Summer Wars

Summer Wars 7

Título Original: サマーウォーズ (Sama Wôzu).
Género(s): Ficción Especulativa, Comedia, Drama, Slice of life.
Director: Mamoru Hosoda.
Estudio: MadHouse.
Emisión: Agosto de 2009.
Duración: 114 minutos.
Extras:

Dirigida por Mamoru Hosoda, director de películas como Toki wo Kakeru Shôjo y Digimon Adventure Our War Game (1999), e inspirada en el clásico War Games de John Badham (1983), Summer Wars es uno de los largometraje más impresionantes y enternecedores de la actualidad, pues su calidad la hizo ser considerada como prenominada al Oscar 2011 como mejor animación.

El filme contó con la participación de Youji Takeshige como diseñador artístico y retoma el estilo de animación utilizado en Tokikake, combinándolo con escenarios muy similares a los que pudimos apreciar en la película de Digimon Adventure. El diseño de personajes corrió a cargo de Yoshiyuki Sadamoto quien respetó la simpleza en los rasgos físico. Finalmente, la preciosa música crea una ambientación perfecta al generar la tensión necesaria en los momentos dramáticos o la espontaneidad de los momentos cómicos.

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La historia gira en torno a Kenji Koiso, un joven estudiante genio de las matemáticas pero con dificultad para relacionarse con los demás. Para su fortuna, es invitado a pasar unos días con la familia de Natsuki Shinohara, una compañera de la escuela que es de un grado superior. Lo que Kenji no sabe es que Natsuki pretende hacerlo pasar por su novio y presentarlo a su familia.

Durante su estadía en casa de la Familia Jinnai, Kenji recibe un mensaje que intenta descifrar, dicho mensaje contenía los códigos de acceso para OZ, un mundo virtual a manera de red social que controla prácticamente todos los negocios y servicios en el mundo. Una vez descifrado el código, la cuenta de acceso de Kenji es hackeada por un extraño virus que empieza a absorber otras cuentas, con lo que obtiene el dominio de OZ e inicia el colapso de todos los sistemas controlados por Internet. En el caos, Kenji y la Familia Jinnai intentan retomar el control de OZ y acabar con el virus que pone en riesgo la estabilidad de la raza humana.

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La historia hace una muy inteligente crítica a la dependencia que actualmente tenemos de Internet, donde las redes sociales se han convertido en un espacio más dónde desenvolvernos, y cualquier colapso en el sistema virtual se verá reflejado en un colapso del sistema social real. Además, Summer Wars nos plantea la desaparición de esa frontera que nos permite diferenciar entre el mundo real y el virtual, ya que actualmente es muy difícil separar nuestra vida cotidiana de nuestras relaciones en la red.

Además del aspecto tecnológico, avatares y gadgets, Summer Wars nos presenta una construcción familiar muy entrañable, pues la estructura de la Familia Jinnai, además de ser tierna, es muy realista, sobre todo en el papel que juegan las mujeres como cabeza de familia. Y no sólo eso, la película también nos muestra cómo los problemas, secretos y conflictos consiguen superarse mediante la unión familiar, unión que muchas veces sólo se logra cuando las familias sufren una tragedia.

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La amplia gama de personalidades en la familia es sin duda uno de los aspectos que le otorgan originalidad a la obra, pero que al mismo tiempo la hacen universal, pues sin importar de donde seamos, los valores familiares estarán presentes en nuestra sociedad. Esto propicia que pueda internacionalizarse con facilidad, sobre todo en países donde la ideología de la unión familiar aún es muy fuerte.

El filme también nos enseña que la modernidad no debe significar la pérdida de las costumbres, pues cuando la tecnología nos falle sólo nos quedaran las viejas tradiciones (aspecto que me recuerda el tema que aborda Honey Tokyo). El cambio cultural causado por el gran desarrollo tecnológico es un aspecto que nos hace vulnerables, pues confiamos tanto en la tecnología que es difícil saber qué hacer cuando no podemos contar con ella.

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Summer Wars es una obra muy emotiva, que abarca numerosos temas dentro de su historia, desde el tierno y puro romance hasta el dominio que Internet tiene en las relaciones humanas, sin olvidar la importancia de la familia como la más básica e indispensable institución social.

