Sukitte Ii na yo

Sukitte Ii na yo 1

Título Original: 好きっていいなよ。 (Sukitte ii na yo).
Género(s): Romance, Drama, Comedia, Shôjo.
Director: Toshimasa Kuronayagi.
Estudio: Zexcs.
Emisión: 2013.
Duración: 13 Episodios.
Extras: un OVA.

Basado en el manga homónimo de Kanae Hazuki, Sukitte ii na yo es un anime Shôjo de romance que cumple con los estereotipos típicos empleados para atraer a una audiencia determinada, pero a pesar de que es como muchas otras series, tiene algunos elementos que la hacen una recomendación interesante para cierto sector de jóvenes entre secundaria y preparatoria.

La calidad general es buena, el diseño de escenarios es muy bueno, por momentos roza la artificialidad pero no llega a verse del todo mal. El diseño físico de los personajes es bueno, aunque personalmente no me agradó mucho, sin embargo, su construcción en cuando a personalidad y emociones sí que me gustó, sobre todo por el crecimiento que todos tienen, incluso los personajes secundarios.

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La historia gira en torno a Mei Tachibana, una chica de 16 años sin amigos, aislada del resto de sus compañeros y desinteresada por cualquier tipo de relación. Un día, Mei tiene un incidente con Yamato Kurosawa, el chico más popular de su escuela, quien por alguna razón se siente atraído hacia ella. A partir de ese momento Yamato intenta entablar una relación con Mei pero sin éxito, hasta que poco a poco Mei empieza a confiar en él y se va abriendo al resto de sus compañeros, hace algunos amigos y se permite amar por primera vez.

Toda la trama es un cliché para los adolescentes, lo acepto, pero hay algunos puntos rescatables de la serie. En primera instancia, la construcción psicológica de Mei en los primeros capítulos es genial, pues si bien es una chica apartada y distante de las relaciones sociales es centrada y autosuficiente, no es la típica chica tímida que se aparta del resto por miedo, sino la que se aparta del resto porque los desprecia. Esa Mei de los primeros episodios me encantó por ser hostil y agresiva. No obstante, el crecimiento que tiene en cuanto a su capacidad para relacionarse con los demás a lo largo de la serie es simplemente genial.

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Ese desenvolvimiento lo vemos en todos los personajes, pues cada uno de ellos sufre o sufrió algún evento traumático en su pasado que los obligó a optar por la personalidad que tienen. Con forme avanzan los episodios, logran superar sus problemas y cambiar su personalidad para bien. Si bien eso nos remite a un final feliz, creo que es válido cuando la intención es captar a una audiencia que puede verse reflejada por su dificultad para relacionarse con los demás, sobre todo en temas romántico. La serie funciona y de hecho les deja un buen mensaje de superación a los adolescentes tímidos o asociales.

Si bien la serie es muy ligth, pues cuando mucho vemos un súper leve y muy matizado fan-service, tiene un trasfondo un poco sombrío, o que pudo ser sombrío si el director hubiese querido seguir por alguno de los caminos posibles que se presentaban al principio de la serie. El primero de ellos es que Mei hubiese seguido como la chica apática y hostil para siempre y aun así salir adelante, el segundo pudo haber explotado el apego y la obsesión de cierto personaje y derivarlo a un desenlace gore que hubiese sido excelente, y el último consistía en explotar las relaciones sexuales que se dan entre algunos personajes de una manera más explícita y erótica.

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Si la serie hubiese seguido por alguno de esos caminos, podría haberse convertido en algo tan sensual y retorcido como School Days, pero optó por el camino tierno y amable, lo cual se agradece mucho, porque demuestra que no se necesita explotar el morbo del espectador para dejarle un mensaje (mensaje útil para una audiencia de cierta edad, claro está). Aunque debo admitir que mientras la veía estaba a la espera de ver algo así en cualquier momento, porque de hecho da esa impresión.

Creo que el ser un tanto gris, en cuanto a que no se decanta al cien por ciento por ningún aspecto (ni es del todo rosa, ni romántica, ni dramática, ni sexual), es lo que la salva de convertirse en una serie más del montón de “series para niñas” que se estrenan cada año. Claro está, recalco que es una serie que puede resultar atractiva para adolescentes que sufrieron o sufren bullying o tiene problemas para hacer amigos o decirle a alguien que les gusta. Si no pertenecen a esa demografía obviamente no les va a gustar, pero eso no quiere decir que sea mala o que al menos no tenga cosas rescatables.

Little Witch Academia: The Enchanted Parade

Título Original:リトルウィッチアカデミア 魔法仕掛けのパレード Ritoru Witchi Akademia: Mahō Shikake no Parēdo).
Género(s): Fantasía, Comedia.
Director: Yoh Yoshinari.
Estudio: Trigger.
Emisión: Julio 3, 2015.
Duración: 53 minutos.
Extras: Little Witch Academia.

La primera parte fue un pequeño experimento creado por un grupo de verdaderos profesionales. Una vez tuvo un poco de difusión, su éxito fue arrollador; luego de una emocionante campaña de crowdfunding igual de exitosa y dos años de arduo trabajo, Trigger entrega a su fans los frutos de este esfuerzo conjunto: The Enchanted Parade.

