habíamos visto en la película de Digimon— sí hace eco en la sociedad actual, pues las redes sociales ocupan un lugar cada vez más importante para la humanidad pero no han logrado sustituir los lazos afectivos de las relaciones familiares.
Título Original: 一騎当千 (Ikkitôsen). Género(s): Ecchi, Shônen, Comedia, Peleas. Director: Takeshi Watanabe. Estudio: J.C. Staff, Genco. Emisión: Julio 2003 – Octubre 2003. Duración: 13 Episodios. Extras:Ikkitousen DD, Ikkitousen GG, Ikkitousen XX.
Chicas lindas, cuerpos esculturales, peleas callejeras, ropas destrozadas y una generosa cantidad de fan-service y pantsu-shots son las características que describen a Ikkitousen, series basada en el manga homónimo de Yuji Shiozaki, que a su vez se basó en la novela china de Luo Guanzhong,Romance de los Tres Reinos (三国演义).
Ikkitousen es una de las series más famosas dentro del género Ecchi y las peleas callejeras, pues retomas las viejas características de los juegos de arcadias como Street Fighter (una temática que nos lleva nivel por nivel y que va aumentando las capacidades y fuerza de los oponentes con forme avanza el torneo) y las acompaña con numerosas escenas de desnudos parciales. Dicha estrategia le ha permitido ganarse un lugar muy decoroso dentro del público masculino.
En el aspecto técnico, Ikkitousen nos presenta escenarios simples pero aceptables, que cumplen su función como arenas de combate y cuyo diseño permite su fácil destrucción al no estar demasiado detallados. Podemos decir que la calidad visual en cuanto a escenarios es algo simple, pero debido a que la temática no requiere un amplio desarrollo en éste aspecto, la simpleza funciona perfectamente.
En cuanto a las tomas y movimientos de cámara, estos resultan un tanto violentos en las peleas de los primeros capítulos, pero se van afinando con forme avanza la serie. El aspecto musical, por su parte, cumple eficientemente su papel de ambientador, pero se ve opacado por las demás características técnicas.
El diseño de personajes secundarios es muy simple, al igual que la mayoría de los personajes masculinos, con las contadas excepciones de aquellos cuya constitución física es resaltada para denotar su estatus de peleador. Las mujeres reciben un trato totalmente diferente, pues sus atributos corporales se ven resaltados para ser el atractivo visual que la serie necesita.
Como a menudo pasa en la series Ecchi, los personajes femeninos se ven encasillados en sus rasgos moe y nos muestran una personalidad que muy difícilmente saldrá del estereotipo, aunque la gran cantidad de personajes busca disfrazar esta deficiencia presentándonos una aparente variedad de personalidades, estrategia que no logra un buen resultado a causa de las características cómicas que llevan a ciertos personajes al absurdo.
La historia gira alrededor de un grupo de jóvenes que son la reencarnación de héroes legendarios que lucharon por la unificación de China en la era de los Tres Reinos y cuyos destinos están atados a la suerte que sus ancestros vivieron siglos atrás. Para evitar sufrir el mismo destino, los jóvenes peleadores intentarán cambia su suerte valiéndose de artimañas y luchando hasta la muerte con el fin de llevar a su escuela al liderazgo. Hakufu Sonsaku es el personaje principal, pues está destinada a ser la soberana que unirá a los tres reinos.
El trasfondo histórico de las batallas y los héroes legendarios suena muy prometedor, pero no llega a ser verdaderamente sólido debido al tipo de personajes que maneja, los cuales son excelentes para una serie de comedia, mientras que la historia funcionaría mejor en un anime más sobrio. Ambos aspectos son buenos por separado, pero me parece que juntos se demeritan. Sin embargo, la simpleza y comercialidad que la serie pretende logra funcionar con sus vistosas peleas y chicas semidesnudas.
Uno de los aspectos que considero más criticable es el cambio de escenas serias con una fuerte carga de elementos históricos esenciales para la trama, a escenas cómicas que rompen con el ritmo de la historia. Me parece que el argumento tiene elementos que le permitirían mayor complejidad, pero sabemos que esto no es lo que los productores buscan. En lo personal considero que recurrir a una historia tan buena como pretexto para hacer pelear a chicas sexys es un desperdicio de contenido.