Ésta película nos deja el mensaje de que la unión de la humanidad pude darse a través de las redes social si tiene como base a la familia. Mensaje que si bien no es original —pues ya lo habíamos visto en la película de Digimon— sí hace eco en la sociedad actual, pues las redes sociales ocupan un lugar cada vez más importante para la humanidad pero no han logrado sustituir los lazos afectivos de las relaciones familiares.

Ikkitousen

Título Original: 一騎当千 (Ikkitôsen).
Género(s): Ecchi, Shônen, Comedia, Peleas.
Director: Takeshi Watanabe.
Estudio: J.C. Staff, Genco.
Emisión: Julio 2003 – Octubre 2003.
Duración: 13 Episodios.
Extras: Ikkitousen DD, Ikkitousen GG, Ikkitousen XX.

Chicas lindas, cuerpos esculturales, peleas callejeras, ropas destrozadas y una generosa cantidad de fan-service y pantsu-shots son las características que describen a Ikkitousen, series basada en el manga homónimo de Yuji Shiozaki, que a su vez se basó en la novela china de Luo Guanzhong, Romance de los Tres Reinos (三国演义).

Ikkitousen es una de las series más famosas dentro del género Ecchi y las peleas callejeras, pues retomas las viejas características de los juegos de arcadias como Street Fighter (una temática que nos lleva nivel por nivel y que va aumentando las capacidades y fuerza de los oponentes con forme avanza el torneo) y las acompaña con numerosas escenas de desnudos parciales. Dicha estrategia le ha permitido ganarse un lugar muy decoroso dentro del público masculino.

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En el aspecto técnico, Ikkitousen nos presenta escenarios simples pero aceptables, que cumplen su función como arenas de combate y cuyo diseño permite su fácil destrucción al no estar demasiado detallados. Podemos decir que la calidad visual en cuanto a escenarios es algo simple, pero debido a que la temática no requiere un amplio desarrollo en éste aspecto, la simpleza funciona perfectamente.

En cuanto a las tomas y movimientos de cámara, estos resultan un tanto violentos en las peleas de los primeros capítulos, pero se van afinando con forme avanza la serie. El aspecto musical, por su parte, cumple eficientemente su papel de ambientador, pero se ve opacado por las demás características técnicas.

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El diseño de personajes secundarios es muy simple, al igual que la mayoría de los personajes masculinos, con las contadas excepciones de aquellos cuya constitución física es resaltada para denotar su estatus de peleador. Las mujeres reciben un trato totalmente diferente, pues sus atributos corporales se ven resaltados para ser el atractivo visual que la serie necesita.

Como a menudo pasa en la series Ecchi, los personajes femeninos se ven encasillados en sus rasgos moe y nos muestran una personalidad que muy difícilmente saldrá del estereotipo, aunque la gran cantidad de personajes busca disfrazar esta deficiencia presentándonos una aparente variedad de personalidades, estrategia que no logra un buen resultado a causa de las características cómicas que llevan a ciertos personajes al absurdo.

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La historia gira alrededor de un grupo de jóvenes que son la reencarnación de héroes legendarios que lucharon por la unificación de China en la era de los Tres Reinos y cuyos destinos están atados a la suerte que sus ancestros vivieron siglos atrás. Para evitar sufrir el mismo destino, los jóvenes peleadores intentarán cambia su suerte valiéndose de artimañas y luchando hasta la muerte con el fin de llevar a su escuela al liderazgo. Hakufu Sonsaku es el personaje principal, pues está destinada a ser la soberana que unirá a los tres reinos.

El trasfondo histórico de las batallas y los héroes legendarios suena muy prometedor, pero no llega a ser verdaderamente sólido debido al tipo de personajes que maneja, los cuales son excelentes para una serie de comedia, mientras que la historia funcionaría mejor en un anime más sobrio. Ambos aspectos son buenos por separado, pero me parece que juntos se demeritan. Sin embargo, la simpleza y comercialidad que la serie pretende logra funcionar con sus vistosas peleas y chicas semidesnudas.

