Tokyo Godfathers

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Título Original: 東京ゴッドファーザーズ (Tōkyō Goddofāzāzu).
Género(s): Drama, Comedia.
Director: Satoshi Kon.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 2003.
Duración: 92 minutos.
Extras: –

No hay mejor recomendación para ver en esta época navideña que la tercera película dirigida por Satoshi Kon, Tokyo Godfathers es sin duda una oda a ese espíritu navideño que lamentablemente se ha estado perdiendo en la sociedad. Y no me refiero al mensaje espiritual que el cristianismo se ha empeñado en mantener en la mente de sus feligreses, sino a valores morales y ético que deberían estar de manera natural en la mente de todas las personas, pero que lamentablemente no lo están.

El filme tiene una calidad formidable, con escenario llenos de elementos bien detallados como generalmente ocurre en las obras de Satoshi. La construcción urbana es muy buena y el diseño de personajes es igualmente fabuloso, propia de su director, quien nos ha acostumbrado a personajes entrañables y muy profundos con un pasado lleno de problemas y una complejidad mental que muy poco directores logran. La música es igualmente buena y logra una interesante atmósfera urbano-navideña algo nostálgica.

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La historia gira en torno a tres vagabundos, Miyuki, una adolescente que huyó de su casa luego de apuñalar a su padre, Gin, un hombre maduro que perdió a su familia por el alcohol y las apuestas, y Hana, un travesti homosexual que se tiró a la perdición luego de que el amor de su vida muriera. Los tres inigualables personajes han conformado una interesante familia compuesta y se apoyan para lograr sobrevivir en las frías calles de Tokio, donde además de sufrir las carencias propias de su condición, tienen que enfrentar la indiferencia, el odio e incluso la violencia del resto de ciudadanos.

Su vida toma un giro radical cuando en la víspera de la noche buena encuentran a un bebé abandonado en la basura. Rápidamente Miyuki y Gin deciden que lo mejor es dejarlo con la policía, pero Hana se niega diciendo que es un milagro navideño, pues ella siempre quiso ser madre, además de que no permitirá que el bebé tenga la misma infancia que ella, pasando de un orfanato a otro. Hana nombra al bebé Kiyoko, sin embargo, termina por entender que lo mejor es regresar a la bebita con sus padres.

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A partir de ese momento la historia es un giro argumental tras otro en la búsqueda por encontrar a la familia de la niña. En su travesía los tres vagabundos enfrentarán largas caminatas bajo la nieve, rescatarán al jefe de la mafia, sufrirán secuestros y presenciarán asesinatos, sin olvidar los numerosos accidentes que sufrirán, de los cuales se salvarán por pura suerte, o quizás por la gracia divina de los milagros navideños. Además de su singular aventura, conoceremos el pasado de cada uno de los personajes y los crudos eventos que los llevaron a terminar en las calles.

La obra es una comedia sin lugar a dudas, pero el trasfondo en un brutal drama tan crudo como la vida misma. Satoshi Kon logró que la obra se desarrollara de una forma amena e incluso graciosa, pero al mismo tiempo, la maestría de este grandioso director hace que veamos un Tokio que rara vez es retratado en el cine o la televisión, el duro mundo de la gente sin hogar, que a pesar de tener que hurgar entre la basura por algo de comida, no dejan de ser gente con buen corazón, cosa que no ocurre con muchos de los personajes que están en mejores condiciones que ellos.

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Las obras de Satoshi siempre han retratado la parte oscura de la sociedad japonesa, la locura, la violencia contra la mujer, la ilegalidad que abarrota las calles entre muchos otros problemas de los que pocas veces se habla, y que no son endémicos de Japón, aunque se presentan de forma muy singular en ese país. Aquí vemos lo mismo, la locura de una mujer, la violencia familiar, los ajustes de cuentas entre pandillas, el odio irracional de las nuevas generaciones y, el mayor problema de todos, la indiferencia de las personas ante los problemas de sus semejantes.

A pesar de que Tokyo Godfathers es la película más ligera, cómica, emotiva y feliz de Satoshi, no deja de presentarnos esa interesante área oscura de la sociedad, donde los jóvenes golpean vagabundos viejos por diversión y las señoras del vecindario se limitan a juzgar a prójimo sin la menor pisca de empatía. No obstante, los reveces que sufren nuestros personajes, por muy duros que sean, los van llevando por un camino que al final converge en un desenlace feliz. Y es que, a pesar de todo lo malo en el mundo, siempre podremos encontrar razones para sonreír.

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Un aspecto a destacar que he podido ver en obras de anime sólo en muy contadas ocasiones en la presencia de personajes latinos. En una escena vemos a Miyuki llegar hasta un peligroso barrio donde vive una familia de latinos. Lo mejor de esta escena no es el perfecto retrato de la cultura latinoamericana, que afortunadamente nunca cae en el cliché, sino el hecho de que los personajes hablan español, tal cual.

Otro elemento formidable que conviene destacar, sobre todo en nuestro país y en estos momentos, es el personaje de Hana, pues no es para nada común tener un protagonista homosexual, travesti y que además fue Drag Queen en sus buenos tiempos. En estos días donde la familia tradicional, como lo marca la Iglesia católica, es ya una minoría en la realidad de la diversidad humana, Tokyo Godfathers se convierte en un estandarte perfecto para demostrar que una familia compuesta, como la de este peculiar trio, puede ser igualmente buena para lo que se supone debe servir una familia: cuidar de los suyos. Y lo mejor es que Hana, el vagabundo maricón, resulta ser el personaje con los mejores sentimientos y las intenciones más nobles, sin olvidar que es el más culto, letrado y religioso de todos.

