Animación

Power Plant No. 33

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Título Original: Power Plant No. 33.
Género(s): Ciencia Ficción / Kaiju / Mecha.
Director: Yasuhiro Yoshiura.
Estudio: Trigger.
Emisión: 2015.
Duración: 6:10 minutos.
Extras: –

Creado originalmente como parte de la Japan Animator Expo, Power Plant No. 33 es un formidable cortometraje con temática de Kaijus, pero con una historia que está totalmente fuera del argumento tradicional en este tipo de obras.

La calidad del corto es asombrosa, el estilo de escenarios y personajes es propio del que podemos ver en todas las obras de Yasuhiro Yoshiura, pero con un estilo ligeramente diferente. Lo más destacable es el diseño de escenarios, pues la ciudad donde transcurre todo tiene un estilo desgarbado y oxidado un tanto cyberpunkesco, con cables de energía corriendo por toda la ciudad completamente expuestos. Además de eso, la cantidad de detalles y la fluidez y nitidez de la animación son asombrosos.

La historia toma lugar en una ciudad donde se localiza la Planta de Poder número 33. Dicha planta obtiene la energía eléctrica drenándola de un inmenso Kaiju que yace en el centro de la urbe. Al parecer, es ese mundo los grandes monstruos son quienes generan la energía, incluso se anuncian en la televisión mini kaijus como fuente alternativa de energía para las casas. Como el Kaiju genera mucha radiación, todos los habitantes se ven obligados a usar un traje protector especial.

De forma inesperada, un Kaiju robot llega a la ciudad y ambas bestias empiezan a luchar. Al parecer el drenar la energía mantenía débil al Kaiju, pero cuando el enemigo llega todo se sale de control. Los habitantes evacuan la ciudad mientras los monstruos pelen. Al final el robot es derrotado y el Kaiju ganador escapa de la ciudad en ruinas, la cual quedó destruida pero también sin radiación.

El cortometraje es sencillamente perfecto. La calidad en sus detalles ya lo hace sobresaliente, pero ver a un Kaiju siendo usado como batería por la humanidad en lugar de representar una amenaza lo hace aún más interesante. Además, el hecho de que todas las actividades de la ciudad giren en torno a la planta de energía hace que en todo momento el Kaiju sea el centro de atención. Sin olvidar que al ser tan fugaz genera muchas interrogantes sobre cómo se llegó a usar el poder de esa bestia en beneficio de la humanidad, lo que bien merecería toda una serie sobre el tema.

Yasuhiro Yoshiura es uno de mis tres directores de anime preferidos, desde aquellos primeros cortometrajes de índole experimental como Noisy Birth, Kikumana o Mizu no Kotoba, ha crecido formidablemente, y de entre todos sus cortometrajes creo que este se ha convertido en mi favorito. En verdad me gustaría que Trigger le diera la oportunidad de hacer una serie o al menos una película basada en esta historia, pues tiene el potencial de competir con cualquier otra obra de grandes monstruos.

One Punch Man

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Título Original: ワンパンマン (Wanpanman).
Género(s): Comedia, Henshin, Ciencia Ficción, Shônen.
Director: Shingo Natsume.
Estudio: MadHouse.
Emisión: Octubre 2015 – Diciembre 2015.
Duración: 12 episodios.
Extras: 6 OVAs

El mundo de los superhéroes ha tenido mucho auge durante los últimos años, tanto en el cine hollywoodense con las adaptaciones de Marvel y DC, como en opciones más ácida con un humor muy diferente y que nos muestran otra cara de los defensores de la justicia como en el caso de Kick Ass (2010). En el anime, los hombres y mujeres que luchan por defender al mundo son incontables, pero ninguno se compara en lo más mínimo con el superhéroe más poderoso que la ficción nos ha regalado, Saitama.

One Punch Man es una irreverente sátira que critica el estereotipo del supehéroe convencional y nos muestra que cuando tu poder es inconmensurable y no hay oponente que signifique un reto, hasta el héroe más poderoso puede ser víctima de la depresión, de la falta de motivación o de una crisis existencial. One Punch Man nos cuenta la historia de Saitama, el ser más fuerte del universo, quien se dedica a ser héroe por pasatiempo, pero esta pasión empieza a perder sentido ya que todos sus oponentes son vencidos con un simple puñetazo.

La calidad de la serie es muy buena, la música es excelente y se acopla perfecto al ritmo de la historia, el diseño de personajes es fabulosos y nos muestra todo tipo de héroes con poderes, personalidad y característica que van desde lo convencional a lo estrafalario, siempre alejados del estilo genérico que domina el anime actual. Los villanos también son muy variados, desde Kaijin titánicos hasta piratas espaciales que buscan invadir el planeta. Algunos con poderes sumamente brutales que ni toda la liga de superhéroes junta pueden derrotar, pero que sucumben ante un simple golpe de Saitama. Un toque muy particular y que acentúa esa esencia irreverente es el constante cambio en el estilo de dibujo, sobre todo en lo que respecta al protagonista.

Si bien la historia gira en torno a Saitama, le da suficiente juego al resto de personajes y permite que veamos a la mayoría de ellos en acción. Aunque el despliegue de poderes y las batallas son tan geniales que irremediablemente siempre te dejan con ganas de más. La trama sigue la historia de Saitama en su búsqueda por encontrar un enemigo que le represente un reto, mientras trata de subir de categoría en la Asociación de Superhéroes a la que acaba de ingresar gracias a un ciborg que lo ha tomado como maestro.

