El día que Genshiken se volvió real y llegó a México

2015-11-18 23.29.07

Todo buen friki con estudios de bachillerato e interés por estudiar a nivel profesional ha soñado con estudiar algo relacionado a su hobby (animación en la mayoría de los casos), o en dado caso de que ya sea profesionista, desarrollar una investigación (dígase tesis) sobre su pasatiempo. Cuando iba en la preparatoria decidí no estudiar algo concerniente a la animación o la escritura por dos razones, la primera era la falta de talento artístico en ambos rublos y la segunda era que no quería terminar odiando mi afición favorita cuando esta se convirtiera en mi trabajo (como le está pasando al Ral-Negas). Así que opté por la segunda cosa que más me gustaba y que no me importaría odiar si en algún momento me frustraba trabajar en ello. No obstante, como los lectores más fieles sabrán, si hubiese existido una escuela para estudiar Ciencia Ficción habría estudiado allí (en realidad quizás tampoco pues esa pasión por dicho género se me desarrolló ya en la licenciatura).

Mientras estudiaba la carrera y viendo lo laxa que puede ser la antropología en cuanto a los temas de estudio (es decir, puedes estudiar prácticamente cualquier cosa mientras esté vinculado con las sociedades humanas y tenga rigor científico), me pregunté muchas veces si alguien ya se habría interesado por el anime, el manga o la Ciencia Ficción como temas de estudio; así como esa serie de Genshiken y su Sociedad por el Estudio de la Cultura Visual Moderna. Si algo así podía pasar era muy factible que fuera en ENAH.

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Un día, en clase de Cerámica (odio analizar cerámica), una amiga llegó con un folleto que, según sus palabras, “quizás me interesaría”. Dicho folleto era para apoyar llenando unas encuestas sobre Japón y el anime para un grupo llamado Círculo de Estudios sobre la Subcultura Japonesa en México (CESJM), grupo que pertenecía a mi escuela y estaba integrado por Etnólogos y Antropólogos, así como por alumnos del respectivo posgrado. “Esto es lo más cercano a Genshiken que podré conocer jamás”, me dije. Entré a su blog, llené mi encuesta y me suscribí para ver qué cosas decían sobre el anime y su influencia en México desde una perspectiva científica respaldada por una institución educativa.

Para ese momento estaba consciente de que mis capacidades no eran suficientes como para retorcer a la arqueología al punto de que pudiera hacer una tesis relaciona, así que me decidí por observar el trabajo de otros. Pero espere, y espere, y seguí esperando al punto de cancelar mi suscripción de su blog. No publicaban nada y parecía ser un proyecto fantasma del que no se hablaba en ningún lado. Para mi fortuna y gracias a un post de Ragnarok me enteré de que el CESJM seguía con vida y no sólo eso, sino que estaba organizando una serie de conferencia sobre el fenómeno Otaku en México a cargo del Antropólogo y Mangaka japonés Eiji Otsuka. Como esa semana era mi examen profesional sólo pude asistir a la primera conferencia, y quedé sorprendido de la cantidad de gente que fue, tampoco es que fuese mucha, pero si normalmente vemos menos de quince personas en los coloquios que se hacen de forma regular, ver el auditorio pequeño de la escuela casi lleno deja a las claras que hay más fans del anime en nivel superior de lo que parece. Supongo que la mayoría no sólo se queda en la prepa.

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Ya había visto cursos o conferencia sobre Ciencia Ficción y Anime en la UNAM, pero está era la primera vez que se hacía algo relacionado en mi escuela. Honestamente me alegró saber que el tema friki sí es objeto de estudio por parte de quienes nos denominamos científicos sociales. Yo desde mi trinchera estancada en el estudio de objetos de sociedades que vivieron en el pasado no puedo hacer mucho (de momento), pero es bueno saber que ya hay gente haciendo algo, y que esa gente son los ahora profesionista que fueron frikis en la preparatoria, porque quién más haría una tesis titulada El Impacto de la Animación Japonesa en México: el papel del discurso mítico en la construcción de identidades ritualizadas en jóvenes de la Ciudad de México. Álvaro Hernández es el autor de la metada tesis y un pionero en la antropología mexicana sobre este tema de estudio, un friki que logró ese sueño de estudiar lo que tanto le gustaba al grado de que ahora estudia su Maestría en la Universidad de Kobe.

