Lucky Star OVA

Título Original: らき☆すた (Raki ☆ Suta).
Género(s): Comedia, Slice of life, Shôjo.
Director: Yasuhiro Takemono.
Estudio: Kyoto Animation.
Emisión: Septiembre 2008.
Duración: 45 minutos.
Extras: Lucky Star.

El OVA de Lucky Star se compone de una serie de historias cortas que nos cuentan distintos eventos a partir del punto de vista de un personaje en particular. La calidad de animación y el audio mantienen la misma calidad de la serie y las referencias al estilo de vida otaku y japonés siguen siendo la base cómica. El OVA no puede ubicarse temporalmente dada la falta de elementos, aunque puede desarrollarse en cualquier momento a partir del episodio 17 aproximadamente, pero lo más probable es que se desarrolle después del capítulo final.

La historia continúa mostrándonos eventos cotidianos como lo hizo en la serie, pero no proporciona ningún aporte sobresaliente, así que es como si viéramos un capitulo de 45 minutos. El aspecto más significativo es la parodia en vivo que los seiyûs de Akira Kogami y Minoru Shiraishi hacen de Lucky Channel. Una gran recomendación para quien disfrutó la serie.

Lucky Star

Título Original: らき☆すた (Raki ☆ Suta).
Género(s): Comedia, Slice of life, Shôjo.
Director: Hiroshi Yamamoto.
Estudio: Kyoto Animation.
Emisión: Abril 2007 – Septiembre 2007.
Duración: 24 Episodios.
Extras: Un OVA.

Basado en el 4-koma (manga en 4 viñetas) homónimo de Kagami Yoshimizu, Lucky Star es una de las series más cómicas y críticas de la industria, pues su extraño sentido del humor busca referenciar y hacer burla de otras series, patrones de conducta dentro de los fans, estereotipos en los personajes de anime y la vida de las figuras públicas de la cultura pop.

Podríamos decir que Lucky Star busca denunciar de manera muy sarcástica el modo de vida de los seguidores del anime y los productores de estos contenidos, los cuales se ven ensimismados en sus pasatiempos y olvidan desarrollarse en otros aspectos de su vida. Asimismo, busca evidenciar la falta de tolerancia que puede llegar a existir por parte de las personas que no tienen los mismos gustos o aficiones, pero que muchas veces se apasionan por cosas no convencionales.

La calidad de animación es regular, pues los escenarios no sobresalen en nada y ni siquiera actúan como un verdadero fondo ambientador. La música es simple y muy repetitiva, a pesar de tener un opening fuera de lo común con un para-para (baile) bastante atractivo. Y aunque la banda sonora no sobresale, sirve para referencia e incluso homenajear series japonesas de antaño, esto en el caso de los ending.

El aspecto de los personajes es el mejor logrado, pues ellos desarrollan la serie por completo, ya que el anime se basa únicamente en la vida cotidiana de sus personajes, por lo que la buena construcción de estos era indispensable para obtener los resultados deseados. Las personalidades están creadas a partir de una gama muy amplia de elementos totalmente estereotipados, que a pesar de ello logran actitudes originales.

La extrema cantidad de elementos moe (otaku, tsundere y yandere) de cada personaje sirven para criticar al vacío de nuevas ideas en la construcción de estos, pues hoy en día es muy común encontrar al menos a un personaje con los siguientes rasgos: tierna, tímida, torpe, intelectual ode pechos grandes. Lucky Star toma todos esos elementos y los pone dentro de sus personajes, por lo que cada uno de ellos tiene al menos tres o cuatro de estas características.

La apariencia física también es muy particular, pues a pesar de que los personajes tienen 17 años, su aspecto corporal parece de niñas de secundaria o menores. Ésta aparente burla al desarrollo se debe a que en la mayoría de los animes actuales las chicas de secundaria ya presentan cuerpos muy desarrollados que no corresponden a su edad, por lo que la serie busca hacer una denuncia de ello. Igualmente, el personaje de Patricia Martin, refleja el cerrado interés y conocimiento que los occidentales tenemos de la cultura japonesa, pues fuera del anime pocas veces nos interesamos por algo diferente.

La historia gira en torno a la vida cotidiana de Konata Izumi y sus amigas Kagami, Tsukasa y Miyuki, quienes están en el segundo año del bachillerato. En el trascurso de los capítulos veremos los problemas, distracciones y vivencias a los que deberán enfrentarse.

