Café Anime Lair

Escenarios Fantásticos

20 abril, 201524 diciembre, 2019Cuauh5 comentarios

Hoy vamos a hablar de los tipos de fantasía que existen a partir de sus escenarios; veremos que la fantasía va más allá del tema, los elementos mágicos y los personajes, y que está fuertemente determinada por el contexto espacial narrativo en que trascurre la historia. Veamos pues cuales son los diferentes lugares en lo que puede transcurrir una obra fantástica.

AMBIENTADA EN SU PROPIO UNIVERSO

La primera variante en las obras fantástica es la que toma lugar en su propio universo, esto es, el autor inventa lugares, ciudades, reinos e incluso mundos enteros y hasta universos donde su obra toma lugar. Los elementos geográficos, urbanos y sociales generalmente hacen referencia a nuestro mundo real, pero en el caso de las leyes mágicas, los poderes y las criaturas cada mundo adapta sus propios elementos. Por ejemplo, los Trol se hacen piedra con el sol, eso es un hecho universal en la fantasía, pero cada Trol será descrito de diferente manera y tendrá algunas cualidades únicas en cada obra.

Algunos ejemplos clásicos de obras Fantásticas con universo propio son El Señor de los Anillos (J. R. R. Tolkien), Canción de Hielo y Fuego (J. R. R. Martin), Terramar (Ursula K. Le Guin), El Nombre del Viento (Patrick Rothfuss) o Conan (Robert E. Howard). En cada una de ellas hay leyes únicas que rigen la magia, criaturas propias de ese mundo y una construcción geográfica especialmente diseñada para esa historia.

AMBIENTADA EN NUESTRO MUNDO

El segundo tipo de obras son aquellas que trascurren en nuestro mundo, es decir, que toman lugar en nuestra realidad y los magos conviven con personas normales. No obstante, si bien la magia es real, los magos o las criaturas no suelen mostrarse de forma directa a los humanos normales y hay una intención de ocultar su existencia, aunque esto no es una norma obligatoria. Dentro de este tipo de fantasía entraría lo que en literatura se conoce como Realismo Mágico, que no es otra cosa que fantasía ambientada en el mundo real, pero fantasía al fin y al cabo.

Ejemplos de este tipo de obras tenemos muchos, el más famoso es sin lugar a dudas Harry Potter (J. K. Rowling), aunque existen otros muchos como El Aprendiz de Brujo (Jon Turteltaub, 2010), Sabrina, La Bruja Adolescente, La Bruja desastrosa (donde salía Mildred Embrollo) o el clásico mexicano del Realismo Mágico Aura de Carlos Fuentes. En todas las obras de este tipo los eventos mágicos tienen la capacidad de afectar e influir en el mundo real pues tiene lugar en el mismo universo. Los ciclos artúricos en donde hay magia pertenecen a este apartado independientemente de la temporalidad.

AMBIENTADAS EN SU PROPIO UNIVERSO PERO ACCESIBLE A LOS HUMANOS

El tercer tipo de obra es el que ocurre en su propio universo, como en el primer caso, pero tiene acceso para que personas de nuestro mundo atraviesen a él. Generalmente el medio que permite trasportarse a ese mundo mágico es unidireccional, esto es, sólo permite que los humanos pasen al mundo mágico pero rara vez permite a las criaturas mágicas transportarse a nuestro mundo.

Aquí no debemos confundirnos con el apartado anterior. Por ejemplo, en Harry Potter y Sabrina los magos tiene aparentemente su propio mundo, pero en realidad la magia no se limita a él, sino que puede realizarse en el mundo humano sin problemas; de hecho, en Harry Potter magos y humanos comparte el mismo mundo, sólo que se ocultan con magia. Para poder diferenciar fácilmente el apartado dos del tres basta con analizar si la magia influye en nuestro mundo real. Si no influye estamos antes el tercer criterio de clasificación, pero si sí influye estamos antes el segundo.

Los ejemplos nos dejarán todo más claro. La obra más famosa de este tipo es quizás Las Crónicas de Narnia (C. S. Lewis), en dicha obra los niños llegan a Narnia a través de un ropero, Narnia es un mundo mágico con sus propias leyes y reglas, pero, a pesar de que los niños pueden ingresar, toda la magia de ese lugar no es capaz de influir en nuestro mundo. Otro ejemplo lo tenemos en Coraline, en el “otro mundo” es donde habita la bruja, y a pesar de que es capaz de influir en el mundo real de Coraline su poder se restringe a su propio universo.

AMBIENTADA EN UN MUNDO IMAGINARIO O DE ESCAPE

El cuarto criterio clasificatorio es el más complejo y puede ser un tanto ambiguo dependiendo de si comprendimos o no el trasfondo argumental de la historia. En este criterio tenemos que el mundo fantástico tiene su propio universo, ajeno a la realidad humana (como en el criterio uno), pero que permite el acceso a los humanos (como en el criterio tres), la diferencia es que dicho mundo no existe.

Podrán pensar que ningún mundo de fantasía existe, pero tengamos en cuenta que debemos ponernos en el contexto de cada historia como si nosotros fuéramos los personajes, así tendríamos que Narnia es real, tangible, pues existe en otro universo que casualmente es mágico. Ir a Nardia es como si visitáramos otro país, no lo vemos salvo que estemos en el, eso pasa en el criterio tres. Sin embargo, en este cuarto criterio ese mundo fantástico al que nos hemos trasportado no existe, dicho viaje fue una simple fantasía, alucinación o medida para escapar de una cruel realidad.

Los ejemplo para este apartado son Alicia en el País de las Maravillas (Lewis Carroll), El Laberinto del Fauno (Guillermo de Toro, 2006) y El Mundo Mágico de Therabitia (Gaspor Csupo, 2007). Ninguno de los universos fantásticos de esas tres historias existe ni en la realidad del personaje ni en otro universo, sólo en su imaginación. Alicia escapa al País de las Maravillas por la presión social que tenía, Ofelia crear un mundo mágico en donde ella es la princesa para escapar de la horrible realidad de la Revolución Española durante el régimen de Franco, mientras que Leslie y Jesse inventan Therabitia como un lugar de juegos donde pueden echar a volar su imaginación y olvidarse un poco de las dificultades familiares que sufren, sobre todo Jesse.

