Suisei no Gargantia

Gargantia 01

Título Original: 翠星のガルガンティア (Suisei no Garugantia).
Género(s): Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Social, Mecha, Distopía.
Director: Kazuya Murata.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2013.
Duración: 13 Episodios.
Extras: 2 OVA.

Con una variada y rica mezcla de géneros, escenarios impresionantes, una historia llena de misterios y giros argumentales, fabulosas batallas y sendos toques de fan-service, Gargantia es uno de los animes mejor realizados que he visto en los últimos años. Su excelente ambientación y el complejo trasfondo que se va develando poco a poco logran mantenerte atrapado durante cada uno de los episodios.

La calidad es excelente en todos los aspectos. La banda sonora es muy buena y permite una ambientación más que adecuada. El diseño de personajes es impresionante, pues no sólo les otorga una personalidad acorde al papel que desempeñarán en la historia, también los hace visualmente atractivos con el fin de proporcionar un fan-service muy elegante; sin olvidar que su vestimenta y parafernalia van muy acorde con la estética general de la arquitectura y la tecnología. Pero son los escenarios el aspecto mejor logrado, pues nos sitúan en una civilización postapocalíptica donde la tecnología ha resurgido a partir de los restos recuperados de antaño y toda la infraestructura tiene matices que juguetean con el Scrappunk y la saturada visceralidad de la arquitectura neobrutalista propia del Cyberpunk. Los gigantescos barcos en done viven los personajes nos remiten a esas ciudades decadentes, pero con color y una enorme riqueza folclórica.

Gargantia 06

La historia gira en torno al alférez Ledo, un soldado de la Alianza Galáctica de la Humanidad que pilota un Machine Caliber llamado Chamber; juntos luchan contra los Hideauze, una raza extraterrestre que amenaza a la humanidad. En su intento por exterminar a los extraterrestres, la Alianza lanza un ataque final, pero este falla y Ledo termina viajando por un agujero de gusano lejos de su base militar. Al despertar, descubre que se encuentra en un planeta desconocido cubierto por un inmenso mar, pero habitado por humanos “primitivos” que viven en enormes flotas que van armando al unir diversos barcos. Gargantia es el nombre de aquella embarcación y ese extraño planeta parece ser la Tierra, el planeta original de los humanos que todos creían inhabitable.

Con forme pasan los episodios, Ledo empieza a relacionarse con los tripulantes, a entender sus costumbres, aprender su idioma e incluso busca un trabajo para colaborar con la flota. En esta primera parte vemos lo bien logrado que está el aspecto etnográfico, pues la organización social de la flota, sus costumbres y tradiciones realmente refleja la cultura marítima de esas personas. Posteriormente empiezan los giros argumentales, primero al presentar enemigos y problemas dentro de Gargantia y después al conectar los acontecimientos en la Tierra con la Alianza Galáctica y explicar cómo se originó la guerra contra los Hideauze.

Gargantia 02

La forma en que se desarrolla la historia me encantó, pues en un inicio tiene un argumento idéntico a Knights of Sidonia, después todo parece cómo en esas películas donde un extranjero proveniente de una sociedad con un desarrollo tecnológico mayor termina por alguna razón con un grupo más primitivo, posteriormente parece que todo se desarrollará en torno a Gargantia y el mar, después inician las peleas y vemos el trasfondo que dio origen a la guerra espacial y se revela un intrincado y fascinante secreto sobre la humanidad. Al final todo converge en elementos de carácter distópico y en una compleja argumentación de carácter filosófico sobre el control, el poder, la libertad y el papel de la inteligencia artificial como herramienta para el control social. Y lo mejor es que todos esos giros argumentales resultan imposibles de predecir.

Sólo al inicio y al final se observan de forma directa elementos de la Ciencia Ficción Social con tendencia distópica, pero estos resultan clave para entender el argumento general y juegan un papel fundamental en toda la trama, pese a que no puedan ser percibidos en la parte media de la serie. Se hace todo un análisis sobre el liderazgo y el control de masas a partir del miedo como estrategia de control, e incluso hay revueltas sociales. Otro aspecto que sólo se debela al final son las cuestiones Transhumanistas, que de hecho dan origen a toda la serie y obviamente a discusiones sobre la guerra, en desarrollo humano y la posibilidad de poder convivir, o no, con alguien que si bien es diferente forma parte de la misma humanidad.

Gargantia 04

Un aspecto que me enamoró fueros los escenarios, pues es como ver una versión colorida y feliz de los escenarios Cyberpunk con una gran riqueza cultural y una estética postapocalíptica propia de Scappunk donde todo está construido a partir de oxidados y viejos desechos. Aunque esto sólo es en apariencia, pues la serie ni es Cyberpunk ni es Scappunk. Visualmente, hacía mucho que no me gustaba tanto un anime. Otro elemento muy bien logrado es la forma en que se manejó la existencia de dos idiomas de forma que el espectador pudiera entenderlos en todo momento, pero respetando el hecho de que si un extrañó chico montado en un robot gigante llega del espacio no va a hablar el mismo idioma que tú.

Los escenarios nos remiten al Scrappunk, pero la tecnología también, pues si bien están en el mar, hay maquinas voladoras y mechas submarinos que dan un toque futurista muy necesario en la serie, pues a pesar de que todo se ve viejo, estamos muchos años en el futuro. A pesar de lo que la tecnología de Gargantia pudiera hacernos pensar al compararla con la de la Alianza Galáctica, aquí no ha viajes en el tiempo, sólo un enorme desfase en el desarrollo tecnológico entre ambas civilizaciones. Dicho desfase se dio principalmente por las condiciones que cada grupo humano tuvo que enfrentar para sobrevivir.