Saitama y Genos, el ciborg, forma un equipo, pero mientras su pupilo es clasificado como superhéroes clase S, la más alta, Saitama apenas alcanzó el puntaje para ingresar y tiene que empezar desde abajo en la menospreciada clase C. Con el paso de los episodios vemos a enemigos atacar el mundo y enfrentarse a los distintos superhéroes, según la amenaza es el rango del héroe destinado a hacerle frente. Sin embargo, cuando los verdaderos enemigos llegan ningún héroe puede contra ellos, excepto Saitama, quien lamentablemente nunca es reconocido por sus logros, por el contrario, lo consideran un farsante pues su apariencia inexpresiva y su actitud apática le hacen creer al resto que no es tan fuerte como realmente es.

Saitama no es sólo el hombre más fuerte del mundo, también demuestra una total falta de interés por ser aclamado, ser superhéroes es su hobbie y encontrar un oponente digno es su meta, estando dispuesto a cargar con el menosprecio de los habitantes a quienes ha salvado innumerables veces.  Detrás del argumento principal de superhéroes, se empiezan a tejer algunas subtramas que lamentablemente no alcanzamos a ver durante la primera temporada, pero que seguramente generarán contenido igualmente emocionante para posteriores entregas.

La serie empezó como un webcómic y se ha convertido es uno de los mejores Shônen de la década. Las batallas, el despliegue de poder y los villanos son tan atractivos que te enganchan desde el inicio. El poder de Saitama es tan grande de raya en lo ridículo, la serie se burlan del cliché del hombre moralmente incorruptible pero sin llegar a la crudeza y profundidad de obras como Watchmen (2009), lo que le permite decantarse por la comedia y la acción, y los enemigos hacen referencia a monstruos de la cultura pop y algunos tienen un estilo algo noventero y rudo que se agradece bastante. Sin olvidar que su violencia se acerca mucho al gore, aunque aún está algo lejos de pertenecer a ese género.

El hecho de saber que Saitama siempre va a ganar sin importar el oponente no le quita lo emocionante ni lo inesperado, mucho menos lo divertido, los creadores se la han arreglado muy bien para mantener el toque de comedia irreverente en todo momento y la emoción de las batallas, aun sabiendo que sin importan cuánto poder tenga el oponente todo terminará una vez que Saitama suelte el primer golpe. Y el hecho de jugar tanto con el cliché del superhéroe como con la frustración personal que cualquiera puede llegar a tener con respecto a la autorrealización permite que los espectadores ya estrados en los veintes se identifiquen a plenitud con el personaje, quien por ciento tiene 25 años de edad.

Para ser sincero el final no me dejó un muy buen sabor de boca, no porque sea malo, de hecho es bastante épico, sino por lo frustrante que me resultó que Saitama nunca recibiera el crédito por sus logros y que los otros superhéroes nunca lo viera en plena batalla para que constataran lo fuerte que es y dejaran de ser tan arrogantes y sentirse superiores, pero bueno, también hay que aceptar que eso era algo que nunca le importó a nuestro protagonista. De cualquier forma, es una magnifica serie, llena de acción, geniales batallas, diseños originales y con un personaje principal sencillamente fabuloso.

La popularidad de esta serie ha sido tanta que el duelo entre los fans por decidir quién es el personaje más fuerte del anime no se ha hecho esperar y ha posicionado a Saitama entre los primeros lugares, justo al lado de Gokú, con quien seguramente se disputará la corona del hombre más fuerte del universo por mucho tiempo, hasta que los fans lleguen a un acuerdo o aparezca un personajes aún más poderoso. Una gran recomendación que nadie se debería perder.

Terraformars Revenge

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Título Original: テラフォーマーズ (Tera Fômâzu).
Género(s): Henshin, Ciencia Ficción / Biopunk, Shônen.
Director: Michio Fukuda.
Estudio: Liden Films, TYO Animations.
Emisión: Abril 2016 – Junio 2016.
Duración: 13 episodios.
Extras: Terraformars, Terraformars OVAs.

Luego de ver uno de esos videos amarillistas donde recomendaban Terraformars ya que era una de esas series gore que no te puedes perder, decidí aprovecha que ya la tenía en mi lista de espera en Crunchyroll. Para mi desgracia no era nada gore, o al menos no como el video me había prometido. Luego caí en cuenta de que estaba viendo algo llamado Revenge y supuse que era una segunda temporada, luego de investigar un poco descubrí que lo que estaba viendo se trataba de Terraformars Revenge, la segunda parte del anime que se basa en el segundo arco del manga homónimo escrito por Yû Sasuga y mejor conocido como Anex I.

La historia transcurre en 2620, la humanidad ha unido esfuerzos para terraformar Marte y acabar con los problemas de sobrepoblación, para ello ha enviado cucarachas y musgo al planeta rojo, pero algo ha hecho evolucionar a los insectos y ahora son gigantescas moles antropomorfas deseosas de atacar a cualquier humano conocidas como Terraformars. 20 años antes la nave Busg II viajó al planeta vecino y encontró a las evolucionadas cucarachas por primera vez, ahora el Anex I debe regresar a recuperar muestras para fabricar la vacuna de una misteriosa enfermedad incurable que amenaza con extinguir a la humanidad.