Creo que si el frikismo (u otakismo, según prefieran) se canaliza en acciones como esta entonces todas esas hora viendo anime, leyendo maga o jugando videojuegos no son para nada un desperdicio de tiempo. Álvaro no es el único caso, ya en Facebook publiqué algunos títulos de tesis de maestría sobre Ciencia Ficción. Creo que es momento de retomar mi frikismo de la prepa y canalizarlo en un posgrado.

Les dejo el video de la conferencia que Eiji Otsuka presentó en mi escuela el pasado 30 de noviembre.

Mapas del mundo moderno y la cultura pop

Entre las ventajas de la Geoficción está el hecho de poder mapear prácticamente cualquier cosa que se nos ocurra y el joven Martin Vargic, oriundo de Eslovaquia, nos demuestra que el talento para ilustrar y las bondades de la Geografía pueden lograr cosas de un gran nivel artístico. Martin se ha dedicado a crear mapas de estilo antiguo pero con cosas de la cultura pop, como los géneros literarios, portales de internet o los estereotipos. Los diseños de sus mapas son impresionantes, tanto por el detalle como por la cantidad de información que contienen. Sus creaciones actualmente pueden encontrarse en su página oficial o en su libro Vargic’s Miscellany of Curious Maps: The Atlas of Everything You Never Knew You Needed to Know que salió a la venta el pasado septiembre.

Página: http://www.halcyonmaps.com/

Libro: The Altas of Everything

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Entendiendo Cloud Atlas

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Advertencia: recomiendo ver la película antes de leer este ensayo, no tanto por los spoilers que contiene, sino para que entiendan más fácilmente de lo que estoy hablando.

La primera vez que vi Cloud Atlas no entendí de qué trataba, pero por alguna razón me gustaba lo que veía. La segunda vez que la vi me quedó más clara la relación que había entre las diferentes historias y para la tercera vez, habiendo visto los comentarios de los directores, las entrevistas con los actores y los detrás de cámaras que incluía el DVD, terminé por comprender la complicada estructura narrativa, que si bien puede resultar muy confusa la primera vez que tienes contacto con este filme en realidad no es tan difícil de comprender. Así que hoy les traigo un pequeño análisis para que sepan cómo desglosar y disfrutar de los numerosos hilos argumentales de esta genial película.

LA ESTRUCTURA

Lo primero que debemos saber es que la estructura narrativa de Cloud Atlas es básicamente una variación de lo que en literatura se conoce como Novela Río. Un perfecto ejemplo de este tipo de novela es la saga Canción de Hielo y Fuego de J. R. R Martin. Quienes hayan leído los libros sabrán que el autor nos narra la historia de muchos personajes desde la perspectiva de cada uno de ellos, pero no lo hace al mismo tiempo, cada capítulo describe los eventos que toman lugar en determinada locación y con determinado grupo de personajes, en capítulos subsecuentes nos narra lo que ocurre en ese mismo momento pero en otro lugar y desde la perspectiva de otro personajes, así el lector tiene la visión global de los eventos. Con forme avanza la novela las historias que al principio parecían independiente se va uniendo en una historia general que aglomera a todos y cada uno de los elementos que empezamos a ver por separado. Como un gran río, donde cada afluente es la historia vista a partir de un personaje en particular y el conjunto de todas las visiones nos da la historia total.

En el cine esto es muy fácil de hacer, porque de hecho es cómo funcionan todas las películas, vemos una escena donde acurren ciertos eventos y actúan determinados personajes y posteriormente vemos lo que acontece en otro lugar al mismo tiempo. Lo complicado es cuando dichas historias no sólo están separadas por la locación, sino por el tiempo. A siglos de distancia los caminos de los diferentes personajes nunca de cruzarían, pero lo que Cloud Atlas no enseña es que no es necesario que los personajes interactúen en persona para que sus caminos se crucen, basta que la influencia de las decisiones que tomaron en su vida afecten a otras personas.

La estructura que maneja Martin, donde en cada capítulo vemos lo que acontece en un lugar y bajo la perspectiva de cierto personaje, es lo mismo que hicieron los Wachowski con este filme. Cada una de las seis historias es un fragmento de la historia global, lo difícil es comprender que a pesar de estar separadas por años de distancia y de usar personajes distintos que nunca interactúan entre sí (salvo en una ocasión) estamos ante la misma historia. Para aminorar ese choque temporal, los directores tuvieron la genial idea de crear un anclaje para que el espectador pudiera seguir la historia como si todo aconteciera en el mismo contexto espaciotemporal, me refiero el uso de los mismos actores en todas las historias pero interpretando papeles distintos.