La historia avanza a un ritmo lento —pese a que cada capítulo es aproximadamente un mes de la vida real y un día puede estar representado en una escena de pocos segundos— ya que en ningún momento se presentan eventos sobresalientes que destruyan la rutina diaria. A pesar del lánguido desarrollo, no resulta una serie monótona o aburrida, por el contrario, la vida diaria resulta especialmente atractiva.

Lucky Star 3

Las características cómicas de la serie se basan justamente en la vida diaria y presentan situaciones comunes en las que todos hemos estados alguna vez y que al identificarnos con ellas resultan graciosas. Sin olvidar que toda esta gama de referencias se basa principalmente en anime, manga, videojuegos y relaciones personales.

Además de las referencias cómicas también hay una crítica a ciertos patrones sociales propios de la industrial, como la sarcástica alusión a la vida de una idol, la indirecta mención de los seiyûs o la parodia de los vendedores de anime y manga. En lo personal considero que Lucky Star intenta definir un estilo de comedia propio para los japonenses, por lo que hace referencia a cosas comunes que son naturalmente graciosas para ellos, pero que para el público extranjero son difíciles de apreciar.

Ga-Rei Zero

Título Original: 喰霊-零- (Ga-Rei Zero).
Género(s): Sobrenatural, Drama, Comedia, Seinen, Shôjo.
Director: Ei Aoki.
Estudio: AIC Spirits.
Emisión: Octubre 2008 – Diciembre 2008.
Duración: 12 Episodios.
Extras:

Basado en el manga Ga-Rei de Hajime Segawa, Ga-Rei Zero en una serie que actúa como precuela de éste. Inicia su historia antes de los eventos de la novela y nos narra el pasado de los protagonistas. Sin embargo, el hecho de ser una precuela le resta un poco de solides a la historia, ya que por momentos se vuelve algo confusa para quienes no hemos leído el manga, pues su trama se enfoca en explicar sucesos y actitudes de los personajes que muy difícilmente podremos entender sin antes haber leído la obra de Segawa.

La calidad de animación es buena, no del todo sobresaliente ni espectacular, pero provoca una buena impresión en el televidente. Los escenarios, personajes y demonios están bien diseñados, aunque utilizan los estilos simplistas que han predominado en la última década. Los escenarios de fondo resultan un poco acartonados por momentos, sin que esto repercuta gravemente en la calidad general. La música tampoco es sobresaliente, pero en verdad ayuda a enfatizas los momentos dramáticos y tristes de la historia, además de otorgar el toque enérgico a las batallas y escenas de acción.

La historia gira en torno a Kagura Tsuchimiya y Yomi Isayama, dos chicas que pertenecen a familias de exorcistas que durante años se han dedicado a proteger a la humanidad de la amenaza de los demonios con la ayuda de espíritus que sólo ellos pueden ver e invocar. A lo largo de la historia vemos como Kagura y Yomi pelean contra diversos demonios y mejoran sus habilidades para algún día poder heredar las bestias sagradas que les ayudarán en su misión. Para ello se integran a la División Contra Desastres Sobrenaturales, que es una de tantas agencias encargadas de controlar y detener la actividad paranormal.

Desafortunadamente, la ambición y los conflictos familiares orillan a Mei (prima de Yomi) a caer presa de un demonio, quien la obliga a matar al padre de su prima para que ella pueda apoderarse de la bestia sagrada. Yomi decide tomar venganza pero es presa del mismo demonio, quien la convierte en un espíritu asesino que busca acabar con la humanidad, para impedirlo, Kagura deberá enfrentarla en una batalla épica.

El trasfondo de la historia es bastante complejo y la temática de los demonios y exorcistas resulta atractiva. Sin embargo, la mezcla de peleas con escenas melancólicas no da un resultado agradable, pues la brutalidad de las batallas se ve entorpecida por la melancolía excesiva de algunos personajes. Los cambios de tono impiden mostrar lo triste y cruda que la vida de un exorcista puede llegar a ser, generando altibajos que van de la ternura propia del Shôjo a la crudeza innata de Seinen, lo cual no siempre es bueno.

La parte romántica tampoco termina por consolidarse y los toques de comedia en ocasiones quedan fuera de lugar. En lo personal considero que si la serie se hubiese enfocado o en el aspecto dramático o en la acción y las peleas habría obtenido mejores resultados, ya que el tipo de drama que maneja no funciona para este tipo de historias, creo que le faltó algo más de crudeza y un poco menos de llanto.

