Wolf’s Rain

Título Original: ウルフズ・レイン (Warafusu Rein).
Género(s): Kemono, Fantasía, Drama, Ciencia Ficción/Biopunk/Ciencia Ficción Social, Romance.
Director: Tensai Okamura.
Estudio: Bones.
Emisión: 2003.
Duración: 24 episodios.
Extras: 4 OVA.

Un desarrollo lento, una ambientación gris y una historia sólida, que desgraciadamente no explota todo el potencial que tiene, hacen de Wolf’s Rain más que el típico anime postapocalíptico de una sociedad decadente y al borde de la destrucción, pues la conjunción de sus argumentos y los elementos totémicos que incluye la convierten en una serie novedosa y amena.

La historia, aunque nunca se dice directamente, se desarrolla al sur de los Estados Unidos y retoma elementos simbólicos de las tribus indígenas que antiguamente habitaron aquella región, algo nunca antes visto en la animación japonesa. Podemos ver alusiones al Valle de la Muerte en California y una posible referencia a Ernest Thompson Seton, quien inicio el movimiento “woodcraft” para proteger la vida salvaje y cuyo interés se inició por el incidente con un lobo.

La calidad de animación es muy buena, pues la nitidez de los gráficos hace que los escenarios luzcan espectaculares y en ningún momento encontramos escenas lúgubres con falta de luz. Por su parte, la música es muy amena y le da a la serie una ambientación única y original, pues sus tonadas lentas y de estilo andaluz rompen con el ambiente apocalíptico y contrastan totalmente con los escenarios, creando un efecto por demás agradable.

El diseño de los personajes —sobre todo de los principales— sí deja mucho que desear, pues caen en los estereotipos del chico malo, el amable, el tierno y el líder. Además, su desarrollo y crecimiento en la historia es casi nulo pues, salvo algunos aspectos muy someros de su vida, no conocemos prácticamente nada de su pasado y su personalidad se mantiene constante durante toda la serie. Afortunadamente, los personajes secundarios toman las riendas de la historia y desarrollan perfectamente los elementos dramáticos.

La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico donde la mayoría de la población vive en la miseria y sólo los acaudalados nobles gozan de las comodidades tecnológicas en las fortificadas ciudades que los protegen del perpetuo invierno y de las cruentas guerras que se libran en el exterior.

Cuatro jóvenes lobos, Kiba, Hige, Toboe y Tsume, intenta encontrar a Cheza (la chica flor) para poder llegar al paraíso antes de que los nobles la capturen y usen para sus despiadados propósitos. Por su parte, la científica Cher Degre y el detective Hubb Lebowski, acompañados del Sheriff Quent Yaiden quien desea vengarse de los lobos que destruyeron su ciudad, intentan descubrir el secreto de Cheza.

La historia usa perfectamente las características lupinas de sus personajes principales, y el hecho de presentarlos con forma humana les da un toque más íntimo y personal para con el televidente. Además, la integración de una cosmovisión indígena que mezcla las creencias que los nativos americanos tienen sobre la naturaleza y la muerte resulta una idea más que acertada.

El único aspecto que podría resultar molesto es la lentitud con la que avanza la serie y la falta de escenas de acción que uno esperaría al tener lobos como personajes principales. Sin embargo, a pesar de lo plana que pueda resultar la historia, ésta no es repetitiva ni monótona en ningún momento, salvo en el enorme flash-black (episodios 15 al 18) que intenta desarrollar más los personajes. A pesar de ello, me parece que cumple con el propósito de entretener y cuenta con las características suficientes para ser un buen y agradable anime.

Toki wo Kakeru Shôjo

Toki wo Kakeru Shôjo 1

Título Original: 時をかける少女 (Toki wo Kakeru Shôjo).
Género(s): Slice of Life, Drama, Romance, Ciencia Ficción, Shôjo.
Director: Mamoru Hosoda.
Estudio: MadHouse.
Emisión: Julio 2006.
Duración: 98 minutos.
Extras:

Basado en la novela homónima de Tsutsui Yasutaka, Toki wo Kakeru Shôjo es actualmente uno de los mejores trabajos animados que mezclan drama y ficción. La historia, los personajes, los escenarios y la música son simplemente perfectos, no en vano ha sido galardonada en diferentes festivales de cine y animación en todo el mundo.

