Reseñas – Página 30 – Café Anime Lair

Monstruos: Zona Infectada

30 julio, 201530 julio, 2015Cuauh2 comentarios

Título Original: Monsters.
Género(s): Survival-Horror, Ciencia Ficción, Drama.
Director: Gareth Edwards.
Emisión: 2010.
Duración: 94 minutos.
Extras: –

En el amplio repertorio cinematográfico, existen algunas obras que pese a ser de Ciencia Ficción no parecen pertenecer al género, pues sus argumentos y el desarrollo de su historia nos permiten apreciar que no son ni los efectos especiales, ni la tecnología futurista lo que hace de un filme un buen filme, sino las múltiples lecturas que los espectadores pueden realizar de él. Zona infectada nos demuestra que no se requiere de un despliegue visual impresionante para contar una historia por demás interesante sobre un tema realmente álgido.

Monsters parece más un Mockbuster o una película de Serie B que se aprovecha del furor generado por las grandes producciones donde vemos monstruos gigantes asolar alguna afamada ciudad de Estados Unidos. Y en esencia es un poco eso, es una película con un presupuesto limitado, filmada con un equipo mínimo y que recurre a cutres efectos por computadora. No obstante, el desarrollo de sus personajes y el contexto en que se desarrollan los eventos hacen diferente y sobresaliente a esta humilde producción.

La historia gira en torno a Andrew Kaulder, un fotógrafo que debe escoltar a Samantha Wynden, la hija de su jefe, fuera de la zona infectada. Dicha zona surgió seis años antes cuando una sonda de la NASA con muestras de vida extraterrestre se perdió en algún lugar de México, generando un área repleta de gigantescos monstruos. Para evitar su propagación, tanto los Estados Unidos como México decidieron aislar la zona y construyeron muros fronterizos para mantener a los extraterrestres alejados de las poblaciones vecinas.

Durante su travesía por México, Andrew y Samantha descubren la cruda realidad de las personas que viven cerca de la frontera, la corrupción de las autoridades encargadas de vigilar los muros, los daños colaterales a los que las poblaciones vecinas se veían expuestas y algunos aspectos sobre la desconocida naturaleza de aquellos peligrosos seres.

Gareth Edwars no sólo dirigió y escribió la película, también realizó todos los efectos de la misma. Si a eso le sumamos el hecho de que sólo contó con dos actores profesionales, que muchos de los extras eran personas que pasaban por el lugar y que el equipo de filmación era de unas cuantas personas, tenemos una película de bajo presupuesto que resulta espectacular y no por su calidad final, sino por el trasfondo y el subtexto que vamos descubriendo a lo largo del filme pero que en apariencia no son la intención principal.

Durante una conferencia en la Comic-con del 2011, Gareth habló sobre cómo le surgió la idea de hacer Monsters, de la influencia que recibió de otras producciones de bajo presupuesto como The Blair Witch Project (Eduardo Sánchez y Daniel Myrick, 1999) y de cómo Cloverfield modificó la visión que él tenía sobre hacer una película de este género en cuanto a los efectos visuales. En esa misma conferencia el director aseguró que lo que él quería era contar una historia de lo que pasaba cuando al cabo de varios años conviviendo con extraterrestres la gente ya empezaba a ver la situación como algo normal, pero enfocándose en el desarrollo de sus personajes, sin embargo, al ser británico tal vez no alcanzaba a contemplar que lo que en realidad estaba filmando era una película sobre el problema de la migración que existe entre México y Estados Unidos.

De acuerdo con los mapas que se muestran durante el filme, la supuesta zona infectada corresponde a los estados fronterizos de México con los Estados Unidos, aunque nuestros protagonistas inician su viaje en Costa Rica, pues supuestamente tanto México como Centroamérica se encontraban plagados por los extraterrestres. Lo que encontramos aquí es una grandiosa analogía, en primera, los países infectados son países tercermundistas de los que cada año salen miles de personas con la intención de llegar a los Estados Unidos para encontrar trabajo. A esos migrantes suelen llamarlos “Aliens”, pero acertadamente ese término nunca es usado durante toda la película.

Los extraterrestres son pues la representación de dos cosas: (1) los migrantes, pues en más de una ocasión escuchamos decir que estos migran hacia los Estados Unidos, que lo hacen por temporadas y que cada vez migran más, y (2) los problemas de pobreza, insalubridad, violencia y corrupción que afectan a los países latinoamericanos. Los extraterrestres son un peligro para las ciudades asentadas cerca de los muros que tratan de contenerlos, pero al mismo tiempo son seres incomprendidos a los que no se les da un lugar, pues si bien su origen es extraterrestre, ellos ya nacieron aquí, así que son residentes de este mundo igual que nosotros, aunque no nos guste, justo como pasa con los mexicoamericanos en el vecino país del norte.

Los muros que tratan de contener a los monstruos son obviamente una referencia al muro fronterizo que nos separa de Estados Unidos y los problemas a los que están expuestas las ciudades colindantes son los mismos que tienen Ciudad Juárez o Tijuana. Los polleros y la corrupción de la autoridades también se hacen presentes, pues si bien hay formas legales para cruzar la zona infectada y llegar a salvo a los Estados Unidos estas son muy caras, por lo que la única alternativa para las personas pobres es cruzar caminando de forma ilegal y con el peligro de encontrarse a una de esas criaturas. No obstante, si vemos esa “zona infectada” desde el punto de vista de los centroamericanos que tratan de llegar al norte, los monstruos somos los mexicanos, pues para ellos el mayor peligro está en el abuso de poder de las autoridades mexicanas y la delincuencia organizada y no en el desierto que deben cruzar para alcanzar el sueño americano.

Algo que me gustó mucho fueron los elementos folclóricos que reflejan esa mexicanidad que está presente incluso en los pueblos asentados junto al peligroso muro. La típica fiesta mexicana de un pueblo fronterizo en cuyo horizonte se despliega una gigantesca valla que pretende frenar el avance de gigantescos monstruos es algo que sin duda me gustaría ver más a menudo. Aunque en la realidad, para nosotros lo mexicanos, esos monstruos gigantes y peligrosos son los Estados Unidos. Otro detalle que me encantó fueron las expresiones populares que hacen evidente la convivencia con los extraterrestres y que hasta cierto punto se acepta como normal, o mejor dicho, como la realidad que debemos afrontar.