Con estos cuatro criterios podemos hacer una clasificación inicial muy simple de las obras fantásticas, pero es importante no confundir este método de clasificación con los subgéneros fantásticos, pues eso sí ya compete a la teoría de géneros y contempla trama, temas, parafernalia y estética que en su conjunto nos permitirán establecer los géneros y subgéneros a los que pertenece cada obra.

Este aspecto del contexto espacial, aunado al contexto temporal, también puede aplicarse en la clasificación de obras de Ciencia Ficción, y ambos contextos resultan ser fundamentales cuando hablamos de Fantaciencia o de obras con tecnología futurista que en apariencia lucen como Ciencia Ficción pero que no lo son.

Mad Max

15 abril, 201520 julio, 2015Cuauh3 comentarios

Título Original: Mad Max.
Género(s): Carsploitation.
Director: George Miller.
Emisión: 1979.
Duración: 93 minutos.
Extras:

Conocida como la precursora de un estilo que sería repetido hasta el hartazgo y que definiría la estética Cyberpunk tradicional, Mad Max es una de las primeras obras de ficción que nos presenta un mundo violento y anárquico, con hombres salvajes ataviados con cuero y un deseo innato de destrucción. El famoso estilo madmaxiano, ese que conjunta ciudades decadentes y una ideología anarco-punk nació en 1979 con esta película.

Si bien Mad Max no es la cúspide de ese estilo desgarbado que actualmente es una norma casi obligada en películas cyberpunk, de hecho es bastante light si la comparamos con producciones posteriores, su merito radica en ser la primera obra cinematográfica en conjuntar todos esos elementos postapocalípticos que otras obras han retomado desde entonces. Las pandillas de motociclistas las podemos ver nuevamente en Akira, el cuero, la violencia sin sentido y las ciudades semiderruidas han aparecido de obras como Cyborg (Albert Pyun, 1989), Demolition Man (Marco Brambilla, 1993), Judge Dredd (Danny Cannon, 1995), Doomsday (Neil Marshall, 2008) y Dredd (Pete Travis, 2012), mientras que esa genial escena de Saw (James Wan, 2004) donde las victimas de Jigsaw se deben amputar el pie con una segueta es una referencia a la última escena de este filme.

La historia toma lugar en un futuro no tan lejano y gira en torno a Max Rockansky, un oficial de policía encargado de vigilar las carreteras y proteger a la ciudadanía de las peligrosas pandillas de motociclistas que asolan en lugar. El jinete de la noche, uno de los pandilleros más peligrosos, es perseguido por los oficiales de policía, pero ninguno logra atraparlo, no es sino hasta que Max lo embiste y el fugitivo se estrella contra un camión que logran detenerlo. Cuando los compañeros del jinete se enteran deciden tomar venganza y empiezan a recorrer las calles causando destrozos.

La primera víctima de los motociclistas es Goose, un oficial de policía amigo de Max. Goose es calcinado por los salvajes pandilleros y eso afecta gravemente a Max, quien es obligado a tomar vacaciones para relajarse, el problema es que durante su viaje se encuentra con los viciosos criminales y su esposa e hijo terminan siendo víctimas de ellos. Max entra en un estado de furia y decide vengar a su familia a cualquier costa. A partir de ese momento nuestro protagonista asedia a los motociclistas sin descanso hasta que acaba con todos ellos uno a uno.

Es curioso que una película que no es ni Ciencia Ficción ni Distopía ni siquiera es postapocalíptica (sólo tiene la apariencia de serlo) haya influenciado tanto a películas posteriores de esos géneros. Mad Max es un Carsploitation futurista, ni más ni menos, pero esa estética decadente bien podría situarnos en un futuro postapocalíptico donde una humanidad agonizante lucha entre ella por lo pocos recursos que sobran, como en The Book of Eli (Albert y Allen Hugues, 2010) o The Road (John Hillcoat, 2009). Los violentos pandilleros de Mad Max ya han sido superados por otros pandilleros violentos y motorizados que además son caníbales, el cuero y las calles sucias ya fueron mejorados en un sin fin de obras más recientes; pero para aquellos años ese estilo neo-punk fue algo realmente novedoso.

Algo que también debemos destacar es la increíble calidad de los efectos, que incluso para los estándares de hoy en día siguen siendo buenos. Las escenas a gran velocidad, los coches destrozados y las explosiones mantienen un nivel por demás aceptable, e incluso lucen mejor que todas esas nuevas producciones plagadas de GCI. Y si bien el filme ya fue rebasado en todos los aspectos, le ocurre un fenómeno similar al de las teorías científicas, ya que sin importar lo rebasadas, mejoradas o superadas que estén siempre serán la base inicial de las futuras investigaciones y ese es el legado que Mad Max dejó en el cine, pues sin importar que tan moderno sea un filme, si retoma esa estética será considerado madmaxiano.

El Viaje de Chihiro

10 abril, 201520 julio, 2015Cuauh6 comentarios

Título Original: 千と千尋の神隠し (Sen to Chihiro no kamikakushi).
Género(s): Sobrenatural, Fantasía, Romance, Drama.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 2001.
Duración: 125 minutos.
Extras: –

El Viaje de Chihiro es quizás la mejor obra animada de Ghibli y es obviamente la más famosa a nivel internacional, tanto que en 2002 le valió ganarse el Oscar a la mejor película de Animación. Pero hablar de Chihiro resulta muy difícil, si no es que imposible, si no se es japonés o al menos lleva uno viviendo un largo tiempo en ese país como para tener conciencia de sus tradiciones y folclor.

