Café Anime Lair

Z Nation Temporada 2

5 febrero, 201625 enero, 2016Cuauh1 comentario

Hasta ahora no había reseñado la segunda temporada de ninguna serie, salvo algunas de anime, pues es común que las temporadas posteriores continúen la historia sin cambios radicales, únicamente con la inclusión de nuevos eventos y personajes. Sin embargo, la segunda temporada de Z Nation me gustó tanto que merecía una entrada al respecto.

Estoy consciente de que Nación Z no es mejor que The Walking Dead, su calidad de efectos, la producción en general, las caracterizaciones y los escenarios son de menor calidad y la coherencia argumental por momentos parece no existir. Sin embargo, es mucho más divertida y emocionante. En primera porque no tiene una fórmula hiper rígida como TWD que le deja muchos minutos con escenas letárgicas que llegan a ser aburridas. El hecho de saber que hay momentos de emoción seguidos de minutos de diálogos que intentan ser dramáticos hacer que dicha serie sea tediosa, pero eso nunca pasa con Nación Z.

La acción en Z Nation es muy aleatoria y eso mantiene la tensión en el espectador, pues uno no sabe en qué momento pasará algo emocionante; incluso hay capítulos donde la acción trepidante está presente de principio a fin. Además de ello, en la segunda temporada se integran elementos que si bien son descabellados en cuanto a su coherencia dan mucho juego a los personajes y los obligan a enfrentar situación que van más allá del esconderse, disparar y sobrevivir.

Uno de los primeros elementos que podemos notar es la variedad de zombis. Aquí no tenemos sólo a los muertos vivientes clásicos, también hay mitad zombis (humanos mordidos o infectados con la sangre de Mophy), mutantes (causados por radiación, no confundir con los zombis radioactivos que vimos en la primera temporada), Fitozombis (zombis mitad planta), animales zombis e incluso al mismísimo G. R. R. Martin Zombi. Si toda esa variedad zombi no fuera suficiente hay capítulos muy extraños donde se hace alusión a elementos cinematográficos de la cultura pop y a los extraterrestres (¿extraterrestres zombis?).

Toda esa descabellada y por momentos ridícula variedad quita seriedad a la trama, pero le otorgan muchísima diversión, y al final eso es lo importante en una serie cuya misión es entretener. Aunque hay un elemento que de hecho hace una crítica brutal a la realidad que estamos viviendo entre México y Estados Unidos, el narcotráfico. Si alguien va a sobrevivir al apocalipsis esos van a ser los cárteles de la droga, pues tiene unidad, armas, organización, dinero y toda clase de recursos a su disposición. En esta segunda temporada nuestros protagonistas deberán no sólo huir de los muertos, sino lidiar con los Zetas, el cártel mexicano que busca a Morphy para crear una vacuna e iniciar un nuevo mundo, no sin antes sacar un provecho de todos los zombis y usarlos como combustible y composta para cultivar marihuana.

Ver a un cártel en el apocalípsis es muy entretenido, aunque sea con los típicos estereotipos exagerados de la mexicanidad. La variedad de zombis le da un toque que se agradece mucho y la explicación del trasfondo que dio origen a la pandemia se va revelando de una forma que te deja enganchado y a la espera de la tercera temporada. Eso además del hecho de que los personajes son mucho más agradables y entretenidos que cualquiera de TWD, o al menos para mi gusto. Una excelente opción para quienes quieran divertirse con una serie de zombis que los espante, los haga reír y sobre todo los entretenga sin tener que recurrir a tramas complicadas ni a efectos deslumbrantes.

Suisei no Gargantia

31 enero, 201621 enero, 2016Cuauh3 comentarios

Título Original: 翠星のガルガンティア (Suisei no Garugantia).
Género(s): Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Social, Mecha, Distopía.
Director: Kazuya Murata.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2013.
Duración: 13 Episodios.
Extras: 2 OVA.

Con una variada y rica mezcla de géneros, escenarios impresionantes, una historia llena de misterios y giros argumentales, fabulosas batallas y sendos toques de fan-service, Gargantia es uno de los animes mejor realizados que he visto en los últimos años. Su excelente ambientación y el complejo trasfondo que se va develando poco a poco logran mantenerte atrapado durante cada uno de los episodios.

La calidad es excelente en todos los aspectos. La banda sonora es muy buena y permite una ambientación más que adecuada. El diseño de personajes es impresionante, pues no sólo les otorga una personalidad acorde al papel que desempeñarán en la historia, también los hace visualmente atractivos con el fin de proporcionar un fan-service muy elegante; sin olvidar que su vestimenta y parafernalia van muy acorde con la estética general de la arquitectura y la tecnología. Pero son los escenarios el aspecto mejor logrado, pues nos sitúan en una civilización postapocalíptica donde la tecnología ha resurgido a partir de los restos recuperados de antaño y toda la infraestructura tiene matices que juguetean con el Scrappunk y la saturada visceralidad de la arquitectura neobrutalista propia del Cyberpunk. Los gigantescos barcos en done viven los personajes nos remiten a esas ciudades decadentes, pero con color y una enorme riqueza folclórica.