La película no pretende ser un documental, pero sin en la vida real existieran extraterrestres gigantes entre México y USA bien podría serlo. El reflejo, aunque breve, de la realidad fronteriza se hace evidente en más de una ocasión, al igual que las pobres condiciones de vida que fuerzan a muchas personas a migrar en busca de algo mejor, sin olvidar las repercusiones que deben soportar los mexicanos de la frontera a causa de los ataques químicos que los gringos llevan a cabo para evitar que las criaturas lleguen a su territorio. Y pese a todos esos ataques y muros, las criaturas —como los migrantes— logran ingresar a ese país.

Si bien todo el análisis sociopolítico que podemos hacer sobre la migración en muy extenso y hace de la película una obra destacable, tiene muchos elementos que le restan calidad. En primer lugar tenemos la incongruencia geográfica, pues prácticamente en ningún momento las locaciones coinciden con los mapas que se muestran. Si se supone que los protagonistas caminan hasta la frontera Mexicana con los Estados Unidos, no deberían hacerlo entre una selva que nos remite al suroeste mexicano. Otra cosa mala es que muchos de los elementos que impulsan la historia son muy débiles, lo que hace que la calidad en cuanto a guion disminuya bastante. Y finalmente, hay escena de noche que son tan oscuras que resulta imposible ver algo, y si bien dichas escenas son con el fin de ahorrarse los efectos, las pudieron haber omitido, pues de todas maneras no se ve nada.

A pesar de sus carencias, la película es buena, la música es en extremo agradable y los argumentos de fondo son muy ricos. La precariedad con que está hecha no le resta méritos, por el contrario, nos demuestra que una buena película de Ciencia Ficción no requiere de grandes efectos cuando aborda temas tan densos y sobre todo tan familiares para los espectadores latinos como lo es la migración. Lo extraterrestres son un mero pretexto.

Para finalizar, vale la pena decir que el personaje principal es en realidad la situación de los habitantes que habitan en los lugares por los que pasan Andrew y Samantha. La pareja es únicamente el medio por el cual podemos ver la situación del migrante en carne propia. Como lo dice Andrew en un diálogo mientras observa el muro defensivo: “es diferente ver a los Estados Unidos desde afuera hacia dentro”, y eso es justamente lo que esta película nos muestra.

World War Z

6 julio, 201520 julio, 2015Cuauh8 comentarios

Título Original: World War Z.
Género(s): Survival-Horror.
Director: Marc Foster.
Emisión: 2013.
Duración: 116 minutos.
Extras: –

Basada en la novela homónima de Max Brooks, Guerra Mundial Z es uno de los más recientes estrenos de gran producción sobre la temática zombi. Pero a pesar de su grandiosa producción y sus impactantes efectos, no logró innovar en este ya sobresaturado mercado. Para quienes gustan del cine de zombis la película fue entretenida y hasta buena, pero para los más conocedores sólo fue un exacerbado despliegue de elementos visuales. No obstante, tiene muchos elementos que podemos rescatar, que si bien no revoluciona este trillado género le dan muchos elementos que le permiten destacar.

En cuanto a la calidad técnica sólo podemos alabarla, los efectos, la música y las caracterizaciones son formidables, logrando suficiente realismo en escenas que por sí mismas son difíciles de creer, como las marejadas de zombis. Visualmente sobrepasa a prácticamente todo lo que hemos visto en cuando a muertos vivientes, y esa calidad, aunada a los grandiosos efectos, nos sitúa en una trepidante y vertiginosa aventura plagada de acción. Claro está, la fórmula para producir miedo es la misma que hemos visto las últimas décadas: acción seguida de suspenso que generan tención en el espectador preparándolo para un susto imprevisto.

La historia gira en torno a Gerry Lane (Brad Pitt), un ex corresponsal de la ONU que vive una vida tranquila en Filadelfia con su esposa e hijas. Un día cualquiera algo acontece en la ciudad y el caos invade todo rápidamente, ante el desconcierto Gerry y su familia buscan la forma de escapar. Mientras buscan una forma de salir de las calles cientos de personas empiezan a atacar a otras, las cuales a su vez se trasforman en fieros seres que empiezan a atacar a más y más personas. En unas cuantas horas, las principales ciudades estadounidenses son azoladas. Para fortuna de Gerry y su familia, el gobierno requiere de sus servicios, así que son rescatados y trasladados a un buque de guerra donde le encomendarán su nueva misión.

Gerry es obligado a escoltar a un virólogo para encontrar la causa de aquella epidemia a cambio de que su familia permanezca abordo. Gerry, el doctor Andrew y un grupo de SEAL vuelan a Corea del Sur pues allí fue el primer lugar donde se reportó un incidente con zombis. Lamentablemente las cosas salen mal y mucha gente muere, lo que obliga a Gerry a continuar su camino sólo hasta Israel con la esperanza de encontrar al paciente cero y poder fabricar una vacuna contra el virus. Como encontrar el origen de la enfermedad le resulta imposible, Gerry idea un plan para ocultarse de los zombis, los cuales al parecer sólo atacan a personas sanas.

La historia no es demasiado compleja, pero tiene un gran aporte que hasta ahora no habíamos visto en este tipo de filmes, o al menos no a tal magnitud, que es la visión global de la pandemia. En todas las otras obras Survival-Horror siempre vemos que todo acontece en un ambiente local, ya sea en un edificio como pasa en REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2008), en supermercado como ocurre con Down of the Dead (Zack Snyder, 2004), en una ciudad como en Resident Evil: Apocalypse (Alexander Witt, 2004), en un estado como en The Walking Dead o a lo largo de un país como en Z Nation, la diferencia es que aquí podemos ver y enterarnos de cosas que pasan en todo el mundo.