La Séptima película de Miyazaki es una oda a la cultura japonés, una perfecta metáfora de la ideología sintoísta, un rito de paso entre la infancia y la adultez, una crítica al exterminio de la naturaleza en pro de la urbanidad, un reflejo de la jerarquizada sociedad nipona y un grito feminista que reivindica el papel de la mujer en la sociedad actual, es un viaje de sentimientos, es todo eso y mucho más.

La calidad técnica es sencillamente impresionante, los escenarios son un deleite visual desde la primera escena. El diseño de personajes se excelso, pues evita caer en los chiches de buenos y malos y simplemente muestra a un grupo de personas que es como necesita ser para sobrevivir el día a día. Algunos personajes pueden parecer codiciosos, huraños e incluso atemorizantes, pero esa forma de ser no es más que el reflejo de la situación en la que viven. Finalmente, la música es deliciosa, se funde a la perfección con el resto de elementos y nos permite adentrarnos con facilidad en el genial mundo de los baños termales.

La historia gira en torno a Chihiro, quien viaja junto a sus padres hacia la que será su nueva casa. Sin embargo, en el trayecto su padre decide tomar un camino que los lleva hasta un parque abandonado. Pese a las insistencias de la pequeña, sus padres deciden entrar para recorrer el lugar y encuentran un puesto con deliciosa comida que ingieren hasta convertirse en cerdos. Ante tal espectáculo, Chihiro queda desconcertada, pero es advertida por un extraño joven de que debe salir de allí antes de que sea muy tarde. Para desgracia de Chihiro la noche había caído ya y el abandonado lugar se transforma en unos gigantes baños públicos al que empiezan a llegar extrañas criaturas.

Haku, el joven que anteriormente advirtió a Chihiro, conduce a la pequeña por el lugar y le dice que busque a Kamaji y le pida trabajo, pues con un empleo Yubaba, la bruja dueña del aquel misterioso lugar, no podrá convertirla en cerdo como hizo con sus padres. Chihiro empieza entonces una travesía por aquellos baños termales donde los dioses de todo Japón se toman un descanso de sus actividades. Luego de muchas peripecias la pequeña consigue que Yubaba le de trabajo y firma un contrato, pero la bruja le quita su nombre para así poder tenerla bajo su control. Chihiro, quien ahora recibe el nombre de Sen, deberá esforzarse para mantener su empleo mientras busca la forma de regresar a sus padres a la normalidad.

La temática de los baños y los dioses es la viva esencia de ese folclor japonés tan exótico para occidente, mientras que las situaciones que acontecen con los diferentes dioses son una crítica al deterioro ambiental. Por ejemplo, el dios del rio llega extremadamente sucio a los baños a causa de todas las porquerías que los humanos vierten en sus aguas, mientras que Haku no es más que la representación antropomorfa de un rio desaparecido por la imparable voracidad humana que ya ha acabado con muchos ecosistemas. Esa voracidad y codicia está reflejada también en los trabajadores del baño y el Kaonashi (sin cara) que engulle a quienes se dejan seducir por el falso oro que les promete.

Otro aspecto importante ya un poco fuera del folclor, los dioses y la ecología es el aspecto social. El baño tiene una férrea estratificación social y cada trabajador cumple un papel esencial, aunque los más pesados y degradantes suelen estar reservados para las mujeres, cosa que es un tanto paradójica si tomamos en cuenta que de hecho es una femenina quien tiene el control de todo. Lo anterior nos deja a las claras dos cosas, que el papel y el estatus de las mujeres ha cambiado, pero que no todas tienen la oportunidad de ser las grandes damas y patronas, la mayoría siguen atadas a los mandatos de una sociedad patriarcal.

La película es crítica, dura, nostálgica y un poco dramática por momentos, es muy emotiva y al mismo tiempo extremadamente divertida y romántica, te invita a reflexionar sobre las responsabilidades de crecer y de tener empleo, te muestra lo codicioso que puede ser el mundo de los adultos y lo pesado que debe ser para un niño desenvolverse en él, pero también te hacer reír, soñar y fantasear con un mundo fantástico donde la magia impregna todo a su paso y los espíritus y deidades caminan a tu alrededor.

Para profundizar más sobre el trasfondo sociocultural de Chihiro les recomiendo esta entrada de Kirai, mi bloguero favorito.

La voracidad del consumo virtual

5 abril, 20155 abril, 2015Cuauh4 comentarios

Hace tiempo leí una frase que decía más o menos así: “Internet se escribe con tinta” y luego de meditarla por un rato concluí que es verdad. Todo el contenido que se sube a Internet, dígase imágenes, videos, audios o letras perdurará en la inmensidad de la red por siempre, incluso si borramos lo que hemos compartido eso se quedará almacenado en algún servidor alojado en un país con políticas sobre privacidad y derechos de autor un tanto endebles, oculto para la mayoría de internautas pero posiblemente accesible para quienes frecuentan la Deep Web. Y si bien internet tiene una memoria infinita y se ha convertido en el principal acervo de información en todo el mundo, la velocidad con que se mueven las modas virtuales es tan rápida que aquellos memes o videos que fueron los más populares en su momento quedan en el olvido cuando son desplazados por una nueva sensación.

¿Quién de ustedes no recuerda los videos de Edgar se cae y la Canaca, modas como el Harlem Shake o el Ice Bucket Challenge, los innumerables memes surgidos para ridiculizar la polémica del momento o, si nos vamos al ámbito del hastag, el #noerapenal y las decenas de versiones del #yamecanse? Creo que todos de una u otra forma, algunas veces de manera involuntaria, hemos sido víctimas de esa feroz viralización de determinados contenidos que pululan por la red. El ejemplo más obvio es el de las mentadas Selfies, que ha desplomado la venta de tripies para cámara y borrado de la memoria de los usuarios que existe una opción llamada “temporizador” que permite retrasar el tiempo del disparo. Todas esas modas logran captar a un público masivo, tan incuantificable que cierto video de un cantante coreano averió el contarlo de YouTube.