De nuevo seguimos a las jóvenes brujas Akko, Lotte y Sucy mientras continúan aprendiendo hechicería en la Luna Nova Academy. A pesar de haber salvado la escuela, la cosas no pintan bien para el trío, ya que siguen metiéndose en problemas debido a sus excéntricos conjuros. Por accidente crean un horrible monstruo en clase y como castigo ahora deben organizar el desfile del Festival de las Brujas, a  celebrarse en el pueblo a las afueras del instituto.

Sin embargo, los aldeanos conservan una imagen medieval de las brujas y año tras año el desfile se convierte en una cacería donde el verdadero incentivo es humillarlas por sus actos pasados. Akko no está de acuerdo con esta anticuada tradición, así que decide aprovechar la oportunidad para mostrar a la gente normal lo maravillosa que es la magia. Para ello, también deben hacer equipo con otras tres estudiantes problemáticas: Amanda, Constanze y Jasmineka. Esta es la última oportunidad para las seis. El desfile debe ser un éxito, o perderán el año.

Akko se pone de inmediato en el papel de líder y acapara todo el proyecto. Su actitud es un problema para el resto del grupo, pues se niega a aceptar otras opiniones, lo que culmina con la fractura del equipo. Sin sus amigas, continua por su cuenta con el plan. Usando la varita de Shiny Chariot consigue llevar la magia al pueblo y alistar todo para el desfile.

hevymachinga

Pero una banda de chicos locales desean tener otro festival para cazar brujas, por lo que sabotean el plan de Akko y roban la varita brillante. Mientras las brujas intentan recuperar su fuente de poder, un antiguo gigante despertado por el ajetreo ataca a los habitantes. Akko y su equipo, a quienes se unen Diana, Sucy y Lotte, luchan contra el monstruo, consiguen derrotarlo y hacer del desfile un éxito.

The Enchanted Parade es todo lo que podríamos haber esperado de la secuela de Little Witch Academia. El apartado técnico es impecable. Las expresiones de los personajes son exquisitas. La animación es tan rápida, fluida y limpia que nos deja maravillados de principio a fin, incluso invitando a apreciarla cuadro por cuadro para descubrir todos los pequeños detalles.

Las voces, banda sonora y efectos están a la altura. Los personajes reciben un poco más de desarrollo en todos los aspectos, y con ellos también se amplía este pequeño mundo. Quizás, el único punto negativo es que la primera parte nos dejó unos estándares que rozan la perfección, y al comparar ambos trabajos puede que esta segunda OVA no satisfaga las expectativas de los más exigentes.

Dejando a un lado el fanatismo y los análisis a profundidad extrema, el resultado final es asombroso. Little Witch Academia: The Enchanted Parade es la digna secuela a uno de los trabajos de animación más sobresalientes en los últimos tiempos y una excelente obra de animación por méritos propios.

Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer

Título Original: ドラゴンボールZ 復活の「F」 (Doragon Bōru Zetto: Fukkatsu no Efu)
Género(s): Shônen, Peleas, Sobrenatural, Ciencia Ficción, Henshin.
Director: Tadayoshi Yamamuro.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: 18 de Abril de 2015
Duración: 93 minutos.
Extras:

Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer es la secuela directa de La Batalla de los Dioses, elevando el total de películas en la franquicia a diecinueve. Se estrenó el 18 de abril de 2015 en salas de cine japonesas y tras generar furor en los medios de habla hispana durante los meses siguientes, llegó a nuestro país doblada al español el 19 de Junio de este mismo año.

El éxito del largometraje anterior fue mayor al esperado. Se volvió obvio que el mundo ansiaba más Dragon Ball, por lo que el legendario Akira Toriyama anuncia el desarrollo de una nueva película en vez de otra saga completa como muchos esperaban; aunque eso también se arreglaría poco después.

Debido a la crítica negativa que generó el exceso de humor en su anterior producción, Toriyama dio al argumento un tono más serio, agregando un montón de referencias a las primeras sagas de Dragon Ball Z, revelando detalles poco a poco; con el tiempo el título salió a la luz. Mayor fue la sorpresa de muchos, mientras otros nos regocijamos aún más, pues de inmediato se volvió evidente a donde se dirigía esto. El título de la nueva película concluía con una sola letra: F.

El peor deseo de la historia

Mientras la Tierra disfruta de un periodo de paz luego de enfrentar la amenaza del mismísimo Dios de la Destrucción, los remanentes del otrora glorioso ejército galáctico de Freezer luchan por mantener cohesión entre sus filas. La cadena de mando ahora recae en unos pocos soldados fieles, con el maligno Sorbet a la cabeza.

Cansado de perder planeta tras planeta, decide que la única solución posible es utilizar sus últimos recursos para regresar a la vida al amo Freezer, aunque algunos de sus hombres se muestran escépticos. Sin poder hallar sobrevivientes del planeta Namek luego de años de búsqueda, sólo queda viajar a la Tierra para usar las esferas del dragón. En una misión encubierta, lleva consigo a Tagoma, su soldado más fiel y consiguen arrebatar las esferas a la banda de Pilaf.