La historia gira en torno al alférez Ledo, un soldado de la Alianza Galáctica de la Humanidad que pilota un Machine Caliber llamado Chamber; juntos luchan contra los Hideauze, una raza extraterrestre que amenaza a la humanidad. En su intento por exterminar a los extraterrestres, la Alianza lanza un ataque final, pero este falla y Ledo termina viajando por un agujero de gusano lejos de su base militar. Al despertar, descubre que se encuentra en un planeta desconocido cubierto por un inmenso mar, pero habitado por humanos “primitivos” que viven en enormes flotas que van armando al unir diversos barcos. Gargantia es el nombre de aquella embarcación y ese extraño planeta parece ser la Tierra, el planeta original de los humanos que todos creían inhabitable.

Con forme pasan los episodios, Ledo empieza a relacionarse con los tripulantes, a entender sus costumbres, aprender su idioma e incluso busca un trabajo para colaborar con la flota. En esta primera parte vemos lo bien logrado que está el aspecto etnográfico, pues la organización social de la flota, sus costumbres y tradiciones realmente refleja la cultura marítima de esas personas. Posteriormente empiezan los giros argumentales, primero al presentar enemigos y problemas dentro de Gargantia y después al conectar los acontecimientos en la Tierra con la Alianza Galáctica y explicar cómo se originó la guerra contra los Hideauze.

La forma en que se desarrolla la historia me encantó, pues en un inicio tiene un argumento idéntico a Knights of Sidonia, después todo parece cómo en esas películas donde un extranjero proveniente de una sociedad con un desarrollo tecnológico mayor termina por alguna razón con un grupo más primitivo, posteriormente parece que todo se desarrollará en torno a Gargantia y el mar, después inician las peleas y vemos el trasfondo que dio origen a la guerra espacial y se revela un intrincado y fascinante secreto sobre la humanidad. Al final todo converge en elementos de carácter distópico y en una compleja argumentación de carácter filosófico sobre el control, el poder, la libertad y el papel de la inteligencia artificial como herramienta para el control social. Y lo mejor es que todos esos giros argumentales resultan imposibles de predecir.

Sólo al inicio y al final se observan de forma directa elementos de la Ciencia Ficción Social con tendencia distópica, pero estos resultan clave para entender el argumento general y juegan un papel fundamental en toda la trama, pese a que no puedan ser percibidos en la parte media de la serie. Se hace todo un análisis sobre el liderazgo y el control de masas a partir del miedo como estrategia de control, e incluso hay revueltas sociales. Otro aspecto que sólo se debela al final son las cuestiones Transhumanistas, que de hecho dan origen a toda la serie y obviamente a discusiones sobre la guerra, en desarrollo humano y la posibilidad de poder convivir, o no, con alguien que si bien es diferente forma parte de la misma humanidad.

Un aspecto que me enamoró fueros los escenarios, pues es como ver una versión colorida y feliz de los escenarios Cyberpunk con una gran riqueza cultural y una estética postapocalíptica propia de Scappunk donde todo está construido a partir de oxidados y viejos desechos. Aunque esto sólo es en apariencia, pues la serie ni es Cyberpunk ni es Scappunk. Visualmente, hacía mucho que no me gustaba tanto un anime. Otro elemento muy bien logrado es la forma en que se manejó la existencia de dos idiomas de forma que el espectador pudiera entenderlos en todo momento, pero respetando el hecho de que si un extrañó chico montado en un robot gigante llega del espacio no va a hablar el mismo idioma que tú.

Los escenarios nos remiten al Scrappunk, pero la tecnología también, pues si bien están en el mar, hay maquinas voladoras y mechas submarinos que dan un toque futurista muy necesario en la serie, pues a pesar de que todo se ve viejo, estamos muchos años en el futuro. A pesar de lo que la tecnología de Gargantia pudiera hacernos pensar al compararla con la de la Alianza Galáctica, aquí no ha viajes en el tiempo, sólo un enorme desfase en el desarrollo tecnológico entre ambas civilizaciones. Dicho desfase se dio principalmente por las condiciones que cada grupo humano tuvo que enfrentar para sobrevivir.

Por si todo lo anterior les pareciera poco, también hay argumentaciones de carácter filosófico sobre humanidad, sociedad y cultura y cómo estas se transforman a partir del desarrollo tecnológico o la evolución biológica. No haré ningún spoiler, pero dichos elementos son abordados desde el mismo punto de vista que la naturaleza de ángeles y humanos en Neon Genesis Evangelion. Al final, la guerra entre humanos y Hideauze, así como la de ángeles y humanos no es sino una lucha entre dos estrategia de supervivencia explicadas a partir de conceptos ecológicos y biológicos.