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Gremlins

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Título Original: Gremlins.
Género(s): Terror, Comedia.
Director: Joe Dante.
Emisión: 1984.
Duración: 106 minutos.
Extras: –

Dudé un poco sobre si poner esta reseña para Día de Muertos o para Navidad, pero al final consideré que era una mejor opción para estas fechas llenas de terror y monstruos, aunque en esencia Gremlins es una película navideña de terror. Así es, no todo tiene que ser Tim Allen salvando la navidad, también podemos disfrutar de una Noche Buena huyendo de viciosa criaturas que sólo quieren causar caos, muerte y destrucción.

Gremlins no es la gran película de terror, seamos sinceros, pero es un clásico innegable y un referente indiscutible de la cultura pop, sin olvidar que es un filme obligado para todos aquellos amantes del género. Además, fue uno de los primero filmes que conjuntaron el terror y la comedia en una obra irreverente y muy entretenida.

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La historia gira en torno a Billy Peltzer, un joven que trabaja como cajero en un banco y es hijo de un inventor cuyas invenciones siempre resultan ser un fracaso. Durante uno de sus viajes, Randall, el padre de Billy, llega hasta una extraña tienda en Chinatown, allí encuentra una pequeña y tierna criatura llamada Mogwai. Randall insiste al tendero para que se le venda, pero este se niega argumentando que criar a esa simpática criatura requiere de mucha responsabilidad. Al final, el nieto del tendero vende al Mogwai sin que su abuelo se entere. Randall regresa a casa con el regalo perfecto para su hijo y tres sencillas reglas que debe seguir: no exponer a la criatura a la luz, nunca mojarlo y por ningún motivo darle de comer pasada la media noche.

Al regresar a casa Randall da el regalo a su hijo, quien se encariña de inmediato con el Mogwai, a quien ahora llaman Gizmo. El pequeño Gizmo vive feliz con su nueva familia, pero accidentalmente es mojado por Pete, un amigo de Billy. A causa del agua cinco entrañas bolas de pelo salen de su cuerpo y crecen hasta convertirse en nuevos Mogwai, pero su temperamento es muy distinto, pues gustan de hacer travesuras y son más agresivos. Uno de los nuevos Mogwai, el líder, engaña a Billy para que les dé de comer después de media noche y como consecuencia las cinco criaturas se convierten en crisálidas, de las que salen unos viciosos monstruos que empiezan a causar destrozos, la madre de Billy logra exterminarlos pero el líder llega hasta una piscina y crea a toda una horda de gremlins que amenazan la ciudad entera. Billy y su novia Kate deberán de tratar de salvar sus vidas mientras buscan cómo destruir a las criaturas.

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Debemos admitir que la trama y los personajes están llenos de clichés, aunque quizás no era tan estereotípicos en aquel entonces. Además, la película tiene todo el sello de las producciones de Steve Spielberg, pues vemos la típica publicidad por emplazamiento y un retrato muy fiel de la vida cotidiana en estados unidos en la etapa posterior a la guerra fría, donde se favorecía a los productos locales sobre los productos extranjeros. No es casualidad que el coche de Billy sea un Volkswagen (auto alemán) y no funcione. También vemos roles de género muy marcados y numerosas referencia tanto a otras obras cinematográficas como a géneros y elementos de la cultura pop, sobre todo en la escena donde los gremlins están en el bar.

Según la mitología anglosajona, un gremlin es una criatura malévola que se dedica a sabotear maquinarias. Errores de imprenta o fallos en los motores sueles ser atribuidos a estos seres. Partiendo del origen mitológico, los gremlins de la película realmente hacen honor a su nombre, sabotean autos y otros artefactos causando caos e incluso muertes, pero no son precisamente sanguinarios como los Critters, por ejemplo, son más bien traviesos a un punto que resulta letal. Y eso, aunado a los elementos exagerados que rayan en lo ridículo hace que la película sea muy divertida, aterradora y sobre todo entretenida.

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Algo muy importante que no debemos olvidar es que a pesar de lo ridículos que pueden llegar a ser estos engendros, estuvieron perfectamente diseñados. Tienen una etapa infantil, un periodo de crisálida y finalmente una metamorfosis que los convierte en las maniacas criaturas que vemos en pantalla. Para ser un filme de culto pero sin grandes estándares en cuanto a su complejidad argumental y que apela a un retorcido sentido del humor, el diseño de estos seres me parece magnífico, sobre todo porque nunca explican su origen.

Otro elemento aunado al anterior es la calidad técnica. Tomando en cuenta la barrera del tiempo, su calidad es impresionante. Tan sólo el uso de animatronic y stop-motion que debieron requerir escenas como el ataque en las calles, la juerga en el bar o la ida al cine es abrumadora. Actualmente con el uso de CGI y pantallas verdes pueden lograrse resultados extraordinarios, que para un ojo medianamente educado, nunca dejarán de verse falsos. Pero en Gremlins nunca pasa eso, y si bien hay escenas en las que el stop-motion es más que obvio, eso no reduce en lo más mínimo la calidad lograda por el filme, la cual se extiende también al aspecto sonoro, dejando como punto más débil la actuación pero permitiendo que la película se convierta en un clásico obligado por más que sólo la demencia de estas peculiares criaturas.