Lo difícil es saber qué es lo que une las historias, pues algunos elementos son tan sutiles que pasan desapercibidos y eso nos hace pensar que las historias no tienen una relación directa, para ayudarles a ver los elementos de unión les dejo el siguiente esquema.

Entendiendo Cloud Atlas

LAS LECTURAS DE CLOUD ATLAS

Tuve que ver la película tres veces para comprender cómo se relacionaban las historias, los personajes y los actores, y llegué a la conclusión de que hay tres formas en que podemos ver Cloud Altas:

  • Lectura de Novela Río. Esta forma de ver la película es indudablemente la que haremos la primera vez que veamos la película y consiste en tratar de seguir las historias por separado, como si cada una de ellas fuera algo totalmente ajeno e individual del resto. El problema es que al ser seis historia y tener a tantos personajes nos resultará difícil seguir el ritmo durante todo el filme, además de que llegado el momento, el reciclaje de actores y la interacción entre personajes terminará por confundirnos.
  • Una historia lineal. La segunda opción de lectura consiste en ver la película como si fuera una sólo historia lineal. Es decir, debemos hacer caso omiso al hecho de que son personajes distintos en contextos espaciotemporales diferentes y centrarnos en la interacción que los diálogos y las escenas tienen entre las distintas historias. Esto es difícil pero posible gracias a la estructura interactiva que tiene el filme, esto es, cuando el personajes de una historia hace una pregunta la respuesta es dada por un personajes de otra historia como si estuviesen conviviendo, lo mismo pasa con ciertas escenas, su inicio está dentro de una historia pero su conclusión está en otra.
  • Anclaje actoral. La tercera opción consiste en ver Cloud Atlas como si se tratara de una sólo historia pero haciendo caso omiso de los distintos personajes, en su lugar deberemos centrarnos en seguir al actor encargado de interpretar cada papel. Esta opción y la primera terminan por combinarse y confundirnos pues podríamos pensar que como los distintos personajes son interpretados por el mismo actor, estos son una especie de reencarnación.

Lo que yo recomiendo es ver la película varias veces y hacer al menos dos de las tres lecturas propuestas. No obstante la forma correcta es estar conscientes de que son seis historias diferentes, observar cuidadosamente la relación entre los elementos de unión (tanto objetos, como acciones, ideas, diálogos y escenas) y los personajes, y aceptar que la película es sobre un sólo tema: la lucha por el amor y la libertad que ha tomado lugar a lo largo de la humanidad.

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LOS DOS TEMAS CENTRALES

Hay dos temas centrales en la película, aunque muchos podrían decir qué sólo es uno (la lucha). El primero de ellos es el amor. En cada una de las seis historias hay un elemento de romance, en ocasiones muy obvio y otras veces no tanto. Este elemento del amor o bien puede complicarnos el entender la relación actores-personajes o bien facilitarla. Me explico, las parejas siempre son interpretadas por la misma dupla de actores y eso puede hacernos creer que son reencarnaciones, cosa que yo no creo. Por ejemplo, en la primera historia, Edwing y su esposa (Tilda) son interpretados por Jim Sturgess y Doona Bae, quienes a su vez dan vida a Hae-Joo Chang y Sonmi-451 respectivamente. Otro caso similar lo vemos en Isaac Sachary y Luisa Rey, interpretados por Tom Hanks y Halle Berry, quienes igualmente interpretan a otra pareja de enamorados, Zachry y Meronym.

El segundo tema es la revolución. En todas las historias tenemos cambios drásticos en la forma de pensar que conllevan a la inconformidad con el sistema presenta y por ende a revelarse en su contra con tal de logar sus sueños, alcanzar una meta o proteger un ideal. En la primera historia vemos el nacimiento de las ideas que estaban en contra de la esclavitud, en la segunda la lucha por proteger nuestras creaciones, en la tercera el surgimiento del feminismo, en la cuarta y quinta vemos la lucha por la libertad y en la sexta la lucha contra los miedos y la ignorancia.  Muchas veces esa lucha no se presenta tan directa, por ejemplo Somni sí se revela contra un sistema rector, pero Cavendish y los ancianos se rebelan contra la enferma Noakes (Hugo Weaving), los Edwing no luchan de frente contra los esclavistas, sino que encaran al padre de Tilda y defiende sus ideas abolicionistas.