Ya en uno de sus capítulos, South Park nos ponía en alerta sobre la peligrosidad de seguir las modas de internet y sobre lo rápido que estas pasan. En el pasado la moda se determinaba por décadas, ahora debemos visitar diariamente Twitter para saber cuál es el trending topic de la semana o de esa tarde. Y eso mismo pasa con mucho contenido no viral de internet, los blogueros, los vlogueros, los streamer, los vinestars, los twitstar y los youtubers suben tanto contenido todos los días que en ocasiones algunas cosas que pueden ser muy buenas pasan completamente desapercibidas entre la enorme marejada de contenido al que tenemos acceso. Aunque puede pasar lo contrario como lo que me ocurrió a mi hacer algunas semanas.

En 2011 publiqué la entrada de Catolicadas como parte de una serie de entradas llamadas “La animación como distensor social”, que pretendía hablar sobre las animaciones que abordan temas tabú o que son difíciles de hablar por diversas razones. Descontinúe la serie porque preferí hablar de cada obra por separado y borré todas las entradas, incluida la de Catolicadas que casi nadie leyó. No obstante, como dicha entrada me parecía interesante volví a publicarla con el contenido exacto de aquella primera vez. Para mi sorpresa tuvo mucho éxito y de hecho es la entrada más compartida del blog, ha sido compartida más de 50 veces. Y eso fue lo que me llevó a escribir esto, pues me parece curioso que una entrada con el mismo contenido tuviese más éxito la segunda vez que aquella primera ocasión. Y si bien tengo más lectores ahora que hace cuatro años y la entrada versa sobre un tema polémico, no deja de ser un hecho interesante, sobre todo porque nos muestra que si bien internet se escribe con tinta y lo recuerda todo, la gente no.

La gente, sobre todo la gente mexicana, tiene una pésima memoria social, algo que para los políticos resulta ser nuestra mejor cualidad, pues al cabo de unas semanas, meses o años, dependiendo de las atrocidades de sus acciones, todo se nos olvida, perdonamos a quienes nos ofendieron y volvemos a votar por ellos. Y curiosamente ese lapso de memoria varía entre tres y seis años. Lo que ocurrió con la guardería ABC, con el 132, con Acteal, con Atenco y lo que está pasando con Ayotzinapa es la historia de siempre, los políticos dejan que el tiempo lo cure todo, y lo cura, eso y un poco de ayuda de la televisión y las noticias sensacionalista.

Así como las modas de Internet pasan y se olvidan a causa de la velocidad con la que surgen, los problemas sociales, los crímenes de estado y las promesas de campaña se olvidan de la memoria social, de las noticias y de la historia. Para mí, México vive en un estado orwelliano perfecto, donde el Ministerio de la Verdad ni siquiera tiene que preocuparse por borrar o cambiar la historia, pues la ciudadanía lo hará por sí misma. Podemos regresar a Internet, hurgar entre los archivos binarios como los arqueólogos virtuales de Pale Cocoon para reconstruir el pasado histórico a partir del registro digital (Internet será el paraíso de los arqueólogos e historiados del próximo siglo), podemos desgastar el scroll para ver los primeros videos de ese famoso youtuber, pero no podemos hacer lo mismo con los problemas sociales. Lo que ocurrió el 2 de octubre de 1968 no se ha olvidado, cada año hay una marcha, lo que ya se olvidó es el sentimiento de hartazgo ante los atropellos de la autoridad que llevó a los estudiantes de ese tiempo a marchar, y eso es lo que nunca deberíamos olvidar y lo que para desgracias de nuestro país olvidamos primero.

Better Call Saul

27 marzo, 201520 julio, 2015Cuauh5 comentarios

Título Original: Better Call Saul.
Género(s): Drama.
Creador: Vince Gilligan y Peter Gould.
Producción: Sony Pictures, Netflix.
Emisión: 2015.
Duración: on-going.
Extras: Breaking Bad.

Hay series tan monumentales que dentro de su infinito repertorio de historias, eventos, lugares y personajes, algunos sobresalen tanto que incluso llegan a opacar a los protagonistas o, al menos, seducen al espectador para querer conocer más al respecto, nacen así los spin-off, series derivadas de una serie original. Y sí, sé que la serie aún no termina de emitirse pero no podía esperar para hablar de ella.

Better Call Saul, nombre del más reciente lanzamiento de Netflix y frase del icónico abogado que defendiera los intereses de Walter White (Heisenberg) en Breaking Bad, retoma la historia del abogado antes de sumergirse en el mundo del crimen y la mafia, antes de ser el afamado defensor de los delincuentes y antes de ser Saul Goodman. A manera de precuela, Mejor llama a Saúl nos pone en contexto sobre todo lo que ocurría en Nuevo México con respecto al tráfico de drogas, antes de que Heisenberg y Jesse se apoderarán del mercado con su metanfetamina azul, cuando Tuco era el rey del estado y la mafia mexicana dominaba la frontera sur.

La serie gira en torno a Jimmy McGill, un abogado que trabaja como defensor de oficio para la cortede Albuquerque, quien pese a ser el hermano menor del afamado Chuck McGill, miembro fundador de la firma de abogados más prestigiosa de la zona, no ha logrado tener el éxito que esperaba. La crisis financiera, la cada vez más delicada salud mental de su hermano y sus constantes conflictos laborales le llevan a buscar una salida que no significara otra cosa que su entrada en el mundo de la delincuencia.

Breaking Bad es sin lugar a dudas una de las mejores series en lo que va del siglo, y Better Call Saul no se queda atrás, pues apela al mismo formato y usa una fórmula similar para engancharte desde el primer episodio. La violencia de los narcos, la constante influencia hispana, las geniales actuaciones y la increíble producción han logrado consolidar a la serie en un puesto muy alto a tan sólo unas semanas de que iniciara su emisión, tanto en el mercado estadounidense como en el latinoamericano.