Otro aspecto que resulta pertinente mencionar es el manejo de tiempos, pues al principio resulta difícil entender en qué época se desarrolla la historia. En los primeros capítulos vemos que la historia se desarrolla en la actualidad, pero después hace una regresión —a manera de enorme flash-back— a tres años antes; posteriormente la serie vuelve a hacer un salto a unos días antes de los eventos que vimos en los primeros capítulos, y prosigue la historia hasta después de dichos eventos. Finalmente, hace un último salto a algunos años al futuro, que es a partir de donde empieza el manga.

Considero fundamental leer el manga antes de ver esta serie, pues al estar diseñada como una serie de apoyo (precuela), no es autoconclusiva, ni autorreferencial, ni autoexplicativa, por el contrario, sirve para atar los cabos sueltos del manga. Pero en definitiva, me parece una buena recomendación para sus lectores o para quienes gustan de historia con demonios, armas, peleas y sean seguidores del género Sobrenatural, principalmente si lo que les gusta es la acción y no les importa demasiado la historia.

So・Ra ・No・ Wo・ To 13 ova

Título Original: 空の音・夢ノ彼方 (Sora no wo to: Yume no Kanata).
Género(s): Militar, Shôjo, Drama, Comedia, Ciencia Ficción.
Director: Mamoru Kanbe.
Estudio: A-1 Pictures, Aniplex.
Emisión: Junio 2010.
Duración: 24 minutos.
Extras: Sora no wo to.

El segundo OVA de Sora no wo to toma lugar un año después del inicio de la serie y nos narra la búsqueda de Kanata por encontrar su sueño, en su búsqueda conocerá los sueños y motivaciones de sus compañeras y otros personajes de la ciudad.

La historia no tiene muchas complicaciones, pero contribuye ampliamente al conocimiento, en un aspecto más íntimo, de los personajes. Además, proporciona una buena base para una segunda temporada, principalmente porque conjuga gran parte de la información previa de la serie y nos da nuevas pistas para tratar de comprender qué pasó con el mundo y dónde están realmente los países de Helvetia y Roma.

So・Ra ・No・ Wo・ To 7.5 ova

Título Original: 饗宴・砦ノ戦争 (Kyōen: Toride no Sensō).
Género(s): Militar, Shôjo, Comedia.
Director: Mamoru Kanbe.
Estudio: A-1 Pictures, Aniplex.
Emisión: Junio 2010.
Duración: 24 minutos.
Extras: Sora no wo to.

El primer OVA corresponde a un punto cinco, y se sitúa entre los capítulos siete y ocho. En él vemos como Kureha nos relata los eventos ocurrido durante el día a manera de diario. Todo comienza cuando Kanata intenta descubrir lo que esconden en el sótano, para evitarlo Phylisia (Filisia) convence a las chicas del pelotón y a Yumina de hacer una batalla a manera de simulacro, si el equipo de Kanata ganaba le dirían la verdad, pero si perdía mantendrían el secreto. Después de la batalla —y la victoria de Kanata— las chicas toman un baño y se ponen a beber, terminando completamente ebrias a excepción de Kureha.

El OVA es un simple capítulo más que no aporta nada verdaderamente importante a la historia, pero resulta en extremo divertido ver como las chicas se desinhiben al calor de las copas. Además, nos aclara cómo es que Kanata se enteró de los negocios que el pelotón tenía con los gangters con quienes comerciaban el licor que ellas mismas destilaban y nos muestra un poco de la historia personal de Yumina. Sin duda una excelente recomendación para quien sea fan de la serie y la comedia.

So・Ra ・No・ Wo・ To

Título Original: ソ・ラ・ノ・ヲ・ト (Sora no wo to).
Género(s): Militar, Drama, Comedia, Retrofuturismo, Shôjo.
Director: Mamoru Kanbe.
Estudio: A-1 Pictures.
Emisión: Enero 2010 – Marzo 2010.
Duración: 12 Episodios.
Extras: 7.5, 13.