Para hacerle frente a los peligros espaciales, el virus y las cucarachas, los miembros de la expedición se han sometido a una cirugía que mezcla su ADN con el de algún insecto o animal y le permite usar las habilidades de este; algunos están optimizados para el combate mientras que otros son simples civiles. Tan pronto llegan a Marte las Cucarachas atacan y las seis facciones que integran la misión deben dividirse. Buscando reagruparse, la primera y segunda facciones descubren que todo fue un complot de la cuarta, desatando con ello una lucha interna de intereses políticos a la par que enfrentar a los insectos marcianos.

La calidad del anime es muy buena y se aleja del diseño genérico del anime actual, o al menos al estilo rudo lo hace lucir diferente. Tiene algunos gráficos por computadora que no me gustaron pero en general el apartado de animación es muy bueno y nos permite disfrutar de las grandiosas batallas. La música hace un buen trabajo y le va excelente a ese estilo Shônen que casi rosa lo Seinen. Los personajes están bien diseñados y cada uno logra suficiente originalidad tomando en cuenta que son muchos, aunque al final algunos resulta algo desesperante.

La historia tiene tres argumentos principales: la cuestión de las cucarachas y el virus, la traición por parte de la cuarta facción y el trasfondo político que toma lugar en la tierra por parte de los líderes de los países miembros de la expedición. En lo que respecta a los Terraformars todo es grandioso, los insectos van robando los poderes de los humanos y cuando ambas especies se enfrentan nos regalas vistosas y muy entretenidas peleas con asombrosos despliegues de poder.

La cuestión política fue la que me molestó un poco. Teniendo un elemento tan grandioso como las cucarachas, que pierdan el tiempo con complots entre humanos resulta frustrante. Es entendible que quieran criticar la naturaleza traicionera de los humanos y demostrar que incluso un grupo de cucarachas súper evolucionadas son mejores como especie que nosotros, pero me hubiera gustado que explotaran más sus habilidades en escenas de batallas.

Un mensaje que sí está bien trabajado y que es lo único rescatable del trasfondo político de traición en la cuestión del deber heroico. Tanto los traidores como los héroes que quieren encontrar una vacuna para el virus están totalmente convencidos de su misión y están dispuestos a dar la vida para lograrla. Esos actos heroicos que algunos personajes realizan no son vacíos como suele pasar en muchas otras series, aquí sí logran trasmitirte ese deseo y esos ideales por cumplir su misión incluso si esto implica dar la vida. Algo que se agradece mucho pues pocas veces se logra que el espectador perciba eso sin caer en lo cursi, lo excesivamente dramático o lo hueco.

Otra característica particular de la narrativa que no me terminó de convencer fue el uso, a mi parecer, excesivo de flash-backs para contar el pasado de los personajes. Aunque debemos aceptar que logra darles un lugar a la mayoría de los personajes en algún momento a pesar de que son muchos. Sin duda una excelente serie con un trasfondo interesante, batallas épicas que te mantendrán pegado a la pantalla y personajes que cumplen bastante bien. Y aunque no fue tan gore como yo esperaba, aún tengo la esperanza de que la primera temporada o las OVAs sí lo sean. Y no debemos olvidar que puede verse sin la necesidad de haber visto la primera temporada, yo la vi así y le entendí perfectamente, o eso creo.

De Akatsuki a Karl Marx

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Pese a que como Arqueólogo soy Antropólogo y como Antropólogo soy Científico Social, no soy para nada un experto en cuestiones teóricas, de hecho desconozco a profundidad la mayoría de teorías y sólo en un par de ellas tengo nociones más amplias. Por lo mismo no voy a explicarles de que trata el Materialismo Histórico, o como quizás lo conozcan mejor, el Marxismo. Pero para que puedan entender un poco este ensayo no está de más dar una explicación sumamente resumida de lo que trata esta teoría.

Para el Materialismo Histórico existe un concepto llamado modos de producción, que son las formas mediante las cuales una sociedad produce los bienes materiales necesarios para su subsistencia (como el alimento, por ejemplo). Estos modos de producción integran los instrumentos de trabajo (herramientas), la técnica y la fuerza de trabajo (mano de obra) que finalmente terminan por modificar las relaciones entre los miembros de una sociedad, lo que podemos denominar como régimen económico-social.

El factor económico y todo lo que lo integra será llamado a partir de ahora la estructura. Por otra parte, dentro de una sociedad tenemos otros elementos como las leyes (lo jurídico), la política, la religión, la ideología y demás instituciones; este conjunto de elementos serán la superestructura. Para Marx, la superestructura estaba directamente determinada por la estructura, es decir, las condiciones económicas. Citando a Marx:

…en la producción social de su vida los hombres establecen determinadas relaciones necesarias e independientes de su voluntad, relaciones de producción que corresponden a una fase determinada de desarrollo de sus fuerzas productivas materiales. El conjunto de estas relaciones de producción forma la estructura económica de la sociedad, la base real sobre la que se levanta la superestructura jurídica y política y a la que corresponden determinadas formas de conciencia social. El modo de producción de la vida material condiciona el proceso de la vida social política y espiritual en general. No es la conciencia del hombre la que determina su ser sino, por el contrario, el ser social es lo que determina su conciencia.