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Uno de los aspectos que considero más criticable es el cambio de escenas serias con una fuerte carga de elementos históricos esenciales para la trama, a escenas cómicas que rompen con el ritmo de la historia. Me parece que el argumento tiene elementos que le permitirían mayor complejidad, pero sabemos que esto no es lo que los productores buscan. En lo personal considero que recurrir a una historia tan buena como pretexto para hacer pelear a chicas sexys es un desperdicio de contenido.

El dotar a una serie Ecchi de una historia compleja, busca interesar al espectador en algo más que el morbo y la excitación, pero no creo que a los jóvenes que gustan del Ecchi les importe demasiado si el desarrollo de la temática es coherente o no. Sin embargo, Ikkitousen intenta aumentar su atractivo incorporando un trasfondo histórico complejo con el fin de evitar estancarse en una historia mediocre cuyo único encanto sean las voluptuosas mujeres.

REC 7.5 “The Unforgiven”

Título Original: レック: 許されざる者 (REC: Yurusarezaru mono).
Género(s): Comedia, Romance.
Director: Ryutaro Nakamura.
Estudio: Shaft.
Emisión: 2006
Duración: 12 minutos.
Extras: REC.

REC 7.5 es un pequeña OVA situada entre el capítulo 7 y 8, donde vemos a Matsumaru, Tanaka y Aka yendo a beber a un bar. Tanaka termina muy tomada y Matsumaru la lleva a su casa, lo cual causa celos en Aka.

Un OVA sin más complicaciones que no aporta mucho a la trama principal, es un capítulo más pero resulta muy divertido y además conserva todas las características de la serie, en especial el particular estilo de comedia.

REC

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Título Original: レック (Reku).
Género(s): Comedia, Romance, Drama, Slice of Life.
Director: Ryutaro Nakamura.
Estudio: Shaft.
Emisión: Febrero 2006 – Marzo 2006
Duración: 9 Episodios (10 minutos cada uno).
Extras: REC 7.5.

Basada en el manga homónimo de Hanamizawa Q-Tarou, el anime REC es una serie que suele ser menospreciada por el público más especializado, pues su trama simple y sus personajes comunes no presentan la complejidad que muchas veces esperamos de una animación japonesa. A pesar de ello, REC no es lo que denominaríamos una serie comercial, pues la historia —a pesar de tener un mensaje prefabricado— logra enganchar al espectador con su emotividad, principalmente a quien gusta de las novelas ligeras y la comedia romántica.

La calidad de animación es regular, pues los escenarios y el diseño de personajes son muy simples, cosa que no resulta tan grave, pues el aspecto primordial es la historia, y al tratarse de una novela ligera puede darse el lujo de no prestar demasiada atención a los aspectos técnicos, pues no necesita de un gran realce para que la comedia funcione; incluso llega un momento en que la deslavada animación se vuelve una peculiaridad y no un defecto.

El desarrollo de la historia es excelente, pues a pesar de usar un formato tan inusual y corto no presenta problemas graves, por el contrario, logra que entendamos a la perfección las dificultades que experimentan los personajes en esa etapa de su vida. La música, por su parte, logra ambientar adecuadamente las distintas escenas, pero carece igualmente de espectacularidad.

Los personajes son, a mi parecer, la parte fundamental de la trama, a pesar de que caen en los estereotipos típicos de su género. Por ejemplo, Onda Aka presenta la suficiente rareza y originalidad para dar pie al desarrollo de la historia, pero se encasilla dentro de sus rasgos moe sin que esto merme la calidad argumental.

La historia gira alrededor de Matsumaru Fumihiko y Onda Oka, quienes se conocen por accidente y después de peculiares eventos terminan viviendo juntos. Matsumaru es publicista en una empresa de botanas, mientras que Onda es aprendiz de Seiyû (actriz de doblaje). Para fortuna de Matsumaru, su proyecto para promocionar una nueva fritura fue aceptado y ahora deberá encontrar a la actriz adecuada para hacer la voz de Nekoki, el extraño gato-árbol que es la mascota oficial del producto. A partir de esta premisa se desarrollaran una serie de eventos donde nuestros personajes deberán afrontar la dura vida laboral y la vida en pareja.

Existen muchas referencias en la serie a pesar de su corta duración, entre las más notorias están las que aluden a la actriz británica Audrey Hepburn, quienes es la principal inspiración de Aka y cuya filmografía fue usada para nombrar los capítulos. Otra de las referencias, que sin duda es la más destacable, es la que aborda el trabajo de los seiyûs, pues nos muestra lo difícil que éste puede llegar a ser.