Gargantia 10

Por si todo lo anterior les pareciera poco, también hay argumentaciones de carácter filosófico sobre humanidad, sociedad y cultura y cómo estas se transforman a partir del desarrollo tecnológico o la evolución biológica. No haré ningún spoiler, pero dichos elementos son abordados desde el mismo punto de vista que la naturaleza de ángeles y humanos en Neon Genesis Evangelion. Al final, la guerra entre humanos y Hideauze, así como la de ángeles y humanos no es sino una lucha entre dos estrategia de supervivencia explicadas a partir de conceptos ecológicos y biológicos.

Insecto bioluminiscentes que proporcionan electricidad, mechas del espacio, secretos en el fondo del mar, piratas, una guerra contra extraterrestres, humanos modificados, peleas entre robots, una férrea organización social propia de la distopía, extrañas sectas y mucho fan-service que nunca cae en lo vulgar, son sólo algunas de las cosas que este fabuloso anime nos ofrece. Sin duda una de las mejores serie que he tenido la oportunidad de ver, pues aborda aspectos tan diametralmente distintos que uno nunca creería posible encontrar en un anime sobre barcos que viajan por un mundo donde todo es mar.

Gargantia 08

Payasos Asesinos del Espacio Exterior

Killer Clowns 1

Título Original: Killer Clowns from Outer Space.
Género(s): Terror, Comedia, Ciencia Ficción.
Director: Stephen Chiodo.
Emisión: 1988.
Duración: 88 minutos.
Extras:

Hubo una época en la historia del cine en la que muchas películas llevaron por título la frase “from outer space” (del espacio exterior), películas que por lo general eran malas, exageradas y tan inverosímiles que le granjearon cierto estigma de mala calidad al cine de Ciencia Ficción. No obstante, con el paso de los años esas obras empezaron a ser vistas como precursoras de un género que surgió en la marginación tanto por parte de los productores cinematográficos como de los literatos, y eventualmente el público las convirtió en obras de culto.

Payasos Asesinos del Espacio Exterior es una de esas obras que apelan a lo raro, lo grotesco y raya en lo bizarre, pero que curiosamente es muy apreciada por los fans de este tipo de obras. La calidad ya quedó muy rebasada por los efectos actuales, pero a pesar de ello los efectos especiales para esa época eran bastante aceptables. El maquillaje, los disfraces, los escenarios y la parafernalia tenían ese toque carnavalesco y extraño que iba genial con la trama. La música es muy ochentera, circense y con esos soniditos que hacían referencia a algo mecánico (el típico bip bu bip).

Killer Clowns 2

La historia gira en torno a Mike Tobacco y su novia Debbie Stone, quienes ven caer una estrella fugaz en las cercanías. Decididos a buscar sus restos se internan en el bosque, pero lo que encuentran allí es una extraña carpa de circo. Mike decide entrar a investigar, pero una vez adentro la pareja descubre que no se trata de un circo, sino de una extraña nave espacial habitada por grotescas criaturas con forma de payaso que al parecer están capturando gente en capullos hechos con algodón de azúcar. Los payasos atacan a los chicos pero estos logran escapar.

Ya en el pueblo, Mike y Debbie piden ayuda a la policía, pero nadie cree su historia. Dave, un joven policía y ex pareja de Debbie toma una actitud agresiva hacia Mike al creer que quiere gastarle una broma. Mientras mantiene apresado a Mike en su auto, ambos observa cómo uno de estos payados ataca a un grupo de personas. Dave cree la historia de Mike y deciden alertar a todos, pero los payasos ya están por todo el pueblo capturando gente. Para su mala fortuna Debbie es capturada, por lo que Mike, Dave y los hermanos Terenzi viajan hasta un parque de diversiones para enfrentar a los payasos.

Killer Clowns 3

La historia puede sonar algo ridícula y en esencia lo es, pero no podemos esperar otra cosa cuando el tema central son payasos asesinos del espacio exterior. Además, tiene elementos muy bien logrados que mantienen la cohesión de la trama, por ejemplo, los payasos tienen armas que lanzan palomitas de maíz, extraños poderes que hacen con sombras, criaturas hechas de globos, un auto pequeñito en el que caben muchos payasos, los imprescindibles pastelazos y una nave que por dentro parece la típica casa de la risa de las ferias. Todos esos elementos payasescos mantienen la coherencia en algo que por naturaleza es extraño.

No obstante, a pesar de que los elementos circenses bien logrados, hay varios clichés. Tenemos, por ejemplo, el triángulo amoroso, la dupla de personajes estúpidos, el policía bueno y el policía malo, y el característico punto débil que no puede faltar en todo monstruo que se respete. A pesar de ello, la película no deja de ser entretenida, y de hecho tiene la capacidad que generar un remake ultra violento y plagado de gore, completamente opuesto a esta versión cómica que si bien tiene sus toques fuertes están matizados por el maquillaje y los globos. Para el 2016 se espera la secuela de este filme, pero parece que tendrá el mismo estilo, no obstante, yo espero ver algún día algo realmente siniestro con estos payasos, pues manejados de la forma correcta podrían dar mucho miedo.