Otro elemento diferenciador propio de esta obra es la construcción del zombi, o lo que yo he llamado en otras reseñas “la teoría zombi” que no es otra cosa sino la explicación del origen y las habilidades, debilidades y comportamiento de estos muertos vivientes. Aquí vemos algo muy descabellado pero que una vez analizado tiene coherencia, que es el comportamiento de enjambre que tiene los zombis. Supuestamente como todos están infectados con el mismo virus y cada virus es una copia idéntica del resto eso hace que todos se comporten como un sistema vivo, como una unidad.

Si bien en todo el filme los llaman zombis, no son zombis, son infectados, gente enferma. De hecho en ningún momento vemos que se coman a alguien, sólo atacan, muerden e infectan, el nuevo infectado se une a ellos y así continúan hasta que no queda nadie por infectar. Me resulta interesante el hecho de que no vemos que se coman las entrañas de sus víctimas, como pasa en otras obras similares, y también el hecho de que salvo algunos de los primeros infectados, ninguno está realmente muerto, no mueren y luego vuelven a la vida, simplemente se infectan como ocurre con cualquier otra enfermedad. No obstante, una vez infectados su cuerpo no puede morir como lo haría cualquier otro ser vivo.

Pese a este par de novedades, tenemos muchísimos clichés hollywoodenses, encarnados en su mayoría por Brad Pitt. El personaje que este actor interpreta es el típico papá superhéroe que trabajó en lugares peligrosos, tiene conocimientos militares, es indispensable para el gobierno y puede salir ileso de situaciones en las que miles más mueren. Obviamente este superhombre en quien encuentra una forma de lidiar con los infectados. Su familia, amigos, elementos de apoyó y demás personajes sólo juegan papeles muy sencillos y son quitados de pantalla muy pronto para que todo el protagonismo recaiga en Gerry. Pese a todos esos estereotipos, la película es buena, entretiene, logra generar momentos de suspenso y estrés y con ayuda de sus geniales efectos da como resultado una obra más que aceptable.

Kung Fury

14 junio, 201520 julio, 2015Cuauh4 comentarios

Título Original: Kung Fury.
Género(s): Exploitation/Nazisploitation/Chopsocky, Ciencia Ficción, Fantasía, Comedia, GrindHouse.
Director: David Sandberg.
Emisión: 2015.
Duración: 31 minutos.
Extras: –

Demostrándonos que el crowdfunding puede ser el futuro de las producciones independientes, llega Kung Fury, una de las más exageradas obras audiovisuales que se han hecho en los últimos años. Con súper poderes sin sentido, violencia, robots, dinosaurios, Nazis, tecnología ilógica y destrucción al más puro estilo de la Serie B, no podríamos pedir nada más.

Kung Fury es la oda a las películas de explotación (Exploitation) que tanto permearon en la Serie B en los setentas y ochentas, pero además es un grandioso homenaje a ese cine decadente conocido como GrindHouse. El estilo del filme me recuerda a ciertas películas de Tarantino y Rodríguez, “mal hecho” a propósito, que para quienes no conozcan este tipo de cine ni lo sepan apreciar pasará simplemente como una película de mala calidad, pero para quienes gustamos que estas alternativas cinematográficas, Kung Fury es la perfecta concretización de todo eso.

La historia gira en torno a Kung Fury, un detective del departamento de policía de Miami que debe viajar al pasado para matar a Hitler antes de que este asesine a todos sus compañeros. Con ayuda de Hackerman, un genio de la computación, logra su cometido, pero algo sale mal y viaja demasiado atrás en el tiempo, hasta la era de los Vikingos, afortunadamente, Thor lo transporta a la época correcta y con ayuda de sus nuevos amigos del pasado y sus viejos amigos de futuro logran derrotar al ejército nazi, pero lamentablemente Hitler logra escapar causando un paradoja temporal.

El mediometraje nos regala en tan sólo 30 minutos todos los géneros y posibilidades que la Serie B nos puede ofrecer, la mayoría son completamente descabellados, incoherentes y nada creíbles, pero es una delicia verlos todos juntos en pantalla. Lo que podemos ver en Kung Fury son robots, hiperviolencia, artes marciales, gore, mujeres sexys, disparos, autos y explosiones, persecuciones policiacas, locos criminales, un héroe renegado, efectos cutres y exagerados pero que por eso mismo resultan atractivos, música ochentera, hackers, viajes en el tiempo, chistes malos, dinosaurios, algo de anime, a Thor, Nazis caricaturizados, paradojas temporales y mucha acción.

Algo que disfrute mucho y me hizo reír sin parar fueron todas esas exageraciones que pretendían ser gags al conjuntar juegos de palabras y características de los personajes, como en Triceracop, Hackerman, Laserraptor y los Kung-Fu poderes. Sin olvidar los homenajes a clásicos del cine como Terminator (el viaje en el tiempo) y Odisea del Espacio (con el Hoff 9000 emulando al Hall 9000 y haciendo referencia a Kitt, el Auto increíble, serie protagonizada por el mismísimo David Hasserhoff), sin olvidar el típico cliché de las películas de superhéroes sobre la obtención de poderes.

Por si todo lo anterior fuera poco, el filme también alude a esa fantasía violenta y pulp con vikingos matando dinosaurios en un mundo salvaje con música rockera de fondo, algo que me recordó mucho a Heavy Metal. Las partes donde la película parece dañada y los comerciales inventados son un elemento clásico del cine GrindHouse. Las partes animadas también nos remiten al anime ochentero y a las producciones americanas que en ese tiempo eran más crudas y menos estilizadas. Igualmente, esa Alemania nazi steampunkizada dan al filme un toque ucrónico muy particular. Una recomendación obligada para quien guste de este tipo de cine.

Gyo

4 junio, 20157 abril, 2016CuauhDeja un comentario

Título Original: ギョうごめく不気味 (Gyo Ugomeku Bukimi).
Género(s): Terror, Survival-Horror, Biopunk, Drama, Ficción Especulativa, Seinen.
Director: Yakayuki Hirao.
Estudio: Ufotable.
Emisión: 2012.
Duración: 71 minutos.
Extras: –

Basada en el manga homónimo de Junji Ito, Gyo es la serie más sui generis que he visto en los últimos años. Su historia juguetea con muchos géneros pero no alcanza a concretar ninguno en su totalidad, muestra un poco de drama y romance, ciencia ficción apocalíptica, terror, ecchi, una dinámica que nos recuerda el correr y esconderse del Survival-Horror e incluso momentos que rayan en lo Kaiju. Pero sobre todo, logra generarte un impacto tal que te dejan con cara de desconcierto luego de los primeros veinte minutos.