El dotar a una serie Ecchi de una historia compleja, busca interesar al espectador en algo más que el morbo y la excitación, pero no creo que a los jóvenes que gustan del Ecchi les importe demasiado si el desarrollo de la temática es coherente o no. Sin embargo, Ikkitousen intenta aumentar su atractivo incorporando un trasfondo histórico complejo con el fin de evitar estancarse en una historia mediocre cuyo único encanto sean las voluptuosas mujeres.
El Retrofuturismo es un subgénero de la Ciencia Ficción en donde la idea racional que permite la existencia de tecnologías avanzadas comparte su entorno con los desarrollos científicos de una época histórica en particular. Es por ello que al momento de catalogar una obra dentro de éste género debemos considerar el contexto histórico en que se creó la obra y vivió el autor.
El Steampunk en el mejor ejemplo de Retrofuturismo, pues mezcla un gran avance tecnológico pero a partir de la antigua tecnología del vapor, además, sus historias se desarrollan generalmente en la Inglaterra victoriana del siglo XIX.
Comenzaré con una definición personal del género:
El Retrofuturismo es el subgénero de la Ciencia Ficción que retoma las imágenes de cómo se concebía el futuro en el pasado, y las ambienta en un contexto en donde tecnologías futuristas conviven con ciencia de antaño, o por el contrario, crea un desarrollo mayor al que se alcanzó en determinada época histórica.
PASADO Y FUTURO
La primera característica y la más esencial es la mezcla de dos emplazamientos temporales que convergen en uno mismo. Es decir, las características científicas del pasado generaron tecnologías más avanzadas de las que realmente se alcanzaron en esa época, pero que al compararlas con las tecnologías actuales lucen anticuadas. En otras palabras, se muestran futuros que nunca existieron con tecnologías que ya dejaron de usarse.
Existe un aspecto muy problemático y subjetivo al momento de catalogar una obra dentro del Retrofuturismo. Frecuentemente muchas personas creen que una historia de ciencia ficción realizada varías décadas atrás es retrofuturista simplemente porque los avances científicos ya han sido superados o bien porque la obra ya es vieja, sin embargo, esto no es así, ya que dicha obra fue en su tiempo simple ciencia ficción de temática futurista. Debemos recordar que lo importante es el contexto original de la obra, sin importar que para nosotros ya sea del pasado.
LO VINTAGE Y LO RETRO
Retomemos dos términos muy usados en la industria de la moda. Lo vintage hace referencia a prendas u objetos viejos con un gran valor artístico o histórico y que fueron diseñados y fabricados en el pasado, mientras que lo retro es aquello contemporáneo a nuestro tiempo que hace referencia al pasado al retomar o copiar un estilo antiguo.
Si estamos hablando de ciencia ficción retrofuturista entonces hablamos de ciencia ficción que retoma la estética, temáticas e ideologías (principalmente de carácter utópico) de las obras de ciencia ficción del pasado, realizadas a principios y mediados del siglo XX.
Cuando hablamos de obras viejas, como Le Voyage dans la Lune (Georges Méliès, 1902) o Metrópolis (Fritz Lang, 1927), podríamos considerarlas como “lo vintage”, pues son clásico que han perdurado hasta la actualidad. No podemos decir que sean retrofuturistas tan sólo porque sean viejas.
LA VISIÓN DEL FUTURO DESDE EL PASADO
La visión que se tiene del futuro en una obra retrofuturista debe darse forzosamente desde el pasado. Es decir, si un autor contemporáneo escribe una novela retrofuturista, no puede crear un futuro a partir de la visión que se tiene de éste actualmente, debe recurrir a la visión que se tenía hace años.
Películas como Sky Captain and the World of Tomorrow (Kerry Conran 2004) o Steamboy (Katsuhiro Otomo 2004) son filmes contemporáneos ambientados en el pasado y que retoman la estética y tecnología de otras épocas. Por su parte, Gattaca (Andrrew Niccol 1997) se ubica en el futuro pero retoma la estética de los años 50.
El Retrofuturismo puede dividirse en dos tipos: (1) las obras ambientadas en el pasado y (2) las obras ambientadas en el futuro pero que retoman la estética del pasado. En el primer caso es obvio que la obra retomará los elementos de la época pasada en la cual se ambienta, pero los alcances científicos logrados serán mayores que los alcanzados en la realidad. En el segundo caso es obvio que tendremos más tecnología pues estamos en el futuro, pero paradójicamente la estética será similar a épocas pasadas.