Insecto bioluminiscentes que proporcionan electricidad, mechas del espacio, secretos en el fondo del mar, piratas, una guerra contra extraterrestres, humanos modificados, peleas entre robots, una férrea organización social propia de la distopía, extrañas sectas y mucho fan-service que nunca cae en lo vulgar, son sólo algunas de las cosas que este fabuloso anime nos ofrece. Sin duda una de las mejores serie que he tenido la oportunidad de ver, pues aborda aspectos tan diametralmente distintos que uno nunca creería posible encontrar en un anime sobre barcos que viajan por un mundo donde todo es mar.

De Alex Henson a Ted Mosby

26 enero, 201624 diciembre, 2019Cuauh2 comentarios

En un par de días llegaré a una edad intermedia entre los dos personajes que dan título a esta entrada, Alex Henson, personaje principal de Downtown, y Ted Mosby, personaje principal de How I Meet Your Mother, serie que terminé de ver hace un par de semanas. Alex tenía 24 o quizás 25 años al final de su serie, mientras que Ted tenía 27 al inicio de la suya. Cuando vi el final del Cómo conocí a su madre no pude evitar sentirme un tanto identificado, no por el final en sí, sino por todos esos momentos con sus amigos que Ted recordó y que me hicieron recordar momentos que yo mismo he vivido con los míos, sobre todos los de la prepa, quienes son los más cercanos y a quienes veo más a menudo incluso después de una década de amistad.

Cuando vi Downtown por primera vez era más joven que Alex, la segunda vez que la vi tenía la misma edad y para la tercera vez ya era mayor que dicho protagonista. En las tres ocasiones me sentí identificado con él aunque por motivos levemente diferentes, ya fuese por el frikismo, su incapacidad para invitar a salir a Serena, los problemas de la vida independiente y laboral o el no saber qué hacer con su vida a futuro. Durante mis primeros veinte Downtown fue mi serie animada favorita de todas (lo sigue siendo) pues me permitió conocer a un personaje con el que me sentí muy reflejado. Sin embargo, a medida que pasan los años, empiezo a parecerme y a sentirme cada vez más identificado con Ted Mosby.

Creo que el paso de los años, el paso de la preparatoria a la universidad y el paso de universitario a profesionista me están haciendo pasar de un personaje a otro. Y en este momento, prácticamente a mis 26, creo que soy una mezcla de ambos, aunque obviamente del Ted Mosby de la primera temporada. No obstante, en ambos personajes hay una constante, los amigos. Tanto Alex como Ted tienen amigos que conocieron tiempo atrás y que han seguido allí y probablemente seguirán allí para toda la vida, aunque no siempre se vean. Durante la universidad, hubo años en los que sólo vi a mis amigos en una ocasión, pero el año pasado, con la mayoría ya egresados o tesistas, nos vimos más veces que cualquier otro año desde que salimos del bachillerato.

Y lo importante no es sólo vernos, sino estar allí en los momentos más significativos. Cuando nos conocimos eran fiestas de quince años, después fueron fiestas para celebrar la mayoría de edad, recientemente han sido titulaciones y es muy probable que en algunos años más empiecen a ser bodas. En los primeros años, cuando no podíamos vernos era porque no nos daban permiso, después fue por cuestión de universidad y actualmente ha empezado a ser por razones laborales. Ver series en las que pasen muchos años en la vida de los protagonistas me gusta mucho, porque es ver todo lo que te espera en unas cuantas horas. Actualmente la relación con mis amigos es muy parecida a la de aquella lejana primera temporada de How I Meet Your Mother, y posiblemente en diez años sea muy parecida al final que acabo de ver. Ya llevamos diez años de amistad y es muy emocionante imaginar todo lo que aún nos espera.

Martyrs

21 enero, 201621 enero, 2016Cuauh3 comentarios

Título Original: Martyrs.
Género(s): Terror.
Director: Pascal Laugier.
Emisión: 2008.
Duración: 99 minutos.
Extras: –

Advertencia: en esta entrada encontrarás en enlace a un video no apto para… en realidad no debería ser apto para nadie ni siquiera existir. La realidad supera, de una forma que nunca debería haber superado, a la ficción.

Hacía mucho tiempo que una película no me lograba incomodar al menos un poco. Como amante del género gore he visto mucha violencia y sangre en la pantalla, pero toda ella elevada a un nivel tan demencial que llegaba un punto en el que parecía inverosímil y por lo tano ficticio, cosa que nunca ocurre con esta película, cuya violencia siempre está dentro de un nivel de realismo tan crudo que el espectador promedio no podrá soportar. Y si bien la película no es gore, pues la sangre es mínima tomando en cuenta los estándares del género, sí nos regala una ultra violencia tan atroz que resulta escalofriante.