La peculiaridad en Tokikake es la forma en que logra fundir, a un nivel casi poético, uno de los elementos más intrincados de la Ciencia Ficción (los viajes en el tiempo) con una historia de amor y drama que se desarrolla a un ritmo pausado e íntimo propio de Slice of Life, algo pocas veces visto en obras cinematográficas pero que nos demuestra que en la Ciencia Ficción también hay lugar para los sentimientos y las cosas mundanas.

Toki wo Kakeru Shôjo 7

El estilo y la calidad artística son asombrosos, los escenarios son muy simples pero finamente detallados y el estilo de animación es totalmente impactante. El soundtrack es muy bueno, tal vez no tan bueno como el de otras series ni tan sobresaliente como la historia en sí pero genera una ambientación muy agradable que siempre va acorde con las escenas.

El diseño de personajes es de los mejores que he visto, pues en tan sólo hora y media nos permite conocer las personalidades y problemáticas de todos ellos, algo muy difícil en tan corto tiempo. Y aunque no ahonda demasiado en su psicología, logra desarrollarlos de una manera muy divertida y emotiva. No podíamos esperar menos teniendo en cuenta que el diseñador de personajes fue Yoshiyuki Sadamoto.

Tokikake nos presenta una historia simple basada en un tema que ha sido sobreexplotado por el celuloide en los últimos años. Afortunadamente no centra su atención en complejas historias de ficción futurista sobre los viajes en el tiempo, por el contrario, se limita a no explicar ésta habilidad y eso le permite desarrollar sus argumentos a un nivel más íntimo.

La historia gira en torno a Makoto Konno, una chica de preparatoria que gusta de jugar béisbol y pasar el tiempo con sus dos mejores amigos, Chiaki y Kôsuke. Por azahares del destino obtiene la habilidad de saltar en el tiempo, con lo cual impedirá que cosas malas le pasen. Sin embargo, ninguna acción puede ser del todo impedida y los problemas que ella evita son trasferidos a otras personas. Con el paso del tiempo Makoto mejora su habilidad y la utiliza para evadir todas las situaciones que le son incomodas y desagradables, a pesar de que esto conlleve serias repercusiones para sus amigos.

A lo largo de la película podremos darnos cuenta de que los viajes en el tiempo no son el argumento principal de la historia, sino un simple elemento más para abordar las relaciones que Makoto tiene con su familia y amigos, las cuales se ven afectadas porque sus viajes desencadenan eventos propios de la teoría del caos.

Toki wo Kakeru Shôjo es sumamente recomendable, pues tiene una historia sólida, personajes bien diseñados y un perfecto manejo de tiempos que nos permite saber en todo momento si los acontecimientos que vemos son del presente o del pasado. Lo tiene todo para llegar a ser uno de los mejores largometrajes de la animación japonés de todos los tiempos y una de las favoritas entre los fans del anime.

Ani•Kuri 15 [11-15]

Tercera temporada

Neko no Shuukai

Director: Makoto Shinkai.
Estudio: CoMix Wave Film.

Chobi, el gato de la familia, quien constantemente sufre los pisotones de cola que sus dueños le propinan, sueña con vengarse —junto con todos los gatos del mundo— de los humanos que descuidan a sus mascotas.

Conocida la calidad y capacidad de Shinkai para crear historias cortas con mucho contenido, no se podía esperar menos de este gran director. La calidad de animación es formidable y la música aumenta el toque cómico de la historia, que sin duda es un parteaguas que se aleja de su ya conocido trabajo dramático.

Onmitsu Hime

Director: Mahiro Maeda.
Estudio: Gonzo.

La princesa Tama y su extraño muñeco-robot luchan contras los piratas espaciales para salvar su reino.

Éste corto es el único que utiliza totalmente los diálogos para narrar la historia, pues la música es meramente ambiental. La calidad de animación es muy buena y en ningún momento pierden calidad, ni siquiera en las rápidas escenas de acción.

Okkakekko

Director: Michael Arias.
Estudio: Studio 4°C.

Un grupo de niños juega y corre por el campo junto a un extraño robot gigante. El corto básicamente no tiene historia, pues al no haber diálogos el televidente puede generar su propia interpretación.