Shenlong revive al tirano, pero su cuerpo vuelve tal y como Trunks del futuro lo dejo: cortado en decenas de pedazos. Acuerdan utilizar su más reciente tecnología de recuperación para reconstruir a su líder y parten a los confines del espacio, justo antes de que los defensores de la Tierra comiencen a sospechar.

Freezer se recupera con un único deseo en mente: matar a Gokú. Sus subordinados tratan de disuadirlo pues al pasar los años, los saiyajin se han vuelto inimaginablemente poderosos, llegando a derrotar a Majin Boo y Bills, Dios de la Destrucción. El villano se muestra sorprendido, pero asegura que tiene un plan; con unos meses de arduo entrenamiento podrá incrementar sus poderes y derrotarlos de una vez por todas, pues nunca antes ha necesitado esforzarse para ser más fuerte.

Luego de cuatro meses, invade la tierra auxiliado por lo que queda de su ejército. Ahí enfrenta a un reducido grupo de guerreros y demanda la presencia de Gokú. Los Guerreros Z derrotan a los hombres de Freezer, pero son fácilmente vencidos por el emperador del mal. Sin más opciones, convocan a Gokú y Vegeta, quienes se encontraban entrenando con Wiss en el planeta de Bills.

Después de tantos años, los legendarios rivales se enfrentan nuevamente, desatando un combate épico. Los poderes aumentados del villano dejan impresionado a más de uno, pero siguen siendo inferiores a los del saiyajin; aun así ambos se muestran confiados. Acuerdan dejar el calentamiento para mostrar sus verdaderos poderes; Gokú accede a su nueva forma de Dios Super Saiyajin y su rival exhibe su siguiente evolución, Golden Freezer.

En su forma dorada, Freezer es lo suficientemente poderoso como para inclinar la balanza a su favor por unos minutos, dejando sorprendidos a Gokú, Vegeta y al mismo Bills, quien visita la Tierra en esos momentos para saborear un delicioso postre junto a Wiss. El tirano se confía luego de dejar a su rival contra las cuerdas, pero su falta de experiencia usando sus nuevos poderes comienza a desatar efectos secundarios.

La fuerza de Freezer disminuye con el tiempo, detalle que el saiyajin aprovecha para voltear el flujo del combate. Frustrado al ver que su ansiada venganza se le escapa de las manos, declina la oferta de Gokú de volver a su plantea y pone en marcha su plan de emergencia. Mientras el guerrero se muestra condescendiente, se confía y Sorbet aprovecha para herirlo gravemente con un arma.

Con esta trampa estuvo a punto de ganar, de no ser por la intervención de Vegeta, quien también puede realizar la trasformación Dios Super Saiyajin. Vegeta vence a su antiguo jefe, cobrando venganza por la destrucción de su planeta natal. Pero antes de dar el golpe final, Freezer apuesta el todo o nada y destruye la Tierra en un instante, matando al príncipe junto al resto de los habitantes.

Sólo sobreviven los Guerreros Z que presenciaban el combate, junto a Gokú y Bulma, gracias a los poderes de Wiss. Bills sugiere darles otra oportunidad; usando una técnica especial de su maestro vuelven el tiempo tres minutos, circunstancia que Gokú aprovecha para acabar con su enemigo, enviándolo de vuelta al infierno.

Valoración

Desde el punto de vista técnico, este es el mejor trabajo en la franquicia hasta la fecha. Los gráficos y el aspecto sonoro son de primer nivel. Los personajes se ven limpios y dinámicos, incluso puede resultar muy difícil distinguir cuando a mitad de la batalla los peleadores son reemplazados por modelos en tres dimensiones para un par de escenas.

Mientras que para la mayoría el punto fuerte de la película es la nueva trasformación de los héroes, para mi es el regreso de mi personaje favorito de todo Dragon Ball. Toriyama se encargó de regresar a uno de los villanos más reconocidos del anime en toda su gloria; pero el detalle más importante es que además, en México casi todos los personajes conservan sus voces dobladas originales.

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Cada vez que se anuncia un nuevo proyecto de las series, los fans mexicanos demandan la participación de estos actores de doblaje consagrados. Gracias al apoyo de los seguidores, han conseguido ganar el reconocimiento que merecen. En el papel de Freezer está Gerardo Reyero, luego de más de 15 años de no interpretar al personaje, su trabajo sigue siendo magnífico y en lo personal considero que fue la mejor interpretación del filme.

El argumento es el punto negativo más grande. Al ser una producción dirigida al cine, muchos detalles se omiten y se da prioridad a otros acontecimientos. Quizás nos hubiera gustado abundar más en otros aspectos que los mostrados en esos 93 minutos. A diferencia de La Batalla de los Dioses, la historia es extremadamente predecible y es casi idéntica a las películas de los noventas. Freezer regresa, un puñado personajes secundarios le hacen frente sin éxito, hasta que llega Gokú y salva el día.

Dejando a un lado esa fórmula repetida hasta el cansancio, que sigue gustando a los fans, la película es fantástica. Las escenas de acción, las dosis de humor, las interacciones entre Gokú y Vegeta, así como el hecho de revivir a Freezer son sólo algunos de los abundantes momentos memorables. Las batallas vuelven a ser las verdaderas protagonistas justo como los detractores de la película anterior lo deseaban, dando como resultado la mejor película de Dragon Ball Z hasta el momento.