Si bien la fama de Breaking Bad fue un impulso brutal para esta naciente serie, lo cierto es que eso no le resta méritos a la fabulosa calidad con que está hecha. Además, el hecho de que Netflix ya no sólo sea un medio para difundir contenido sino que también se consolide como una plataforma de lanzamiento es una prueba de que la forma de consumir televisión está cambiando muy drásticamente, y eso lo veremos de forma fehaciente cuando la generación de jóvenes que hoy consumen más internet que televisión se convierta en adultos.

Kings of Sidonia o la inigualable House of Cards son ejemplos de que la televisión inteligente, la que está hecha con mucha calidad y nos ofrece historias nuevas y apasionantes puede funcionar perfectamente aún si se estrena y distribuye por internet. Las recientes series estrenadas por Netflix no le piden nada a las titánicas producciones que sólo pueden verse por HBO, como Juego de Tronos. Las empresas de streaming ya han logrado demostrar que la buena televisión no tiene por qué ser tan cara.

DeFicciones 00 – Piloto

22 marzo, 201530 enero, 2022Cuauh13 comentarios

Ya tenía rato con la idea de hacer un podcast, pero no tenía noción de cómo hacerlo ni si lograría subirlo a iTunes, ya que estaba un tanto necio de que si no estaba ahí no valía la pena hacerlo. Luego de mucho investigar decidí optar por preguntar directamente a uno de mis podcasters favoritos, Félix del podcast La Biblioteca de Trantor, que fue una de mis principales inspiraciones para hacer el mío. Felix tuvo la amabilidad de responderme casi de inmediato y de recomendarme el libro de un conocido de él, otro podcaster, donde explica todo el proceso para hacer un podcast, Podcasting. Así lo Hago Yo de Emilio Cano.

Cómo sabía que no tenía dinero para hacerlo al nivel profesional de usar una consola, decidí tomar las cosas con calma y utilizar las sugerencias de Emilio para hacer un podcast decente. El problema no fue la edición, ni el contenido, sino la feed, la maldita feed que me hizo batallar por días y desesperarme. Primero traté de usar una aplicación para generar el feed desde una carpeta de Dropbox (aprovechando que gané 50GB gratis por dos años), pero como no soy usuario PRO no pude hacer una carpeta pública, por lo que la aplicación no funcionó. Posteriormente intenté hace como muchos podcasters hacen, subiendo mis audios a Ivoox, cosa que no me tenía convencido pues había leído muchos malos comentario sobre ese portal. La tercera opción consistía en subirlos a Archive.org, lo cual hice, pero nunca conseguí generar la feed. Frustrado de tantos intentos volvía a leer el libro de Emilio y opté por hacerlo como lo hace él (irónico, lo sé), así que subí mis audios a Spreaker y tan fácil como respirar en tierra firme a una altura inferior a los 3,000 msnm, generé la feed, configuré a Ivoox para que captara el podcast desde Spreaker y envié el podcast a iTunes para su aprobación, que tan sólo tomó un par de días.

Después de muchos tropiezos, hoy les anunció que Café Anime Lair inicia una nueva etapa de multiplataformismo, incursionando en el mundo de podcasting con el podcast DeFicciones, que es como quería renombrar al blog cuando compre el dominio (Vossk me dijo que no lo hiciera porque desaparecería de los resultado de google que ya me tienen registrado como Café Anime Lair). Si les interesa escucharme hablar sobre temas parecidos a los que abordo en el blog puede buscarnos e Ivoox, Spreaker y iTunes como DeFicciones o darle clic al banner de iTunes en la barra lateral de su derecha.

DeFicciones se dividirá en dos, “DeFicciones” que serán temas originales de los que hablaré únicamente en el podcast y “Café para llevar” que serán lectura de las reseñas y ensayos que ya he publicado aquí en el blog. Como Spreaker sólo me da diez horas de espacio gratuito, eso quiere decir que sólo hay espacio para unos diez episodios, aunque eventualmente, cuando me gane la lotería (o alguien nos patrocine) nos haremos PRO para tener más espacio. No puedo decirles la periodicidad de las publicaciones pero seguramente será menos de una al mes. Por cierto, disculpen la enorme cantidad de muletillas de este primer episodio, pero es la primera vez que grabo un podcast y como era el capítulo piloto no tenía guion, intentaré que no se repita.

Disponible también desde: Anchor

Los tres pilares de la Fantasía

17 marzo, 201524 diciembre, 2019Cuauh3 comentarios

No digo que estos tres escritores sean los mejores ni los primeros ni los más grandes, pero muchos lectores y amantes de la fantasía por todo el mundo los han puesto en un pedestal muy alto, por encima del resto de autores. Tolkien, Le Guin y Martin pueden ser considerados como los autores clásicos de la Fantasía literaria o al menos como los indispensables que todos los amantes del género deberían leer, así como para cualquiera que desee iniciarse en este mundo de la magia, los caballeros y los dragones. Tres autores por leer, tres mundos por descubrir y cientos de aventuras por experimentar es lo que espera a todo aquel que decida darse un tiempo para conocer las que yo considero son las tres sagas clásicas dentro de la Alta Fantasía.

Tolkien

El primero de ellos incluso ha recibido el mote de “el padre de la Alta Fantasía”, me refiero a John Ronald Reuel Tolkien, mejor conocido como J. R. R. Tolkien. Tolkien nació el 3 de enero de 1892 en Bournemouth, hoy Sudáfrica, estudió Lingüística Inglesa y participó en la Primera Guerra Mundial luego de la cual empezó a escribir sus primeros relatos que más tarde derivaría en El Hobbit y El Señor de los Anillos. La grandeza de Tolkien y su Tierra Media radican en la minuciosa creación de un mundo fantástico lleno de novedosas criaturas, un complejo y solido trasfondo que daba coherencia y solides tanto a los personajes como a los eventos, y los lenguajes inventados que hacían más creíble la existencia de ese mundo. Con la llegada de Tolkien la brecha que separaría a la Fantasía de la Alta Fantasía inició su construcción.