Steamboy (Katsuhiro Otomo 2004)
PUNKS RETROFUTURÍSTAS
Entre los subgéneros que poseen el sufijo punk, existen algunos que pueden catalogarse como retrofuturistas debido a que el tipo de tecnologías que manejan tuvieron auge en algún momento del pasado. En este caso hablamos del Steampunk, Clockpunk, Atompunk y Dieselpunk. Dichos subgéneros sólo podrán considerarse retrofuturistas cuando se desarrollan en el pasado, puesto que tienen la capacidad de ser retrofuturistas o futuristas, dependiendo del momento histórico en el que se desarrollen.
Existen historias punk futuristas, como Waterworld (Kevin Reynolds, 1995), que presentan un freno en el desarrollo científico y obligan a que el futuro se mueva a partir de una tecnología de antaño. Estas historias no son retrofuturistas, pues, a pesar de contener el elemento retro (la tecnología de antaño), ya no poseen el elemento futurista, ya que la tecnología que nos muestran es retrógrada para el contexto temporal de la obra. En otras palabras, dichas obras están retomando elementos del pasado porque están involucionando tecnológicamente, y el retrofuturismo no es involucionar, es evolucionar más allá del progreso logrado en el pasado.
REC 7.5 es un pequeña OVA situada entre el capítulo 7 y 8, donde vemos a Matsumaru, Tanaka y Aka yendo a beber a un bar. Tanaka termina muy tomada y Matsumaru la lleva a su casa, lo cual causa celos en Aka.
Un OVA sin más complicaciones que no aporta mucho a la trama principal, es un capítulo más pero resulta muy divertido y además conserva todas las características de la serie, en especial el particular estilo de comedia.
La Space Opera (Opera Espacial u Opereta Espacial), término que hace referencia a la Soap Opera estadounidense, es un subgénero de la Ciencia Ficción caracterizado principalmente por su ambientación y su trama, aspectos que la diferencian del resto de los subgéneros. Su principal característica radica en que ni los aspectos tecnológicos ni el rigor científico son elementos fundamentales en la historia, pero están indiscutiblemente presentes en ésta, púes de otra manera lo que tendríamos sería un simple Melodrama.
Iniciaré con una definición personal del género:
La space opera es un subgénero de la ciencia ficción caracterizado por la acción, la aventura y el recurso del espacio profundo como escenario. Suele retomar algunos elementos clásico de la Fantasía Heroica, Épica y el género Western y los trasporta a un contexto ficticio en donde la racionalidad científica adquiere un papel secundario y la historia se centra en el melodrama y los personajes.
Cabe aclarar, que no todas las obras de Space Opera son Ciencia Ficción en el sentido estricto de la palabra. Puede darse el caso que, pese a mostrar tecnología futurista y más avanzada que la nuestra, el trasfondo real corresponda a una historia de Fantasía Espacial, como ocurre con la saga de Star Wars.
Star Trek (Gene Roddenberry, 1966-1969)
LA HISTORIA DE AVENTURA
En la Opera Espacial la tendencia más recurrente es relatar historias que se desarrollen alrededor de una aventura frecuentemente romántica, razón por la cual los personajes responderán a los estereotipos típicos de Héroe y Villano. Debido a esto es muy común que el héroe posea particularidades propias de la Fantasía Heroica o Épica, teniendo que rescatar a una doncella, pelear una batalla o enfrentarse a un poderoso villano. Todo esto siempre ambientado en una locación ficticia que contenga los parámetros necesarios para que la historia pueda seguir considerándose como Ciencia Ficción.
Otro de los géneros que han servido como base para la Space Opera es el Western, pues de él se han retomado numerosas historias y elementos que al ser extrapolados a un contexto espacial adquieren características de la Ciencia Ficción. Las viejas historias de expediciones a lugares extraños y exóticos, son ahora remplazadas por viajes espaciales que exploran galaxias y planeta. Sin embargo, los aspectos esenciales permanecen en ambas, pues los exploradores se convierten en viajeros espaciales y los barcos en cohetes.
A diferencia de la Ciencia Ficción normal la Space Opera no centra su historia en la ideaque da juego y permite la especulación racional de una ciencia futurista, por el contrario, son los personajes quienes adquieren el papel principal y es alrededor de ellos que la historia tiene lugar. Los aspectos propios de la Ciencia Ficción actúan simplemente como un fondo dramático que permite una ambientación y un escenario exótico para el melodrama.