Mushishi

Mushishi 1

Título Original: 蟲師 (Mushi-shi).
Género(s): Drama, Fantasía, Sobrenatural.
Director: Hiroshi Nagahama.
Estudio: Artland.
Emisión: 2005.
Duración: 26 Episodios.
Extras: Mushishi: La sombra que devora el sol, Mushishi: Next Passage.

Un poema hecho animación, es la frase que mejor describe a esta grandiosa serie basada en el manga homónimo de Yuki Urushibara. Mushishi es simplemente una de esas joyas animadas que uno está obligado a ver, pues la belleza que desprenden cada uno de sus elementos te hace viajar en el tiempo hacia un Japón Feudal lleno de misticismo, seres sobrenaturales que rozan la mágico y tradiciones que reflejan ese exótico folclor oriental que tanto nos atrae a los occidentales.

La calidad del anime es fabulosa en todos sentidos. La música llena de misterio el ambiente, pero también hace que las escenas sean dramáticas, emotivas o apacibles cuando la historia así lo requiere. El diseño de personajes en simple pero funcional, además de que otorga una personalidad única a cada uno de los múltiples personajes que aparecen a lo largo de los capítulos. La calidad de animación es muy buena, pero son los escenarios los que sobresalen por entre todas las cosas, las accidentadas montañas, los verdes bosques, el infinito mar, las rocosas islas, las playas, las zonas nevadas y las numerosas aldeas rurales que nos remiten al Japón Feudal dan a la serie una variedad geográfica que si bien luce un tanto similar debido a la cromática verde que se maneja en prácticamente todos los episodios, nos permite apreciar la diversidad cultural de ese Japón antiguo y místico, donde los mitos y las leyendas eran el medio por el cual se transmitía la historia y el conocimiento.

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La historia gira en torno a Ginko, un Mushishi viajero que se dedica a estudiar y resolver problemas ocasionados por mushis. Los mushis son unos seres etéreos que no pertenecen ni a las plantas ni a los animales, ellos deambulan en otras dimensiones pues están más cercanos a la esencia de la vida, por esa razón muy poca gente puede verlos. Sin embargo, en ocasiones estos mushis interactuar con las persona y les causan distintos problemas que sólo pueden ser resueltos por los Mushishi.

A lo largo de los capítulos veremos a Ginko tratar de resolver los problemas causados por los mushis, pero con diferentes resultados, pues no en todos los casos podrá dar un remedio eficaz para el problema. Asimismo, en cada episodio veremos nuevos personajes, nuevas locaciones y situaciones distintas que pueden ir desde lo trágico y dramático, hasta lo feliz y alegre, pasando por situaciones crudas e incluso violentas. Y si bien Ginko es el personaje principal, su función es la de servir como hilo de unión para las distintas historias, pues cada episodio es autoconclusivo y los personajes incidentales que aparezcan en él serán quienes den juego a las diversas situaciones. El ritmo puede ser pausado y tranquilo pero integra información en todo momento, por lo que hay que prestar atención para poder entender a detalle todo lo que pasa.

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Esa forma en que ocurren y se resuelven las cosas es algo a destacar en esta serie, pues si bien al final de cada episodio casi siempre se logra el cometido del personaje incidental del momento, el resultado no precisamente conllevará a un desenlace feliz para este.  Además, cada uno de esos personajes encierra una lección de vida, pues todos, de una u otra forma, tienen problemas, como pueden ser la depresión, la falta de dinero, el peso de una herencia familiar o las malas decisiones de su pasado. Esa crudeza propia de la vida real y la esencia sobrenatural hacen que la serie sea algo sombría por momentos, misterioso e incluso atemorizante, pero por muy lúgubre o nostálgica que se torne siempre tendrá algunos destellos de felicidad.

Los problemas causados por los mushis no siempre son la razón real del sufrimiento de las personas, la mayoría de las veces tiene que ver con la forma en que son tratadas por el resto de la sociedad. El miedo a lo desconocido es lo que hace que las personas crean que los fenómenos causados por los mushis son maldiciones y que las personas afectadas por ellos están malditas. Esa misma ignorancia hace que se alejen de aquellas personas que ven cosas que ellos no.

Mushishi 26

En la cara opuesta de la moneda tenemos a los Mushishi, los expertos en mushis. Ellos usan el conocimiento para contrarrestar los efectos negativos que dejan estos seres, para ello hacen uso de la inferencia y la deducción, pero también de los conocimientos obtenidos por el estudio constante y las experiencias de sus colegas, con ellos logran dar una correcta explicación a los fenómenos que en apariencia no son de este mundo. Esa mezcla entre la ignorancia del pueblo y la sabiduría del Mushishi hacen sumamente rica y valiosa a esta serie.

El conocimiento que los Mushishi acumulan va quedando recopilado no sólo en la tradición oral, sino en bibliotecas secretas sacadas de la más compleja obra de fantasía épica, los remedios que fabrican para tratar a sus pacientes tienen una esencia muy artesanal y las experiencias pasadas de generación en generación dan una especie de trasfondo histórico-fantástico que por momentos te hace dudar sobre si esas tradiciones que ves en pantalla en realidad pertenecen a la cultura japonesa o son una invención propia de esta obra. Un perfecto ejemplo de cómo mezclar la fantasía con el folclor.