Martyrs sabe intercalar muy bien los momentos de terror y suspenso, además de que no es autocomplaciente, su violencia es brutal, cruda, directa, sin medias tintas. La barbarie que vemos en pantalla no llega a esos excesos que, en la mayoría de los casos, quitan realismo el gore. Aquí, el trato inhumano ejercido contra las protagonistas te hace sentir mal, pues en todo momento ves una tortura tan metódicamente diseñada que es coherente y realista, tanto que te hace sentir incómodo aún si eres un conocedor del género.

¿Qué pasaría si los mártires no fuesen una invención religiosa, si ver qué hay más allá de la muerte fuese una cualidad humana presente en algunas personas? Con esa base argumental se desarrolla Martyrs, cuya historia gira en torno a dos chicas, Lucie y Anna. Lucie fue secuestrada de pequeña y abusada física y psicológicamente por un grupo desconocido, cuando logra escapar de sus captores es internada en un orfanato donde se hace amiga de Anna. Quince años más tarde, Lucie logra encontrar la casa de sus captores y decide tomar venganza, así que entra a la casa y acribilla a toda la familia. Anna intenta ayudarla, pero la mente de su amiga está demasiado dañada y es atormentada por un espectro que la obliga a matar y a lastimarse.

Anna duda sobre si las victimas de su amiga en realidad fueron sus captores, pero al recorrer la casa descubre un laboratorio secreto en el que una chica está encarcelada. Su cuerpo y mente tienen marcas de horribles torturas, pero antes de que Anna pueda hacer algo para ayudarla un grupo de desconocidos armados entran a la casa y capturan a la chica. Mientras Anna está apresada, una mujer mayor le revela el porqué de tan aberrantes actos. Al parecer los torturadores son parte de una organización que busca crear mártires a partir de la tortura con el fin de averiguar qué hay más allá de la muerte, conocimiento que sólo puede ser alcanzado por un estado de éxtasis luego de mucho sufrimiento. Para la mala suerte de Anna, ella será la nueva mártir.

La historia tiene dos giros argumentales que no sólo van complejizando la trama, sino haciendo más ruin y despiadada la violencia ejercida contra ciertos personajes. Esa violencia logra su máximo nivel gracias a los pequeños detalles y a la formidable banda sonora. Generalmente cuando vemos una obra con tanta violencia solemos evadir toda esa tensión por el hecho de ser ficticio, pero la estructura de este filme te impide evadir la realidad, pues todas las acciones que vemos en pantalla son perfectamente realizables por cualquier persona, salvo la tortura final a la que es sometida Anna y que en mi opinión estuvo desperdiciada, pues si se hubiese mostrado la escena íntegra y a detalle más de un espectador no hubiera soportado llegar hasta el final.

Algo que me fascinó fue el diseño de las torturas, pues están son creíbles, realistas y con una huella mayor e irreparable en la mente y la voluntad humana que la simple violencia física. Las torturas de Hostel (Eli Roth, 2006) palidecen ante la impresionante forma que tienen los verdugos para quebrantar el espíritu humano en este filme. Y si bien esa sistematización te insensibiliza con forme pasan las escenas, en realidad lo que el espectador experimenta en una especie de Síndrome de Estocolmo, pues acepta como inevitable la tortura que tiene ante sus ojo a fin de poder seguir viendo la película. Anna logra sobrevivir, en parte, gracias a esto, pues llega un punto en el que su mente acepta lo inevitable, deja que las cosas pasen y sin importar lo duro y brutal que sea ya no tiene miedo.

La película es maravillosa en todos los sentidos, pues es justamente el no exagerar lo que la apega a un realismo que da mucho miedo, pues todo lo que vemos en pantalla podría pasar (y seguramente está pasando) en alguna parte del mundo. Si no han visto el filme y deciden hacerlo les aseguró que en algún momento pasarán por su mente las cosas que harían para tratar de sobrevivir a una tortura que es inevitable, que no se detendrá ni desaparecerá jamás. La tortura final es lo único que podría aparecer exagerado, pero en este video podrán ver lo mismo y darse cuenta de que es una práctica convencional en cierto país de Asia. La razón por la que aquella misteriosa organización tortura a jovencitas es igual de válida que la razón por la cual torturan a los animalitos del video anterior.

Darnos cuenta de que acciones tan brutales pueden y de hecho son ejercidas diariamente a lo largo y ancho del mundo es algo que realmente deberíamos temer. La amenaza es real, por lo tanto el terror también lo es. El único punto débil de todo el filme es el final, como pasa con muchas obras del género, pues es tan ambiguo que ni siquiera cumple correctamente la función de hacer pensar al espectador sobré qué debió pasar para que las cosas terminaran así, y eso demerita un poco toda la violencia y brutalidad que hasta entonces habíamos visto. No obstante, es una genial recomendación para ver la parte más oscura que puede alcanzar la mente humana.