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Punch Line

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Título Original: パ ン チ ラ イ ン (Punchi Rain).
Género(s): Comedia, Ecchi, Sobrenatural, Henshin, Ciencia Ficción.
Director: Yutaka Uemura.
Estudio: MAPPA.
Emisión: Abril 2015 – Junio 2015.
Duración: 12 Episodios.
Extras:

Hay animes que empiezas a ver porque crees que son la típica serie de comedia con fan-service sin mayor complejidad, pero en ocasiones descubres que una serie que empezó de esa manera se convierte en algo más profundo, con complejos temas de Ciencia Ficción como los viajes en el tiempo y elementos sobrenaturales de índole espiritual; sin olvidar un desarrollo que va girando la trama hacia elementos cada vez más inesperados. Ese es el caso de Punch Line.

La calidad del anime está dentro del promedio que podemos esperar de las series comerciales, buena música pero no sobresaliente, una animación muy agradable y un diseño de personajes que si bien caen en el cliché sí tienen algunos momentos de originalidad. El fan-service es contante pero muy ligero y decente, básicamente se basa en el uso exclusivo de pantsu-shots, que de hecho resultan un elemento importante para el personaje principal.

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La serie gira en torno a Yuta Iridatsu, un chico común que se excita de sobremanera cuando ve las pantaletas de una mujer. En una ocasión mientras viajaba en el autobús, es víctima de un secuestro, pero es rescatado por Strage Juice, la heroína con poderes mágicos que lucha por la justicia. Sin embargo, después del incidente Yuta muere y su espíritu termina a la deriva. Más tarde, el espíritu de Yuta conoce a Chiranosuke una entidad espiritual en forma de gato que le revela a Yuta una misión para salvar el mundo de la destrucción, pues al parecer un meteorito se estrellará contra la tierra y es su deber evitarlo. Inician así una serie de situaciones cómica en las que el espíritu de Yuta deberá evitar la destrucción del mundo mientras ayuda a sus amigas Mikatan, Ito, Rabura y Meika.

La serie tiene un principio muy intenso y eso te engancha al instante, pero con forme se desarrolla la historia te das cuenta de que no se trata de una serie Ecchi con toques de Mahô Shôjo. Luego de la presentación de los personajes empezamos a ver el ámbito espiritual y conocemos las reglas básicas que rigen a los espíritus así como la misión de Yuta. Hasta aquí todo tiene pinta de ser como esas obras donde el protagonista tiene que viajar en el tiempo muchas veces hasta que logre hacer las cosas de modo correcto, como en El Día de la Marmota, 8 Minutos antes de Morir o Al Filo del Mañana. Eventualmente descubriremos que esto no es así.

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Con forme pasan los capítulos se va esbozando un trasfondo secreto de héroes que buscan salvar al mundo y grupos secretos que quieren su aniquilación. Sale a la luz el grupo Qmay, responsable de que el meteorito se estrelle con la tierra, conocemos el pasado de Yuta y Mikatan y descubrimos que sus poderes, conocidos como estado Uber, son producto del virus Hércules. Eventualmente la serie pasa de ser algo cómico y Ecchi con cosas espirituales, a una temática de ciencia ficción con grupos extraños y más complejos de lo que pudimos imaginar en un principio.

Chiranosuke revela a Yuta que no es la primera vez que intenta usar al espíritu de Yuta para detener al meteorito, sino que van más de 600 mil millones de intentos y que él pertenece a algo llamado “El Proyecto de Salvación Humana”. Cada que un Yuta fracasa, su espíritu debe regresar en el tiempo para inténtalo de nuevo; así hasta que algún Yuta logre llevar a la tierra por una línea temporal que no contemple su destrucción. Pero no estamos hablando del mismo Yuta, cada Yuta es de una línea temporal distinta y cuando fracasa la tierra de su línea temporal es destruida y él muere. Podría seguir explicando cómo se dan estos viajes en el tiempo pero eso generaría spoilers que le quitaría la sorpresa a quienes aún no han visto la serie.

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Como podemos ver la historia se vuelve realmente compleja, pero el manejo teórico sobre los viajes en el tiempo es sencillamente perfecto. Cada que la historia se reinicia en realidad está empezando por primera y única vez en esa línea temporal. Y si eso nos parece complejo, las cosas que hacen todavía más confusas cuando agregamos un cambio de cuerpo en los personajes, que a su vez implica cambio de sexo y género. Con forme conocemos el pasado de Yuta (Pine), Mikatan (Chiyoko) y Guriko nos damos cuenta que los personajes no son como nosotros creíamos. Y no obstante lo complicados que llegan a resultar, incluso los eventos más aleatorio están justificados y explicados debidamente.

La serie tiene cambios muy radicales, pues de repente suelta cosas muy densas que te dejan desconcertado, sobre todo después de estar viendo escenas de comedia sin sentido saturadas de fan-service. Tenemos un trasfondo inesperado para cada personaje, extraños poderes y organizaciones secretas, viajes en el tiempo, cambios de cuerpo y fabulosas y épicas batallas. Un excelente ejemplo de que el uso de fan-service no implica poca complejidad en los argumentos y una genial recomendación para quien busque cosas ligeras y cómica que se complejizan con forme pasan los episodios pero sin llegan a nada demasiado intrincado e incomprensible.