De manera muy simple, REC hace alusión a la vida cotidiana de los jóvenes que inician una vida laboral y nos muestra las dificultades que estos pasan para encontrar un buen empleo y obtener sus primeros logros. Además, nos muestra cómo la vida personal puede afectar nuestro trabajo, que la vida en pareja no es fácil y que pese a nuestras fallas y errores de nosotros dependerá seguir adelante.

En lo personal creo que la serie funciona perfectamente para un público veinteañero que está por terminar la carrera o recién ha comenzado a trabajar, pues de ésta manera será más fácil identificarse con los personajes. Y si bien la serie ha sido subestimada  por su simpleza, el hecho de no ser tan popular le permite mantener los ideales que predica, pero sobre todo, nos enseña a tomar con humor las dificultades de la vida.

Fuera de control

Título Original: Fuera de control.
Género(s): Experimental.
Director: Sofía Carrillo.
Estudio: Nahuyacafilms.
Emisión: 2008.
Duración: 11 minutos.
Extras:

Con el Apoyo de la Academia Jalisciense de Cinematografía, el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes, IMCINE y Nahuyaca Films, Sofía Carillo nos presenta un interesante y surrealista trabajo de animación que explota el aspecto emocional de sus extraños personajes. Fuera de control ha participado en numerosos festivales cinematográficos nacionales e internacionales, uno de los más importantes fue el Festival de Cine Sundance.

La producción del corto es de Carolina Cárdenas, la edición de Uri Espinosa, la música de Saúl Ledesma, el diseño sonoro de Gerardo Martínez (que ganó Pantalla de Cristal como mejor diseño sonoro) y la fotografía de Paola Chaurand.

Sofía Carrillo nació en Guadalajara en 1980, se desempeña en las áreas de dirección de arte y animación clásica. Con Vértigo, su primer cortometraje de animación en 35 milímetros, se hizo acreedora a una beca del programa Estímulos a la Creación y al Desarrollo Artístico en Jalisco (2003) y también participó en diversos festivales en México.

Aislados e incompletos, varios personajes comparten en el interior de una casa extraña y laberíntica, distintas formas de soledad. Enfrentándose a sus miedos buscarán, desesperadamente, complementarse.

La calidad general del corto es muy buena. El diseño de los personajes es escabroso y el detalle en sus cuerpos mutilados y sus demacrados rostros en verdad reflejan esa extraña soledad en la que se encuentran. La música, por su parte, crea el ambiente perfecto, pues hace de un mismo escenario tanto una escena tétrica como una escena alegre.

Sin duda es un corto espectacular, pues genera en el público esa extraña sensación de estar dentro de un sueño que no alcanza a ser una pesadilla pero que es lo bastante fúnebre para generar la tensión de no saber qué es lo que está pasando dentro de esos sombríos muros.

Rebuild of Evangelion 2.0: You Can (Not) Advance

Título Original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版: 破 (Wevangelion Shin Gekijô-ban: Ha).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Khara, Gainax.
Emisión: Septiembre 2009.
Duración: 108 minutos.
Extras: Rebuild of Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone, Rebuild of Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo.

Dos años después de la primera película llega a nosotros la segunda entrega de cuatro programadas. Ha reivindica totalmente el nombre de Eva y nos demuestra que el Rebuild no es una simple remake más como bien pudimos creer luego de ver Jo.

El primer largometraje fue una simple recapitulación de los primeros seis episodios, que a mucho nos quedó a deber, pues la historia era enteramente la misma al igual que los diálogos. Afortunadamente Rebuild 2.0 no recapitula la serie como tal, ni siquiera retoma del todo el desarrollo de Jo. Lo que Ha hace es crear situaciones que, si bien no son nuevas, sí presentan una novedad para el Eva-fan.

You can (Not) Advance está llena de novedades que aparentemente no tienen mucho sentido, como el cambio en el nombre de Asuka —ahora se llamará Asuka Langley Shikinami (アスカ・ラングレー・式波) y no Asuka Langley Sôryû (アスカ・ラングレー・惣流)— o la integración de un nuevo personaje, Mari Illustrious.