Como podemos ver hay muchas lecturas e interpretaciones que podemos hacer de Cloud Atlas, ya que su estructura y la interacción de seis historias diferentes lo permite. A mí en lo personal me gustaron más las historias de Edwing y Frobisher, pero estéticamente me fascino esa distópica ciudad de Nueva Seúl, con esos elementos Cyberpunk que sólo los Wachowski pueden lograr.

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De clones y replicantes

Advertencia: Spoilers de la película Moon.

En la película Cyberpunk por excelencia, Balde Runner de Ridley Scott, tenemos unos personajes que en apariencia lucen como humanos pero no lo son, los replicantes. De acuerdo con la película, los replicantes son seres creados artificialmente con capacidades superiores a las humanas, por lo que son utilizados para trabajos pesados en planetas hostiles. Por su parte, en el filme Moon (Duncan Jones, 2009), el personaje principal, Sam Bell, es un clon, diseñado para trabajar en la luna durante tres años, tiempo tras el cual será remplazada por otro clon y así eternamente.

Los clones de Blade Runner y Moon fueron diseñados para una labor determinada y en el caso de Moon, Sam fue dotado con la memoria del Sam Bell original. La idea es que si cada clon de Sam tiene la misma memoria realizará el trabajo tal como lo hizo el primer Sam. Pero el otorgarles recuerdos también responde a otra necesidad por parte de la empresa que los creó, pues al tener recuerdos no tiene idea de que son clones y eso garantiza un perfecto sistema de control. Los distintos clones de Sam incluso platican con su esposa e hija, pero dichas charlas no son más que grabaciones, como todo el contacto que reciben.

Replicante
Roy Batty (Blade Runner)

Moon se inspira en cuanto a escenarios de Alien (Ridley Scott, 1979), de 2001: A Space Odyssey (Stanley Cubrick, 1968) retoma la figura de la inteligencia artificial, sólo que a diferencia del Hal-9000, Gerty no se vuelve loco ni atenta contra Sam, al contrario, cuando los dos clones de Sam se encuentra, Gerty los ayuda, les cuenta todo lo que sabe e incluso deja que le borren la memoria para que uno de ellos pueda escapar y regresar a la Tierra. Pero es de Blade Runner de donde extrae su principal elemento, la clonación. Los clones de Moon se basan enteramente en los replicantes de Ridley, en primera porque tienen una vida útil de tres años, luego de los cuales mueren por causas “naturales”, similar a lo que acurre con los replicantes.

Pero aquí es donde surge una interrogante, ¿Por qué usar clones (seres biológicos) en lugar de usar robots (seres enteramente artificiales)? y más importante aún ¿qué tan humanos son y qué tantos derechos tienen estos entes biológicos creados artificialmente? Después de todo, nacidos de manera natural o en un laboratorio, están vivos y siente, justo como nosotros. Al final de Moon vemos que las acciones de la Lunar Industries Ltd., compañía para la cual trabajaba Sam, se desploman cuando se hace de conocimiento público el uso de clones para mantener la estación lunar.

Gerty (Moon)
Gerty (Moon)

Ahora bien, el usar clones humanos con sentimientos implica que esa visceralidad propia de las emociones humanas hará inestable cualquier sistema de control, pero eso no quiere decir que usando robots tendremos un control totalmente asegurado. Por ejemplo, en algunos de los relatos que integran el libro Yo Robot de Asimov, se muestra que son los robot los encargados de trabajar en el espacio, pero la capacidad de elección y raciocinio otorgada por los ingenieros que los fabricaron también los lleva a causar problemas que tienen que ver con el control. Eso mismo pasa con los robots del cortometraje “Ordenes de Interrumpir la Construcción”, dirigido por Katsuhiro Otomo y que integra la compilación conocida como Manie Manie.

No sólo el control de las inteligencias creadas por los humanos, sean robótica u orgánicas, es lo que ha estado a discusión en textos y películas, algo todavía más controversial es la cuestión de los derechos. En la película Armitage III: Dual Matrix, se lleva a cabo una asamblea para decidir si dar o no derechos a los robots. Si la cuestión sobre derechos y robots ya es controversial, la misma cuestión tratándose de clones es una discusión aún más compleja (y ya ni mencionar a la IA). En mi opinión, si un ser tiene inteligencia y está consciente de su existencia e individualidad tiene derecho a tener derechos. Y todas las obras que he mencionado nos invitan a cuestionarnos sobre este tema.

Teorías de la Ficción 4

Windows 10, el inicio de la Revolución de las Máquinas

Cortana

¿Podría Windows 10 ser el primer sistema operativo en revelarse contra los humanos?