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Sukitte Ii na yo

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Título Original: 好きっていいなよ。 (Sukitte ii na yo).
Género(s): Romance, Drama, Comedia, Shôjo.
Director: Toshimasa Kuronayagi.
Estudio: Zexcs.
Emisión: 2013.
Duración: 13 Episodios.
Extras: un OVA.

Basado en el manga homónimo de Kanae Hazuki, Sukitte ii na yo es un anime Shôjo de romance que cumple con los estereotipos típicos empleados para atraer a una audiencia determinada, pero a pesar de que es como muchas otras series, tiene algunos elementos que la hacen una recomendación interesante para cierto sector de jóvenes entre secundaria y preparatoria.

La calidad general es buena, el diseño de escenarios es muy bueno, por momentos roza la artificialidad pero no llega a verse del todo mal. El diseño físico de los personajes es bueno, aunque personalmente no me agradó mucho, sin embargo, su construcción en cuando a personalidad y emociones sí que me gustó, sobre todo por el crecimiento que todos tienen, incluso los personajes secundarios.

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La historia gira en torno a Mei Tachibana, una chica de 16 años sin amigos, aislada del resto de sus compañeros y desinteresada por cualquier tipo de relación. Un día, Mei tiene un incidente con Yamato Kurosawa, el chico más popular de su escuela, quien por alguna razón se siente atraído hacia ella. A partir de ese momento Yamato intenta entablar una relación con Mei pero sin éxito, hasta que poco a poco Mei empieza a confiar en él y se va abriendo al resto de sus compañeros, hace algunos amigos y se permite amar por primera vez.

Toda la trama es un cliché para los adolescentes, lo acepto, pero hay algunos puntos rescatables de la serie. En primera instancia, la construcción psicológica de Mei en los primeros capítulos es genial, pues si bien es una chica apartada y distante de las relaciones sociales es centrada y autosuficiente, no es la típica chica tímida que se aparta del resto por miedo, sino la que se aparta del resto porque los desprecia. Esa Mei de los primeros episodios me encantó por ser hostil y agresiva. No obstante, el crecimiento que tiene en cuanto a su capacidad para relacionarse con los demás a lo largo de la serie es simplemente genial.

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Ese desenvolvimiento lo vemos en todos los personajes, pues cada uno de ellos sufre o sufrió algún evento traumático en su pasado que los obligó a optar por la personalidad que tienen. Con forme avanzan los episodios, logran superar sus problemas y cambiar su personalidad para bien. Si bien eso nos remite a un final feliz, creo que es válido cuando la intención es captar a una audiencia que puede verse reflejada por su dificultad para relacionarse con los demás, sobre todo en temas romántico. La serie funciona y de hecho les deja un buen mensaje de superación a los adolescentes tímidos o asociales.

Si bien la serie es muy ligth, pues cuando mucho vemos un súper leve y muy matizado fan-service, tiene un trasfondo un poco sombrío, o que pudo ser sombrío si el director hubiese querido seguir por alguno de los caminos posibles que se presentaban al principio de la serie. El primero de ellos es que Mei hubiese seguido como la chica apática y hostil para siempre y aun así salir adelante, el segundo pudo haber explotado el apego y la obsesión de cierto personaje y derivarlo a un desenlace gore que hubiese sido excelente, y el último consistía en explotar las relaciones sexuales que se dan entre algunos personajes de una manera más explícita y erótica.

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Si la serie hubiese seguido por alguno de esos caminos, podría haberse convertido en algo tan sensual y retorcido como School Days, pero optó por el camino tierno y amable, lo cual se agradece mucho, porque demuestra que no se necesita explotar el morbo del espectador para dejarle un mensaje (mensaje útil para una audiencia de cierta edad, claro está). Aunque debo admitir que mientras la veía estaba a la espera de ver algo así en cualquier momento, porque de hecho da esa impresión.

Creo que el ser un tanto gris, en cuanto a que no se decanta al cien por ciento por ningún aspecto (ni es del todo rosa, ni romántica, ni dramática, ni sexual), es lo que la salva de convertirse en una serie más del montón de “series para niñas” que se estrenan cada año. Claro está, recalco que es una serie que puede resultar atractiva para adolescentes que sufrieron o sufren bullying o tiene problemas para hacer amigos o decirle a alguien que les gusta. Si no pertenecen a esa demografía obviamente no les va a gustar, pero eso no quiere decir que sea mala o que al menos no tenga cosas rescatables.

Payasos Asesinos del Espacio Exterior

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Título Original: Killer Clowns from Outer Space.
Género(s): Terror, Comedia, Ciencia Ficción.
Director: Stephen Chiodo.
Emisión: 1988.
Duración: 88 minutos.
Extras:

Hubo una época en la historia del cine en la que muchas películas llevaron por título la frase “from outer space” (del espacio exterior), películas que por lo general eran malas, exageradas y tan inverosímiles que le granjearon cierto estigma de mala calidad al cine de Ciencia Ficción. No obstante, con el paso de los años esas obras empezaron a ser vistas como precursoras de un género que surgió en la marginación tanto por parte de los productores cinematográficos como de los literatos, y eventualmente el público las convirtió en obras de culto.

Payasos Asesinos del Espacio Exterior es una de esas obras que apelan a lo raro, lo grotesco y raya en lo bizarre, pero que curiosamente es muy apreciada por los fans de este tipo de obras. La calidad ya quedó muy rebasada por los efectos actuales, pero a pesar de ello los efectos especiales para esa época eran bastante aceptables. El maquillaje, los disfraces, los escenarios y la parafernalia tenían ese toque carnavalesco y extraño que iba genial con la trama. La música es muy ochentera, circense y con esos soniditos que hacían referencia a algo mecánico (el típico bip bu bip).