Con música muy emblemática, conceptos artísticos propios del modernismo, ambientación militar y una extraña combinación de elementos europeos, Sora no wo to es uno de los animes más encantadores que he visto, pues la mezcla de ternura que se opone a la crueldad de la guerra logra un resultado sobresaliente. Además, su simpleza y nula pretensión la convierten en una serie tranquila y digerible, que si bien no busca consagrarse como la gran revelación, sí nos ofrece un lindo mensaje sobre la igualdad.

La calidad de animación es impecable, los escenarios están finamente detallados y los gráficos son en extremo nítidos, al igual que la ambientación que hace alusión a las provincias europeas. La ciudad de Seize —lugar donde trascurre la serie— es una copia casi fiel del poblado de Cuenca, España, principalmente de las Casas Colgantes y el Puente de San Pablo. También nos presenta elementos propios de folclor Alemán, Francés, Español, Austriaco, Suizo y Japonés, como el Obon (Fiesta des Lumieres), algo así como el Día de Muertos, y referencias a la Tomatina que se celebra en Valencia, España.

Sora no wo to 8

Todas esas referencias culturales y folclóricas crean un contexto novedoso a la vez que familiar, pues la mezcla de elementos orientales con tradiciones europeas y parafernalia militar, hacen que la serie adquiera un toque retro, pues los escenarios nos remiten a la región franco-cantábrica, mientras que el elemento militar nos remonta a las revoluciones previas a la Primera Guerra Mundial.

Además de las referencias ya mencionadas, en el opening se hace alusión a Gustav Klimt, pintor austriaco que creó obras como El Beso y que ha sido retomado por otros animes como Elfen Lied. No podemos olvidar las referencias a los Calvados (vinos) franceses ni melodías como el himno cristiano Amazing Grace, canción que ya ha sido usada por animes como Eureka 7.

La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico en el que una cruenta guerra destruyó toda la tecnología existente y acabó con la vida en los océanos, obligando a los ejércitos a regresar a la vieja tecnología del siglo XX. Kanata Sorami es una joven recluta que se enlistó en el ejército con el fin de aprender a tocar la trompeta, instrumento con el cual se dan las órdenes militares. Para su fortuna, es asignada al pelotón 1121 en la ciudad de Seize, provincia de Helvetia (Suiza).

En el pelotón, integrado sólo por mujeres, conocerá a otras reclutas y compañeras, con las cuales tendrá que entrenar, proteger a los habitantes de la ciudad y evitar que se desate la guerra contra Roma (que de hecho es Alemania pues el idioma que los “romanos” hablan es alemán). Para ello deberán desafiar a la mafia, conseguir otros trabajos con los cuales ganar dinero y enfrentar sus miedos y traumas del pasado para dejar de ser una tropa menospreciada.

La historia nos muestra un poblado un tanto medieval, con fortalezas, castillos, mercados, talleres artesanales y monopolios manejados por la mafia como en la época de la Gran Depresión (1929). También hace alusión a la guerra bacteriológica, con virus como la muerte invisible, que es una probable referencia a la peste negra o a la viruela. Además, nos muestra que las diferencias entre el estado gobernante y la religión son por lo general a causas de intereses personales, porque ambas buscan —al menos en teoría— el bienestar del pueblo. Esto lo podemos apreciar en la ayuda mutua entre pelotón 1121 y la Iglesia Ortodoxa.

El desarrollo de la serie es muy particular, pues se maneja como un Slice of life hasta la mitad de la serie, ya que en los primeros capítulos únicamente vemos el día a día en el cuartel. En la segunda mitad se introducen elementos mucho más dramáticos, pero sin dejar la indiscutible ternura que los personajes le aportan. Y para el final nos otorga un excelente ejemplo sobre igualdad, partiendo del hecho de que la música es universal, y que sin importar a que país o batallón pertenezcamos o que idioma hablemos, siempre podremos entender y disfrutar las notas musicales.

Aunque la historia es muy ligera y se maneja de forma muy sencilla, el trasfondo histórico del que parte el conflicto militar tiene un origen realmente complejo y sombrío; a lo largo de los capítulos es posible observar algunas referencias al viejo mundo. Esto hace que la historia tenga una gran solides y permita la posterior creación de precuelas o secuelas de igual o mayor complejidad.

En lo personal me parece que es la conjunción de todos esos elementos de distintas épocas y ámbitos lo que hace tan peculiar y atractiva a la serie, pues es difícil encontrar una historia que compagine ambientes tan distintos de forma natural, y, sobre todo, que logre una gran armonía y desarrollo con tan amplia gama de referencias.