La calidad general es buena aunque no sobresaliente, el diseño de personajes y escenarios es similar a la mayoría de las series emitidas en la última década, aunque eso sí, muy bien detallados. La música hace su trabajo pero tampoco es en extremo sobresaliente. Lo más destacable es el evento apocalíptico que da lugar a toda la obra y que a lo largo de filme se irá explicando pero de una forma que en lugar de aclararnos lo que está pasando nos dejará más desconcertados.

La historia gira en torno a Kaori, una chica que se encuentra de viaje con dos de sus amigas en Okinawa. La salida parece ir bien hasta que un extraño incidente con un pez con piernas empieza a poner todo muy raro. De manera inesperada las criaturas marinas empiezan a salir del mar montadas en extraños aparatos a manera de piernas que se mueven gracias al gas producido por los cuerpos en descomposición de los animales. Rápidamente todas las ciudades costeras de Japón se vuelven un caos. En la incertidumbre, Kaori pierde contacto con su novio Tadashi, quien se encuentra en Tokio. Kaori decide regresar para encontrase con su amado.

Durante su travesía, Kaori conoce a Tsuyoshi, un reportero freelance que se une a ella en su afán por descubrir el origen de esas criaturas. No obstante, su viaje no será nada fácil, pues aquellos peces andantes empiezan a atacar a las personas, las cuales se convierten en gigantescos globos de gas que más tarde serán usados por aquellas maquinas como combustible. Mientras las maquinas absorben peces y humanos, los pocos sobreviviente luchan por su vida y el mundo empieza a sumirse en un fétido olor a muerte.

Toda la esencia apocalíptica del filme está trabajada a la perfección. En primera porque empieza a mostrarnos el origen del incidente como cualquier película de terror —poco a poco— para después desatar el apocalipsis total y convertir todo en un Survival-Horror. Por si eso fuera poco, aquellas extrañas criaturas no sólo empiezan a absorber humanos, sino que se unen en grotescos y gigantescos monstruos que destrozan la ciudad, muy parecido a como lo haría un Kaiju.

Otro elemento que me encantó fue la explicación sobre el origen de las criaturas, por una parte se dice que son un experimento militar fallido (es un cliché lo sé), pero más que las máquinas que permitían caminar a los peces, el verdadero enemigo era el gas, pues había evolucionado en una especie de ser consiente que pretendía envolver al mundo entero. Lo único que me pareció débil fue el hecho de que es el amor lo que lleva a Kaori a enfrentar el horror con tal de reencontrarse con su amado, muy parecido a lo que pasa en Cloverfield, donde si no fuera por esa necedad romántica, los protagonistas no se verían envueltos en tales eventos. No obstante, aquí no era necesario, pues al final el gas y las máquinas lo invadían todo y dejaban a la tierra sumida en el apocalipsis.

La forma en que la película retoma elementos tan diversos y los conjunta en una sola obra la hacen una verdadera joya, pero la forma que tiene para mantenernos en suspenso, asustarnos y dejarnos completamente confundidos es la razón por la que vale la pena verla. Además, el final de la serie deja todo en un apocalipsis del que no sabremos sin habrá esperanza o inevitablemente la humanidad llegará a su final.

Sin duda una gran recomendación para quien guste del terror, de la típica dinámica donde los personajes deben enfrentar un holocausto o tratar de sobrevivir, de la ciencia ficción con criaturas extrañas y del desconcierto que produce no saber qué esta generando aquella situación, pero sobre todo, un película indispensable para quien quiera quedar completamente confundido en cada escena y con cara de WTF? Y tampoco debemos olvidar la violencia innata del Seinen y los sendos toques de fan-service qué dicha demografía otorga, en otra palabras, un poco de sexo y escenas que rayan lo gore.

Karas

30 mayo, 201520 julio, 2015Cuauh4 comentarios

Título Original: 鴉 (Karasu).
Género(s): Henshin, Sobrenatural, Meintantei, Drama, Seinen.
Director: Kehichii Sato.
Estudio: Tatsunoko Productions.
Emisión: 2005-2007
Duración: 6 OVA.
Extras: –

Emitida originalmente como un programa de pago por ver, Karas es una de las obras animadas más espectaculares que podemos encontrar. Su animación es impecable y los diseños en 2D y 3D se combinan a la perfección, la calidad de detalle en los escenarios y la parafernalia es exquisita y la fluidez de las escenas de acción, junto con los toques de slow-motion, logra un resultado impresionante y nos ofrece las mejores escenas de acción a alta velocidad que yo personalmente he visto.

Su soundtrack es de los más épicos y magistrales que he tenido la oportunidad de escuchar, la ambientación que genera es fabulosa y aunado al detalle visual nos regalan un fabuloso deleite para los sentidos. Y con respecto al detalle visual, a diferencia de lo que pasa en otras obras sobrecargadas de elementos, como Tekkonkinkreet o Steamboy, Karas no genera contaminación visual y se mantiene en la línea de lo sobrecargado y lo ultra detallado, regalándonos una construcción urbana que juega con lo cosmopolita y lo underground al mismo tiempo.

El diseño de personajes es bueno, no es de lo más impresionante que hay pero funciona bien, algunos personajes cae en cliché pero logran cierta profundidad y finalmente tienen sus buenas razones para actuar como lo hacen, además de que todos tiene una historia de trasfondo que los hace más complejos.

La historia toma lugar en un ficticio Shinjuku y gira en torno a Otoha, un ex yakuza al borde de la muerte que hace un contrato con Yurine, el espíritu de la ciudad, para convertirse en Karas, el guardián protector que vela por humanos y youkais (espíritus). Además de proteger a la ciudad, Yurine y Otoha atienden un santuario donde cuidan y curan a los espíritus enfermos que han empezado a desaparecer debido a que los humanos se han olvidado de su presencia.