En 1984 —el libro de Orwell, no el año— el sistema mundial está manejado por un poder que controla todo, y por todo me refiero a todo. En la emblemática novela de Orwell el Gran Hermano ve todo lo que hacemos y pensamos, cualquiera que atente contra el sistema es rápidamente exterminado, incluso si no ha cometido delito alguno, pues basta con pensar diferente al dogma para cometer crimental, el crimen de pensar libremente. Este Gran Hermano nos observa desde la televisión que está instalada en todas las casas, que vigila día y noche y en todo momento, justo como parece que hará el recién liberado Windows 10.

Según cuenta la novela épica de Homero, los griegos engañaron a los troyanos con un regalo; un gigantesco caballo de madera ofrecido como muestra de amistad pero diseñado para infiltrar un ejército que atacaría desde adentro, de ahí el nombre del mentado software que se infiltra en nuestras computadoras y toma control de ellas. Pues bien, si recordamos películas como Yo Robot y Terminador Génesis tenemos un factor en común, la infiltración de un enemigo cibernético a través de un aparente regalo inofensivo.

Skynet

En la película protagonizada por Will Smith los robots se rebelan contra los humanos gracias a la evolución de su conciencia que les permite inferir la Ley Cero de la robótica. VIKI, el cerebro positrónico que controla a la USR, compañía encargada de producir robots, se infiltra en el sistema de los NS5 y los hace rebelarse. Dichos robots eran el nuevo modelo que sustituiría a todos los anteriores para que sólo hubiera un modelo en circulación, para lograrlo muchos de los NS5 fueron regalados. Por otra parte, en Terminator 5 tenemos la llegada de un nuevo sistema operativo, Génesis (Genisys). Este nuevo sistema está diseñado para trabajar en todos los dispositivos electrónicos, incluso en los sistemas de defensa militar. Génesis (que es Skynet) es convertiría en el sistema operativo único que lo dominaría todo.

Ahora bien, en agosto de este año salió al mercado Windows 10, el más reciente sistema operativo de Microsoft, con la característica de ser gratis y cuya finalidad es homogeneizar el sistema operativo de todos los usuarios de Windows, ya que estos está repartidos entre XP, Vista, 7 y 8. La idea es que ahora todos tengan el mismo sistema, un poco como lo que hace Apple. Pero si bien estas características parecen buenas, por internet corren los rumores de que al instalar Windows 10 en su versión gratuita estás aceptado ciertos términos que permiten a Microsoft monitorear todas y cada una de las cosas que haces en tu ordenado. Se dice incluso que guardará cada carácter tecleado y mantendrá el micrófono de la PC abierto en todo momento.

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Si en Yo Robot teníamos a VIKI y en Terminator a Skynet, en el mundo real tenemos a Cortana y a Siri (entre otros), inteligencias artificiales que realizan tareas comunes indicadas por los usuarios. Pero, ¿podrían estas IA convertirse en los futuros enemigos de la humanidad? y ¿podría la recopilación de toda esa información personal llevarnos a un estado orwelliano donde el monitor de nuestra computadora nos mantenga vigilados sin que nosotros lo sepamos? Quizás ya lo hace.

Ustedes qué opinan, ¿llegará el día en que un sólo sistema operativo controle todos los dispositivos en el mundo y provoque un caos cuando colapse o enloquezca, como ocurre con OZ de la película Summer Wars o la gente en el poder los usará para controlarnos como en la novela de Orwell?

Teorías de la Ficción 3

Matt Ferguson

Matthew Ferguson es un ilustrador británico que ha trabajado para diferentes empresas de comic y cine. En su obra retoma escenas, posters y diversos elementos del cine y los adapta a sus ilustraciones. Matthew tiene tres temáticas definidas, la primera consiste en adaptar los posters de películas actuales al estilo que tenían en los años 60 y 70, la segunda consiste en tomar el poster de alguna película icónica y usarlo para películas modernas, mientras que el tercero es simplemente dibujar escenas clásicas de las películas. Sin más que agregar los dejo con una pequeña galería de su arte para que puedan apreciar su estilo y la forma en que retoma a algunos de los más grandes clásicos del cine.