Yasuhiro Yoshiura

VIDA Y OBRA

Yasuhiro Yoshiura (康裕•吉浦), es un escritor y director japonés de cortometrajes animados, nació en Hokaido, Japón, en 1980. Vivió en la prefectura de Fukuoka —ubicada al norte de la isla de Kyushu— durante su niñez y juventud antes de mudarse a Tokio. Realizó sus estudios en el Instituto Kyushu de Diseño, que actualmente es la Universidad de Artes de Kyushu, del que se gradúo en el 2003.

Durante su etapa universitaria inicio con sus primeras animaciones como productor independiente. Sus primeros trabajos fueron pequeños cortometrajes experimentales y clips musicales, entre ellos Noisy Birth (2000) y Kikumana (2001), en los cuales podemos apreciar el inicio del que se convertiría en el estilo particular de Yoshiura, el cual agrupa historias surrealistas con escenarios oscuros y personajes muy peculiares que siempre plantean una crítica social, todo ambientado en un contexto de ciencia ficción.

En 2002 —con la aparición de Studio Rikka, que desde entonces ha producido todos los trabajos de Yoshiura— surge el primer cortometraje que le valdría el reconocimiento dentro de la industria del anime, Mizu no Kotoba. Este pequeño corto maneja un discurso basado en la comunicación y la lingüística, y nos explica cómo se modifica un mensaje al pasar de interlocutor en interlocutor. Además, se convierte en la base de sus trabajos posteriores, pues esta es la primera animación en la que nos plantea una relación entre humanos y androides.

Para el 2005, después de terminar su carrera y mientras aún vivía en Fukuoka, Yasuhiro inicia la producción de su primer trabajo de larga duración, el OVA Pale Cocoon. En él retoma elementos tanto cyberpunk como psicológicos y los mezcla con contexto postapocalíptico para crear una historia oscura que critica fuertemente el deterioro ambiental. Un año después, en 2006, realizó el opening del programa Pop Jam.

Posteriormente, tras haberse mudado a Tokio, inició con la producción de su primera serie animada, en ONA Eve no Jikan (2008-2009), en el que aglomera personajes, escenarios, historias y estilos de sus trabajos previos. En el 2009 participó como diseñador de algunos escenarios para la película Rebuild of Evangelion 2.0 You can (not) Advance. Para el 2010 realizó el opening para la barra Noitamina de la televisora Fuji, dedicada a series Shôjo. Ese mismo año participó en la realización del opening de la serie Yozakura Quartet: Hoshi no Umi.

PRINCIPALES INFLUENCIAS

Si bien es obvio que los trabajos de Yoshiyuki están ampliamente influenciados por los géneros de la Ciencia Ficción, la Psicología y el Cyberpunk, existe un aspecto que ha determinado la base histórica y contextual de todas sus creaciones desde el 2002 con Mizu no Kotoba, y ésta es la base robótica que propone Isaac Asimov en sus libros.

Desde ese primer cortometraje en que nos plantea los conflictos de comunicación entre humanos y las relaciones con androides que van más allá de un mero servicio, es posible apreciar numerosas referencias a la literatura Asimoviana, principalmente las que se centran en las paradojas de las Leyes de la Robótica y los conflictos éticos, sociales y políticos de la convivencia con robots. Esto en clara alusión al Complejo de Frankenstein, la Ley Cero de la Robótica e incluso el Valle inexplicable.

SU ESTILO

Yoshiura posee un estilo fuertemente definido en cuanto a diseño de personajes y escenarios, pues estos son básicamente iguales en todos sus trabajos, incluso podríamos decir que son los mismos. Sin embargo, los argumentos de sus historias son amplios y parten siempre de la base psicológica de las interacciones humanas, que aborda metafóricamente desde la perspectiva robótica de Asimov. Esa mezcla literaria y psicológica dan como resultada unas paranoias exquisitas, incomprensibles y envolventes.

Retomando el aspecto de la animación, sus trabajos se caracterizan por una elegante simpleza en su diseño, los personajes no poseen demasiados detalles y son agradables a la vista, lo que aumenta la importancia que los diálogos adquieren en la historia. No obstante, a pesar de ser tan simples, cada personaje siempre posee características particulares que logran diferenciarlo de trabajos anteriores.