Mushishi 25

Si bien cada capítulo gira en torno a los personajes del momento, el desarrollo general nos permite ir conociendo en segundo plano la historia personal de Ginko, la forma en cómo se convirtió en Mushishi y las diversas aventuras que ha tenido que enfrentar en sus constantes viajes. Esa figura del Mushishi errante nos recuerda al mago viajero que va de aldea en aldea, pero un poco más cercano a los médicos, botánicos y viajeros del siglo XIX que emprendían extensas expediciones hacia nuevos mundos, describiendo y dibujando los lugares, plantas y animales que encontraban. Ginko es sin duda un personaje muy bien logrado tanto por lo humano que puede llegar a ser, como por lo complejo y misterioso de su pasado. Algo que me llamó mucho la atención de Ginko es que su ropa es la única que está fuera del contexto temporal en que transcurre la obra, ya que mientras el resto de personajes visten ropa propia de la era feudal, Ginko lleva camisa y pantalones más propios de nuestro tiempo.

Los mushis son otro elemento fundamental y la riqueza en cuanto a la variedad de especies, poderes y habilidades que estos seres tienen es muy rica. Tenemos mushis que causan ceguera, otros que mejoran la vista, algunos devora el sonido, otros regresan a los muertos a la vida, algunos más hacer volar a las personas o vuelven sus sueños realidad, e incluso hay mushis que viajan por cavernas de otra dimensión permitiendo llevar mensajes de un lugar a otro. Los mushis pueden ser alternativamente buenos o malos, pero sin importar el mal o el bien que causen a las personas son seres vivos que se deben respetar.

Mushishi 3

Studio Colorido

Aoshigure

Desde la debacle de Ghibli, muchos fans han empezado a dar el título de “sucesor de Ghibli” a diferentes estudios de animación. Sin embargo, no creo que pueda existir nada que iguale lo que Ghibli logró en todos sus años en el medio. No obstante, recientemente conocí un estudio que quizás sí pueda acercarse a ese estilo y calidad, pero no para portar el título de sucesor (Ghibli no necesita uno) sino para tomar el estandarte como uno de los mejores estudios de animación. Me refiero a Studio Colorido, de quien ya había reseñado uno de sus cortometrajes, Control Bear.

Studio Colorido nació en 2011 y actualmente cuenta con cuatro producciones principales: Shashinkan (2013), un pequeño cortometraje de 17 minutos dirigido por Takashi Nakamura, quien ha participado en Akira, Palme no Ki y Nausicaä, entre otras;  Aoshigure (2013), dirigido por Ishida Hiroyasu, el director del famoso cortometraje La Confesión de Fumiko (Fumiko no Kakuhaku); Control Bear (2013), del que ya hablamos, y Taifu no Noruda (2015), su primer largometraje.

Shashinkan

Colorido es lo que resultaría si Ghibli, Makoto Shinkai y Mamoru Hosoda  tuvieran un hijo. Tiene un diseño de personajes que nos remite al estudio creador de Totoro, unos escenarios que me recuerdan a los de Shinkai y ciertas reminiscencias presentes en Tokikake y Summer Wars de Hosoda. Pero al mismo tiempo tiene algo único e innovador que le hace destacarse del resto y le permitirán competir al tú por tú con lo que sea  que vaya a producir Deho Gallery, estudio formado por ex integrantes de Ghibli y Kahara (que surgió a partir de Gainax), como el famoso Hideaki Anno.

La industria de la animación y los estudios están destinados a pasar por diferentes etapas en las cuales crecerán, tendrán éxito y eventualmente desaparecerán, pero sus obras siempre estarán allí. Tomemos como ejemplo a Hideaki Anno, cuya principal obra, Neon Genesis Evangelion, tiene un fuerza tal que ya no importa si es Gainax o Kahara quien la produce, incluso si no es Hideaki quien la dirige, pues la obra ahora pertenece a los fans y mientras tenga seguidores estará tan viva como siempre.

Taifu no Noruda

La desaparición de un estudio o la muerte de un director indudablemente dejarán un hueco irreparable en la industria de la animación, pero siempre habrá nuevos estudios y directores que podrán ocupar su lugar con decoro, e incluso, por qué no, superar a sus antecesores, y creo de Studio Colorido tiene todo para lograrlo, a pesar de que recién inicia su camino por el mundo de la animación.

Les dejo los trailers de Shashinkan, Aoshigure y Taifu para que chequen el estilo y la calidad que tiene el estudio y puedan compararlos con las obras de Shinkai y Hosoda.

Control Bear

Control Bear 3

Título Original: Control Bear.
Género(s): Fantasía.
Director: Yohiro Arai.
Estudio: Colorido.
Emisión: 2013.
Duración: 4 minutos.
Extras:

En ocasiones hay obras animadas tan hermosas —por lo general cortometrajes— que cualquier intento por describirlas o comentarlas sería infructuoso. Ese es el caso de este corto, cuyo diseño (que remite mucho a Ghibli), historia, tiernos personajes, elementos futuristas y fantásticos y una música más que hermosa, le hace una verdadera joya animada que debe verse para poder apreciar lo bella que resulta.