El romance y el drama son dos elementos muy recurrentes que suelen unir a los personajes o ser la base para la aventura. Y aunque es muy común que la Space Opera recurra a estos géneros, no está obligada a presentar romance ni drama en su historia. Otro de los temas recurrentes son las batallas en el espacio, en las cuales vemos gigantescas naves surcar el infinito y combatir a toda clase de enemigos. Recordemos también que a pesar de situarse en el espacio y convivir con numerosas razas alienígenas, los humanos tendrán un papel preponderante en la historia.
Uchû Senkan Yamato (Leiji Matsumoto, 1974-1975)
LA AVENTURA ESPACIAL
Como el propio nombre lo indica, la característica más distintiva del género son los viajes espaciales. Generalmente este tipo de obras se desarrollan en naves, en el espacio exterior y en otros planetas, aunque esto no excluye que algunos personajes o eventos trascurran en la tierra. La idea de los viajes espaciales, como sustitución de los antiguos viajes de conquista y exploración, es precisamente esa idea que debe ser racionalizada a partir del elemento científico, y es justamente este elemento lo que permite a la Space Opera pertenecer a la Ciencia Ficción.
Para que el viaje espacial pueda ser posible requiere forzosamente de una explicación racional del cómo se hace, esta explicación debe darse a partir de elementos científicos exclusivamente. Sin embargo, no está obligada a usar términos excesivamente técnicos como los haría la Ciencia Ficción Dura, pues el factor científico no es el principal. Además, como vimos en el artículo de Ciencia Ficción, la Space Opera tampoco está obligada a dar una amplia explicación sobre cómo la ciencia permite viajar y habitar otros planetas, puede limitarse a decir que la ciencia lo hace posible y no dar mayor explicación al respecto.
Finalmente, si la explicación está dada en términos mágicos o sobrenaturales, la historia deja de ser ciencia ficción. Debemos recordar que toda Space Opera se desarrolla en el espacio, pero no toda Ciencia Ficción que tiene lugar en el espacio es Space Opera, ni toda la Space Opera será siempre Ciencia Ficción. Además, el hecho de que se desarrolle en el espacio responde a la necesidad de un desplazamiento físico del escenario narrativo, el cual debe ser diferente a nuestro entorno real.
Firefly (Joss Whedon, 2002-2003)
DESPLAZAMIENTO CIENTÍFICO
Uno de los aspectos más duramente criticados dentro de la Space Opera es el desplazamiento de los aspectos más sólidos de la Ciencia Ficción, pues al desarrollar sus historias en otros planetas suele recurrir a inventar civilizaciones cuya organización, gobierno y aspecto físico, son similares a algunos elementos terrestres. Es común encontrar extraterrestres antropomorfos, es decir, que presentan características humanas —ya sean físicas, intelectuales o culturales— que los hace extremadamente similares a nosotros (bípedos, hablan el mismo idioma, respira oxígeno y usan ropa).
Algunos critican también la falta de explicación del funcionamiento de los desarrollos tecnológicos, como las naves espaciales capaces de viaja más rápido que la luz. Pero, como ya vimos, la Ciencia Ficción (mientras no sea Ciencia Ficción Dura) no está obligada a explicar el funcionamiento de sus tecnologías mientras éstas sean racionalmente aceptables.
En este tipo de obras es común que en las batallas espaciales las naves exploten creando grandes bolas de fuego (en el espacio no hay oxigeno que permita encender fuego y el vacío impide el desplazamiento del sonido) o que al realizar viajes a años luz no se produzcan los cambios que de acuerdo con Einstein ocurrirían debido a que el tiempo trascurriría de diferente forma a tales velocidades. Sin embargo, al pertenecer a la Ciencia Ficción Blanda, tiene mayor libertad para romper leyes científicas que ningún otro subgénero romperían.
Battlestar Galactica (Ronald D. Moore, 2003-2009)
DESPLAZAMIENTO SOCIAL
Es conveniente puntualizar un aspecto que dificulta, en apariencia, la catalogación de una obra dentro de éste género. Al recurrir a aspectos sociales (como los imperios galácticos o la guerra entre diferentes razas extraterrestres), la Opera Espacial puede llegar a confundirse con Ciencia Ficción Social. La clave es saber distinguir el tema central, si la historia se desarrolla a partir del romance y el drama entre dos personajes y existe el juego del héroe-villano además de un viaje espacial de aventura, entonces es claramente Space Opera.