Como los espíritus están desapareciendo, Ekou, un antiguo Karas que se reveló contra su Yurine, trata de eliminar a los humanos para que la ciudad sea sólo de los espíritus, para ello empieza a reclutar a youkais y los convierte en híbridos mecánicos que necesitan devorar humanos para seguir con vida. Para evitar que Ekou logre sus propósitos, Karas y Yurine deberán enfrentarlo, pues si todos los humanos mueren los espíritus también desaparecerán.

A la par de la historia principal tenemos otras dos historias individuales que se entrelazan a manera de novela río. Una de ellas es el conflicto personal entre Nue, su hermano menor y Ekou. Nue es un híbrido mecánico que se revela contra los planes de Ekou pues no está de acuerdo en exterminar a todos los humanos, aún si es su culpa el que los espíritus este desapareciendo, él al igual que Yurine, Karas y el resto de youkais no mecánicos abogan por la igualdad entre espíritus y humanos. Para evitar que Ekou logre su cometido, Nue inicia una lucha individual en la que intentará impedir que su hermano sea usado para esos malvados propósitos.

La otra rama de la historia la tenemos en el mundo humano. En el departamento de observación, una rama de la policía dedicada a investigar crímenes perpetrados por los espíritus, los detectives Minoru Sagisaka y Narume Kure investigan extraños asesinatos que al parecer están relacionados con los espíritus mecánicos credos por Ekou. Dicho departamento nació cuando Yoshiko, la hija de Minoru fue testigo de los crímenes perpetrados por youkais, pero nadie, salvo su padre, le creyó.

Las historias están íntimamente relacionadas pero al mismo tiempo tienen su propio desarrollo, lo que debemos destacar es esa esencia del folclore japonés donde los espíritus conviven con los humanos aunque no podamos verlos, y que además necesitan que nosotros creamos en ellos para no desaparecer. Esa simbiosis entre vivir y creer resulta muy diferente a la concepción que tenemos en occidente sobre los espíritus, además de que el hecho de que ellos estén entre nosotros me recuerda otras obras como El viaje de Chihiro.

Motel Bates

25 mayo, 201520 julio, 2015Cuauh6 comentarios

Título Original: Bates Motel.
Género(s): Suspence, Drama.
Creador: Carlton Cuse, Kerry Ehrin y Anthony Cipriano.
Producción: Universal Television.
Emisión: 2013.
Duración: 2 temporada [on-going].
Extras: –

Los asesinos en serie siempre han tenido un encanto muy particular para los espectadores y un lugar especial en el cine de Terror, más cuando estos son perturbados sujetos que en apariencia no harían daño a nadie. Motel Bates nos trae de regreso a Norman Bates, aquel emblemático personaje que saltará a la fama en 1960 con la película Psicosis de Alfred Hitchcock.

A manera de precuela, Motel Bates nos narra la historia de Norman antes de convertirse en el desquiciado criminal que conocemos. No obstante, si bien vemos la adolescencia de Normal la serie no es del todo una precuela del filme, pues está completamente ambientada en la actualidad.

La calidad de la serie es sobresaliente, la ambientación, la caracterización, las locaciones y la música responden perfectamente a las necesidades del suspence, género del que hacía un tiempo no veíamos algo tan bueno. Esa tención que genera en el espectador, el suspenso constante y los misterios sin resolver son los que atrapan al espectador desde los primeros capítulos, pues siempre hay algo extraño ocurriendo que nos tendrá al filo del asiento.

Algo que sin duda es la parte fundamental de la serie son la estupendas actuaciones de todos los personajes, pues logran mostrar una doble cara y demostrarnos que incluso las personas más confiables suelen ser los peores monstruos. Quienes sin duda se llevan las palmas son Fera Farmiga (Norma Bates) y Freddie Highmore (Norman Bates). Fera es una excelente actriz, pero el trabajo de Freddie es impresionante, pues luego de interpretar al tierno niño de Charly y la Fábrica de Chocolate, verlo como uno de los asesinos más icónicos del cine dejan en claro su capacidad histriónica.

La historia gira en torno a Norman Bates, un chico de 17 años que se muda junto a su madre a White Pine Bay, un tranquilo pueblecito de Oregón para empezar una nueva vida luego de que el padre de Norman falleciera en un accidente. La madre del chico compra un motel en liquidación bancaria y ambos empiezan a arreglar lo que será su futuro negocio. Sin embargo, no todo es lo que parece en esa nueva localidad y nuestros protagonistas pronto se verán enfrascados en toda clase de problemas.

A lo largo de los capítulos veremos cómo la dominante y excesiva influencia que tiene Norma hacia su hijo empieza a causar en él un desequilibrio emocional muy grave, lo que hace que le sea difícil controlar sus emociones y que empiece a tener alucinaciones y perder el sentido de realidad. Esa fragilidad emocional, aunada a los violentos crímenes en los que su familia se ve involucrada, lleva a Norman al borde de la psicosis.

La historia es muy ingeniosa pues muy pocas cosas son realmente predecibles, lo que acentúa el tono de misterio que requiere el suspence. El tranquilo pueblecito resulta ser un lugar maldito donde todos sus habitantes tienen cosas que ocultar y donde el cultivo y venta de marihuana son el principal motor de la economía loca, sin olvidar negocios más sucios como la esclavitud sexual.

Algunas escenas pueden ser un poco confusas ya que en ocasiones cuesta trabajo reconocer si lo que estamos viendo es real o una alucinación de Norman. Y la forma en que se perturba la mente del asesino y la influencia que ejerce la madre para convertir a su hijo en un monstruo es una crítica muy dura hacia la sobre protección y el apego.