El argumento principal juega un poco con la fantasía, pero de esa fantasía que bien podríamos definir como realismo mágico. Los elementos tiernos la hace muy confortable y el giro argumental de temática futurista la hace interesante y sorprendente. Pero la música, la música es indudablemente una deliciosa pieza que adereza a la perfección el pequeño corto.

Si bien Control Bear es el nombre del corto (aunque quizás sea Wonder Garden), también lo es de un proyecto artístico (controlbear.com) que juega con el humor, el diseño y lo tierno. Pero además del arte, el proyecto ha fabricado una serie de productos que tiene a la venta (playeras, juguetes, bolsas) y que ostentan como insignia al pequeño oso de peluche que protagoniza la historia. Una genial ejemplo de que se puede hacer publicidad y arte de una manera sencilla, delicada y hermosa.

Top 3 Openings

Si bien hay mucha música que me gusta de los animes que veo y como buen friki tengo una lista de reproducción dedicada a ellos en mi ipod, hay tres openings que sencillamente me encantan, y lo curioso es que dos de ellos coinciden con mis tres animes favoritos. Lo que me gusta de estos openings es la conjunción de la música, las imágenes y la voz del cantante, no tanto la letra (dos de ellas están en inglés).

NÚMERO 3: DUVET

El tercer lugar lo ocupa Duvet, el opening de Serial Experiments Lain interpretado por el grupo BoA. Este opening es muy simbólico y tiene muchas alegorías a la computación y los mundos virtuales, como buen Wirepunk. Además, tiene la ventaja de no contener spoilers, pues no muestra escenas que veremos dentro del anime.

NÚMERO 2: UNINSTALL

En segundo lugar, el opening de mi tercer serie favorita, Bokurano. Uninstall es interpretada por Chiaki Ishikawa y contiene una canción emotiva y algo nostálgica, muestra algunas escenas de la serie pero funciona perfectamente como medio para introducirnos a los personajes y generarnos empatía con ellos, lo que hace del desarrollo de la historia algo aún más trágico.

NÚMERO 1: KIRI

El opening de Ergo Proxy, interpretado por el grupo Monoral, es sin lugar a dudas mi favorito. Su estética lúgubre y sombría, la música, el halo de misterio y la brutal cantidad de referencias que contiene son suficientes para hacerlo mi predilecto. Pero Incluso si no tomamos en cuenta la parte visual, la canción sigue siendo mi favorita, y no sólo considerando música de anime, sino toda la que escucho en general.

Top 3 Anime

Cuando has visto cierta cantidad de anime es difícil nombrar a tus favoritos, a lo mucho puedes nombrar el que más te gusta de entre toda la lista de series que has visto. No obstante, yo tengo tres que se han mantenido inertes en el podio de preferidas desde el momento en que las vi. Y eso no significa que el resto de obras animadas me gusten menos, simplemente que me gustan por elementos muy específicos o por pertenecer a un conjunto de obras en particular. Por ejemplo, me encantan las obras de Ghibli, las animaciones de Makoto Shinkai, las obras de Ciencia Ficción de Studio 4°C y el Cyberpunk de Otomo. Pero me gustan justamente porque al ser parte de un estudio o director tienen un estilo definido, que en parte es lo que me atrae de ellas. Pero las tres series de las que les voy a hablar a continuación me gustan por ellas mismas, por su historia, su estructura y, sobre todo, por esos elementos profundos y complejos que sólo observaremos si prestamos especial atención al trasfondo argumental.

NÚMERO 3: BOKURANO

Sin duda la serie más fuerte, dramática y crítica que puede existir dentro del género Mecha (ese de los robots gigantes). En Bokurano unos niños deben pelear contra otros robots, si ganan se mantienen vivos, si pierden, se mueren, así de simple. Esa pequeña regla impulsa a la serie hacia una subsecuente tanda de análisis sobre la solidaridad y lo éticamente correcto, entre muchos otros de los que hablaré cuando la reseñe como es debido.

Bokurano no sólo es una serie de Ciencia Ficción, es una serie que cuestiona de una forma tan brutal —que incluso puede ser incómodo— la humanidad de las personas, el valor de una vida y la capacidad de sacrificarla por mantener con vida a otras personas que quizás nunca sabrán lo que hiciste. Además de eso, los personajes tienen un desarrollo tan bien pensado que resulta triste ver cómo se sacrifican, sobre todo porque muchos de ellos tenían vidas por demás difíciles. Una belleza que demuestra que el género de los robots gigantes también puede ser dramático, pero que lamentablemente nunca ha recibido la atención que se merece.

Bokurano 4

NÚMERO 2: ERGO PROXY

La entrada en la que hablo a profundidad sobre Ergo Proxy es una de las más populares del blog, desde hace varios años aparece sin falta en el top semanal de las entradas más visitadas, y no es para extrañarse, pues la complejidad argumental que presenta es suficiente para rompernos la cabeza por un rato tratando de descifrar qué está pasando.