El resultado visual que Yasuhiro logra al mezclar personajes en 2D con escenarios y fondos en 3D es simplemente asombroso, pues crea una apariencia de realismo que contrasta con lo plano de los personajes. Por su parte, la música (que generalmente nunca es el aspecto principal) siempre se adecúa perfectamente para crear una ambientación precisa dependiendo del contexto de la historia.

Hideaki Anno

Hideaki 1

Hideaki Anno (庵野•秀明) nació un 22 de mayo de 1960 en Ube, prefectura de Yamaguchi, Japón. Al igual que muchos directores mostró interés por la televisión y el cine desde pequeño. En su juventud recibió una fuerte influencia por parte de diversos directores y programas, entre ellos Uchû Senkan Yamato de Leiji Matsumoto y Ultraman, entre otros. Anno estudió en la Universidad de Artes de Osaka y desde esa época realizó sus primeros cortos animados de forma casera.

Sus primeras incursiones en la animación pueden rastrearse hasta 1981, año en el que integró un pequeño grupo de animación llamado Daicon Films al lado de sus amigos Takami Akai, Hiroyuki Yamaga y Toshio Oda. El equipo realizaría un pequeño cortometraje que serviría de apertura para la convención Daicon III.

En 1982 después de terminar la universidad trabajó como animador en la serie Super Dimension Fostress Macross de Noboru Ishiguro. Sin embargo, su primera participación importante dentro del mundo del anime fue en 1984 al lado de Hayao Miyazaki en su obra Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika), largometraje en el que Hideaki trabajó como key animator en la escena del ataque del Dios guerrero, considerada como la secuencia más difícil de animar en la película. A finales de ese mismo año él y sus compañeros de Daicon Films fundaron Gainax.

No fue sino hasta 1987 cuando tuvo la oportunidad de trabajar por primera vez de forma profesional con Yoshiyuki Sadamoto, dibujante y mangaka que se integraría a las filas de Gainax y se convertiría en uno de los hombres clave en el éxito de la compañía y su director. En 1988, ya fundado Studios Ghibli, Anno trabajó para su cofundador, Isao Yakahata, en la película La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka). En 1990 Hideaki dirige la que es considerada su primera obra maestra, aunque no la más grande, Fushigi no Umi no Nadia. Serie que debido a su éxito se convertiría en el estandarte inicial de Gainax y sería constantemente referenciada en sus producciones posteriores.

Fushigi no Umi no Nadia

Anno ha dirigido gran cantidad de series y películas, de las cuales Evangelion (1995) es su máxima obra. Sin embargo, debemos reconocer que parte del mérito se lo debe a Sadamoto, pues Eva es el resultado de un trabajo conjunto entre las ideas de Hideaki y la constante ayuda que Yoshiyuki le brindó para delimitar los aspectos importantes. Se rumora que Yoshiyuki fue quien convenció a Anno de usar un personaje masculino como protagonista en vez de uno femenino como originalmente se había planeado.

Para 1998 Gainax realiza su primera serie basada en un manga y la primera del género Shôjo, Karekano, y encomienda a Hideaki la tarea de dirigirla. Sin embargo, Hideaki experimentó con el aspecto visual de la serie y esto ocasionó fuertes conflictos con Masami Tsuda, autora del manga. Las discusiones crecieron tanto que Anno decidió renunciar a su puesto de director y abandonó Gainax, relegando el trabajo de Karekano a Kazuya Tsurumaki, quien posteriormente dirigiría FLCL. Durante ese lapso trabajó de nueva cuenta para Ghibli creando cortos para el museo del estudio.

Hideaki

Alejado de Gainax incursionó, por vez primera como director de películas en imagen real. Su primer trabajo en este campo fue en 1998 con la película Love & Pop, largometraje en el que hace una fuerte crítica social al enjo kosai, actividad en que las adolescentes japonesas se citan con hombres mayores a cambio de dinero y que en muchas ocasiones deriva en prostitución. Su siguiente obra fue Shiki Jitsu (2000), una película totalmente autoreferencial pues su personaje principal es un director de anime.

En 2002 Anno contrajo matrimonio con la dibujante y mangaka Moyoco Anno. Para celebrar los 20 años de su carrera, Moyoco realizó un manga sobre su marido titulado El Director sin supervisión, en el que hace una irreverente parodia sobre su esposo. Para el 2004 Hideaki filmó Cutie Honey, un tributo al viejo manga de 1973.