Killer Clowns 4

Cloud Atlas

Cloud Atlas

Título Original: Cloud Atlas.
Género(s): Romance, Drama, Ciencia Ficción, Comedia.
Director: Tom Tykwer, Andy y Lana Wachowski.
Emisión: 2012.
Duración: 172 minutos.
Extras:

Basada en la novela homónima de David Mitchell, Cloud Altas es un interesante ejercicio de narrativa que nos lleva por diversas historias de amor unidas por el efecto de las acciones que personas de distintas épocas tomaron. El filme nos muestra breves destellos de la historia de la humanidad desde el siglo XIX hasta un postapocalíptico siglo XXIV, a través de personajes separados por el tiempo pero unidos por dos elementos en común: amor y revolución.

La calidad del filme es asombrosa. El apartado sonoro resulta esquisito ya que la música ambienta de forma sublime, pues al mismo tiempo que separa y delimita las distintas épocas históricas, las une en una misma historia. La calidad visual es sobresaliente, los escenarios son un deleite para los ojos y nos llevan de las plantaciones trabajadas por esclavos negros hasta una futurista e hipertecnológica Nueva Seúl. El vestuario cumple su funcione de igual manera, pues así como vemos la característica moda de los años 70 vemos prendas medievales de un futuro postapocalíptico. Finalmente, las actuaciones son asombrosas y llevan a los actores fuera de su zona de confort, obligándolos a interpretar hasta seis personajes distintos. Pero los actores no serían nada sin la impresionante caracterización, gracias a la cual una actriz puede dar vida a una chica asiática creada genéticamente o a una inmigrante mexicana, o un actor puede interpretar a un asesino a sueldo o a la enfermera residente de un asilo de ancianos.

Adam Edwing

La historia se divide en seis subhistorias que comparten elementos en común. Cada historia es independiente y podría funcionar por separado, pero la estructura narrativa de la película hace que aquello que vemos iniciarse en la escena de una historia tenga su conclusión en una escena de otra historia. De esa forma, aunque cada historia tiene su propio hilo argumental, su desarrollo y comprensión por parte del espectador depende de lo que acontezca en el resto de las historias. Y si bien eso hace de este filme algo único, también vuelve muy difícil comprender lo que pasa, sobre todo porque el espectador puede perderse tratando de seguir las historias por separado o bien buscando los elementos que las unen. Digamos que es como una Novela Río recortada y unida de tal forma que da como resultado una novela lineal hecha con los retazos de las seis historias.

Hablando cronológicamente, la película inicia en 1849 al sur del Océano pacífico, desde donde Adam Edwing viaja de regreso a San Francisco luego de firmar un contrato comercial para su suegro. Durante su viaje ayuda a un esclavo negro que se escapó de la plantación donde trabajaba mientras trata de sobrevivir al envenenamiento perpetrado por un doctor que quiere robar su oro.

Cloud Atlas 2
Robert Frobisher

El diario que Edwing escribió sobre su viaje llegó hasta la casa del compositor Vyvyan Ayrs (1936), donde el también compositor Robert Frobisher trabaja como copista mientras escribe su propia obra maestra. Frobisher mantenía contacto por carta con su amante, el joven Rufus Sixmith, quien más tarde  llegaría a ser físico nuclear. Ya como físico (1973), el viejo Sixmith descubre una conspiración por parte de las empresas petroleras para explotar un reactor nuclear y evitar que sus acciones cayeran con la llegada de un nuevo tipo de energía. Temiendo por su vida decide filtrar la información a la periodista Luisa Rey. Luisa se vio amenazada por un sicario pagado por las empresas que querían ocultar la verdad, pero recibió ayuda de algunos amigos, entre ellos su vecino Javier Gómez, un chico apasionado por las novelas de misterio.

El pequeño Javier creció para convertirse en escritor y convirtió la odisea de Luisa en una novela (2012), obra que mandó al editor Tymothy Cavendish para su publicación, pero Cavendish estaba huyendo de los amigos de un gánster a quien debía dinero, por lo que persuadido por su hermano se oculta en un asilo para ancianos, donde era constantemente maltratado por la enfermera del lugar. Hartos de las vejaciones, Cavendish y otros ancianos deciden escapar. Dicho escape es llevado a la pantalla grande años después.

Cloud Atlas 3
Luisa Rey

De alguna forma la película sobre Cavendish es almacenada en un Kino (2144) que termina en el área de objetos perdidos del Papa Songs, un popular restaurante de comida rápida atendido por fabricantes, mujeres creadas genéticamente (clones). Las fabricantes era tratadas como esclavas y constantemente recibían abusos por parte de los consumidores. Una de éstas fabricantes era Sonmi-451, quien fue liberada por el Comandante Hae-Joo Chang, miembro de un grupo rebelde que trataba de derrocar al sistema. Sonmi se convierte en el estandarte de una lucha que abogaba por una humanidad incluyente en la que humanos y clones fuesen tratados por igual.  Lamentablemente, la utopía lograda por Sonmi llegó a su fin y el nuevo y perfecto sistema cayó.

Más de un siglo después de la caída (2321), el mundo se había dividió en dos, los Prescientes, últimos sobrevivientes de la utopía, y los nativos, para quienes Sonmi era una deidad a quien hacían oraciones. Zachry, un nativo, ayuda a Meronym, una Presciente, a llegar a lo alto de una montaña donde esperaba encontrar un trasmisor que les permitiera contactar con alguna de las colonias humanas que yacían en otros planetas.