Tokien

Le Guin

Si Tolkien es el padre de la Alta Fantasía, nuestro segundo personaje bien podría ser la madre de esta. Nacida un 21 de octubre de 1929 en Berkeley, California, hija de un antropólogo y una escritora, Úrsula Kroeber Le Guin, o simplemente Úrsula K. Le Guin, lo tenía todo para convertirse en uno de los máximos referentes dentro de la literatura fantástica y de la Ciencia Ficción. Úrsula tiene dos sagas importantes, la saga de Ekumen, de Ciencia Ficción, y Terramar, de Fantasía. Sus textos se caracterizan por ahondar en el aspecto social de las civilizaciones ficticias que protagonizan sus historias lo que conlleva críticas y reflexiones muy dura sobre nuestra propia sociedad.

Martin

El último de estos tres personajes es el escritor de moda, tanto en el ámbito literario como en el televisivo. Nacido el 20 de septiembre de 1948 en Bayonne, Nueva Jersey, George Raymon Richard Martin o G. R. R. Martin es hoy por hoy el más reconocido escritor de Fantasía Épica. Su saga Canción de Hielo y Fuego no sólo ha refrescado el género, sino que ha denotado la formidable capacidad que tiene este autor para crear una obra por demás titánica, tanto en su calidad literaria como en la cantidad de elementos que contienen sus novelas, que si bien no son tan fantasiosas como las de Tolkien, reflejan la cruda y violenta realidad de la condición humana cuando está en juego el poder.

La Muralla

12 marzo, 201524 diciembre, 2019Cuauh4 comentarios

En una de mis clases de Historia de México durante la carrera, no recuerdo cuál exactamente pero debió ser en alguna de las dos últimas, recibí un mapa de la Ciudad de México durante la época novohispana. En dicho mapa se delimitaba a la ciudad a partir de la zona que quedaba dentro y la zona que quedaba fuera de las garitas que rodeaban la ciudad. El mapa me inspiró para crear una historia de Ciencia Ficción basada en uno de los conceptos claves de la Geoficción, la teoría del Centro-Periferia. Dicha teoría, surgida de la Geografía Social, se basa en que en el centro de una urbe estarán los más ricos, poderosos e importantes, mientras que en la periferia estarán las clases bajas, justo como ha ocurrido en la Ciudad de México desde siempre.

Lo primero que hice fue redibujar el plano en Surfer 10 y modificarlo mínimamente, el mapa que verán a continuación es básicamente un calco del plano original y de hecho puede apreciarse lo que actualmente es el Centro Histórico y la Alameda. Posteriormente con ayuda de colores lo diferencié en sectores.

Inspirado en la hoy desaparecida ciudad Hongkonesa de Kowloon, el excelente ejemplo de un Centro-Periferia del filme In Time (Adrew Niccol, 2011) y las murallas defensivas de Israel que se aprecian en Word War Z (Marc Foster, 2013), me propuse escribir una historia al respecto, donde una ciudad construía una gigantesca muralla para defenderse de gigantescos monstruos. Desafortunadamente, un par de semanas después se entrenó Pacific Rim (Guillermo del Toro, 2013), con su “Muro de la Vida” y además me enteré de que ese anime de moda llamado Shingeki no Kyojin (que no he visto) tenía el mismo argumento, por lo que decidí descartar el proyecto al considerarlo poco original.

El en mapa se pueden observar cinco colores:

1. El color rojo, que corresponde a la Zona 5 (Sector Externo B). Es donde se han asentado ilegalmente sobreviviente de otras ciudades que han llego a La Muralla para buscar refugio. Ellos no tienen ninguna clase de servicios y sobreviven haciendo rapiña a la basura que produce la ciudad. Es una zona sin planeación ni traza urbana y en extremo peligrosa. Estéticamente se verían como un Scrappunk pues sus casas están hechas con los desperdicios que ha logrado recuperar de la basura, como las chozas de los extraterrestres en District 9 (Neill Blomkamp, 2009). No cuentan con ningún tipo de protección frente a los ataques.

2. El color azul, que corresponde a la Zona 4 (Sector Externo A). Aquí vive la clase más pobre, tienen muy pocos recursos, carecen de luz y la mayoría también de agua. Viven hacinados en casas derruidas por los ataques, su traza urbana es en extremo irregular y muy dispersa debido a que los constantes ataques han dejado mucha destrucción. Su única defensa es la valla perimetral (una reja de metal de cinco metro de alto) de las Garitas (puertas de control que restringen el acceso a la ciudad). Estéticamente luciría como la zona de refugiados en Children of Men (Alfonso Cuarón, 2006).

3. El color verde, Zona 3 (Sector Interno C). Aquí vive la gente de clase media, la que mantiene a toda la ciudad, pues son obreros que trabajan en fábricas donde se reciclan recursos y cadáveres para obtener alimento, materiales de construcción y armas. Están protegidos por el muro externo, un muro de concreto de ocho metros de alto con cuatro entradas, una en cada punto cardinal. Hay mucha violencia en las calles, los niño que no trabajan se dedican a roba y mucha gente de sectores inferiores que ha logrado colarse sobrevive pidiendo limosna pues no tiene derecho a trabajar. Más de la mitad de los edificios son fábricas y como el muro no es en extremo resistente ha tenido que afrontar muchos ataques, como se puede constatar en las regiones norte y suroeste, donde la traza urbana es menor y más irregular. Estéticamente este sector cambia dependiendo la zona, pero se vería como los guetos de In Time (Adrew Niccol, 2011), el Distrito 12 de The Hunger Games (Gary Ross, 2012) o la zona donde viven Tetsuo y Kaneda en Akira. Cuentan con luz, agua y drenaje, pero con constantes cortes en su suministro y muy poco mantenimiento. Dentro de este sector se encuentra en remanente del primer muro defensivo.