La animación es de las mejores de AK15, pues los escenarios y el diseño de personajes nos remiten a trabajos previos de su director, como Tekkonkinkreet. Michael Arias es el único extranjero que participó en este proyecto.

Project Omega

Director: Shôji Kawamori.
Estudio: Satelight.

Un ovni se acerca rápidamente en curso de coalición con la tierra y su lugar de impacto será Tokio, en específico el edificio de la cadena de televisión NHK. Para salvar al planeta, el edificio entero se trasforma en un gigantesco mecha que lucha contra el ovni, el cual es tripulado por Domo-kun, la mascota de la compañía.

El corto es un tributo a NHK y su calidad es sobresaliente, pues pareciera que vemos la escena de algún anime de gran producción y no un simple cortometraje de 60 segundos.

Ohayô

Director: Satoshi Kon.
Estudio: MadHouse.

Una joven se levanta de la cama adormilada y realizas sus actividades matutinas mientras se despierta por completo.

Este es quizás el mejor cortometraje de todos, o al menos uno de los mejores, pues representa de una manera un tanto abstracta el concepto del sueño y la vigilia. La música es perfecta y tanto el diseño de personajes como la impresionante calidad, detalle y realismo de los escenarios son inigualables.

Temporada 1
Temporada 2

Ani•Kuri 15 [6-10]

 Segunda temporada

Project Mermaid

Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I.G.

Éste es uno de los cortos más extraños y difíciles de entender, pues no contiene diálogos y la música ambiental sólo ayuda a mantener el misterio. En la animación podernos ver a un pez convertirse en sirena y atravesar por una especie de portal hacia una ciudad postapocalíptica donde se desintegra.

La música es agradable y misteriosa, al igual que la animación, cuya calidad logra apariencias realista y psicodélicas.

Yurururu – Nichij­ô Hen

Director: Kazuto Nakazawa.
Estudio: Studio 4°C.

El corto nos muestra de manera muy cómica lo tardado y laborioso del proceso creativo. En él podemos observar cómo un animador pasa el día entero animando un clip de un segundo sobre unos extraños peces que están en la ciudad.

La calidad de animación es simple pero muy acertada, pues mezcla los trazos a lápiz en blanco y negro con una animación a color sencilla y detallada, además de que la música le otorga el toque cómico que requiere la historia. Y no debemos olvidar la parodia que hace sobre de la vida laboral de un animador de anime.

Gyrospter

Director: Range Murata y Tatsuya Yabuta.
Estudio: Gonzo.

Gyrospter nos muestra a la piloto de un girosóptico (extraña maquina voladora) visitar un espejo de agua mientras recuerda con nostalgia una batalla de girosópticos y la posible pérdida de un amigo.

La historia es un poco nostálgica y se apoya en la canción de fondo para contarla, la cual ayuda al espectador a inferir qué es lo que pasa. La calidad de animación es impresionante, pues se asemeja, tanto en escenarios como en personajes, a los diseños de Final Fantasy.

Supaatsutaisa

Director: Tobira Oda y Yasuyuki Shimizu.
Estudio: Studio 4°C.

Un pacífico samurái que vive en las montañas rodeado de animales es atacado por un ninja que intenta robarle su comida, posteriormente cae a un río y flota hasta una cascada mientras sus amigos, un oso y un cuervo, corren para rescatarlo.

El corto es de los pocos, si no es que el único, que hace uso de diálogos, narrador y una canción para contar su historia. El estilo de la animación es muy simple, pues se basa en trazos a lápiz que dan la impresión de ser una historieta o un storyboard.

Wandaba Kiss

Director: Atsushi Takeuchi.
Estudio: Production I.G.

El corto nos muestra un niño y su mascota diseñar una máquina Rube Goldberg (máquina diseñada para hacer un trabajo simple de manera complicada) con el fin de robarle un beso a una chica.

La música es muy agradable y aporta los toques chuscos a la historia. Por su parte, el estilo de animación es bastante cómico y nos recuerda a los animes para niños y a los trabajos de Ghibli. Lo más destacable del corto es que nos enseña que muchas veces complejizamos demasiado las relaciones sociales.