Ahora bien. El plan de Akatsuki era el siguiente, según lo explica el propio Pain durante el capítulo 81: (1) el primer objetivo era hacer dinero, (2) con ese dinero crearían la primera organización de guerra por contrato, pero a diferencia de las Aldeas Shinobi no se dedicarían a hacer misiones a cambio de un pago, y (3) eventualmente se harán con el monopolio de la guerra, cobrando grandes sumas de dinero, lo cual podrán hacer gracias a que ellos tendrán el control de los mecanismos de producción (las bestias con cola). Al tener el control de la estructura, Akatsuki tendrá el control del mundo.

Aquí lo importante es notar que las Aldeas Ninja son la base de la economía de las naciones y por ende necesitan de una determinada cantidad de guerra para que el dinero fluya. La economía basada en la guerra es el modo de producción (la estructura) y la superestructura se determina en torno a la necesidad de guerras y shinobis, lo cual puede observarse en las relaciones sociales. Por eso tenemos una escuela donde los niños aprenden a ser ninjas y no ingenieros, por eso el máximo líder de la aldea ninja es un líder militar y no el señor feudal, por eso se inculca un férreo sentimiento de valor y lealtad a los shinobis para que sean capaces de dar la vida por su aldea. Todos esos elementos sociales, desde la perspectiva marxista, son determinados por la necesidad de mantener un perpetuo estado de conflicto a fin de que la principal fuente de ingresos económicos (las guerras) siempre esté presente.

Himôto! Umaru-chan

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Título Original: 干物妹!うまるちゃん (Himouto! Umaru-chan).
Género(s): Comedia, Slice of Life.
Director: Masahiko Ohta.
Estudio: Doga Kobo.
Emisión: Julio – Septiembre 2016.
Duración: 12 episodios.
Extras: 2 OVA.

Basado en el  manga homónimo de Sankau Head, Himouto! Umaru-chan es una simple y algo genérica serie de comedia ligera que en un principio no resulta del todo atractiva, pero que al pasar de los capítulos resulta algo entretenida siempre y cuando te hayas logrado identificar con alguno de los personajes. Es cómica sí, pero se queda muy corta y puede resultar un poco difícil de seguir en los primeros capítulos.

La calidad es buena, los personajes cae en estereotipos pero los radicales cambios de personalidad y diseño de la protagonista son interesantes. La música no está mal pero no es para nada sobresaliente y los escenarios son aceptables pese a limitarse, en la mayoría de las escenas, al departamentos de los personajes principales.

La historia gira en torno a Umaru Doma una chica de preparatoria aparentemente perfecta, tiene las mejores calificaciones, es hermosa, buena en los deportes y sumamente amable, sin embargo, fuera de la mirada pública es una despreocupada vaga que pasa las tarde viendo anime, leyendo manga o jugando videojuegos, mientas se atasca de comida chatarra. Es prácticamente incapaz de hacer algo por sí misma y siempre termina manipulando a Taihei, su hermano mayor, para que haga todo por ella.

La premisa resulta sin duda interesante, y ese cambio en el estilo de dibujo ayuda a diferencia a la Umaru perfecta de la Umaru otaku, yo incluso quedé con la duda de si es un cambio en el estilo de dibujo o en realidad se transforma. Lamentablemente la serie sustenta toda su comedia en ese drástico cambio de personalidad, lo cual no es suficiente para hacerla divertida y en algunos momentos resulta algo tediosa, sobre todo en los primeros episodios cuando vemos como Umaru abusa de su pobre hermano con sus berrinches a fin de obtener lo que ella quiere. Llega un punto en que Umaru es tan manipuladora que cae mal.

Afortunadamente poco a poco se empiezan a mostrar detalles de la personalidad de todos los personajes que hace las cosas un poco más profundas. Por una parte, vemos que Umaru es un genio en la escuela, pues obtiene buenas calificaciones sin estudiar, no obstante, lo interesante es que a ella le resultan totalmente indiferentes todos sus logros escolares, lo único que quiere es llegar a su casa para ver el capítulo de estreno del anime de temporada. Ese aspecto de obtener buenos resultados en algo que en realidad no te importa fue lo que medianamente me hizo identificarme con ella.

Si analizamos un poco su personalidad podemos darnos cuenta de que raya en ser hikikomori, pues pasa la mayor parte de su tiempo en casa y no le gusta salir. Para ella el internet es la única ventana que necesita y le interesa del mundo exterior, el cual no le es tan entretenido como la ficción que tanto consume. Ahora bien, parte de que sea así tiene que ver con el hecho de pasar mucho tiempo sola, a pesar de ser tan popular y admirada en la escuela; digamos que de forma muy sutil la serie refleja la soledad del estudiante y el salaryman japonés. Aunque esto analizándola demasiado, pues la serie es muy plana y tan sólo da pequeños chispazos que podrían dejar entrever un trasfondo nostálgico.

El resto de personajes es más o menos similar, tienen algún tipo de conflicto en su personalidad que medianamente empiezan a superar al final de la serie. El problema es que ningún personaje crece realmente, todos se quedan igual y eso es algo frustrante, incluso haber optado por el cliché de “Umaru entiende todo lo que su hermano hacer por ella y deja de ser tan fastidiosa” hubiese resultado un mejor final que la forma en que termina, ya que todos los personaje siguen en el mismo lugar donde comenzaron.