4. El color naranja, Zona 2 (Sector Interno B). Aquí vive la gente rica o al menos un poco adinerada. Realizan trabajos de administración y muy pocas veces llega a recibir ataques. Las familias de quienes laboran como soldados o guardias de defensa viven aquí. Cuentan con agua y luz constante, además de una dotación mensual de comida extra si un miembro de su familia trabaja en la milicia. Estéticamente se vería como la zona para los estudiantes de dos estrellas en Kill la Kill. En este sector se encuentra el edificio de gobierno (el cuadro rosa con azul). Están protegidos por un muro de hormigos de 15 metros de alto con dos entradas, una al norte y la otra al oeste. Es la parte más vieja de toda la ciudad y aún resguarda tres vestigios del segundo muro defensivo.

5. Color rosa, Zona 1 (Sector Interno A). Zona exclusiva de los mega ricos, aquí viven los gobernantes y jefes militares de alto rango. Estéticamente luciría como el Capitolio de The Hunger Games (Gary Ross, 2012). Está protegido por un doble muro de hormigos y acero de diez metros de alto. Es la única zona de toda la ciudad que cuenta con jardines y vegetación ornamental. Desde que se construyó nunca ha sufrido un ataque.

Cerdo Venusiano pidió ideas para relatos, pues aquí tienes está, se libre de adaptar, o no.

Sensus

7 marzo, 201524 diciembre, 2019Cuauh2 comentarios

Grajales y BEF (2) — Jorge Grajales (izquierda) y BEF (derecha) presentando Sensus

Hace tan sólo un par de meses, en diciembre de 2014, salió a la venta Sensus, el primer comic mexicano para invidentes, con historia del escritor Jorge Grajales e ilustraciones de Bernardo Fernández “BEF”. La historieta pretende acercar el mundo de la literatura en viñetas a las personas con discapacidad visual, además de promover la lectura y concientizar a las personas sobre las dificultades que enfrentan diariamente las personas que no pueden ver, así como demostrarnos que podemos percibir el mundo con todos nuestros sentidos y no únicamente con la visión.

La idea de publicar un comic mexicano ya es por si misma aplaudible, pero hacerlo para un sector tan olvidado por los literatos lo es aún más. Las personas invidentes suelen perderse de muchas de las grandes historias destinadas para un público sobresaturado de elementos audiovisuales. El cine, la televisión, los videojuegos y el internet están pensados para las personas que podemos ver, y eso no sólo ha hecho que los ciegos carezcan de opciones para su diversión, sino que nos ha hecho pensar al resto de personas que un ciego no puede disfrutar de ir al cine o visitar lugares con paisajes hermosos. La imaginación de quienes podemos ver está muy limitada, prácticamente sólo toma en cuenta lo que vemos y oímos, pero quien carece de esas capacidades puede percibir el mundo de muchas otras formas igualmente atractivas.

La idea de que dos grandes en el ámbito del cine, la literatura y la ficción se unieran para este trabajo me parece fascinante, sobre todo porque BEF es uno de los nombres más escuchados —junto al de Porcayo— cuando hablamos de Ciencia Ficción mexicana. La idea de Grajales de llevar su historia al público invidente no sólo implica un gran paso en la tarea de llevar este tipo de obras a un público hasta ahora olvidado, sino que además involucra una labor de traducción y adaptación mucho más compleja que la traducción de un idioma a otro, pues su obra está desarrollada de tal forma que permita a los invidentes leer su historia e imaginar los escenario sin dejar de ser atractiva para los lectores que podemos ver.

Los espacios arquitectónicos en las ciudades de todo México destinado a las personas con discapacidad son mínimos, pero los espacios dentro de los medios audiovisuales y literarios son prácticamente inexistentes, por eso proyecto como el de Jorge o series como Viaje Todo Incluyente de Canal Once, resultan algo muy necesario para nuestra sociedad. Yo, que dependo totalmente de mis ya desgastados ojos para ver todo sobre lo que escribo en este blog, nunca me había puesto ha pensar en ofrecer o, al menos, acercar el contenido de los medios audiovisuales a las personas que no los pueden percibir, pero me alivia la idea de que otras personas sí lo hayan pensado y ya estén haciendo algo al respecto.

La Pseudo Indignación Fantástica

2 marzo, 201524 diciembre, 2019Cuauh6 comentarios

En lo que va de este siglo el cine de fantasía ha tenido un resurgimiento, potenciado por franquicias como El Señor de los Anillos, Harry Potter o Juego de Tronos, que al igual que el resto de filmes estrenados en años recientes se basan en libros con mucho éxito. El éxito de tales novelas se debe a tres principales factores: el primero es que se trata de clásicos que ayudaron a forjar el género, como ocurre con los libros de J. R. R. Tolkien, quien básicamente definió la Fantasía Épica, el segundo se debe a que son obras mercadotécnicamente exitosas y muy poderosas que atrapan la atención de un público específico, como la saga de J. K. Rowling, mientras que el tercer factor se debe a que son obras que ofrecen algo nuevo al género y al mismo tiempo resultan sumamente redituables, que es lo que pasa con la obra de G. R. R. Martin (espero pronto veamos una adaptación decente de la saga Terramar de Ursula K. Leguin).

Recientemente el cine ha llevado a la gran pantalla novelas como Las Crónicas de Narnia (C. S. Lewis), Alicia en el país de las maravillas (Lewis Carroll) y El Hobbit (J. R. R. Tolkien), sin olvidar las múltiples adaptaciones de los cuentos clásicos de los Hermanos Grimm como Maléfica (Robert Stromberg, 2014), Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas (Tommy Wirkola, 2013) o Blanca Nieves y el Cazador (Rupert Sanders, 2013), todo eso sin mencionar las versiones animadas de Disney y la tan criticada Crepúsculo de Stephenie Meyer. Y justamente con esta última novela y saga cinematográfica es que empezamos este post.