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La historia gira en torno a Mike Tobacco y su novia Debbie Stone, quienes ven caer una estrella fugaz en las cercanías. Decididos a buscar sus restos se internan en el bosque, pero lo que encuentran allí es una extraña carpa de circo. Mike decide entrar a investigar, pero una vez adentro la pareja descubre que no se trata de un circo, sino de una extraña nave espacial habitada por grotescas criaturas con forma de payaso que al parecer están capturando gente en capullos hechos con algodón de azúcar. Los payasos atacan a los chicos pero estos logran escapar.

Ya en el pueblo, Mike y Debbie piden ayuda a la policía, pero nadie cree su historia. Dave, un joven policía y ex pareja de Debbie toma una actitud agresiva hacia Mike al creer que quiere gastarle una broma. Mientras mantiene apresado a Mike en su auto, ambos observa cómo uno de estos payados ataca a un grupo de personas. Dave cree la historia de Mike y deciden alertar a todos, pero los payasos ya están por todo el pueblo capturando gente. Para su mala fortuna Debbie es capturada, por lo que Mike, Dave y los hermanos Terenzi viajan hasta un parque de diversiones para enfrentar a los payasos.

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La historia puede sonar algo ridícula y en esencia lo es, pero no podemos esperar otra cosa cuando el tema central son payasos asesinos del espacio exterior. Además, tiene elementos muy bien logrados que mantienen la cohesión de la trama, por ejemplo, los payasos tienen armas que lanzan palomitas de maíz, extraños poderes que hacen con sombras, criaturas hechas de globos, un auto pequeñito en el que caben muchos payasos, los imprescindibles pastelazos y una nave que por dentro parece la típica casa de la risa de las ferias. Todos esos elementos payasescos mantienen la coherencia en algo que por naturaleza es extraño.

No obstante, a pesar de que los elementos circenses bien logrados, hay varios clichés. Tenemos, por ejemplo, el triángulo amoroso, la dupla de personajes estúpidos, el policía bueno y el policía malo, y el característico punto débil que no puede faltar en todo monstruo que se respete. A pesar de ello, la película no deja de ser entretenida, y de hecho tiene la capacidad que generar un remake ultra violento y plagado de gore, completamente opuesto a esta versión cómica que si bien tiene sus toques fuertes están matizados por el maquillaje y los globos. Para el 2016 se espera la secuela de este filme, pero parece que tendrá el mismo estilo, no obstante, yo espero ver algún día algo realmente siniestro con estos payasos, pues manejados de la forma correcta podrían dar mucho miedo.

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Fist of Jesus

Fist of Jesus

Título Original: Fist of Jesus.
Género(s): Survival-Horror, Splatter, Comedia.
Director: Adrián Cardona y David Muñoz.
Emisión: 2014.
Duración: 15 minutos.
Extras:

Supongo que si son fans de los zombis y algo ateos habrán pensado en algún momento que el primer zombi de la historia fue Jesús. Pues bien, si nos remontamos a la historia bíblica en todo caso fue Lázaro, quien fue revivido por Jesús, pero las cosas pudieron no haber salido como el hijo de Dios esperaba y regresar a la vida a un muerto pudo resultar una pésima idea.

Fist of Jesus es un hilarante cortometraje sobre un apocalipsis zombi ocasionado por Jesús al tratar de revivir a Lázaro. Mientras los muertos vivientes devoran todo a su paso, el Mesías y su fiel amigo Judas, deciden enfrentarlos y exterminar a cada uno de ellos. Pese a que la premisa es muy sencilla, lo destacable son los toques de comedia irónica y satírica de los que hace uso, la atinada música de fondo y el genial manejo del Splattler que deja bañados en sangre a los protagonistas. Otro perfecto ejemplo de que las producciones independientes apoyadas por el crowfunding serán una alterativa muy viable en un futuro cercano.

Cloud Atlas

Cloud Atlas

Título Original: Cloud Atlas.
Género(s): Romance, Drama, Ciencia Ficción, Comedia.
Director: Tom Tykwer, Andy y Lana Wachowski.
Emisión: 2012.
Duración: 172 minutos.
Extras:

Basada en la novela homónima de David Mitchell, Cloud Altas es un interesante ejercicio de narrativa que nos lleva por diversas historias de amor unidas por el efecto de las acciones que personas de distintas épocas tomaron. El filme nos muestra breves destellos de la historia de la humanidad desde el siglo XIX hasta un postapocalíptico siglo XXIV, a través de personajes separados por el tiempo pero unidos por dos elementos en común: amor y revolución.

La calidad del filme es asombrosa. El apartado sonoro resulta esquisito ya que la música ambienta de forma sublime, pues al mismo tiempo que separa y delimita las distintas épocas históricas, las une en una misma historia. La calidad visual es sobresaliente, los escenarios son un deleite para los ojos y nos llevan de las plantaciones trabajadas por esclavos negros hasta una futurista e hipertecnológica Nueva Seúl. El vestuario cumple su funcione de igual manera, pues así como vemos la característica moda de los años 70 vemos prendas medievales de un futuro postapocalíptico. Finalmente, las actuaciones son asombrosas y llevan a los actores fuera de su zona de confort, obligándolos a interpretar hasta seis personajes distintos. Pero los actores no serían nada sin la impresionante caracterización, gracias a la cual una actriz puede dar vida a una chica asiática creada genéticamente o a una inmigrante mexicana, o un actor puede interpretar a un asesino a sueldo o a la enfermera residente de un asilo de ancianos.