En el 2006 Anno funda Studios Khara junto con varios compañeros que habían abandonado Gainax, y luego de diversos arreglos —los cuales incluían que ambos estudios compartirían la propiedad intelectual de la franquicia—  se inicia la producción de Rebuild of Evangelion. En ese mismo año colaboró en la realización del anime Sugar Sugar Rune, serie basada en el manga homónimo de su esposa.

Como podemos ver, Hideaki es un director sin inhibiciones y con gusto por innovar y experimentar en sus proyectos, además de otorgar una gran importancia al desarrollo emocional de sus personajes, aspecto que muy pocos directores saben desarrollar con eficiencia.

Rebuild of Evangelion Eva 01
Rebuild of Evangelion

Toki wo Kakeru Shôjo

Toki wo Kakeru Shôjo 1

Título Original: 時をかける少女 (Toki wo Kakeru Shôjo).
Género(s): Slice of Life, Drama, Romance, Ciencia Ficción, Shôjo.
Director: Mamoru Hosoda.
Estudio: MadHouse.
Emisión: Julio 2006.
Duración: 98 minutos.
Extras:

Basado en la novela homónima de Tsutsui Yasutaka, Toki wo Kakeru Shôjo es actualmente uno de los mejores trabajos animados que mezclan drama y ficción. La historia, los personajes, los escenarios y la música son simplemente perfectos, no en vano ha sido galardonada en diferentes festivales de cine y animación en todo el mundo.

La peculiaridad en Tokikake es la forma en que logra fundir, a un nivel casi poético, uno de los elementos más intrincados de la Ciencia Ficción (los viajes en el tiempo) con una historia de amor y drama que se desarrolla a un ritmo pausado e íntimo propio de Slice of Life, algo pocas veces visto en obras cinematográficas pero que nos demuestra que en la Ciencia Ficción también hay lugar para los sentimientos y las cosas mundanas.

Toki wo Kakeru Shôjo 7

El estilo y la calidad artística son asombrosos, los escenarios son muy simples pero finamente detallados y el estilo de animación es totalmente impactante. El soundtrack es muy bueno, tal vez no tan bueno como el de otras series ni tan sobresaliente como la historia en sí pero genera una ambientación muy agradable que siempre va acorde con las escenas.

El diseño de personajes es de los mejores que he visto, pues en tan sólo hora y media nos permite conocer las personalidades y problemáticas de todos ellos, algo muy difícil en tan corto tiempo. Y aunque no ahonda demasiado en su psicología, logra desarrollarlos de una manera muy divertida y emotiva. No podíamos esperar menos teniendo en cuenta que el diseñador de personajes fue Yoshiyuki Sadamoto.

Tokikake nos presenta una historia simple basada en un tema que ha sido sobreexplotado por el celuloide en los últimos años. Afortunadamente no centra su atención en complejas historias de ficción futurista sobre los viajes en el tiempo, por el contrario, se limita a no explicar ésta habilidad y eso le permite desarrollar sus argumentos a un nivel más íntimo.

La historia gira en torno a Makoto Konno, una chica de preparatoria que gusta de jugar béisbol y pasar el tiempo con sus dos mejores amigos, Chiaki y Kôsuke. Por azahares del destino obtiene la habilidad de saltar en el tiempo, con lo cual impedirá que cosas malas le pasen. Sin embargo, ninguna acción puede ser del todo impedida y los problemas que ella evita son trasferidos a otras personas. Con el paso del tiempo Makoto mejora su habilidad y la utiliza para evadir todas las situaciones que le son incomodas y desagradables, a pesar de que esto conlleve serias repercusiones para sus amigos.

A lo largo de la película podremos darnos cuenta de que los viajes en el tiempo no son el argumento principal de la historia, sino un simple elemento más para abordar las relaciones que Makoto tiene con su familia y amigos, las cuales se ven afectadas porque sus viajes desencadenan eventos propios de la teoría del caos.

Toki wo Kakeru Shôjo es sumamente recomendable, pues tiene una historia sólida, personajes bien diseñados y un perfecto manejo de tiempos que nos permite saber en todo momento si los acontecimientos que vemos son del presente o del pasado. Lo tiene todo para llegar a ser uno de los mejores largometrajes de la animación japonés de todos los tiempos y una de las favoritas entre los fans del anime.