El Señor de los Anillos

Las Crónicas de Narnia

Alicia en el País de las Maravillas

Muchos de quienes nos decimos conocedores de la ficción, tanto en su versión científica como en su versión fantástica o sobrenatural, criticamos duramente sagas como Crepúsculo por deformar elementos clásicos e icónicos de la ficción, que en este caso son los tan mentados vampiros. Desde Nosferatu, aquella vieja película de 1922 dirigida por F. W. Murnau, pasando por todas las versiones de Drácula, como la protagonizada por Béla Lugosi en 1931 o el genial Drácula-rockstar de Van Helsing (Stephen Sommers, 2004), la figura del vampiro siempre ha sido la del señor de las sombras sediento de sangre, inmortal y protegido por el amparo de la noche. Todo eso cambió en 2005 cuando se publicó la primera novela de la saga Crepúsculo, pero la indignación de los seguidores más puristas de la fantasía detonó hasta 2008 tras el estreno de la primera película.

Si los clásicos son clásicos es precisamente porque los elementos que los constituyen han tardado muchos años en consolidarse y establecerse en el inconsciente colectivo como elementos aceptados por tradición popular. El ajo y las estacas de madera para combatir vampiros, las balas de plata en contra de los hombres lobo, el disparo en la cabeza para matar a los zombi y el fuego para exterminar al monstruo creado por el doctor Víctor Frankenstein son de conocimiento popular, como el que los vampiros no pueden salir de día ni entrar a una casa sin ser invitados o que los hombres lobo se transforma en luna llena. Cuando esos elementos que otorgar su esencia a los monstruos y criaturas de los que son parte son modificados, indudablemente se creará un conflicto en aquellas generaciones que siempre prescribieron a dichos seres como monstruos de ultratumba a los que debemos temer y no como guapos adolescentes que sufren por amor.

Nosferatu

Drácula

Twilight

Indudablemente la obra de Meyer transfigura lo que por tradición popular esperamos ver en las criaturas de ficción y les deja a las nuevas generaciones una idea errónea que dista mucho del origen de tales seres. Ahora bien, ¿por qué se generó tal indignación con la saga de Crepúsculo pero no con otras obras que igualmente han modificado de forma radical la esencia de las brujas, los monstruos y la magia o que al menos los han sacado de su contexto original para situarlos en nuestra consumista, capitalista y moderna realidad?

Si nos remontamos a la década de los sesenta tenemos una de las series de televisión sobre monstruos más clásica de todos los tiempos, La Familia Munster, integrada por Herman (monstruo de Frankenstein), Lily (vampiresa), el abuelo (Drácula), Eddie (hombre lobo), y Marilyn (humana normal). La Familia Munster es una serie de comedia familiar muy querida por la generación de nuestros padres, pues fue una de las series que vieron durante su infancia. Los personajes de esta serie mantienen todos los elementos tradiciones de los monstruos a quienes representan, pero su contexto es un Estados Unidos en plena Guerra Fría con la extinta Unión Soviética.

Para nuestra generación, nacida entre los ochenta o principio de los noventa, la comedia familiar mágica está representada en Sabrina, La Bruja Adolescente. Sabrina era una joven de dieciséis años mitad mortal y mitad bruja que asistía a la preparatoria y sufría todas las desventuras propias de su edad, pero además tenía que estudiar para obtener su licencia de bruja y aprender todo sobre “el otro reino”, un mundo habitado por brujas y hechiceros. Sabrina fue la serie para adolescentes que inauguró la llegada de los seres mágicos al mundo humano, idea que recientemente fue retomada en programas como Los Hechiceros de Weverly Place.

Sabrina fue una modificación muy radical del tradicional concepto que se tenía de las brujas, aunque sí había calderos, pociones y un gato negro (Salem era genial). La mayoría de las personas que he visto que crítica Crepúsculo son gente de mi edad que de niños seguramente les tocó ver Sabrina, y seguramente disfrutaron con dicha serie como yo hacía. Entonces, ¿por qué la obra de Meyer es tan menospreciada por nuestra generación y tan defendida por las niñas que han leído los libros y visto todas las películas? La respuesta es simple: la brecha generacional y el bombardeo mediático del que hemos sido presas. Nuestra indignación por esas obras sólo surge porque no están destinadas para nosotros pues nosotros también hemos consumido obras que seguramente han indignado a quienes les tocó consumir otro tipo de fantasía.

Cuando se entrenó Harry Potter y la Piedra Filosofal yo tenía la misma edad que Harry (once años), al igual que la mayoría de niños de mi generación. Esa empatía con el joven mago hizo que muchos jóvenes que hoy están en sus veintes se quedaran enganchados a la saga, principalmente porque fueron creciendo con él. Yo vi hasta la cuarta película en el cine y luego le perdí interés (aunque sí he visto todas las películas) pero muchos de los amigos y compañeros que he tenido desde entonces son grande fanáticos de dicha franquicia. El éxito de Harry Potter se debió a que resultaba algo novedoso para la generación de quienes éramos niños en aquel entonces y al bombardeo mediático que recibimos por toda esa publicidad y productos derivados.

A quienes les tocó consumir esa fantasía pulp de Moebius que era publicada en fanzines y tenía una estética mucho más cruda, tosca y espacial (como He-Man o Heavy Metal, por ejemplo), que son las generaciones de los setenta y principios de los ochenta, encontrarán obras como Harry o Sabrina en extremo sosas y muy apartadas a los estándares de lo que ellos perciben debe ser la fantasía, que es lo mismo que nos pasa a nosotros con las obras de ficción más recientes. Para una generación que consume a Justin Bieber y One Direction y con quienes la violencia publicitaria ha tenido menos compasión que la que tuvo con nosotros, es entendible que consuman fantasía como la de Crepúsculo. Afortunadamente, aún hay autores que hacen cosas de calidad por el deseo de renovar a la fantasía y no por el de volverse millonarios captando a un masivo público de jovencitos.

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