Adam Edwing

La historia se divide en seis subhistorias que comparten elementos en común. Cada historia es independiente y podría funcionar por separado, pero la estructura narrativa de la película hace que aquello que vemos iniciarse en la escena de una historia tenga su conclusión en una escena de otra historia. De esa forma, aunque cada historia tiene su propio hilo argumental, su desarrollo y comprensión por parte del espectador depende de lo que acontezca en el resto de las historias. Y si bien eso hace de este filme algo único, también vuelve muy difícil comprender lo que pasa, sobre todo porque el espectador puede perderse tratando de seguir las historias por separado o bien buscando los elementos que las unen. Digamos que es como una Novela Río recortada y unida de tal forma que da como resultado una novela lineal hecha con los retazos de las seis historias.

Hablando cronológicamente, la película inicia en 1849 al sur del Océano pacífico, desde donde Adam Edwing viaja de regreso a San Francisco luego de firmar un contrato comercial para su suegro. Durante su viaje ayuda a un esclavo negro que se escapó de la plantación donde trabajaba mientras trata de sobrevivir al envenenamiento perpetrado por un doctor que quiere robar su oro.

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Robert Frobisher

El diario que Edwing escribió sobre su viaje llegó hasta la casa del compositor Vyvyan Ayrs (1936), donde el también compositor Robert Frobisher trabaja como copista mientras escribe su propia obra maestra. Frobisher mantenía contacto por carta con su amante, el joven Rufus Sixmith, quien más tarde  llegaría a ser físico nuclear. Ya como físico (1973), el viejo Sixmith descubre una conspiración por parte de las empresas petroleras para explotar un reactor nuclear y evitar que sus acciones cayeran con la llegada de un nuevo tipo de energía. Temiendo por su vida decide filtrar la información a la periodista Luisa Rey. Luisa se vio amenazada por un sicario pagado por las empresas que querían ocultar la verdad, pero recibió ayuda de algunos amigos, entre ellos su vecino Javier Gómez, un chico apasionado por las novelas de misterio.

El pequeño Javier creció para convertirse en escritor y convirtió la odisea de Luisa en una novela (2012), obra que mandó al editor Tymothy Cavendish para su publicación, pero Cavendish estaba huyendo de los amigos de un gánster a quien debía dinero, por lo que persuadido por su hermano se oculta en un asilo para ancianos, donde era constantemente maltratado por la enfermera del lugar. Hartos de las vejaciones, Cavendish y otros ancianos deciden escapar. Dicho escape es llevado a la pantalla grande años después.

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Luisa Rey

De alguna forma la película sobre Cavendish es almacenada en un Kino (2144) que termina en el área de objetos perdidos del Papa Songs, un popular restaurante de comida rápida atendido por fabricantes, mujeres creadas genéticamente (clones). Las fabricantes era tratadas como esclavas y constantemente recibían abusos por parte de los consumidores. Una de éstas fabricantes era Sonmi-451, quien fue liberada por el Comandante Hae-Joo Chang, miembro de un grupo rebelde que trataba de derrocar al sistema. Sonmi se convierte en el estandarte de una lucha que abogaba por una humanidad incluyente en la que humanos y clones fuesen tratados por igual.  Lamentablemente, la utopía lograda por Sonmi llegó a su fin y el nuevo y perfecto sistema cayó.

Más de un siglo después de la caída (2321), el mundo se había dividió en dos, los Prescientes, últimos sobrevivientes de la utopía, y los nativos, para quienes Sonmi era una deidad a quien hacían oraciones. Zachry, un nativo, ayuda a Meronym, una Presciente, a llegar a lo alto de una montaña donde esperaba encontrar un trasmisor que les permitiera contactar con alguna de las colonias humanas que yacían en otros planetas.

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Tymothy Cavendish

El desarrollo de la película no es linean como yo lo conté, sino que van mezclando elementos de cada historia que se relacionan entre si ya sea por lo que vemos en pantalla, los diálogos o los personajes. Por ejemplo, en una escena podemos ver el inicio de una persecución a caballo y en otra la conclusión de dicha persecución pero en coche, o bien podemos escuchar una pregunta cuya respuesta es dada por otro personaje cuyo contexto temporal está a cien años de distancia. Cuando saltamos entre historias la nueva historia parecerá ya empezada, como si algo previo faltara, eso es porque si bien son seis tramas es un solo filme.

Algo que me gusta mucho es que cada historia está contada a partir de los elementos que su género exige y que además nos da un pequeño destello de la realidad que se vivía en aquel entonces. Por ejemplo, en la historia de Edwing el principal tema social es la esclavitud, pero también el surgimiento de las ideas abolicionistas que derivaron en la Guerra Civil de Estados Unidos. Por su parte, la historia de Luisa nos pone justo en plena liberación femenina, con las ideas feministas en pleno surgimiento pero el machismo en su máxima expresión. Como podremos notar, en cada época e historia hay un elemento de cambio que se opone a un dogma establecido y lucha contra él de forma violenta mediante una revolución.