Misery

16 enero, 201618 enero, 2016Cuauh2 comentarios

Título Original: Misery.
Género(s): Terror, Thriller, Suspence.
Director: Rob Reiner.
Emisión: 1990.
Duración: 107 minutos.
Extras: –

Basada en la novela homónima de Stephen King, Misery es una grandiosa película de terror y suspenso que mantiene al espectador al borde del asiento en todo momento. La película logra asustarnos, sorprendernos y mantenernos a la expectativa sin la necesidad de tener que recurrir a la violencia explícita ni a las escenas sorpresivas que inundan la industria cinematográfica hoy en día. Con ingenio, inteligencia y un argumento lo suficientemente sólido la historia se mete en tu mente y te hace sentir temor sin recurrir a un gran despliegue visual.

Si bien el filme se basa en la novela, hay algunas sutiles diferencias entre ambas (que no mencionaremos aquí para evitar spoilers), pero como ha ocurrido con muchas otras novelas de Stephen King que han sido llevadas a la pantalla grande, la calidad de los argumentos y la excelente actuación de los actores la han llevado a convertirse en una película de culto para la cultura pop y principalmente para los fan de este género.

La historia gira en torno a Paul Sheldon, un afamado escritor famoso por crear la saga de Misery. Un día, al salir de las cabañas donde se encerraba a escribir, es alcanzado por una tormenta de nieve y su carro sufre un accidente. Para su fortuna, es rescatado por Annie Wilkes, una enfermera que casualmente es fan de sus libros. Annie idolatra a Shendon a un nivel casi enfermizo y hace todo por ayudarlo, lo lleva a su casa, cura sus heridas y lo alimenta mientras está convaleciente. Como forma de agradecimiento, Sheldon permite que Annie lea el manuscrito de su más reciente novela, pero el uso de palabras altisonantes la molesta y le provoca un ataque de ira.

La inestabilidad emocional en Annie se hace evidente cuando al leer el final de la saga de Misery explota contra el autor por haber matado al personaje principal, obligándolo a quemar su nuevo libro y a escribir una continuación de su saga favorita. A partir de ese momento Paul pasa de ser un invitado convaleciente a un rehén que es obligado a escribir bajo presión mientras es presa de infames y brutales actos de tortura. Sheldon intenta varias veces escapar pero sin éxito.

En un principio el filme podría parecer de esas películas viejas lentas y aburridas, pero no es así, la acción es constante pese a no ser trepidante como se acostumbra actualmente, la actuación es sobresaliente por parte de los actores, sobre todo por parte de Annie (Kathy Bates), cuya actuación le valió el Oscar. Los elementos que van develando el trasfondo personal de la enfermera están distribuidos de manera perfecta y aunados a su impredecible actuar generan una tensión constante en el espectador que es difícil de encontrar en las películas actuales que sólo apuestan por los sustos momentáneos.

El único punto débil es el paso del fanatismo a la obsesión por parte de la enfermera, pero luego de conocer un poco sobre su pasado termina por ser aceptable. Y justamente este es uno de los puntos más críticos de la película, pues hace énfasis en cómo la idolatría y el fanatismo por algo o alguien puede escalar a niveles enfermizos que resultan peligrosos. La obsesión que Annie tenía con la novela y el escritor se debía a que eran un medio para escapar de la realidad que tanto detestaba, por eso, cuando Sheldon mata al personaje principal, Annie se siente desprotegida pues aquello que era su medio de evasión había llegado a su fin. Similar a lo que pasa cuando privamos a un adicto de su droga.

Otro elemento de crítica social que me encantó y que puede pasar desapercibido por la mayoría de espectadores es la crítica al fenómeno de las sagas, tanto en el ámbito cinematográfico como en el literario, sobre todo en la actualidad donde ambos van muy de la mano; el cine depende de la novelas para tener buenas historias y las novelas dependen del éxito de su adaptación cinematográfica para incrementar sus ventas. Esa masificación y excesiva necesidad de consumo han provocado dos cosas, la primera es que los creadores desarrollen continuaciones que la mayoría de las veces no son coherentes ni están a la altura de la obra original, y la segunda es la producción de desenlaces complacientes con una audiencia que quiere más y no soportaría la idea de perder a sus personajes principales, en lugar de dar por terminada una obra en el momento correcto; por eso los libros de G. R. R. Martin generan controversia, pues mata cuando se tiene que matar sin importar la relevancia del personaje.