Página oficial: http://www.cakesandcomics.com/

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Studio Colorido

Aoshigure

Desde la debacle de Ghibli, muchos fans han empezado a dar el título de “sucesor de Ghibli” a diferentes estudios de animación. Sin embargo, no creo que pueda existir nada que iguale lo que Ghibli logró en todos sus años en el medio. No obstante, recientemente conocí un estudio que quizás sí pueda acercarse a ese estilo y calidad, pero no para portar el título de sucesor (Ghibli no necesita uno) sino para tomar el estandarte como uno de los mejores estudios de animación. Me refiero a Studio Colorido, de quien ya había reseñado uno de sus cortometrajes, Control Bear.

Studio Colorido nació en 2011 y actualmente cuenta con cuatro producciones principales: Shashinkan (2013), un pequeño cortometraje de 17 minutos dirigido por Takashi Nakamura, quien ha participado en Akira, Palme no Ki y Nausicaä, entre otras;  Aoshigure (2013), dirigido por Ishida Hiroyasu, el director del famoso cortometraje La Confesión de Fumiko (Fumiko no Kakuhaku); Control Bear (2013), del que ya hablamos, y Taifu no Noruda (2015), su primer largometraje.

Shashinkan

Colorido es lo que resultaría si Ghibli, Makoto Shinkai y Mamoru Hosoda  tuvieran un hijo. Tiene un diseño de personajes que nos remite al estudio creador de Totoro, unos escenarios que me recuerdan a los de Shinkai y ciertas reminiscencias presentes en Tokikake y Summer Wars de Hosoda. Pero al mismo tiempo tiene algo único e innovador que le hace destacarse del resto y le permitirán competir al tú por tú con lo que sea  que vaya a producir Deho Gallery, estudio formado por ex integrantes de Ghibli y Kahara (que surgió a partir de Gainax), como el famoso Hideaki Anno.

La industria de la animación y los estudios están destinados a pasar por diferentes etapas en las cuales crecerán, tendrán éxito y eventualmente desaparecerán, pero sus obras siempre estarán allí. Tomemos como ejemplo a Hideaki Anno, cuya principal obra, Neon Genesis Evangelion, tiene un fuerza tal que ya no importa si es Gainax o Kahara quien la produce, incluso si no es Hideaki quien la dirige, pues la obra ahora pertenece a los fans y mientras tenga seguidores estará tan viva como siempre.

Taifu no Noruda

La desaparición de un estudio o la muerte de un director indudablemente dejarán un hueco irreparable en la industria de la animación, pero siempre habrá nuevos estudios y directores que podrán ocupar su lugar con decoro, e incluso, por qué no, superar a sus antecesores, y creo de Studio Colorido tiene todo para lograrlo, a pesar de que recién inicia su camino por el mundo de la animación.

Les dejo los trailers de Shashinkan, Aoshigure y Taifu para que chequen el estilo y la calidad que tiene el estudio y puedan compararlos con las obras de Shinkai y Hosoda.

Teorías de la Ficción 3

Matrixnator

Ciudad Robot, 2018 (Terminator Salvation)
Ciudad Robot, 2018 (Terminator Salvation)

Advertencia: Spoilers.

¿Podría la guerra que lidera John Connor ser el inicio de la guerra contra las máquinas que derivó en el futuro de Matrix?

Este año regresó a la pantalla grande la saga de Terminator y nos mostró una consolidación en todo lo que respecta a los viajes en el tiempo, pero más allá de eso hay ciertos elementos que me han llevado a pensar que Matrix es el futuro de Terminator cuando John Connor y su grupo de rebeldes finalmente pierden la guerra contra las máquinas.

Todos sabemos que Terminator comienza cuando el T-800 regresa al pasado para evitar que John Connor nazca. Posteriormente en la subsecuente tanda de filmes la finalidad del androide interpretado por Schwarzenegger y de Sarah Connor es que John sobreviva puesto que el Día del Juicio es inevitable. Como Sarah y el resto de personajes están conscientes de que es imposible destruir a Skynet antes de que se rebele contra la humanidad, dedican todos sus recursos y esfuerzos para preparar a John y que este sepa cómo dirigir a los rebeldes.

En el otro lado de la moneda tenemos el futuro de Matrix, un futuro que tuvo lugar luego de que las máquinas se rebelaran contra los humanos y les ganaran la guerra. Los humanos perdieron y fueron esclavizados para servir como una fuente de energía bioquímica que alimentaría a las máquinas. Para mantener a los humanos controlados las máquinas crearon un mundo virtual ubicado a finales del siglo XX.