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Sonmi-451

Algo igualmente interesante son las pequeñas referencias a otras obras de Ciencia Ficción y Distopías. El nombre de Sonmi-451 nos remite directamente a la obra de Ray Bradbury y muchos elementos de esta historia son retomados de Matrix. Y si bien la historia de Somni está totalmente dentro de la zona de confort de los Wachowski, el resto de historias no lo está y eso nos permite apreciar la capacidad que tienen ambos directores para adaptarse a diferentes géneros y estilos narrativos. Esa capacidad de adaptación también la vemos en los actores, quienes llegan a interpretar papales completamente diferentes y eso enriquece mucho la calidad final del filme. La única excepción sería Hugo Weaving, cuyos papeles siempre tienen el mismo tipo de personalidad.

Cloud Atlas es una grandiosa forma de demostrarnos que el amor y la revolución son una lucha constante atada a las decisiones que otras personas tomaron en el pasado y donde nuestras propias decisiones repercutirán en las acciones que otros realizarán en el futuro. Las seis historias por separado pudieron dar seis películas interesante, pero unidas de esta forma y conformando un solo filme logran un resultado complejo pero muy disfrutable.

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Zachry

Kung Fury

 

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Título Original: Kung Fury.
Género(s): Exploitation/Nazisploitation/Chopsocky, Ciencia Ficción, Fantasía, Comedia, GrindHouse.
Director: David Sandberg.
Emisión: 2015.
Duración: 31 minutos.
Extras:

Demostrándonos que el crowdfunding puede ser el futuro de las producciones independientes,  llega Kung Fury, una de las más exageradas obras audiovisuales que se han hecho en los últimos años. Con súper poderes sin sentido, violencia, robots, dinosaurios, Nazis, tecnología ilógica y destrucción al más puro estilo de la Serie B, no podríamos pedir nada más.

Kung Fury es la oda a las películas de explotación (Exploitation) que tanto permearon en la Serie B en los setentas y ochentas, pero además es un grandioso homenaje a ese cine decadente conocido como GrindHouse. El estilo del filme me recuerda a ciertas películas de Tarantino y Rodríguez, “mal hecho” a propósito, que para quienes no conozcan este tipo de cine ni lo sepan apreciar pasará simplemente como una película de mala calidad, pero para quienes gustamos que estas alternativas cinematográficas, Kung Fury es la perfecta concretización de todo eso.

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La historia gira en torno a Kung Fury, un detective del departamento de policía de Miami que debe viajar al pasado para matar a Hitler antes de que este asesine a todos sus compañeros. Con ayuda de Hackerman, un genio de la computación, logra su cometido, pero algo sale mal y viaja demasiado atrás en el tiempo, hasta la era de los Vikingos, afortunadamente, Thor lo transporta a la época correcta y con ayuda de sus nuevos amigos del pasado y sus viejos amigos de futuro logran derrotar al ejército nazi, pero lamentablemente Hitler logra escapar causando un paradoja temporal.

El mediometraje nos regala en tan sólo 30 minutos todos los géneros y posibilidades que la Serie B nos puede ofrecer, la mayoría son completamente descabellados, incoherentes y nada creíbles, pero es una delicia verlos todos juntos en pantalla. Lo que podemos ver en Kung Fury son robots, hiperviolencia, artes marciales, gore, mujeres sexys, disparos, autos y explosiones, persecuciones policiacas, locos criminales, un héroe renegado, efectos cutres y exagerados pero que por eso mismo resultan atractivos, música ochentera, hackers, viajes en el tiempo, chistes malos, dinosaurios, algo de anime, a Thor, Nazis caricaturizados, paradojas temporales y mucha acción.

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Algo que disfrute mucho y me hizo reír sin parar fueron todas esas exageraciones que pretendían ser gags al conjuntar juegos de palabras y características de los personajes, como en Triceracop, Hackerman, Laserraptor y los Kung-Fu poderes. Sin olvidar los homenajes a clásicos del cine como Terminator (el viaje en el tiempo) y Odisea del Espacio (con el Hoff 9000 emulando al Hall 9000 y haciendo referencia a Kitt, el Auto increíble, serie protagonizada por el mismísimo David Hasserhoff), sin olvidar el típico cliché de las películas de superhéroes sobre la obtención de poderes.

Por si todo lo anterior fuera poco, el filme también alude a esa fantasía violenta y pulp con vikingos matando dinosaurios en un mundo salvaje con música rockera de fondo, algo que me recordó mucho a Heavy Metal. Las partes donde la película parece dañada y los comerciales inventados son un elemento clásico del cine GrindHouse. Las partes animadas también nos remiten al anime ochentero y a las producciones americanas que en ese tiempo eran más crudas y menos estilizadas. Igualmente, esa Alemania nazi steampunkizada dan al filme un toque ucrónico muy particular. Una recomendación obligada para quien guste de este tipo de cine.

Unbreakable Kimmy Schmidt

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Título Original: Unbreakable Kimmy Schmidt.
Género(s): Comedia, Sitcom, Chick Flick.
Creador: Tina Fey y Robert Carlock.
Producción: Little Stranger, Inc., Bevel Gears, 3 Arts Entertainment, Universal Television.
Emisión: 2015.
Duración: 1 temporada [on-going].
Extras:

Parece que el mercado del streaming va creciendo día con día, como prueba de ello tenemos el hecho de que cada vez más series se estrenan a través de esos medios virtuales de distribución, Unbreakable Kimmy Schmidt es otro ejemplo de una estupenda serie de comedia que tiene a bien emitirse por el portal de Netflix.