Ergo Proxy es una serie Cyberpunk, pero con una estética y temática que se salen de la zona de confort a la que el Cyberpunk clásico y visceral (como el de Otomo) nos tiene acostumbrados. Y si bien sí presenta esa deshumanización causada por la tecnología, aprovecha la presencia de androides para llevar su historia a terrenos más complicados y abordar la cuestión filosófica de la identidad. Una intrincada genialidad que nos demuestra que el Cyberpunk pude ser pulcro y estilizado (y entonces convertirse en Nanopunk) y más complejo de lo que ya era.

Ergo Proxy 22

NÚMERO 1: NEON GENESIS EVANGELION

La indiscutible e insuperable número uno de mi lista. Evangelion fue la primera serie que vi teniendo conciencia de que ese tipo de animación era japonesa y se llamaba anime. La primera vez que la vi, que fue toda la serie de corrido y en un día, quedé tan impresionado que entré en una especie de letargo por varios días mientras mi cerebro procesaba lo que acababa de ver. Me gustó tanto esta serie que irremediablemente terminé sumergido en este mundo del anime y el frikismo.

NGE ha significado tanto para mí que lamentablemente siempre me ha costado trabajo expresar lo grandiosa que me parece, siempre tengo la sensación de que me quedo corto. Pero es difícil no decir algo que ya todos sepan sobre la historia, la construcción psicológica de los personajes, las innumerables referencias y los complejos que aún hoy (a 20 años de su estreno) siguen resultando sus argumentos. Esa mezcla de Ciencia Ficción, misticismo teológico, contexto apocalíptico y personajes impresionantes no han sido superada por ninguna otra obra de animación japonesa. De hecho, la única obra que me ha hecho sentir esa emoción de la primera vez que vi Evangelion fue Rebuild 3.0. Sencillamente lo más grande que ha existido y existirá (para mi).

end-evas

Gyo

Gyo 1

Título Original: ギョ うごめく不気味 (Gyo Ugomeku Bukimi).
Género(s): Terror, Survival-Horror, Biopunk, Drama, Ficción Especulativa, Seinen.
Director: Yakayuki Hirao.
Estudio: Ufotable.
Emisión: 2012.
Duración: 71 minutos.
Extras:

Basada en el manga homónimo de Junji Ito, Gyo es la serie más sui generis que he visto en los últimos años. Su historia juguetea con muchos géneros pero no alcanza a concretar ninguno en su totalidad, muestra un poco de drama y romance, ciencia ficción apocalíptica, terror, ecchi, una dinámica que nos recuerda el correr y esconderse del Survival-Horror e incluso momentos que rayan en lo Kaiju. Pero sobre todo, logra generarte un impacto tal que te dejan con cara de desconcierto luego de los primeros veinte minutos.

La calidad general es buena aunque no sobresaliente, el diseño de personajes y escenarios es similar a la mayoría de las series emitidas en la última década, aunque eso sí, muy bien detallados. La música hace su trabajo pero tampoco es en extremo sobresaliente. Lo más destacable es el evento apocalíptico que da lugar a toda la obra y que a lo largo de filme se irá explicando pero de una forma que en lugar de aclararnos lo que está pasando nos dejará más desconcertados.

Gyo 10

La historia gira en torno a Kaori, una chica que se encuentra de viaje con dos de sus amigas en Okinawa. La salida parece ir bien hasta que un extraño incidente con un pez con piernas empieza a poner todo muy raro. De manera inesperada las criaturas marinas empiezan a salir del mar montadas en extraños aparatos a manera de piernas que se mueven gracias al gas producido por los cuerpos en descomposición de los animales. Rápidamente todas las ciudades costeras de Japón se vuelven un caos. En la incertidumbre, Kaori pierde contacto con su novio Tadashi, quien se encuentra en Tokio. Kaori decide regresar para encontrase con su amado.

Durante su travesía, Kaori conoce a Tsuyoshi, un reportero freelance que se une a ella en su afán por descubrir el origen de esas criaturas. No obstante, su viaje no será nada fácil, pues aquellos peces andantes empiezan a atacar a las personas, las cuales se convierten en gigantescos globos de gas que más tarde serán usados por aquellas maquinas como combustible. Mientras las maquinas absorben peces y humanos, los pocos sobreviviente luchan por su vida y el mundo empieza a sumirse en un fétido olor a muerte.

Gyo 6

Toda la esencia apocalíptica del filme está trabajada a la perfección. En primera porque empieza a mostrarnos el origen del incidente como cualquier película de terror —poco a poco— para después desatar el apocalipsis total y convertir todo en un Survival-Horror. Por si eso fuera poco, aquellas extrañas criaturas no sólo empiezan a absorber humanos, sino que se unen en grotescos y gigantescos monstruos que destrozan la ciudad, muy parecido a como lo haría un Kaiju.

Otro elemento que me encantó fue la explicación sobre el origen de las criaturas, por una parte se dice que son un experimento militar fallido (es un cliché lo sé), pero más que las máquinas que permitían caminar a los peces, el verdadero enemigo era el gas, pues había evolucionado en una especie de ser consiente que pretendía envolver al mundo entero. Lo único que me pareció débil fue el hecho de que es el amor lo que lleva a Kaori a enfrentar el horror con tal de reencontrarse con su amado, muy parecido a lo que pasa en Cloverfield, donde si no fuera por esa necedad romántica, los protagonistas no se verían envueltos en tales eventos. No obstante, aquí no era necesario, pues al final el gas y las máquinas lo invadían todo y dejaban a la tierra sumida en el apocalipsis.