Así como Otaku no Video fue un fiel reflejo del otaku de los años 80 y 90 o Genshiken, de la primera década de este siglo, Himouto! Umaru-chan es fiel reflejo del hiperconsumismo friki de esta década. Algo que sí es bastante gracioso son todas esas referencias a las series de anime más populares, sobre todo la parodia a SELEE de Evangelion o el homenaje a Susurros de Corazón. Y si bien la serie tiene sus momentos cómicos, no es para todo público, te puede gustar si eres muy friki aunque no es una serie que yo recomendaría a alguien que quiera una comedia ligera pero no sea tan clavado en el anime.

Star Wars: Clone Wars

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Título Original: Star Wars: Clone Wars
Género(s): Sobrenatural, Peleas, Fantasía, Comedia, Drama.
Director: Genndy Tartakovsky.
Estudio: Cartoon Network Studios y Lucasfilm Ltd.
Emisión: 7 de noviembre de 2003 – 25 de marzo de 2005
Duración: 3 Temporadas repartidas en dos volúmenes, 25 episodios en total.
Extras: TIE Fighter.

Star Wars vuelve a estar presente en la mente del colectivo, con una nueva trilogía que muchos creímos imposible, películas complementarias como la aclamada Rogue One y por supuesto, la avalancha inevitable de mercancía. El material original atraviesa tres etapas: la trilogía clásica, las terribles precuelas y la nueva serie de películas desarrolladas por Disney, cada una adaptada al contexto de su propia época. En mi caso, me tocó presenciar el surgimiento y declive de las precuelas.

Al igual que mi editor, no soy gran fan de Star Wars y sólo unos pocos personajes me mantienen interesado en este gigantesco universo que ha cautivado a millones durante demasiadas generaciones. De entre las películas, las únicas que no me parecen totalmente aburridas son El Imprerio Contrataca, La Venganza de los Sith y Rogue One. Recuerdo que hubo una gran campaña mediática para promocionar la última de las precuelas, pero al final la película no pudo satisfacer las expectativas de los seguidores.

Afortunadamente no todo fue un desperdicio, pues de entre todo este hype apareció uno de los mejores trabajos en el universo de Star Wars, Las Guerras Clon. Se trata de una mini-serie animada producida por Cartoon Network Studios en asociación con Lucasfilm y dirigida por Genndy Tartakovsky, uno de los creadores más prolíficos de la compañía. Su objetivo principal era conectar El Ataque de los Clones con La Venganza de los Sith y de paso generar interés en la tercer película.

El primer volumen se compone de 20 episodios de 3 minutos de duración aproximadamente. Recuerdo que solían aparecer repentinamente entre bloques de la programación habitual de Cartoon Network para dejarte con la boca abierta. Cinco episodios de más de diez minutos de longitud componen el volumen final y dan cierre a la historia, que efectivamente nos deja justo al inicio de La Venganza de los Sith. La serie tiene gran énfasis en la acción, sin dejar a un lado el argumento.

Los primeros episodios nos relatan diferentes batallas que tienen lugar a lo largo y ancho de la galaxia conforme avanza la guerra. Al final del primer volumen comienzan a resaltar dos historias en particular que tienen su respectivo desenlace en la segunda parte. La calidad en la animación es fascinante, extremadamente dinámica y perfecta para las desenfrenadas secuencias de acción, aunque resulta evidente el uso de modelos tridimensionales en varias secuencias.

Si bien el estilo de dibujo puede parecer fuera de lugar en un principio, basta con ver un par de episodios para quedar atrapado en esta pequeña muestra de las legendarias Guerras Clónicas. El apartado técnico (efectos, sonido, voces) es magnífico. Un punto que se ha mencionado mucho entre los fans en el que estoy completamente de acuerdo es que esta animación supera a cualquiera de las precuelas, incluso introdujo personajes que más adelante fueron retomados en otros trabajos.

La serie tiene un ritmo particular que le otorga su propia identidad. Los episodios tienen un enfoque distinto, pero siempre están presentes dos características que encantan. Muchas de las increíbles secuencias de acción carecen de música, dejando que los movimientos de los personajes acaparen toda nuestra atención. También suele haber una breve pausa antes de que ocurra alguna reacción que desate otra serie de escenas emocionantes.

Star Wars: Clone Wars es una de mis obras favoritas dentro de este universo y aunque ya no forma parte de la línea argumental oficial es un trabajo de animación de primer nivel que se puede disfrutar sin problemas. Ganadora de múltiples premios, Clone Wars mejoró mucho a los personajes, actualizo el estilo visual y rindió un digno homenaje a la creación de George Lucas, pero también demostró que la franquicia puede llegar muy alto de la mano de un equipo creativo independiente.

Pan de Peace!

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Título Original: パンで Peace! (Pan de Pîsu).
Género(s): Comedia, Shôjo.
Director: Hatsu Tsuji.
Estudio: Asahi Productions.
Emisión: Abril – Junio 2016.
Duración: 13 episodios.
Extras: –

Hay ocasiones en las que buscamos animes cortos que nos permitan disfrutarlos sin ninguna complicación, sobre todo después de ver una serie densa o con una vasta cantidad de episodios. Sabía de la existencia de Pan de Peace! desde hace varios meses pero cuando noté que sus capítulos duraban tan sólo 3 minutos fue que me decidí a verla; para mi sorpresa, su breve duración fue más efímera de lo esperado.