Cloud Atlas 4
Tymothy Cavendish

El desarrollo de la película no es linean como yo lo conté, sino que van mezclando elementos de cada historia que se relacionan entre si ya sea por lo que vemos en pantalla, los diálogos o los personajes. Por ejemplo, en una escena podemos ver el inicio de una persecución a caballo y en otra la conclusión de dicha persecución pero en coche, o bien podemos escuchar una pregunta cuya respuesta es dada por otro personaje cuyo contexto temporal está a cien años de distancia. Cuando saltamos entre historias la nueva historia parecerá ya empezada, como si algo previo faltara, eso es porque si bien son seis tramas es un solo filme.

Algo que me gusta mucho es que cada historia está contada a partir de los elementos que su género exige y que además nos da un pequeño destello de la realidad que se vivía en aquel entonces. Por ejemplo, en la historia de Edwing el principal tema social es la esclavitud, pero también el surgimiento de las ideas abolicionistas que derivaron en la Guerra Civil de Estados Unidos. Por su parte, la historia de Luisa nos pone justo en plena liberación femenina, con las ideas feministas en pleno surgimiento pero el machismo en su máxima expresión. Como podremos notar, en cada época e historia hay un elemento de cambio que se opone a un dogma establecido y lucha contra él de forma violenta mediante una revolución.

Cloud Atlas 5
Sonmi-451

Algo igualmente interesante son las pequeñas referencias a otras obras de Ciencia Ficción y Distopías. El nombre de Sonmi-451 nos remite directamente a la obra de Ray Bradbury y muchos elementos de esta historia son retomados de Matrix. Y si bien la historia de Somni está totalmente dentro de la zona de confort de los Wachowski, el resto de historias no lo está y eso nos permite apreciar la capacidad que tienen ambos directores para adaptarse a diferentes géneros y estilos narrativos. Esa capacidad de adaptación también la vemos en los actores, quienes llegan a interpretar papales completamente diferentes y eso enriquece mucho la calidad final del filme. La única excepción sería Hugo Weaving, cuyos papeles siempre tienen el mismo tipo de personalidad.

Cloud Atlas es una grandiosa forma de demostrarnos que el amor y la revolución son una lucha constante atada a las decisiones que otras personas tomaron en el pasado y donde nuestras propias decisiones repercutirán en las acciones que otros realizarán en el futuro. Las seis historias por separado pudieron dar seis películas interesante, pero unidas de esta forma y conformando un solo filme logran un resultado complejo pero muy disfrutable.

Cloud Atlas 6
Zachry

Moon

Moon 1 Título Original: Moon.
Género(s): Ciencia Ficción, Drama, Thriller.
Director: Duncan Jones.
Emisión: 2009.
Duración: 92 minutos.
Extras:

Hace unas semanas un lector me recomendó por Twitter esta película, y sin duda se lo agradezco. Moon es una refrescante opción en un mundo plagado de Ciencia Ficción que apela a sorprender con efectos visuales en lugar de centrarse en desarrollar una historia que pueda enganchar al espectador. En una época en donde el 3D y el CGI son los elementos más valorados por muchos espectadores, es de agradecer que todavía haya filmes como este, donde la producción millonaria es remplazada por un guion sólido,  personajes bien diseñados, grandes actuaciones, una fabulosa ambientación sonora y giros argumentales inesperados que te dejan pegado a la pantalla.

La obra es una producción británica independiente y además es la opera prima de su director, lo cual resulta sobresaliente, pues lograr tal calidad argumental en una obra de Ciencia Ficción que busca ser seria y sobria no debe ser tarea fácil. Y si a eso le sumamos que todo el peso de la trama recae en un sólo actor las cosas se complican más. Como es la primera película de Duncan sus influencias salen mucho a flote, desde el primer minuto y durante el resto de filme es posible ver la influencia de obras como 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968), Alien (Ridley Scott, 1979) y Blade Runner (Ridley Scott, 1982). Eso sí, su historia es muy diferente y seguramente inspiró a los creadores de Oblivion (Joseph Kosinski, 2013).

Moon 3

La historia gira en torno a Sam Bell (Sam Rockwell), un trabajador de la Lunar Industries Ltd., una compañía que tiene bases mineras en la luna de las que extrae minerales con los cuales genera energía limpia. Sam está a punto de terminar sus tres años de contrato, luego de los cuales podrá regresar a casa y dejar su solitaria vida en la luna. A pocos días de poder regresar con su familia, una serie de alucinaciones le provocan un accidente y Sam estrella su vehículo lunar contra una de las excavadoras.

Luego de algún tiempo inconsciente, Sam despierta en la enfermería, donde Gerty, un robot con inteligencia artificial y única compañía de Sam en la base, le realiza pruebas para verificar que no haya sufrido daño cerebral por su accidente. Si bien todo parece normal, la extraña actitud de Gerty le hace entrar en sospecha. Sam empieza a creer que Gerty oculta algo pues este le impide dejar la base, luego de provocar una avería Sam consigue salir y viajar hasta el lugar de su accidente, donde lo que descubrirá cambiara por completo la realidad de todo lo que creía.