Muchos creían que Mari tomaría un lugar central desplazando a Rei o Asuka, pero su papel no es tan sobresaliente al menos para esta entrega. Su mejor escena es la pelea que tiene contra Zeruel donde vemos un nuevo estado en los Evas, el modo The Beast. Otra de las novedades es que el Eva 05 cuenta con cuatro extremidades inferiores y en las superiores tiene un par de armas en vez de manos.

Las personalidades de los tres pilotos cambian un poco, pues vemos a una Rei más humana y abierta al hablar de sus sentimientos, a un Shinji un poco más considerado con las personas y a una Asuka un tanto más distante. Esto posiblemente responde al hecho de que Hideaki busca enfatizar las emociones que ya eran parte del personaje pero que nunca pudimos apreciar del todo. En el caso de las batallas, estas son impactantes y muy emotivas. En cuanto a los Ángeles, muchos son omitidos pero los pocos que aparecen ocupan el lugar con mucho decoro.

En el aspecto técnico observamos una calidad de imagen igual que en la primera película. La animación y los escenarios están finamente trabajados y el soundtrack es excelente a pesar de presentar muchos remakes de las viejas canciones. A mí en lo personal me gustó mucho la banda sonora, incluso más que la de You are (Not) Alone.

La historia inicia aproximadamente con la llegada de Asuka a Japón y se va desarrollando de manera similar a la serie salvo por ciertas y marcadas diferencias que le dan un cambio un tanto radical. Como es costumbre, no ahondare en la historia para no arruinarle la película a quien no la haya visto, solamente diré que el final es la mejor parte y nos deja justo al borde del Tercer Impacto y con la llagada de Trabis.

Rebuild vuelve todavía más complicado a Eva, que de por sí ya es difícil de entender, pues agrega nuevos simbolismos, personalidades, trasfondos y temáticas que no habíamos visto en la serie. Me atrevo a decir que Rebuild nos presenta lo que en realidad Hideaki quiso mostrarnos pero que no logró con la serie de televisión. Sin embargo, no es una versión nueva o que pueda separarse de la serie original, todo lo contrario, está estrechamente ligada y depende de Neon Genesis para ser entendida.

Aún no se, ni me imagino, que cambios puedan venir con Evangelion Q, pero desde la primera entrega, y más ahora con la segunda, he llegado a pensar que estas películas en realidad se desarrollan después del Tercer Impacto en The End of Evangelion.

No es mi intención profundizar en el tema ni tratar de descubrir todas las pistas escondidas en los aparentes diálogos al azahar o en los escenarios de fondo, eso lo dejaremos al tiempo y tarde o temprano las próximas películas mostrarán si tengo razón.

Rebuild of Evangelion: 1.0 You Are (not) Alone

Título Original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版:序 (Wevangelion Shin Gekijô-ban: Jo).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Khara, Gainax.
Emisión: Septiembre 2007.
Duración: 98 minutos.
Extras: Neon Genesis Evangelion, Evangelion: Death & Rebirth, The End of Evangelion.

Rebuild of Evangelion es la producción más reciente para la franquicia Eva. El proyecto consta de un remake de cuatro películas basadas en el anime de 1995. Sin embargo, a diferencia de la serie original, Rebuild nos plantea una visión un tanto diferente de la historia, los personajes y el contexto en general. Además, nos promete nuevos protagonistas, ángeles y un final alternativo para la cuarta película.

A pesar de pertenecer a la franquicia original de Gainax, Rebuild of Evangelion será producida por Khara (estudio de animación creado por Hideaki Anno y otros ex miembros de Gainax con el propósito específico de producir esta saga), pero ambos estudios compartirán los créditos.

Hideaki escribió el guion de la primera película y será el director general y manager del proyecto, Kazuya Tsurumaki será el encargado de dirigir las películas, Yoshiyuki Sadamoto diseñará los personajes, Ikuto Yamashita  diseñará los Evas, Shinji Higuchi realizará los storyboard y Shiroh Sagisu producirá el soundtrack.