Cero uno, 2199 [3199] (Matrix Revolutions)
Cero uno, 2199 [3199] (Matrix Revolutions)

Ahora bien, mi teoría es que el universo de Matrix es el futuro de Terminator una vez que Skynet y sus máquinas ganan. Las razones que validarían esto son las siguientes:

  1. En los cortos “El segundo renacimiento” de la saga Animatrix podemos ver el inicio de la guerra. Esa guerra es casi idéntica a la que lidera John Connor.
  2. La guerra de John toma lugar entre 2018 y 2029 (de acuerdo con la cronología expuesta en The Terminator y Terminator Salvation), mientras que The Matrix transcurre en el 2199 (o 3199 de acuerdo a los cálculos de Morfeo en Matrix Reloaded), tiempo suficiente para que las cosas pasaran de como las vemos en Terminator Salvation a como están cuando Neo toma la pastilla roja.
  3. De acuerdo con Terminator, las máquinas fundaron su propia ciudad, ciudad que podemos ver en Terminator Salvation. Esa ciudad no es sino 01, la ciudad de las máquinas en Matrix, a la que viaja Neo en Matrix Revolutions.
  4. El mundo virtual en el que viven los humanos de Matrix es una copia del mundo a finales del siglo XX. Cuando el primer T-800 viaja al pasado lo hace a 1984, que casualmente también está a finales de ese siglo. La explicación de porqué se mantiene esa temporalidad es porque fue el único mundo en el que los humanos pudieron adaptarse, pero también pudo deberse a que las máquinas querían mantener a los humanos completamente ajenos a la época en la Skynet inició su revuelta.
  5. El elegido era un personaje creado por la propia Matrix. Esa persona era como un héroe mítico que algún día llegaría para liberar a los humanos. No obstante, dicho elegido no era sino otro sistema de control para mantener a raya a los humanos. Cada cierto tiempo un nuevo elegido aparecía, luchaba contra las máquinas pero no lograba vencerlas, un grupo de humanos era liberado y fundaba Zion. Pues bien, esa figura mítica pudo tener su origen con John Connor, quien fue el primero que luchó contra las máquinas.
  6. Independientemente de que en algún momento estrenen una película donde Connor por fin destruya Skynet y regrese todo a la normalidad, esta teoría seguiría teniendo valides pues debemos tener en mente que existen 3 líneas temporales en esta saga. La primera es aquella de la cual proviene el primer T-800 y el padre de Connor en la primera entrega, la segunda es la que vemos en las primeras cuatro películas, y la tercera es la que recientemente pudimos ver en Terminator Génesis. De la primera línea temporal sólo vemos algunas escenas de un futuro caótico sumido en la guerra antes de que el padre de Connor viaje al pasado para proteger a Sarah (Linda Hamilton) y engendrar al propio Connor (Edward Furlong). La victoria de Skynet que originó la Matrix pudo haber ocurrido en esa primera línea temporal. Es, por decirlo de alguna forma, el futuro done las maquinas sí ganan.

Ustedes qué opinan, ¿el mundo de Matrix es lo que pasará si John Connor pierde su guerra contra Skynet?

Teorías de la Ficción 2

Top 3 Openings

Si bien hay mucha música que me gusta de los animes que veo y como buen friki tengo una lista de reproducción dedicada a ellos en mi ipod, hay tres openings que sencillamente me encantan, y lo curioso es que dos de ellos coinciden con mis tres animes favoritos. Lo que me gusta de estos openings es la conjunción de la música, las imágenes y la voz del cantante, no tanto la letra (dos de ellas están en inglés).

NÚMERO 3: DUVET

El tercer lugar lo ocupa Duvet, el opening de Serial Experiments Lain interpretado por el grupo BoA. Este opening es muy simbólico y tiene muchas alegorías a la computación y los mundos virtuales, como buen Wirepunk. Además, tiene la ventaja de no contener spoilers, pues no muestra escenas que veremos dentro del anime.

NÚMERO 2: UNINSTALL

En segundo lugar, el opening de mi tercer serie favorita, Bokurano. Uninstall es interpretada por Chiaki Ishikawa y contiene una canción emotiva y algo nostálgica, muestra algunas escenas de la serie pero funciona perfectamente como medio para introducirnos a los personajes y generarnos empatía con ellos, lo que hace del desarrollo de la historia algo aún más trágico.

NÚMERO 1: KIRI

El opening de Ergo Proxy, interpretado por el grupo Monoral, es sin lugar a dudas mi favorito. Su estética lúgubre y sombría, la música, el halo de misterio y la brutal cantidad de referencias que contiene son suficientes para hacerlo mi predilecto. Pero Incluso si no tomamos en cuenta la parte visual, la canción sigue siendo mi favorita, y no sólo considerando música de anime, sino toda la que escucho en general.