Moon 2

Algo que me encantó fue que, si bien es Ciencia Ficción, tiene muchos tintes de misterio y suspenso que por momentos te hace sentir como si estuvieras en un Thriller. Y eso lo logra no gracias al personaje principal, sino al robot. Gerty (Kevin Spacey), obviamente inspirado en el Hal-9000 de 2001, logra que sospechemos y creamos que la historia irá por cierto camino que afortunadamente no termina por recorrer; además de que el uso de emoticones para denotar el estado de ánimo del robot es un detalle insuperable. Ese despiste permite que el director inserte un pequeño giro argumental que cambia la película por completo y que no es para nada predecible salvo un par de segundo antes de que suceda. Y si bien a lo largo del filme hay varios giros argumentales, es este primero el más importante.

Podría analizar más a fondo esta película o al menos mencionar un par de elementos importantes, sin embargo, como toda la historia depende de ese pequeño giro argumental, develar cualquier elemento que los haga inferir de qué va la historia les arruinaría la película entera si es que no la han visto. Para mí hay tres formas de reconocer que una película es buena: (1) cuando al final uno siente el cansancio o la tensión emocional que debió experimentar el protagonista, (2) cuando han pasado menos de 15 minutos y uno ya está imaginando posibles explicación de lo que pasa, y (3) cuando antes de terminar ya queremos que anuncien la segunda parte. Moon es del segundo tipo.

Arte plástico y Ciencia Ficción con RACRUFI (Podcast)

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Es hora de un nuevo podcast. En esta nueva entrega de DeFicciones me fui a platicar con el ilustrador Raúl Cruz Figueroa, mejor conocido como RACRUFI, de quien ya había hablado antes en el blog. Platicamos sobre su carrera como artista plástico, la temática de ficción que muestra en sus obras y de la realidad mexicana en cuando al desarrollo profesional de artistas interesados en la ficción.

Antes de dejarles el audio y los links de descarga quiero agradecer a Raúl por todas las atenciones brindadas para realizar este podcast,  por permitirnos ir a su casa a grabar y por la flexibilidad para compartirnos sus experiencias. Debido a la naturaleza del lugar en donde estábamos hay algunos ruidos de fondo que me fue imposible quitar, pero eso no les impedirá disfrutar de toda la información que RACRUFI nos regala.

Disponible también desde: Anchor

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Monstruos: Zona Infectada

Monsters 1
Título Original: Monsters.
Género(s): Survival-Horror, Ciencia Ficción, Drama.
Director: Gareth Edwards.
Emisión: 2010.
Duración: 94 minutos.
Extras:

En el amplio repertorio cinematográfico, existen algunas obras que pese a ser de Ciencia Ficción no parecen pertenecer al género, pues sus argumentos y el desarrollo de su historia nos permiten apreciar que no son ni los efectos especiales, ni la tecnología futurista lo que hace de un filme un buen filme, sino las múltiples lecturas que los espectadores pueden realizar de él. Zona infectada nos demuestra que no se requiere de un despliegue visual impresionante para contar una historia por demás interesante sobre un tema realmente álgido.

Monsters parece más un Mockbuster o una película de Serie B que se aprovecha del furor generado por las grandes producciones donde vemos monstruos gigantes asolar alguna afamada ciudad de Estados Unidos. Y en esencia es un poco eso, es una película con un presupuesto limitado, filmada con un equipo mínimo y que recurre a cutres efectos por computadora. No obstante, el desarrollo de sus personajes y el contexto en que se desarrollan los eventos hacen diferente y sobresaliente a esta humilde producción.

Monsters 5

La historia gira en torno a Andrew Kaulder, un fotógrafo que debe escoltar a Samantha Wynden, la hija de su jefe, fuera de la zona infectada. Dicha zona surgió seis años antes cuando una sonda de la NASA con muestras de vida extraterrestre se perdió en algún lugar de México, generando un área repleta de gigantescos monstruos. Para evitar su propagación, tanto los Estados Unidos como México decidieron aislar la zona y construyeron muros fronterizos para mantener a los extraterrestres alejados de las poblaciones vecinas.

Durante su travesía por México, Andrew y Samantha descubren la cruda realidad de las personas que viven cerca de la frontera, la corrupción de las autoridades encargadas de vigilar los muros, los daños colaterales a los que las poblaciones vecinas se veían expuestas y algunos aspectos sobre la desconocida naturaleza de aquellos peligrosos seres.

Monsters 4

Gareth Edwars no sólo dirigió y escribió la película, también realizó todos los efectos de la misma. Si a eso le sumamos el hecho de que sólo contó con dos actores profesionales, que muchos de los extras eran personas que pasaban por el lugar y que el equipo de filmación era de unas cuantas personas, tenemos una película de bajo presupuesto que resulta espectacular y no por su calidad final, sino por el trasfondo y el subtexto que vamos descubriendo a lo largo del filme pero que en apariencia no son la intención principal.

Durante una conferencia en la Comic-con del 2011, Gareth habló sobre cómo le surgió la idea de hacer Monsters, de la influencia que recibió de otras producciones de bajo presupuesto como The Blair Witch Project (Eduardo Sánchez y Daniel Myrick, 1999) y de cómo Cloverfield modificó la visión que él tenía sobre hacer una película de este género en cuanto a los efectos visuales. En esa misma conferencia el director aseguró que lo que él quería era contar una historia de lo que pasaba cuando al cabo de varios años conviviendo con extraterrestres la gente ya empezaba a ver la situación como algo normal, pero enfocándose en el desarrollo de sus personajes, sin embargo, al ser británico tal vez no alcanzaba a contemplar que lo que en realidad estaba filmando era una película sobre el problema de la migración que existe entre México y Estados Unidos.