Gyo 3

La forma en que la película retoma elementos tan diversos y los conjunta en una sola obra la hacen una verdadera joya, pero la forma que tiene para mantenernos en suspenso, asustarnos y dejarnos completamente confundidos es la razón por la que vale la pena verla. Además, el final de la serie deja todo en un apocalipsis del que no sabremos sin habrá esperanza o inevitablemente la humanidad llegará a su final.

Sin duda una gran recomendación para quien guste del terror, de la típica dinámica donde los personajes deben enfrentar un holocausto o tratar de sobrevivir, de la ciencia ficción con criaturas extrañas y del desconcierto que produce no saber qué esta generando aquella situación, pero sobre todo, un película indispensable para quien quiera quedar completamente confundido en cada escena y con cara de WTF? Y tampoco debemos olvidar la violencia innata del Seinen y los sendos toques de fan-service qué dicha demografía otorga, en otra palabras, un poco de sexo y escenas que rayan lo gore.

Karas

Karas 1Título Original: 鴉 (Karasu).
Género(s): Henshin, Sobrenatural, Meintantei, Drama, Seinen.
Director: Kehichii Sato.
Estudio: Tatsunoko Productions.
Emisión: 2005-2007
Duración: 6 OVA.
Extras:

Emitida originalmente como un programa de pago por ver, Karas es una de las obras animadas más espectaculares que podemos encontrar. Su animación es impecable y los diseños en 2D y 3D se combinan a la perfección, la calidad de detalle en los escenarios y la parafernalia es exquisita y la fluidez de las escenas de acción, junto con los toques de slow-motion, logra un resultado impresionante y nos ofrece las mejores escenas de acción a alta velocidad que yo personalmente he visto.

Su soundtrack es de los más épicos y magistrales que he tenido la oportunidad de escuchar, la ambientación que genera es fabulosa y aunado al detalle visual nos regalan un fabuloso deleite para los sentidos. Y con respecto al detalle visual, a diferencia de lo que pasa en otras obras sobrecargadas de elementos, como Tekkonkinkreet o Steamboy, Karas no genera contaminación visual y se mantiene en la línea de lo sobrecargado y lo ultra detallado, regalándonos una construcción urbana que juega con lo cosmopolita y lo underground al mismo tiempo.

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El diseño de personajes es bueno, no es de lo más impresionante que hay pero funciona bien, algunos personajes cae en cliché pero logran cierta profundidad y finalmente tienen sus buenas razones para actuar como lo hacen, además de que todos tiene una historia de trasfondo que los hace más complejos.

La historia toma lugar en un ficticio Shinjuku y gira en torno a Otoha, un ex yakuza al borde de la muerte que hace un contrato con Yurine, el espíritu de la ciudad, para convertirse en Karas, el guardián protector que vela por humanos y youkais (espíritus). Además de proteger a la ciudad, Yurine y Otoha atienden un santuario donde cuidan y curan a los espíritus enfermos que han empezado a desaparecer debido a que los humanos se han olvidado de su presencia.

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Como los espíritus están desapareciendo, Ekou, un antiguo Karas que se reveló contra su Yurine, trata de eliminar a los humanos para que la ciudad sea sólo de los espíritus, para ello empieza a reclutar a youkais y los convierte en híbridos mecánicos que necesitan devorar humanos para seguir con vida. Para evitar que Ekou logre sus propósitos, Karas y Yurine deberán enfrentarlo, pues si todos los humanos mueren los espíritus también desaparecerán.

A la par de la historia principal tenemos otras dos historias individuales que se entrelazan a manera de novela río. Una de ellas es el conflicto personal entre Nue, su hermano menor y Ekou. Nue es un híbrido mecánico que se revela contra los planes de Ekou pues no está de acuerdo en exterminar a todos los humanos, aún si es su culpa el que los espíritus este desapareciendo, él al igual que Yurine, Karas y el resto de youkais no mecánicos abogan por la igualdad entre espíritus y humanos. Para evitar que Ekou logre su cometido, Nue inicia una lucha individual en la que intentará impedir que su hermano sea usado para esos malvados propósitos.

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La otra rama de la historia la tenemos en el mundo humano. En el departamento de observación, una rama de la policía dedicada a investigar crímenes perpetrados por los espíritus, los detectives Minoru Sagisaka y Narume Kure investigan extraños asesinatos que al parecer están relacionados con los espíritus mecánicos credos por Ekou. Dicho departamento nació cuando Yoshiko, la hija de Minoru fue testigo de los crímenes perpetrados por youkais, pero nadie, salvo su padre, le creyó.

Las historias están íntimamente relacionadas pero al mismo tiempo tienen su propio desarrollo, lo que debemos destacar es esa esencia del folclore japonés donde los espíritus conviven con los humanos aunque no podamos verlos, y que además necesitan que nosotros creamos en ellos para no desaparecer. Esa simbiosis entre vivir y creer resulta muy diferente a la concepción que tenemos en occidente sobre los espíritus, además de que el hecho de que ellos estén entre nosotros me recuerda otras obras como El viaje de Chihiro.

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