Entre los cambios más evidentes en éste nuevo proyecto está la gramática del nombre, de la forma tradicional: ヴァンゲリン, a la nueva forma:ヴァンゲリン. Como ven, no es más que el cambio del primer carácter y el penúltimo. Y a pesar de que ahora se le dice Wevangelion la traducción más correcta sería Wevangeriwon.

Para el no fanático de Eva, este largometraje es más de lo mismo, y la verdad sí, es más de lo que todos ya conocemos: mismos diálogos y mismas escenas. La mejorada animación, la nueva música y el renovado diseño de Evas y Ángeles (que los hacen más orgánicos y menos acartonados) no son suficientes para evitar que se convierta es un simple y llano remake más. Sin embargo, algunas escenas y sutiles cambios en la historia logran atrapar el interés del Eva-fan.

En algunos momentos la historia llega a ser un tanto aburrida —sobre todo a la mitad— pues avanza dando algunos saltos, que de no ser porque ya conocemos la historia a fondo, quedarían como verdaderas incógnitas. Siendo honesto, esta primera entrega no me gustó, pues me dejó con un mal sabor de boca al repetir los mismos argumentos y no mostrarnos nada verdaderamente novedoso.

Shangri-La

shangri-la cover

Título Original: シャングリ·ラ (Shanguri Ra).
Género(s): Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Libertaria/Biopunk, Drama, Sobrenatural.
Director: Makoto Bessho.
Estudio: Gonzo.
Emisión: Abril 2009 – Septiembre 2009.
Duración: 24 Episodios.
Extras:

Basado en la novela homónima de Eiichi Ikegami, Shangri-La es uno de los mejores animes de la actualidad, o al menos es mucho mejor que las series comerciales de los últimos años. Su sólida historia y sus múltiples referencias políticas y económicas la hacen atractiva y divertida. Además, el hecho de adentrarse en el mundo de la economía y las finanzas, aunado a su contexto postapocalíptico, la hacen muy entretenida.

La calidad de animación es muy buena, pues mezcla escenarios naturales con complejas ciudades tecnológicas y misteriosos lugares llenos de enigmas y seres sobrenaturales. Los contextos postapocalípticos están muy bien trabajados; fusionan edificios derruidos cubiertos por la maleza con hermosas vistas de lagos y ciudades abandonadas. Finalmente, el aspecto musical, aunque no es totalmente espectacular, cumple su función de ambientar y enfatizar los momentos más emotivos.

El aspecto de los personajes es sin duda el más destacado, su personalidad está muy bien definida, crecen a lo largo de la serie y nos dan el tiempo necesario para permitirnos conocer sus motivaciones, lo que nos facilita entender la enorme gama de intereses que mueven los hilos argumentales.

Elementos como los flash-back son usados de manera excelente a fin de revelar parte del pasado de los personajes. Igualmente, resulta destacable el hecho de que los papeles centrales y dominantes son ocupados por mujeres. Sin olvidar la presencia de una interesante diversidad sexual.

Entre los factores más atrayentes están las múltiples referencias al modelo económico capitalista, los impuestos, las políticas financieras y al mercado bursátil. La historia se desarrolla en un mundo controlado por un modelo económico carbonista, en el que el carbón y los impuestos a las emisiones de CO2 son la base de la economía mundial.

La serie tiene muchas referencias a la economía actual, como su lenguaje administrativo, y aborda temas como la deuda externa, el racismo, la inflación, la bolsa de valores, la especulación, la crisis económica y la guerra fría. Además, crítica al capitalismo voraz de países como Estados Unidos que se han negado a firmar el Protocolo de Kioto.

Las referencias no terminan ahí pues Shangri-La hace alusión a la mitología griega e incluye personajes transexuales que adquieren un papel sumamente significativo en la historia. Por si esto fuera poco, aspectos como la fantasía y lo sobrenatural también son un tema recurrentes, sin olvidar el aspecto del cambio climático y las múltiples parodias a los otakus y lugares como Akihabara.

La historia gira en torno a Kuniko, una chica que está destinada a ser la líder de una organización anti-gubernamental llamada Metal Age. Sus problemas comienzan cuando el gobierno de Atlas (ciudad construida con el fin de salvar al país de la destrucción) inicia una campaña militar contra los ciudadanos del exterior. Mientras Metal Age y Atlas se enfrentan, los habitantes de afuera intentan sobrevivir a los embates del cambio climático y los constantes peligros que el crecimiento descontrolado de la selva y la manipulación genética de las plantas provocan en sus ciudades.