Monsters 6

De acuerdo con los mapas que se muestran durante el filme, la supuesta zona infectada corresponde a los estados fronterizos de México con los Estados Unidos, aunque nuestros protagonistas inician su viaje en Costa Rica, pues supuestamente tanto México como Centroamérica se encontraban plagados por los extraterrestres. Lo que encontramos aquí es una grandiosa analogía, en primera, los países infectados son países tercermundistas de los que cada año salen miles de personas con la intención de llegar a los Estados Unidos para encontrar trabajo. A esos migrantes suelen llamarlos “Aliens”, pero acertadamente ese término nunca es usado durante toda la película.

Los extraterrestres son pues la representación de dos cosas: (1) los migrantes, pues en más de una ocasión escuchamos decir que estos migran hacia los Estados Unidos, que lo hacen por temporadas y que cada vez migran más, y (2) los problemas de pobreza, insalubridad, violencia y corrupción que afectan a los países latinoamericanos. Los extraterrestres son un peligro para las ciudades asentadas cerca de los muros que tratan de contenerlos, pero al mismo tiempo son seres incomprendidos a los que no se les da un lugar, pues si bien su origen es extraterrestre, ellos ya nacieron aquí, así que son residentes de este mundo igual que nosotros, aunque no nos guste, justo como pasa con los mexicoamericanos en el vecino país del norte.

Monsters 3

Los muros que tratan de contener a los monstruos son obviamente una referencia al muro fronterizo que nos separa de Estados Unidos y los problemas a los que están expuestas las ciudades colindantes son los mismos que tienen Ciudad Juárez o Tijuana. Los polleros y la corrupción de la autoridades también se hacen presentes, pues si bien hay formas legales para cruzar la zona infectada y llegar a salvo a los Estados Unidos estas son muy caras, por lo que la única alternativa para las personas pobres es cruzar caminando de forma ilegal y con el peligro de encontrarse a una de esas criaturas. No obstante, si vemos esa “zona infectada” desde el punto de vista de los centroamericanos que tratan de llegar al norte, los monstruos somos los mexicanos, pues para ellos el mayor peligro está en el abuso de poder de las autoridades mexicanas y la delincuencia organizada y no en el desierto que deben cruzar para alcanzar el sueño americano.

Algo que me gustó mucho fueron los elementos folclóricos que reflejan esa mexicanidad que está presente incluso en los pueblos asentados junto al peligroso muro. La típica fiesta mexicana de un pueblo fronterizo en cuyo horizonte se despliega una gigantesca valla que pretende frenar el avance de gigantescos monstruos es algo que sin duda me gustaría ver más a menudo. Aunque en la realidad, para nosotros lo mexicanos, esos monstruos gigantes y peligrosos son los Estados Unidos. Otro detalle que me encantó fueron las expresiones populares que hacen evidente la convivencia con los extraterrestres y que hasta cierto punto se acepta como normal, o mejor dicho, como la realidad que debemos afrontar.

Monsters 7

La película no pretende ser un documental, pero sin en la vida real existieran extraterrestres gigantes entre México y USA bien podría serlo. El reflejo, aunque breve, de la realidad fronteriza se hace evidente en más de una ocasión, al igual que las pobres condiciones de vida que fuerzan a muchas personas a migrar en busca de algo mejor, sin olvidar las repercusiones que deben soportar los mexicanos de la frontera a causa de los ataques químicos que los gringos llevan a cabo para evitar que las criaturas lleguen a su territorio. Y pese a todos esos ataques y muros, las criaturas —como los migrantes— logran ingresar a ese país.

Si bien todo el análisis sociopolítico que podemos hacer sobre la migración en muy extenso y hace de la película una obra destacable, tiene muchos elementos que le restan calidad. En primer lugar tenemos la incongruencia geográfica, pues prácticamente en ningún momento las locaciones coinciden con los mapas que se muestran. Si se supone que los protagonistas caminan hasta la frontera Mexicana con los Estados Unidos, no deberían hacerlo entre una selva que nos remite al suroeste mexicano. Otra cosa mala es que muchos de los elementos que impulsan la historia son muy débiles, lo que hace que la calidad en cuanto a guion disminuya bastante. Y finalmente, hay escena de noche que son tan oscuras que resulta imposible ver algo, y si bien dichas escenas son con el fin de ahorrarse los efectos, las pudieron haber omitido, pues de todas maneras no se ve nada.

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A pesar de sus carencias, la película es buena, la música es en extremo agradable y los argumentos de fondo son muy ricos. La precariedad con que está hecha no le resta méritos, por el contrario, nos demuestra que una buena película de Ciencia Ficción no requiere de grandes efectos cuando aborda temas tan densos y sobre todo tan familiares para los espectadores latinos como lo es la migración. Lo extraterrestres son un mero pretexto.

Para finalizar, vale la pena decir que el personaje principal es en realidad la situación de los habitantes que habitan en los lugares por los que pasan Andrew y Samantha. La pareja es únicamente el medio por el cual podemos ver la situación del migrante en carne propia. Como lo dice Andrew en un diálogo mientras observa el muro defensivo: “es diferente ver a los Estados Unidos desde afuera hacia dentro”, y eso es justamente lo que esta película nos muestra.

Investigación de Ciencia Ficción

No crean que voy a caer en el truco de poner un video como post para ahorrarme el tener que escribir contenido y salvar el día de publicación como hacen muchos otros blogers (de hecho había otra entrada programa para hoy que se recorrió para la próxima semana), pero este video es sencillamente orgásmico para quienes nos apasiona la Ciencia Ficción y queremos escribir sobre ello. Y aclaro, queremos escribir sobre Ciencia Ficción, mas no escribir Ciencia Ficción.