Tanto la novela como la película son excelentes, sobre todo en el desarrollo del terror y el suspenso, pero también en la crítica social que hacen al extremo apego y a la producción de nuevas partes que simplemente buscan satisfacen la insaciable necesidad del consumidor en lugar ampliar la obra original. Misery se ha convertido en un elemento tan icónico de la cultura pop que ha sido parodiada, mencionada o aludida en muchas obras recientes. Uno de los ejemplos que más me gusta es en capítulo de La Casa de los Dibujos en donde Clara mantiene enfermo a Mueble O’Algo para seguir cuidándolo y parecer una buena persona. Sin duda un clásico que no se pueden perder sean fans o no del género.

Desdibujando fronteras lingüísticas con YouTube

11 enero, 20168 enero, 2016Cuauh5 comentarios

Si ustedes son latinoamericanos y nacieron en el siglo pasado como yo, probablemente tienen cierto conflicto al escuchar películas o serie dobladas en español de España. Para nuestra generación, donde el contenido internacional era difícil de obtener y cuando se lograba ver era ya tropicalizado, escuchar acentos ajenos siempre ha sido algo incómodo. Quienes vivimos en el continente americano tenemos mayor unidad lingüística debido al doblaje, el cual suele hacerse en un español neutro, generalmente en México, Chile o Argentina, pero que difiere mucho del doblaje ibérico.

Cuando uno entra en YouTube es frecuente ver peleas entre internautas ya sea defendiendo el doblaje de su región o atacando al doblaje extranjero; España contra Latinoamérica es lo más común. No obstante, la puerta al mundo que nos ofrece internet y la variedad de canales que podemos encontrar en YouTube está influyendo mucho en la desaparición de estas fronteras y conflictos lingüísticos, sobre todo en jóvenes menores de veinte años.

Actualmente es difícil encontrar a algún usuario de YouTube que siga exclusivamente canales de su país, lo más común es que consuman contenido de diferentes países. Yo por lo menos consumo contenido de manera regular de mexicanos, chilenos, peruanos, guatemaltecos, españoles, estadounidenses, canadienses y japoneses. El gusto e interés por determinado tipo de videos nos lleva a visitar canales de personas extranjeras, pero no es sólo eso, las colaboraciones entre muchos de los Youtubers también te llevan a interesarte por los canales de personas que si bien hablan tu idioma lo hace de forma un tanto diferente.

Entre los Youtuberos gamers, por poner un ejemplo, tenemos que en un mismo gameplay pueden estar participando un mexicano, un español, un peruano y un inmigrante que redice en Estados Unidos y cuyo español está más cerca del spanglish que de su variante materna. Ya en algunas series para adolescentes que pasaban en esos canales de paga, hemos visto a mexicanos y sudamericanos interactuar, dando como resultado una mezcla de acentos que para esos tiempos resultaba algo incómodo. Sin embargo, la periodicidad con la que podemos escuchar esta mezcla de acentos en internet es tan frecuente que uno termina por acostumbrarse, o al menos eso me pasó a mí.

Hubo un momento en mi vida de internauta que empecé a consumir mucho contenido de españoles, tanto que me dejó de parecer incómodo su acento, lo mismo ocurrió con las variantes léxicas de los diversos países de América del sur. El irme acostumbrado a sus acentos y regionalismos me permitió ver sin problemas un video en donde todos los participantes fueran de diferentes países, y eso mismo ha pasado con muchas otras personas, al grado de que las expresiones coloquiales están dejando de serlo, y frases o palabras que antes sólo se entendían en su país de origen ahora son comprendidas por gran parte de los hispanoparlantes que usamos internet.

Internet está generando una verdadera aldea global y la desaparición de las fronteras lingüísticas es prueba innegable de ello. Y no sólo en el español sucede esto, si ustedes saben hablar inglés probablemente estén acostumbrados al acento gringo, pero gracias a YouTube es posible tener acceso a canales ingleses, canadienses, australianos o de algún extranjero cuya lengua materna no es en inglés, pero que sabe hablarlo y con ello enriquece nuestro conocimiento en una segunda lengua. Es cierto que muchas de las palabras extranjeras no las usamos ni las usaremos en nuestro hablar diario, pero cuando prendamos nuestra computadora y leamos o escuchemos a alguien usarlas las podremos entender. Todo lo anterior sin contar los anglicismos que como internautas estamos prácticamente obligados a aprender.

Digimon Adventure (Podcast)

6 enero, 201630 enero, 2022Vossk3 comentarios

El día de hoy les traemos otro podcast nostálgico. En tiempos recientes se han revitalizado muchas de las sagas con las que crecimos para nuestro regocijo, desde trabajos legendarios como Star Wars o Jurassic Park, hasta Dragon Ball y el tema en cuestión, Digimon. En nuestro país la serie fue bien recibida, derrotando rápidamente a su principal contendiente, Pokémon, y su lugar como una de las series emblemáticas de principios de siglo.

En la serie seguimos las aventuras de ocho niños y sus respectivos compañeros digimon, cada uno con sus propios rasgos y personalidad, trabajando juntos para vencer al mal en numerosas ocasiones, aprendiendo unos de otros conforme los personajes crecen y evolucionan de la mano con el espectador, pues luego de visitar el digimundo, ninguno de ellos vuelve a ser el mismo.