No bastando con los conflictos en las afueras de Tokio, la economía se encuentra al borde de una crisis global que ocasionará un colapso en todos los sistemas financieros del mundo debido al programa Medusa, un sistema creado por Karin —una pequeña niña neo-carbonista— que es capaz de infiltrarse en los sistemas económicos de los países y dejarlos en banca rota. Además, en las profundidades de la ciudad, extraños y aberrantes sacrificio de infantes son llevados a cabo a fin de mantener vivo el espíritu de Hiruko, el lord de Atlas.

La trama central es muy simple, sin embargo, mezcla diversas historias que se van entrelazando a lo largo de los capítulos creando una historia final compleja y dramática. Aunado a los aspectos económicos, sociales y sobrenaturales de la serie, existen diversas críticas al modelo social actual, entre ellas los reclusorios femeniles. En una parte de la historia podemos ver la crudeza de la vida en la cárcel y cómo las chicas deben recurrir a favores sexuales a fin de ser beneficiadas por los custodios.

Este es uno de los aspectos que me parece más destacable de la serie, pues si bien aborda un tema controversial no lo muestra de forma excesivamente incómoda, por el contrario, hace una crítica velada y muy inteligente. Sin embargo, debo admitir que algunos aspectos, sobre todo del final, reducen un poco la calidad de la serie, pues empieza a abusarse del Deus ex machina.

Aunque a muchos espectadores Shangri-La les parece una serie excesivamente comercial que maneja términos económicos rebuscados y falsos, y que dista mucho de ser la serie vanguardista y original que aparenta, el hecho es que la cantidad de referencias, críticas y temas abordados permiten crear una obra agradable y entretenida.

Shinano Newspaper CM

Título Original: 信濃 CM (Shinano CM).
Género(s): Drama, Publicidad.
Director: Makoto Shinkai.
Estudio: CoMix Wave Films.
Emisión: 2007.
Duración: 15 segundos.
Extras:

Shinano Newspaper CM, es un comerciar realizado por Makoto Shinkai para el periódico Shinano, el cual se distribuye en la prefectura de Nagano. El trabajo de sólo 15 segundos presenta una calidad impresionante y un estilo muy similar a 5 Centímetros por segundo. Y a pesar de ser tan corto es sumamente emotivo, otro claro ejemplo, junto con Other Worlds, de la facilidad que Shinkai tiene para desarrollar el Drama.

El trabajo cuenta con la participación de Yoshimi Kondo como Seiyû (quien también aportó su voz en Byôsoku) y Tatetakako como intérprete de la canción de fondo, quien ha participado en trabajos como Cavity Express y al igual que Makoto nació en Nagano.

Revival of Evangelion

Al contrario de lo que muchos blogs dicen, Revival of Evangelion, lanzada en marzo de 1998, no es ni debe ser considerada como la tercera película de Eva. Revival es en realidad una recopilación de las dos primeras películas de la serie, Death & Rebirth y The End of Evangelion. Sin embargo, la diferencia radica en el hecho de que Revival contiene una versión remasterizada de “Death” —conocida como Death (True)2— y la une directamente con los verdaderos episodio 25 y 26.

Para hacer más entendible ésta explicación desglosaré las dos películas con la finalidad  de presentar de manera simplificada el contenido de Revival.

  1. Death & Rebirth se compone de dos partes: “Death” —que es una especie de sumario de los primeros 24 episodios— y “Rebith”, que como muchos sabrán es en realidad la parte inicial de The End of Evangelion.

  2. The End of Evangelion también se compone de dos partes: el episodio 25 (“Air”), que corresponde al “Rebirth” en la primera película, y el episodio 26 (“Magakoro wo, Kimi ni”).

Por lo tanto, Revival integra las dos películas pero evitando la innecesaria repetición de “Rebirth”; conformándose así por “Death (True)2”, “Air” y “Magakoro wo, Kimi ni”. Vale la pena aclarar que “Rebirth” y “Air” no son exactamente iguales, ya que “Air” contiene mayor cantidad de escenas y su duración es obviamente mayor.