Durante los últimos años he tratado de buscar una forma de hacer investigación de corte un tanto social o antropológico sobre este género, y el pasado 27 de junio, mientras grababa el podcast que podrán escuchar hasta septiembre, conocí a unos de los máximos exponentes en cuanto a la investigación de Ciencia Ficción Hispanoamericana, Miguel Ángel Fernández Delgado. Así que para que conozcan un poco al que será uno de los invitados del podcast de septiembre les dejó el video de una conferencia en la que él nos habla de la historia de la Ciencia Ficción en Latinoamérica.

Conocer a Miguel Ángel y todo el trabajo que él y otros investigadores han hecho en cuanto a la Ciencia Ficción fue un enorme aliciente para continuar con proyectos como el Círculo de Estudios sobre Ciencia Ficción (CECiFi). Y ahora sé que es posible hacer investigación académica sobre este género.

Kung Fury

 

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Título Original: Kung Fury.
Género(s): Exploitation/Nazisploitation/Chopsocky, Ciencia Ficción, Fantasía, Comedia, GrindHouse.
Director: David Sandberg.
Emisión: 2015.
Duración: 31 minutos.
Extras:

Demostrándonos que el crowdfunding puede ser el futuro de las producciones independientes,  llega Kung Fury, una de las más exageradas obras audiovisuales que se han hecho en los últimos años. Con súper poderes sin sentido, violencia, robots, dinosaurios, Nazis, tecnología ilógica y destrucción al más puro estilo de la Serie B, no podríamos pedir nada más.

Kung Fury es la oda a las películas de explotación (Exploitation) que tanto permearon en la Serie B en los setentas y ochentas, pero además es un grandioso homenaje a ese cine decadente conocido como GrindHouse. El estilo del filme me recuerda a ciertas películas de Tarantino y Rodríguez, “mal hecho” a propósito, que para quienes no conozcan este tipo de cine ni lo sepan apreciar pasará simplemente como una película de mala calidad, pero para quienes gustamos que estas alternativas cinematográficas, Kung Fury es la perfecta concretización de todo eso.

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La historia gira en torno a Kung Fury, un detective del departamento de policía de Miami que debe viajar al pasado para matar a Hitler antes de que este asesine a todos sus compañeros. Con ayuda de Hackerman, un genio de la computación, logra su cometido, pero algo sale mal y viaja demasiado atrás en el tiempo, hasta la era de los Vikingos, afortunadamente, Thor lo transporta a la época correcta y con ayuda de sus nuevos amigos del pasado y sus viejos amigos de futuro logran derrotar al ejército nazi, pero lamentablemente Hitler logra escapar causando un paradoja temporal.

El mediometraje nos regala en tan sólo 30 minutos todos los géneros y posibilidades que la Serie B nos puede ofrecer, la mayoría son completamente descabellados, incoherentes y nada creíbles, pero es una delicia verlos todos juntos en pantalla. Lo que podemos ver en Kung Fury son robots, hiperviolencia, artes marciales, gore, mujeres sexys, disparos, autos y explosiones, persecuciones policiacas, locos criminales, un héroe renegado, efectos cutres y exagerados pero que por eso mismo resultan atractivos, música ochentera, hackers, viajes en el tiempo, chistes malos, dinosaurios, algo de anime, a Thor, Nazis caricaturizados, paradojas temporales y mucha acción.

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Algo que disfrute mucho y me hizo reír sin parar fueron todas esas exageraciones que pretendían ser gags al conjuntar juegos de palabras y características de los personajes, como en Triceracop, Hackerman, Laserraptor y los Kung-Fu poderes. Sin olvidar los homenajes a clásicos del cine como Terminator (el viaje en el tiempo) y Odisea del Espacio (con el Hoff 9000 emulando al Hall 9000 y haciendo referencia a Kitt, el Auto increíble, serie protagonizada por el mismísimo David Hasserhoff), sin olvidar el típico cliché de las películas de superhéroes sobre la obtención de poderes.

Por si todo lo anterior fuera poco, el filme también alude a esa fantasía violenta y pulp con vikingos matando dinosaurios en un mundo salvaje con música rockera de fondo, algo que me recordó mucho a Heavy Metal. Las partes donde la película parece dañada y los comerciales inventados son un elemento clásico del cine GrindHouse. Las partes animadas también nos remiten al anime ochentero y a las producciones americanas que en ese tiempo eran más crudas y menos estilizadas. Igualmente, esa Alemania nazi steampunkizada dan al filme un toque ucrónico muy particular. Una recomendación obligada para quien guste de este tipo de cine.

Freedom

Freedom 1
Título Original: Freedom.
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk/Ciencia Ficción Libertaria, Distopía.
Director: Shuhei Morita.
Estudio: Sunrise.
Emisión: 2006-2008.
Duración: 7 OVA.
Extras:

Freedom Project es un enorme comercial de la sopa instantánea Nissin, pero eso no le resta el ser una genial serie de Ciencia Ficción con un mensaje sobre la aceptación y un drástico cambio en sus escenarios, géneros y argumentos que te dejan sorprendido en cada capítulo. El proyecto contó con la participación de Katsuhiro Otomo en el diseño de personajes y es un excelente ejemplo de que una obra animada puede funcionar perfectamente si tiene una buena historia, aún si es patrocinada por una marca y está saturada de publicidad por emplazamiento.