La calidad general no está mal, el diseño es simple y agradable aunque no deja de ser genérico y los personajes pese a estar estereotipados resultan un tanto locos y raros que terminan por ser agradables y divertidos. La serie se basa en el 4-Koma homónimo creado por Emily, y al ser un manga en 4 viñetas tiene un estilo sumamente rápido que va directo a la acción, la cual consta generalmente de una sola escena. Para más referencia su desarrollo es similar al de Lucky Star, ya que ambas series se basan en mangas del mismo estilo.

La historia gira en torno a Minami Tani, una chica amante del pan que inicia su primer día en preparatoria. Al llegar a su salón de clases se frustra por no poder hacer amigas, hasta que conoce a Yû, Fuyumi y Noa, tres chicas que también adoran el pan. Gracias al peculiar alimento, las tres comienzan una gran amistad llena de risas, sorpresas y mucho pan. Como la familia de Fuyumi es dueña de una panadería el grupo de amigas tiene acceso a las mejores piezas, pero todo cambia cuando una nueva panadería francesa llega a la comunidad.

La serie es extremadamente simple y puede resumirse como “un anime para niñas sobre pan”. Y sí, sé que la descripción es idéntica a la de Long Riders, pero es que la premisa es similar, una afición que une a un grupo de amigas y cuya amistad y gustos similares las llevan a conocer cosas que quizás nunca habrían conocido por sí solas. En Long Riders todo giraba en torno al ciclismo, aquí todo lo hace en torno al pan, aunque el formato de 4-Koma le da un ritmo muy diferente y la duración de tan sólo 3 minutos por episodio lo acentúa aún más.

La serie es graciosa, pero el problema es que muchas veces terminas riendo no tanto por la comedia propia de la serie, sino por lo raras que están las chicas y por lo rápido, exagerado, ridículo y absurdo de las situaciones que se presentan. Y a pesar de ser un anime Shôjo tiene sus leves toques de fan-service y un poco de humor y referencias Yuri.

Es una serie entretenida, para pasar la tarde ya que los trece episodios pueden verse de corrido sin ningún problema y sobre todo es una buena recomendación para quien guste del manga a cuatro viñetas o quiera iniciarse en este tipo de formato tan fugaz.

Patema Inverted

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Título Original: サカサマのパテマ (Sakasama no Patema).
Género(s): Ciencia Ficción, Distopía, Drama.
Director: Yasuhiro Yoshiura.
Estudio: Purple Cow Studio Japan.
Emisión: 2013.
Duración: 99 Minutos.
Extras: Patema Inverted: Beginning of the Day.

Publicada originalmente como un ONA llamado Patema Inverted: Beginning of the Day, con un total de cuatro episodios de seis minutos que narran los primeros 24 minutos de la historia, Patema Inverted es el primer largometraje de Yasihiro Yoshiura, quien anteriormente ya se había ganado la atención del público por la miniserie Eve no Jikan y por sus geniales y un tanto sombríos cortometrajes de Ciencia Ficción. Esta es su primera obra no producida por Studio Rikka.

Las obras de Yasuhiro siempre han destacado por su asombrosa calidad de animación y los nítidos y muy detallados escenarios que utiliza, llenos de tubos, pasillos oscuros y cosas viejas y oxidadas que le dan un toque industrial propio del Cyberpunk. Sin embargo, esta obra no pertenece a ese género, pues a pesar de tener el mismo tipo de escenarios es más luminosa y  con una historia que intenta dar un mensaje de unidad y esperanza.

La música es muy buena y el diseño de personajes también, aunque ya es ligeramente diferente a ese estilo tan marcado que Yoshiura había estado usando en todas sus obras desde Mizu no Kotoba, no obstante desde el primer momento podemos advertir que el trabajo pertenece a este aún joven director. Patema Inverted demuestra el crecimiento y la madures en el estilo y calidad en general que Yasuhiro ha alcanzado con el paso del tiempo. Además, es la obra menos oscura e intrincada de toda su filmografía, lo cual resulta refrescante y sumamente entretenido.

La historia gira en torno a Patema, una joven muy inquieta que gusta de explorar las zonas prohibidas de su comunidad. Su padre era antiguamente el líder del grupo pero ella siempre se sintió muy identificada con los deseos de exploración de un hombre llamado Lagos a quien admiraba. Ella y toda su comunidad son conocidos como los subterráneos y viven debajo de la tierra. Sobre ella, en la superficie, se localiza la nación de Aiga, con la que tienen muchos conflictos. Los subterráneos tienen prohibido ir a la superficie pues la gravedad aplica en sentido contrario para ellos y si se caen flotaran al cielo hasta perderse.

Aparentemente en el año 2067 un experimento con la gravedad destruyó al mundo. Los sobrevivientes se dividieron en dos, aquellos que habían sido afectados por la gravedad y flotaban sin control por el cielo y aquellos cuyos pies seguían anclados al piso. Para evitar salir volando hacia el espacio, los invertidos se refugiaron en el subsuelo y construyeron toda una civilización subterránea pero de cabeza. Los objetos sufrieron el mismo destino, aquellos fabricados en Aiga flotaría en los túneles de los subterráneos, y aquellos fabricados bajo la superficie flotaría hasta el cielo en Aiga.