Una crítica muy dura y que pese a las diferencias culturales es una realidad muy común en México es la ilegalidad. En el pueblo al que se mudan Norman y su madre todos los habitantes tienen algo que ver con cosas ilegales, y todos en el pueblo lo saben. Eso mismo pasa en muchos estados de nuestro país, donde es común saber que el vecino de al lado vende droga o que el sobrino de un conocido se dedica al secuestro o que frente a la casa de los primos hay una casa de seguridad. Todos esos problemas que tanto afectan a nuestra sociedad son por lo general de conocimiento popular, pero lamentablemente parece haber un acuerdo intrínseco —en gran parte por miedo a represalias— de no decir nada de nadie.

La serie es fabulosa en todos los sentidos, en la tensión que te hace sentir, en la calidad actoral, en todo, pero además me parece una serie obligada tanto para quienes sufren “mamitis” como para aquellas madres posesivas que no dejan que sus hijos vivan experiencias por ellos mismos, comentan errores y aprendan de ellos. Sin duda una excelente reencarnación de Norman Bates que nos impide olvidar el daño que podemos hacer a nuestros hijos en nuestro afán de protegerlos.

Unbreakable Kimmy Schmidt

20 mayo, 201520 julio, 2015Cuauh1 comentario

Título Original: Unbreakable Kimmy Schmidt.
Género(s): Comedia, Sitcom, Chick Flick.
Creador: Tina Fey y Robert Carlock.
Producción: Little Stranger, Inc., Bevel Gears, 3 Arts Entertainment, Universal Television.
Emisión: 2015.
Duración: 1 temporada [on-going].
Extras: –

Parece que el mercado del streaming va creciendo día con día, como prueba de ello tenemos el hecho de que cada vez más series se estrenan a través de esos medios virtuales de distribución, Unbreakable Kimmy Schmidt es otro ejemplo de una estupenda serie de comedia que tiene a bien emitirse por el portal de Netflix.

La serie es hilarante en todo sentido, la calidad y el estilo de su humor son impecables, aunque no tan populares para el público mexicano acostumbrado al humor alburero y de pastelazo. El tipo de comedia es muy ácido y sarcástico, con un humor muy negro e irónico que se burla tanto de los homosexuales, como de los ricos, de la gente de provincia o de la policía, e incluso de los cultos religiosos. Aprovecha el estereotipo de cada minoría racial, étnica y sexual y genera momentos tan cómicos que uno se parte de risa, incluso por momentos se llegan a burlar de temas políticamente incorrectos que son un deleite para quienes gustamos del Stand-up Comedy gringo.

La serie tiene una producción impecable y su calidad es altísima en todo sentido. Las actuaciones son fabulosas y la comedia de los actores es sobresaliente, sobre todo Ellie Kemper, quien tiene el papel principal y a quien ya hemos tenido la oportunidad de ver en otras geniales producciones como The Office, que tampoco maneja un humor del todo digerible para el tropicalizado gusto de los latinos.

La serie aprovecha la diversidad sexual, racial y étnica que permea la cultura estadounidense, pues prácticamente cada personaje encarna un estereotipo o dos; tenemos al negro gay, a la judía de dudosa reputación, a la pelirroja, al inútil policía consumidor de heroína, al asiático inmigrante ilegal, a los fanáticos religiosos, a la nativa americana que se hace pasar por dama de sociedad y a un montón de mexicanos trabajando en la servidumbre. Todos esos clichés sociales que fácilmente se prestan para el racismo, la homofobia, la xenofobia y numerosos problemas más son tratados de tal manera que lo que terminamos por ver en pantalla es una comedia muy innovadora.

La historia gira en torno a Kimmy Schmidt, una chica de 29 años que fue rescatada junto a otras tres mujeres —conocidas como las mujeres topo de Indiana— luego de ser secuestrada por el reverendo Richards, un fanático religioso que las engañó haciéndoles creer que se acercaba el apocalipsis, mentira gracias a la cual las mantuvo capturadas en un bunker por quince años.

Luego de pasar su adolescencia y juventud encerrada, Kimmy decide dejar sus malos recuerdos atrás y se muda a Nueva York para empezar una vida nueva, pero todos esos años bajo tierra le hacen difícil adaptarse al nuevo y vertiginoso mundo moderno, lo que la lleva a vivir graciosas desventuras en compañía de Titus, un afroamericano gay con quien comparte apartamento. A lo largo de los capítulos veremos los intentos de Kimmy por ser una mujer normal y tratar de dejar su tortuoso pasado en el olvido.

Además de la comedia, la serie tiene muchísimas referencias a la cultura pop, como fenómenos de internet, videos virales, otras series de televisión e incluso el propio portal de Netflix. Muchas de ellas son algo difíciles de percibir pero resultan un toque muy adecuado para una serie que juguetea con los problemas de la vida moderna.

El punto final que me gustaría abordar es el papel de la mujer. En primera tenemos que la historia parte de un grupo de mujeres secuestradas, nuestra protagonista es mujer y sus coprotagonistas también lo son, básicamente el único hombre que tiene un papel relevante, al menos en esta primera temporada, es Titus, que es gay. Es genial ver una serie de este tipo de comedia movida prácticamente por mujeres pues, salvo por Ellen Degeneres, pocas son las féminas que dominan este estilo de comedia con tanta maestría como las que vemos aquí, aunque no puedo dejar de pensar que Tina Fey haya querido meter ciertos tintes feministas.

Z Nation

15 mayo, 201520 julio, 2015Cuauh4 comentarios

Título Original: Z Nation.
Género(s): Survival-Horror.
Creador: Karl Schaefer, Craig Engler.
Producción: SyFy [Sci-fi].
Emisión: 2014.
Duración: 1 temporada [on-going].
Extras: –

En los últimos años, la fiebre por las películas y series de zombis no ha podido ser contenida y se ha esparcido tan rápido como el virus que hace despertar a los muertos. Muchos títulos han invadido la gran pantalla, pero la televisión tampoco se ha escapado de la mortal infección, tal es el caso de la serie más afamada del género, The Walking Dead. Sin embargo, una propuesta ha llegado para hacerle competencia y en mi opinión va a dar una batalla mucho más que diga, se trata de Z Nation.

Nación Z es una serie producida por la cadena de televisión SyFy (Sci-fi), dedicada a producir obras de terror, fantasía y ciencia ficción con una calidad que generalmente deja mucho que desear. Con ese antecedente uno no podría esperar algo bueno de Z Nation, pero al cabo de un par de capítulos uno puede percatarse de que la propuesta en realidad logra innovar en algo de lo que ya hemos visto todo.