La serie es hilarante en todo sentido, la calidad y el estilo de su humor son impecables, aunque no tan populares para el público mexicano acostumbrado al humor alburero y de pastelazo. El tipo de comedia es muy ácido y sarcástico, con un humor muy negro e irónico que se burla tanto de los homosexuales, como de los ricos, de la gente de provincia o de la policía, e incluso de los cultos religiosos. Aprovecha el estereotipo de cada minoría racial, étnica y sexual y genera momentos tan cómicos que uno se parte de risa, incluso por momentos se llegan a burlar de temas políticamente incorrectos que son un deleite para quienes gustamos del Stand-up Comedy gringo.

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La serie tiene una producción impecable y su calidad es altísima en todo sentido. Las actuaciones son fabulosas y la comedia de los actores es sobresaliente, sobre todo Ellie Kemper, quien tiene el papel principal y a quien ya hemos tenido la oportunidad de ver en otras geniales producciones como The Office, que tampoco maneja un humor del todo digerible para el tropicalizado gusto de los latinos.

La serie aprovecha la diversidad sexual, racial y étnica que permea la cultura estadounidense, pues prácticamente cada personaje encarna un estereotipo o dos; tenemos al negro gay, a la judía de dudosa reputación, a la pelirroja, al inútil policía consumidor de heroína, al asiático inmigrante ilegal, a los fanáticos religiosos, a la nativa americana que se hace pasar por dama de sociedad y a un montón de mexicanos trabajando en la servidumbre. Todos esos clichés sociales que fácilmente se prestan para el racismo, la homofobia, la xenofobia y numerosos problemas más son tratados de tal manera que lo que terminamos por ver en pantalla es una comedia muy innovadora.

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La historia gira en torno a Kimmy Schmidt, una chica de 29 años que fue rescatada junto a otras tres mujeres —conocidas como las mujeres topo de Indiana— luego de ser secuestrada por el reverendo Richards, un fanático religioso que las engañó haciéndoles creer que se acercaba el apocalipsis, mentira gracias a la cual las mantuvo capturadas en un bunker por quince años.

Luego de pasar su adolescencia y juventud encerrada, Kimmy decide dejar sus malos recuerdos atrás y se muda a Nueva York para empezar una vida nueva, pero todos esos años bajo tierra le hacen difícil adaptarse al nuevo y vertiginoso mundo moderno, lo que la lleva a vivir graciosas desventuras en compañía de Titus, un afroamericano gay con quien comparte apartamento. A lo largo de los capítulos veremos los intentos de Kimmy por ser una mujer normal y tratar de dejar su tortuoso pasado en el olvido.

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Además de la comedia, la serie tiene muchísimas referencias a la cultura pop, como fenómenos de internet, videos virales, otras series de televisión e incluso el propio portal de Netflix. Muchas de ellas son algo difíciles de percibir pero resultan un toque muy adecuado para una serie que juguetea con los problemas de la vida moderna.

El punto final que me gustaría abordar es el papel de la mujer. En primera tenemos que la historia parte de un grupo de mujeres secuestradas, nuestra protagonista es mujer y sus coprotagonistas también lo son, básicamente el único hombre que tiene un papel relevante, al menos en esta primera temporada, es Titus, que es gay. Es genial ver una serie de este tipo de comedia movida prácticamente por mujeres pues, salvo por Ellen Degeneres, pocas son las féminas que dominan este estilo de comedia con tanta maestría como las que vemos aquí, aunque no puedo dejar de pensar que Tina Fey haya querido meter ciertos tintes feministas.

Komaneko

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Título Original: こまねこ (Komaneko).
Director: Tsuneo Goda.
Género(s): Kemono, Comedia, Fantasía.
Estudio: Animación independiente.
Emisión: 2006.
Duración: 60 minutos.
Extras:

¿Qué puede ser más tierno que un adorable gato hecho en Stop Motion haciendo sus propios cortos de Stop Motion? Komaneko es un filme japonés que aglomera cinco historias, a manera de pequeños cortometrajes independientes, sobre Koma-chan, un pequeño y creativo felino que debe sortean numerosas dificultades a fin de crear su propio cortometraje animado con su vieja cámara de 8mm.

La calidad de animación es excelente y ese diseño infantil, un tanto europeo, le da un toque de ternura inigualable, que pese a estar destinado a un público infantil no deja de ser gracioso para los mayores. La música es igualmente tierna y aunque es repetitiva es difícil hartarse de escucharla. Los diálogos son lo mejor del mundo pues se limitan a breves maullidos usados en el momento correcto, el resto de la historia no necesita de voces para ser contada.

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La película va alternando secuencias hechas con maquetas y marionetas con otras mucho más sencillas hecha con claymation sobre un fondo pintado. Las partes que requieren set tienen escenarios muy detallados y realistas, mientras que las otras únicamente usan un fondo pintado o hecho con plastilina, pero ambas son buenas y muy entretenidas. Aunque eso sí, las imágenes filmadas en escenarios que parecen casitas de muñecas son fabulosas.

Si son de esas personas que gustan de ver animaciones que destila ternura, pero sin excederse, esta obra es para ustedes, y si son simples amantes del Stop Motion tampoco se la pueden perder, pues la calidad de detalles de algunos escenarios es algo que seguramente les fascinará. Además, el final alcanza tintes tan dramáticos y emotivos que te deja sin palabras.