Patema es atacada por un guardia de Aiga y cae por un agujero hasta salir flotando en la superficie. Allí se encuentra a un chico de nombre Age que la sujeta para evitar que flote hacia el cielo. Age lleva a Patema a una bodega donde la oculta, pero el líder de Aiga la descubre y toma presa. Para los habitantes de la superficie todo aquel cuya gravedad se había invertido era un pecador que estaba siendo castigado, por eso Ishikawa, el líder, la captura.

Porta, el mejor amigo de Patema viaja hasta Aiga para rescatarla, allí se encuentra a Age y unen fuerzas para recuperar a su amiga. Sin embargo, Ishikawa provecha la misión de rescate de los chicos y los sigue hasta el subsuelo para encontrar dónde se ocultan los invertidos y poder por fin destruirlos a todos. Al final una serie de inesperados giros argumentales cambia por completo la orientación de todo lo que creíamos estaba de cabeza.

La idea de cambiar la orientación de los escenarios y que el arriba se vuelva abajo es sencillamente fabulosa, los movimientos de cámara y el diseño no reducen en lo más mínimo su calidad a pesar de que la pantalla gira 180° en repetidas ocasiones. Y aunque en un principio es algo confuso saber cuál es la orientación correcta, pronto aprenderemos a reconocerla. Este cambio de orientación y el hecho de dividir a la sociedad por la forma en que funciona la gravedad en ellos es algo muy original que en verdad vale la pena ver.

Además de la inversión de la gravedad y los espectaculares escenarios, tiene curiosos y divertidos toques de comedia, lo que contrasta con la gris y apagada sociedad de Aiga, donde se mantiene un control sumamente represivo en contra de sus habitantes, a quienes se les tiene prohibido mirar al cielo o siquiera pensar en volar por miedo a cometer un pecado y salir flotando hacia las nubes. Como en toda distopía que se respete, cualquiera que se atreve a pensar de forma diferente es erradicado para evitar que sus ideas contrarias desestabilicen la aparente perfecta sociedad.

La construcción social de Aiga es la parte más compleja del filme y con más referencias a otras obras de Ciencia Ficción, pues tiene un adoctrinamiento muy propio de Huxley y una represión inspirada en Orwell. Aunque en esencia no es tan oscura ni psicológica como las primeras obras del director, e incluso aquí se permite el lujo de dar un mensaje sobre amistad, unidad, entendimiento y aceptación, pero sin dejar de ser en extremo crítica. Sin duda una de las mejores obras de Yasuhiro Yoshiura, pues tiene un trasfondo complejo y giros argumentales que lo cambian todo, pero al mismo tiempo es fácil de entender y, sobre todo, resulta sumamente entretenida y emocionante.

Villanos

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Título Original: Villainous
Género(s): Sobrenatural, Comedia.
Director: Alan Ituriel
Estudio: Cartoon Network Latinoamérica y AI Animation Studios.
Emisión: 15 de mayo de 2017
Duración: 10 Episodios.
Extras: –

Aunque la era digital se consideró como el fin de la televisión tradicional, lo cierto es que lamentablemente aún estamos muy lejos de tal hazaña. Al menos, ahora existen alternativas que cada día se hacen más populares como los conocidos servicios de streaming o de vídeo bajo demanda. Las grandes cadenas no tienen otra alternativa que incursionar en nuevos terrenos para permanecer vigentes y en ocasiones, tales plataformas abren sus puertas a nuevos creadores de contenido.

Villanos es una mini-serie animada co-producida por Cartoon Network LA y AI Animation Studios para la aplicación móvil Cartoon Network Anything. Logró la suficiente notoriedad para trasmitirse en el canal oficial de YouTube y finalmente la televisión. Creada por Alan Ituriel, es una de las pocas animaciones mexicanas producida para dicha cadena. Ituriel trabajó en Ánima Studios hasta que presentó su proyecto en la Cumbre IdeaToon y así contactó a los ejecutivos de Cartoon Network.

La serie está compuesta por diez cortos de duración variable. Balck Hat Inc. es una compañía consultora para villanos, dirigida por el malévolo Black Hat y su equipo de tres secuaces menos malvados. El catálogo de productos está compuesto por terribles artilugios desarrollados por el Dr. Flug para ayudar a otros malhechores a deshacerse de sus respectivos héroes rivales, pero las cosas siempre terminan fuera de control debido a los pequeños y a menudo cómicos defectos de los inventos.

Lo primero que salta a la vista es la impresionante calidad en la animación y los efectos de sonido. El diseño de los personajes es reminiscente de ese estilo clásico de Cartoon Network durante la primera década del nuevo milenio, con trazos simples pero bien definidos, complementados con colores llamativos que resaltan bastante sobre una ambientación lúgubre. Se hacen patentes los avances en técnica y tecnología desde los días de Santo Contra Los Clones.