Si bien ese estilo de “serie mal producida” que SyFy impregna en la mayoría de sus obras está presente en gran parte de la serie, también es cierto que la mentada cadena de televisión se redime al entregarnos una serie con más calidad que de costumbre, buenas caracterizaciones y una historia muy entretenida, que a pesar de ser exagerada e inverosímil por momentos (firma característica de SyFy), cumple perfectamente su propósito de entretener e incluso alcanza niveles que igualan a la mismísima The Walking Dead.

El vestuario, los zombis, los escenarios y demás cosas de utilería tienen buen nivel, pero los efectos y la calidad final ya en pantalla es un tanto inferior. La música en general es buena y toda la banda sonora logra una ambientación adecuada. El mayor problema es la falta de solides estructural en la historia, pues se recurre mucho al deus ex machina para salvar situaciones insuperables y además hay varios cortes de escena que simplemente hacen un cambio drástico a otro momento sin concluir del todo el evento anterior, fuera de eso, la historia es muy entretenida.

La serie toma lugar en Estados Unidos tres años después de que una epidemia zombi azolara con todo y gira en torno a un grupo de supervivientes de Nueva York que debe escoltar a la única persona conocida que es inmune al virus hasta California para que allí fabriquen una vacuna con sus anticuerpos. Así es como Roberta, el sargento Charles, Mack y su novia Andy, “Doc”, Casandra, 10mil y Murphy, el paciente cero, deben atravesar un país plagado de zombis.

En su camino por encontrar una vacuna y salvar a la humanidad, nuestros héroes deberán enfrentarse a hordas de come-cerebros, marejadas enteras de estos muertos, tornados e incluso posibles desastres nucleares con zombis radioactivos, sin olvidar al más peligroso de todos los enemigos, el humano. Afortunadamente nuestros protagonistas no están solos, Simon, mejor conocido como Ciudadano Z, los guiará en su travesía gracias al poder militar de la NSA desde su remoto puesto de vigilancia en el polo norte. Con la ayuda de Simon y los inusitados poderes que Murphy ira adquiriendo gracias a la vacuna experimental que le hizo inmune al virus (muy a lo Milla Jovovich en Resident Evil) logran mantenerse con vida.

En los primeros capítulos la serie parece otra opción más en el cada vez más grande mundo de los muertos vivientes. Los personajes parecen responder a las necesidades de los estereotipos habituales, pero con forme avanzan los capítulos se van complejizando y uno termina por agarrarles cariño, de hecho terminan por ser más agradables que los pesados y por momentos desesperantes personajes de TWD.

Hay que admitir que muchos elementos son en extremo exagerados, pero al menos los extraños poderes de Morphy y la ayuda de Simon le dan un juego muy interesante a la trama y son usados, en lo que cabe y tomando en cuenta los disparatados que resultan, con cierta mesura e inteligencia. Otro elemento a destacar es lo que yo denomino la distopía zombi. En otras series hemos visto que los humanos son más peligrosos que los muertos vivientes, pues actúan con maldad para su propio beneficio, pues bien, esto también está reflejado en esta serie, pero además de los bandidos y asesinos tenemos grupos de personas que han logrado sobrevivir en aparente sociedad, el problema es que todas esas utopías esconden un trasfondo muy escabroso que les ha permitido sobrevivir.

Algo que sí es totalmente un aporte que yo nunca había visto en series o películas survival-horror son los capítulos metafóricos que juguetean con el sentido de realidad de sus personajes. En un par de capítulos la historia se aleja del típico formato de huir y esconderse y desvirtúa en abstracciones mentales y sueños repetitivos en los que ya no es posible distinguir la realidad. Esos capítulos o pueden gustar por su aparente (y sólo aparente) complejidad psicológica o pueden fastidiar por lo intrincados que resultan. Otra atinada idea es que esta serie sí explica el origen de la infección zombi desde su primera temporada.

Finalmente hagamos una última comparación con TWD pues es la obra referente en la actualidad. Dicha serie es muy melosa, cursi y desesperante en comparación con Z Nation, pues su fórmula de acción-nada-acción genera muchos espacios aburridos en los que bien podemos ir al baño sin la preocupación de perdernos algo interesante. Para nuestra fortuna Nación Z no tiene una formula tan puntual y sus momentos de acción y terror son más aleatorios y por lo mismo inesperados, reduciendo en mucho los momentos letárgicos que podría tener. Luego de ver la primera temporada de Z Nation vi algunos capítulos de The Walking Dead y me aburrí. Si eres fanboy de la producción de AMC entonces Z Nation no es para ti, pero si no lo eres entonces en una excelente opción para consumir más series de zombis.

Freedom

10 mayo, 201520 julio, 2015Cuauh4 comentarios

Título Original: Freedom.
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk/Ciencia Ficción Libertaria, Distopía.
Director: Shuhei Morita.
Estudio: Sunrise.
Emisión: 2006-2008.
Duración: 7 OVA.
Extras: –

Freedom Project es un enorme comercial de la sopa instantánea Nissin, pero eso no le resta el ser una genial serie de Ciencia Ficción con un mensaje sobre la aceptación y un drástico cambio en sus escenarios, géneros y argumentos que te dejan sorprendido en cada capítulo. El proyecto contó con la participación de Katsuhiro Otomo en el diseño de personajes y es un excelente ejemplo de que una obra animada puede funcionar perfectamente si tiene una buena historia, aún si es patrocinada por una marca y está saturada de publicidad por emplazamiento.

La calidad técnica es regular, la animación no es tan fluida como cabría esperar y en ocasiones los personajes lucen algo acartonados. La música es buena y el diseño de escenarios es fantástico, con una radical mezcla de esos decadentes escenarios cyberpunkescos repletos de tuberías, muy a lo Otomo, con lugares más pulcros e hipertecnológicos, así como una tierra completamente en ruinas.