Finalmente, si hay una crítica a problemas sociales que hagan alusión a problemas reales de alguna sociedad humana sin importar de cual se trate, se podrá considerar Ciencia Ficción Social, y si el contexto se mantiene en un melodrama espacial también será una Space Opera, recordemos que la Ciencia Ficción Social es uno de los subgéneros más versátiles al momento de conjuntarse con cualquier otro de la Ciencia Ficción.
Título Original: レック (Reku). Género(s): Comedia, Romance, Drama, Slice of Life. Director: Ryutaro Nakamura. Estudio: Shaft. Emisión: Febrero 2006 – Marzo 2006 Duración: 9 Episodios (10 minutos cada uno). Extras: REC 7.5.
Basada en el manga homónimo de Hanamizawa Q-Tarou, el anime REC es una serie que suele ser menospreciada por el público más especializado, pues su trama simple y sus personajes comunes no presentan la complejidad que muchas veces esperamos de una animación japonesa. A pesar de ello, REC no es lo que denominaríamos una serie comercial, pues la historia —a pesar de tener un mensaje prefabricado— logra enganchar al espectador con su emotividad, principalmente a quien gusta de las novelas ligeras y la comedia romántica.
La calidad de animación es regular, pues los escenarios y el diseño de personajes son muy simples, cosa que no resulta tan grave, pues el aspecto primordial es la historia, y al tratarse de una novela ligera puede darse el lujo de no prestar demasiada atención a los aspectos técnicos, pues no necesita de un gran realce para que la comedia funcione; incluso llega un momento en que la deslavada animación se vuelve una peculiaridad y no un defecto.
El desarrollo de la historia es excelente, pues a pesar de usar un formato tan inusual y corto no presenta problemas graves, por el contrario, logra que entendamos a la perfección las dificultades que experimentan los personajes en esa etapa de su vida. La música, por su parte, logra ambientar adecuadamente las distintas escenas, pero carece igualmente de espectacularidad.
Los personajes son, a mi parecer, la parte fundamental de la trama, a pesar de que caen en los estereotipos típicos de su género. Por ejemplo, Onda Aka presenta la suficiente rareza y originalidad para dar pie al desarrollo de la historia, pero se encasilla dentro de sus rasgos moe sin que esto merme la calidad argumental.
La historia gira alrededor de Matsumaru Fumihiko y Onda Oka, quienes se conocen por accidente y después de peculiares eventos terminan viviendo juntos. Matsumaru es publicista en una empresa de botanas, mientras que Onda es aprendiz de Seiyû (actriz de doblaje). Para fortuna de Matsumaru, su proyecto para promocionar una nueva fritura fue aceptado y ahora deberá encontrar a la actriz adecuada para hacer la voz de Nekoki, el extraño gato-árbol que es la mascota oficial del producto. A partir de esta premisa se desarrollaran una serie de eventos donde nuestros personajes deberán afrontar la dura vida laboral y la vida en pareja.
Existen muchas referencias en la serie a pesar de su corta duración, entre las más notorias están las que aluden a la actriz británica Audrey Hepburn, quienes es la principal inspiración de Aka y cuya filmografía fue usada para nombrar los capítulos. Otra de las referencias, que sin duda es la más destacable, es la que aborda el trabajo de los seiyûs, pues nos muestra lo difícil que éste puede llegar a ser.
De manera muy simple, REC hace alusión a la vida cotidiana de los jóvenes que inician una vida laboral y nos muestra las dificultades que estos pasan para encontrar un buen empleo y obtener sus primeros logros. Además, nos muestra cómo la vida personal puede afectar nuestro trabajo, que la vida en pareja no es fácil y que pese a nuestras fallas y errores de nosotros dependerá seguir adelante.
En lo personal creo que la serie funciona perfectamente para un público veinteañero que está por terminar la carrera o recién ha comenzado a trabajar, pues de ésta manera será más fácil identificarse con los personajes. Y si bien la serie ha sido subestimada por su simpleza, el hecho de no ser tan popular le permite mantener los ideales que predica, pero sobre todo, nos enseña a tomar con humor las dificultades de la vida.
Café Anime Lair 