Otro punto a resaltar es que a pesar de sus orígenes se mantiene completamente neutral, sin molestos chistes locales, estereotipos o «mexicanismos» fuera de lugar. El formato de mini-serie le queda de maravilla y los cortos se volvieron rápidamente populares debido a su calidad sobresaliente. El creador tiene toda la intención de continuar con el proyecto luego del apoyo recibido por un creciente número de fans, y lo cierto es que no habíamos visto algo parecido en mucho tiempo.

Villanos me recuerda a otras series como Coraje el Perro Cobarde, Invasor Zim y Las Sombrías Aventuras de Billy y Mandy, la primera una de mis caricaturas favoritas de antaño que no solían seguir una estructura tradicional, tocaban temas oscuros y aunque suministraban sus dosis de comedia, en el fondo permanecía un sentimiento de terror. El proyecto es un acierto total, otro excelente ejemplo del talento nacional y una verdadera joya oculta de la animación.

Ghost Hound

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Título Original: 神霊狩 (Gôsuto Haundo).
Género(s): Sobrenatural, Terror, Thriller, Psicológico, Biopunk.
Director: Ryûtarô Nakamura.
Estudio: Production I.G.
Emisión: Octubre 2007 – Marzo 2008.
Duración: 22 episodios.
Extras: –

Creada por Masamune Shirow (Ghost in the Shell) y dirigida por Ryûtarô Nakamura (SE Lain), Ghost Hound es una extraña y rara serie sobre fenómenos paranormales que por momentos parece ser demasiado compleja, pero que lamentablemente nunca explota al máximo su potencial. A pesar de que las personas relacionadas con su producción tienen en su haber series de culto, esta obra no logra estar a la misma altura.

La calidad es buena y el diseño de personajes es agradable y resulta fresco, sobre todo si están un poco hartos de los diseños genéricos del anime actual. La animación es agradable, los escenarios cumplen y los espectros, pese a estar lejos de ser tenebrosos, tampoco están tan mal. Lo más destacable y que es de reconocer es la grandiosa ambientación que genera la banda sonora. Muchas veces la historia es algo confusa y no sabes si intenta dar miedo o confundirte, pero la música ambiental sin duda logra generar ese suspenso que requiere cada escena.

La historia gira en torno a Tarô Komori, un chico de 14 años que sufre narcolepsia y otros traumas derivados de un secuestro que sufrió cuando niño. Incidente en el cual su hermana mayor falleció y dejó igualmente trastornada a su madre. Tarô sufre una serie de experiencias extracorpóreas, en las que su mente abandona su cuerpo y viaja al reino de los espíritus. Tarô es atendido por un psicólogo que viene desde Tokio, quien intenta hipnosis para ayudarle a recuperar algunas memorias perdidas.

Makoto Ôgami, es un compañero de clases con quien Tarô tiene problemas ya que en el pasado su padre fue acusado de participar en el secuestro, motivo por el que algunos creen se suicidó. Masayuki Nakajima, otro compañero recién transferido, enfrenta a ambos chico y los convence de ir al lugar donde mantuvieron retenidos a Tarô y a su hermana a fin de averiguar si el padre de Makoto estuvo implicado. Los tres chicos viajan hasta ese lugar donde sufre una experiencia extracorpórea y descubren que la presa es el lugar donde vive los espíritus. A partir de ese momento una serie de eventos sobrenaturales empiezan a afectar a diversos habitantes de la región.

La serie no es como tal una historia de fantasmas y terror, es más un Thriller lleno de suspenso en el que se abordan temas sobre religión y cuestiones folclóricas japonesas, pero también juguetea con el fenómeno ovni y la manipulación genética. El padre de Masayuki es el jefe de una planta de bioingeniería que recién se asentó en el pueblo de Suiten, donde transcurre la historia. En dicha planta crean bioides, seres orgánicos sin vida que son usados para generar órganos humanos para trasplantes.

La historia combina los fenómenos sobrenaturales con un mensaje biopunk sobre la manipulación genética, y también el fanatismo religioso y los secuestros que ocurrieron en Suiten años atrás. Tengo que aceptar que la premisa es muy buena, pues en esencia los fenómenos paranormales ocurren a causa del desequilibrio generado por la creación de vida artificial. Lo bioides no estaban vivo según la definición de vida de la biología, pero poseían un espíritu; cuando los espíritus naturales y los artificiales  entraron en conflicto fue que empezaron a suceder todos los fenómenos extraños.

La serie es compleja pero no como para rompernos la cabeza. Sí hay que prestar mucha atención a los diálogos porque si nos perdemos alguno puede que después no entendamos por qué acurren las cosas. El halo de misterios me agradó y ese jugueteo con el terror puede que a muchos no les guste, ya que no logra se totalmente contundente con ninguno de sus género. Sin embargo, su principal problema es que tiene demasiados elementos y se restan peso e importancia entre ellos.

Creo que la serie pudo haber sido maravillosa si se hubiese centrado sólo en un par de elementos específicos: el biopunk y los secuestros de niños, la religión de Ôgami y los espíritus, el aspecto psicológico de los traumas y las breves alusiones a ovnis, en fin, cualquier combinación con no más de tres elementos hubiera generado una historia más sólida, pero aquí ninguno de esos elementos logra destacar y algunos incluso son relegados para la parte final. A pesar de ello la serie es interesante, aunque algo lenta, y si bien no engancha desde el primer capítulo ni es de terror como tal, resulta una opción diferente si están cansados de ver anime genérico.