Luego de quince años, Toei Animation anuncia la continuación de Digimon Adventure con una tercera parte en formato OVA. Spidy y yo aprovechamos el estreno de la primera de cuatro OVAs, Reunión, para compartir las anécdotas que tenemos respecto de las dos temporadas originales, concluyendo en el camino que, aunque estaba dirigida a un público infantil, el trasfondo de la serie es aún más oscuro.

Y es que la cantidad de drama, sacrificios y brillantes diálogos profundos no son algo que llegaría al horario familiar de la televisión abierta en la actualidad. La capacidad de identificarnos con los protagonistas y la dualidad de muchos personajes la convirtieron en algo más que un montón de niños aventurándose en un nuevo mundo. Sin más preámbulo, pasamos al audio y los enlaces.

Disponible también desde: Anchor

2015

31 diciembre, 201530 diciembre, 2015Cuauh1 comentario

Ha pasado un año más y sin temor a equivocarme este ha sido uno de los más provechosos para el blog. En primer lugar porque pude mantener un ritmo constante en las publicaciones, las cuales se hicieron desde el primero de enero cada cinco días sin falta. En segundo lugar, después de varios meses de planeación (agosto 2014), el podcast pudo ver la luz y hasta la fecha, con los seis episodios publicados, estamos cerca de las 2 mil descargas. Empecé a usar Twitter para el blog y la página de Facebook llegó a 62 likes, pocos quizás, pero muy valiosos. Pero sin duda lo más importante fue superar las visitas del año pasado por casi el doble. Este año el blog tuvo 56,800 visitas, llegando a un total de 346,550, sin contar las visitas que reciba el día de hoy.

Muchas gracias a todos los visitantes, a los fieles suscriptores (Kino, todos quisiéramos mil suscriptores como tu), a los colegas blogueros (CV eres genial) y a todos los que se han tomado la molestia de regalarnos algunas horas de su tiempo leyendo las cosas que escribimos aquí. Y sobre todo, gracias a mi querido amigo Vossk por otro año compartiendo en el ciberespacio y por prestar su voz para el podcast, sin olvidar a todos los invitados que han participado en DeFicciones.

Para 2016 seguiremos escribiendo en este blog tanto como el tiempo nos lo permita, continuarán los podcast mensuales y quizás empiece a subir gameplays al canal de YouTube para que tenga algo y no sólo los videos de apoyo para el blog y el podcast. De nueva cuenta, gracias a todos por haber visitado Café Anime Lair y nos estamos leyendo y escuchando en 2016.

Ghunship

25 diciembre, 201524 diciembre, 2019CuauhDeja un comentario

Página Oficial

Hace tiempo que no hablaba de un grupo musical, desde Gorillaz, pero eso se debe a que pocos grupos hacen uso de la animación para crear sus videos musicales. Gunship es un grupo inglés que podríamos describir como «los 80 hechos música» ya que tanto su música como la estética de sus videos, junto a todo el merchandising que ha generado la banda, nos remiten a una tienda de arcadias donde los juegos de 8bit y las primeras canciones electrónicas inundaban el lugar iluminado con tubos de neon.

Gunship es una oda a aquellos años ochenta donde la computación y los hacker dieron al cine Serie B cientos de ideas que se desarrollaron en películas Cyberpunk, y justamente es ese género el que vemos en la mayoría de sus videos. En lo personal me gustan sólo un par de sus canciones, Tech Noir es mi preferida, pero lo que si me facinó fueron sus videos musicales.

El primero de estos videos es Black Sun on the Orizon, que nos remite a animes ochenteros como Akira, o a la animación estadounidense de esa misma década llena de visceralidad y cosas rudas, un poco fantástica, un poco medieval; similar a He-Man que tiene aún cienta esencia pulp, en este caso esencia Hurlant. El segundo video es The Mountain, creado enteramente a partir de las cinemáticas de GTA V. El tercer video (no los estoy poniendo en orden cronológio) es Fly For Your Life, con una animación impresionante que nos remite a escenas de un cómic gracias al estilo de dibujo. Finalmente los dos últimos videos Tech Noir y Revel in Your Time son unas verdaderas obras de arte. Tech Noir, dirigido por Lee Hardcastle, nos lleva por un trepidante paseo a la época de los VHS con violencia, acción y muchos guiños al cine ochentero, mientras que Revel in Your Time es Cyberpunk puro y duro del nivel de Blade Runner, de hecho el pequeño video es el ejemplo perfecto de algo que podemos denominar como Tech Noir retrofuturista (o lo que es lo mismo Cyberpunk retrofuturista).