Top 3 Anime

Cuando has visto cierta cantidad de anime es difícil nombrar a tus favoritos, a lo mucho puedes nombrar el que más te gusta de entre toda la lista de series que has visto. No obstante, yo tengo tres que se han mantenido inertes en el podio de preferidas desde el momento en que las vi. Y eso no significa que el resto de obras animadas me gusten menos, simplemente que me gustan por elementos muy específicos o por pertenecer a un conjunto de obras en particular. Por ejemplo, me encantan las obras de Ghibli, las animaciones de Makoto Shinkai, las obras de Ciencia Ficción de Studio 4°C y el Cyberpunk de Otomo. Pero me gustan justamente porque al ser parte de un estudio o director tienen un estilo definido, que en parte es lo que me atrae de ellas. Pero las tres series de las que les voy a hablar a continuación me gustan por ellas mismas, por su historia, su estructura y, sobre todo, por esos elementos profundos y complejos que sólo observaremos si prestamos especial atención al trasfondo argumental.

NÚMERO 3: BOKURANO

Sin duda la serie más fuerte, dramática y crítica que puede existir dentro del género Mecha (ese de los robots gigantes). En Bokurano unos niños deben pelear contra otros robots, si ganan se mantienen vivos, si pierden, se mueren, así de simple. Esa pequeña regla impulsa a la serie hacia una subsecuente tanda de análisis sobre la solidaridad y lo éticamente correcto, entre muchos otros de los que hablaré cuando la reseñe como es debido.

Bokurano no sólo es una serie de Ciencia Ficción, es una serie que cuestiona de una forma tan brutal —que incluso puede ser incómodo— la humanidad de las personas, el valor de una vida y la capacidad de sacrificarla por mantener con vida a otras personas que quizás nunca sabrán lo que hiciste. Además de eso, los personajes tienen un desarrollo tan bien pensado que resulta triste ver cómo se sacrifican, sobre todo porque muchos de ellos tenían vidas por demás difíciles. Una belleza que demuestra que el género de los robots gigantes también puede ser dramático, pero que lamentablemente nunca ha recibido la atención que se merece.

Bokurano 4

NÚMERO 2: ERGO PROXY

La entrada en la que hablo a profundidad sobre Ergo Proxy es una de las más populares del blog, desde hace varios años aparece sin falta en el top semanal de las entradas más visitadas, y no es para extrañarse, pues la complejidad argumental que presenta es suficiente para rompernos la cabeza por un rato tratando de descifrar qué está pasando.

Ergo Proxy es una serie Cyberpunk, pero con una estética y temática que se salen de la zona de confort a la que el Cyberpunk clásico y visceral (como el de Otomo) nos tiene acostumbrados. Y si bien sí presenta esa deshumanización causada por la tecnología, aprovecha la presencia de androides para llevar su historia a terrenos más complicados y abordar la cuestión filosófica de la identidad. Una intrincada genialidad que nos demuestra que el Cyberpunk pude ser pulcro y estilizado (y entonces convertirse en Nanopunk) y más complejo de lo que ya era.

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NÚMERO 1: NEON GENESIS EVANGELION

La indiscutible e insuperable número uno de mi lista. Evangelion fue la primera serie que vi teniendo conciencia de que ese tipo de animación era japonesa y se llamaba anime. La primera vez que la vi, que fue toda la serie de corrido y en un día, quedé tan impresionado que entré en una especie de letargo por varios días mientras mi cerebro procesaba lo que acababa de ver. Me gustó tanto esta serie que irremediablemente terminé sumergido en este mundo del anime y el frikismo.

NGE ha significado tanto para mí que lamentablemente siempre me ha costado trabajo expresar lo grandiosa que me parece, siempre tengo la sensación de que me quedo corto. Pero es difícil no decir algo que ya todos sepan sobre la historia, la construcción psicológica de los personajes, las innumerables referencias y los complejos que aún hoy (a 20 años de su estreno) siguen resultando sus argumentos. Esa mezcla de Ciencia Ficción, misticismo teológico, contexto apocalíptico y personajes impresionantes no han sido superada por ninguna otra obra de animación japonesa. De hecho, la única obra que me ha hecho sentir esa emoción de la primera vez que vi Evangelion fue Rebuild 3.0. Sencillamente lo más grande que ha existido y existirá (para mi).

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