La calidad técnica es regular, la animación no es tan fluida como cabría esperar y en ocasiones los personajes lucen algo acartonados. La música es buena y el diseño de escenarios es fantástico, con una radical mezcla de esos decadentes escenarios cyberpunkescos repletos de tuberías, muy a lo Otomo, con lugares más pulcros e hipertecnológicos, así como una tierra completamente en ruinas.

Freedom 2

La historia toma lugar en Eden, una colonia lunar, y gira en torno a Takeru, un chico que gusta de las carreras de motos. Él, junto a sus amigos Kazuma y Bismark (Bisu), suele enfrentarse en competencia con Taira, el líder de un grupo llamado Moon Shine. En apariencia esas rivalidades un tanto madmaxianas nos orientan en una dirección, pero un peculiar descubrimiento por parte de Takeru cambia por completo su vida y lo obliga a averiguar cuál es la verdad sobre la tierra, lugar que supuestamente todos creen destruido e inhabitable, pero que de acuerdo al mensaje de una fotografía no es así.

Su búsqueda lleva a los tres chicos con Alan, un anciano que fue parte del proyecto Freedom y vive en los niveles inferiores de Eden. Alan les explica todo lo que sabe sobre la tierra y les ayuda a salir del domo para averiguarlo por ellos mismos. Sin embargo, a las autoridades no parece gustarles la idea de que alguien sepa más de la cuenta y persiguen a los chicos, pero antes de ser capturados, dos de ellos, Takeru y Bisu, consiguen escapar a la tierra en una antigua nave Apolo, donde descubren que no es un lugar inhabitable. Takeru y Bisu viajan entonces hasta Florida para encontrar a la chica de aquella foto.

Freedom 3

Ya en Florida, Takeru y Bisu inician una nueva vida, con nuevos amigos y un mundo entero por conocer. No obstante, Ao, la chica de aquella fotografía que incitara a Takeru a viajar a la tierra está deseosa de ir a la luna para conocer Eden, con el fin de que terrestres y lunares tenga contacto mutuo, además de que con ello lograría el sueño por el que su padre perdió la vida. Para la gente de la Luna la tierra está muerta, pero para los terrícolas aún hay esperanza de que la colonia lunar permanezca con vida. Es así como Takeru, Bisu y Ao deciden retomar el Proyecto Apolo para regresar a Eden.

El trasfondo del que surge la historia y que da origen a la colonia lunar de Eden es muy bueno y se explica directamente al inicio de cada capítulo. No obstante, esos elementos de ciencia ficción se enriquecen con el control absolutista por parte del estado que trata de mantener oculta la vida en la tierra y reprime a sus ciudadanos para mantener una supuesta sociedad ideal, elementos distópico de herencia orwelliana. Aunque en la parte final de la serie veremos que los líderes de la forzada utopía tienen razones de peso para evitar todo contacto con la tierra.

Freedom 5

Algo que me ha gustado mucho de esta serie es el cambio tan drástico tanto de escenarios como de géneros. En el primer capítulo todo luce muy Cyberpunk, con un dejo de anarquía pero con un descomunal desarrollo tecnológico. Vemos lugares oscuros llenos de tuberías, pero también escenarios pulcros y cuasi perfectos, pues se juega mucho con esos contrastes entre lo bajo y decadente y lo perfecto y armónico. Posteriormente todo cambia a una Distopía donde el estado ejerce su poder restringiendo la información que no le conviene que sepa la población, siendo capaz de apresar a ciudadanos inocentes con tal de mantener la aparente perfección.

La relación Cyberpunk-Distopía es muy frecuente, lo que en realidad genera un cambio radical de género es cuando los chicos llegan a la tierra, pues la historia se convierte por completo en una road movie, donde vemos el día a día de los chicos durante su viaje por el sur de los Estados Unidos, en la afamada Ruta 66, hasta Florida. Al llegar a Florida todo adquiere tintes más dramáticos y románticos, pero una vez de regreso en Eden la historia se transforma en Ciencia Ficción Libertaria y vemos una rebelión, a manera de revolución, por parte de los grupos que desean conocer la verdad del proyecto Freedom y viajar a la tierra.

Freedom 4

El anime es muy bueno pues te entretiene y te sorprende con sus inesperados giros argumentales, aunque algunos de ellos resultan un tanto obvios. Tiene acción, romance, drama y un final emotivo. Sus escenarios cumplen al igual que la música y el diseño de personajes, y si bien la animación no es de lo mejor y está plagada de comerciales de la mentada sopa instantánea, sigue siendo una gran recomendación para quien guste de obras como Akira.

Si una forma de obtener ingresos para realizar cualquier tipo de proyecto es recurrir a la publicidad, qué mejor que exponer esa publicidad de forma inteligente y recurrir al emplazamiento en lugar de los comerciales tradicionales. En Freedom es muy evidente la ingesta de la sopa Nissin, pero cuando la historia es lo suficientemente buena como para engancharte, estarás tan atento a lo que pasa que no prestarás mucha atención a los comerciales, o al menos estos no resultarán en extremo intrusivos.

CECiFi Podcast

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Un pequeño podcast propaganda del proyecto CECiFi donde explico mi idea de formar un equipo de especialistas dedicados a la investigación de temas relacionados con la Ciencia Ficción.

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