El día que Genshiken se volvió real y llegó a México

20 diciembre, 201524 diciembre, 2019CuauhDeja un comentario

Todo buen friki con estudios de bachillerato e interés por estudiar a nivel profesional ha soñado con estudiar algo relacionado a su hobby (animación en la mayoría de los casos), o en dado caso de que ya sea profesionista, desarrollar una investigación (dígase tesis) sobre su pasatiempo. Cuando iba en la preparatoria decidí no estudiar algo concerniente a la animación o la escritura por dos razones, la primera era la falta de talento artístico en ambos rublos y la segunda era que no quería terminar odiando mi afición favorita cuando esta se convirtiera en mi trabajo (como le está pasando al Ral-Negas). Así que opté por la segunda cosa que más me gustaba y que no me importaría odiar si en algún momento me frustraba trabajar en ello. No obstante, como los lectores más fieles sabrán, si hubiese existido una escuela para estudiar Ciencia Ficción habría estudiado allí (en realidad quizás tampoco pues esa pasión por dicho género se me desarrolló ya en la licenciatura).

Mientras estudiaba la carrera y viendo lo laxa que puede ser la antropología en cuanto a los temas de estudio (es decir, puedes estudiar prácticamente cualquier cosa mientras esté vinculado con las sociedades humanas y tenga rigor científico), me pregunté muchas veces si alguien ya se habría interesado por el anime, el manga o la Ciencia Ficción como temas de estudio; así como esa serie de Genshiken y su Sociedad por el Estudio de la Cultura Visual Moderna. Si algo así podía pasar era muy factible que fuera en ENAH.

Un día, en clase de Cerámica (odio analizar cerámica), una amiga llegó con un folleto que, según sus palabras, “quizás me interesaría”. Dicho folleto era para apoyar llenando unas encuestas sobre Japón y el anime para un grupo llamado Círculo de Estudios sobre la Subcultura Japonesa en México (CESJM), grupo que pertenecía a mi escuela y estaba integrado por Etnólogos y Antropólogos, así como por alumnos del respectivo posgrado. “Esto es lo más cercano a Genshiken que podré conocer jamás”, me dije. Entré a su blog, llené mi encuesta y me suscribí para ver qué cosas decían sobre el anime y su influencia en México desde una perspectiva científica respaldada por una institución educativa.

Para ese momento estaba consciente de que mis capacidades no eran suficientes como para retorcer a la arqueología al punto de que pudiera hacer una tesis relaciona, así que me decidí por observar el trabajo de otros. Pero espere, y espere, y seguí esperando al punto de cancelar mi suscripción de su blog. No publicaban nada y parecía ser un proyecto fantasma del que no se hablaba en ningún lado. Para mi fortuna y gracias a un post de Ragnarok me enteré de que el CESJM seguía con vida y no sólo eso, sino que estaba organizando una serie de conferencia sobre el fenómeno Otaku en México a cargo del Antropólogo y Mangaka japonés Eiji Otsuka. Como esa semana era mi examen profesional sólo pude asistir a la primera conferencia, y quedé sorprendido de la cantidad de gente que fue, tampoco es que fuese mucha, pero si normalmente vemos menos de quince personas en los coloquios que se hacen de forma regular, ver el auditorio pequeño de la escuela casi lleno deja a las claras que hay más fans del anime en nivel superior de lo que parece. Supongo que la mayoría no sólo se queda en la prepa.

Ya había visto cursos o conferencia sobre Ciencia Ficción y Anime en la UNAM, pero está era la primera vez que se hacía algo relacionado en mi escuela. Honestamente me alegró saber que el tema friki sí es objeto de estudio por parte de quienes nos denominamos científicos sociales. Yo desde mi trinchera estancada en el estudio de objetos de sociedades que vivieron en el pasado no puedo hacer mucho (de momento), pero es bueno saber que ya hay gente haciendo algo, y que esa gente son los ahora profesionista que fueron frikis en la preparatoria, porque quién más haría una tesis titulada El Impacto de la Animación Japonesa en México: el papel del discurso mítico en la construcción de identidades ritualizadas en jóvenes de la Ciudad de México. Álvaro Hernández es el autor de la metada tesis y un pionero en la antropología mexicana sobre este tema de estudio, un friki que logró ese sueño de estudiar lo que tanto le gustaba al grado de que ahora estudia su Maestría en la Universidad de Kobe.

Creo que si el frikismo (u otakismo, según prefieran) se canaliza en acciones como esta entonces todas esas hora viendo anime, leyendo maga o jugando videojuegos no son para nada un desperdicio de tiempo. Álvaro no es el único caso, ya en Facebook publiqué algunos títulos de tesis de maestría sobre Ciencia Ficción. Creo que es momento de retomar mi frikismo de la prepa y canalizarlo en un posgrado.

Les dejo el video de la conferencia que Eiji Otsuka presentó en mi escuela el pasado 30 de noviembre.

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