La historia toma lugar en Eden, una colonia lunar, y gira en torno a Takeru, un chico que gusta de las carreras de motos. Él, junto a sus amigos Kazuma y Bismark (Bisu), suele enfrentarse en competencia con Taira, el líder de un grupo llamado Moon Shine. En apariencia esas rivalidades un tanto madmaxianas nos orientan en una dirección, pero un peculiar descubrimiento por parte de Takeru cambia por completo su vida y lo obliga a averiguar cuál es la verdad sobre la tierra, lugar que supuestamente todos creen destruido e inhabitable, pero que de acuerdo al mensaje de una fotografía no es así.

Su búsqueda lleva a los tres chicos con Alan, un anciano que fue parte del proyecto Freedom y vive en los niveles inferiores de Eden. Alan les explica todo lo que sabe sobre la tierra y les ayuda a salir del domo para averiguarlo por ellos mismos. Sin embargo, a las autoridades no parece gustarles la idea de que alguien sepa más de la cuenta y persiguen a los chicos, pero antes de ser capturados, dos de ellos, Takeru y Bisu, consiguen escapar a la tierra en una antigua nave Apolo, donde descubren que no es un lugar inhabitable. Takeru y Bisu viajan entonces hasta Florida para encontrar a la chica de aquella foto.

Ya en Florida, Takeru y Bisu inician una nueva vida, con nuevos amigos y un mundo entero por conocer. No obstante, Ao, la chica de aquella fotografía que incitara a Takeru a viajar a la tierra está deseosa de ir a la luna para conocer Eden, con el fin de que terrestres y lunares tenga contacto mutuo, además de que con ello lograría el sueño por el que su padre perdió la vida. Para la gente de la Luna la tierra está muerta, pero para los terrícolas aún hay esperanza de que la colonia lunar permanezca con vida. Es así como Takeru, Bisu y Ao deciden retomar el Proyecto Apolo para regresar a Eden.

El trasfondo del que surge la historia y que da origen a la colonia lunar de Eden es muy bueno y se explica directamente al inicio de cada capítulo. No obstante, esos elementos de ciencia ficción se enriquecen con el control absolutista por parte del estado que trata de mantener oculta la vida en la tierra y reprime a sus ciudadanos para mantener una supuesta sociedad ideal, elementos distópico de herencia orwelliana. Aunque en la parte final de la serie veremos que los líderes de la forzada utopía tienen razones de peso para evitar todo contacto con la tierra.

Algo que me ha gustado mucho de esta serie es el cambio tan drástico tanto de escenarios como de géneros. En el primer capítulo todo luce muy Cyberpunk, con un dejo de anarquía pero con un descomunal desarrollo tecnológico. Vemos lugares oscuros llenos de tuberías, pero también escenarios pulcros y cuasi perfectos, pues se juega mucho con esos contrastes entre lo bajo y decadente y lo perfecto y armónico. Posteriormente todo cambia a una Distopía donde el estado ejerce su poder restringiendo la información que no le conviene que sepa la población, siendo capaz de apresar a ciudadanos inocentes con tal de mantener la aparente perfección.

La relación Cyberpunk-Distopía es muy frecuente, lo que en realidad genera un cambio radical de género es cuando los chicos llegan a la tierra, pues la historia se convierte por completo en una road movie, donde vemos el día a día de los chicos durante su viaje por el sur de los Estados Unidos, en la afamada Ruta 66, hasta Florida. Al llegar a Florida todo adquiere tintes más dramáticos y románticos, pero una vez de regreso en Eden la historia se transforma en Ciencia Ficción Libertaria y vemos una rebelión, a manera de revolución, por parte de los grupos que desean conocer la verdad del proyecto Freedom y viajar a la tierra.

El anime es muy bueno pues te entretiene y te sorprende con sus inesperados giros argumentales, aunque algunos de ellos resultan un tanto obvios. Tiene acción, romance, drama y un final emotivo. Sus escenarios cumplen al igual que la música y el diseño de personajes, y si bien la animación no es de lo mejor y está plagada de comerciales de la mentada sopa instantánea, sigue siendo una gran recomendación para quien guste de obras como Akira.

Si una forma de obtener ingresos para realizar cualquier tipo de proyecto es recurrir a la publicidad, qué mejor que exponer esa publicidad de forma inteligente y recurrir al emplazamiento en lugar de los comerciales tradicionales. En Freedom es muy evidente la ingesta de la sopa Nissin, pero cuando la historia es lo suficientemente buena como para engancharte, estarás tan atento a lo que pasa que no prestarás mucha atención a los comerciales, o al menos estos no resultarán en extremo intrusivos.

Teen Slasher Romantic High School Comedy Music

25 abril, 20157 abril, 2016Cuauh2 comentarios

La comedia romántica adolescente de asesinos en preparatoria es un video musical producido por Zoran Gvojic para la canción “Social Mediasochist” del grupo Common Shiner. En dicho video Zoran retoma todas las características de las Teen Film pero usando a los asesinos más representativos del género Slasher como protagonistas. El resultado es un video muy divertido plagado de sangre y muertes absurdas, justo como el género lo requiere.

Hablar de slashers generalmente significa hablar de locos, asesinos, psicópatas, muertes horribles y litros y litros de sangre, pero también debemos aceptar que muchos de esos atroces criminales que el cine Serie B nos ha regalado son un tanto absurdos y muy exagerados, eso sí, no por eso no logran causarnos algo de temor, sobre todo cuando somos muy jóvenes. Sin embargo, cuando dichos asesinos son sacados de sus sombríos contextos y ubicados en una comedia romántica como lo es este video, uno no puede más que sentarse a disfrutar de tan entretenido resultado.

Si alguien retomara a todos esos personajes e hiciera una serie o película con todo ellos, algo así como un Maximum Crossover, sin duda tendría un éxito brutal, tan sólo por ver enfrentase, o al menos interactuar, a seres con características y poderes tan diferentes entre sí. Sin más que agregar, los dejo con el video para ver a cuántos de estos emblemáticos personajes son capaces de reconocer. Por cierto, no olviden poner atención a esos pequeños detalles que hacen referencia a elementos clave de las respectivas sagas cinematográficas.

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