Temporada 1
Temporada 3

Cavity Express

Título Original: 虫歯鉄道 (Cavity Express).
Género(s): Fantasía, Ciencia Ficción, Kodomo.
Dirigido por: Kenji Muto.
Estudio: Anime Inovation Tokyo.
Duración: 2:40 minutos.
Emisión: 2009.
Extras:

Cavity Express es un piloto creado por Anime Inovation Tokyo, un estudio dedicado a brindar un espacio dentro del mundo de la animación para los jóvenes talentos. El trabajo funge como el video musical para la canción “Ha wo Migakinasai” interpretada por Tatetakako y pertenece a un proyecto mayor llamado Sugarless Factory, una empresa dirigida por Ken Osamu Buto dedicada a la producción, planeación y diseño de cortometrajes y otros trabajos de anime.

El corto nos narra las aventuras del joven aprendiz de dentista Egg y su compañero y entrenador C1, quienes se enfrentarán a las caries armados con un  arsenal de pasta y cepillos de dientes, a bordo del tren mecánico-biológico Cavity Express. La historia se desarrolla en un mundo fantástico, donde los dientes se han convertido en grandes metrópolis habitadas por infinidad de caries y a las que sólo se puede acceder por tren. Es así como Egg realiza diversos viajes para combatir a sus molestos enemigos y obtener suficiente experiencia para poder adquirir su título de dentista.

La calidad de animación es impresionante, los escenarios están finamente detallados y presentan un toque infantil algo nostálgico pues parecieran coloreados con crayolas. Además, sus personajes tiernos y nada agresivos logran captar la atención de los niños dejándoles un útil mensaje: “Lava tus dientes o el expreso de la caries vendrá por ti”.

A muchos nos gustaría ver un proyecto más largo de este corto, y de hecho en la página de Sugarless Factory se maneja que la duración de la historia es de 10 minutos. Esperemos que en el futuro podamos disfrutar de un trabajo de mayor duración.

Honey Tokyo

Título Original: ハニ一東京 (Honî Tokyo).
Género(s): Ciencia Ficción.
Dirigido por: Yasuhiro Aoki.
Estudio: Studio 4°C.
Emisión: 2010.
Duración: 11 minutos.
Extras:

Honey Tokyo es un pequeño ona interactivo creado por el gobierno japonés con el fin de promover los lugares turísticos de su ciudad capital. En su página, Welcome to Tokyo, es posible ver el anime en diferentes idiomas, entre ellos el español. Además, mediante la página interactiva es posible localizar y ubicar las rutas de acceso de cada uno de los centros turísticos que aparecen en el corto.

La calidad de animación es excelente, ya que el nivel de detalle es tan preciso que en verdad nos sitúa dentro de los más importante y famosos lugares de Tokio, desde los teatros de obras Kabuki y las colonias populares, hasta los místicos Templos Budistas y las concurridas calles de Shibuya. Además, la presencia de imágenes de acción real le da un toque de mayor realismo y nos permite apreciar la verdadera belleza de los lugares que promociona.

La historia gira en torno a Honey, una joven de 16 años que viene del futuro con el fin de recolectar trozos de felicidad y llevarlos a su época. Para su misión necesita la ayuda de Takeru, un muchacho de la ciudad a quien secuestra. Mientras Honey recolecta los trozos de felicidad, Takeru se da cuenta de que Tokio pierde su color y que de continuar así pronto la ciudad quedará sin felicidad.

Takeru decide evitarlo y para ello muestra a Honey que el verdadero Tokio va más allá de las bulliciosas calles, los atestados parques y los exóticos museos, pues existen lugares tranquilos y relajados donde la vida cotidiana de los pobladores trascurre apaciblemente, y que además de ser una ciudad llena de glamur y modernidad, Tokio es una ciudad llena de tradición, costumbres y una inmensa riqueza cultural, la cual es la verdadera razón de su felicidad.

Sin duda, este pequeño corto es una excelente idea para promover el turismo de la ciudad, pues no sólo está diseñado para los amantes del anime, sino para el público en general. Además, sirve como una buena forma de sensibilizar a los habitantes sobre la riqueza cultural de su ciudad, pues las tradiciones ancestrales de la cultura nipona no están peleadas con la tecnología ni la modernidad.

Un aspecto que me gustaría resaltar es que —además de ser una excelente estrategia comercial y turística— nos demuestra que la globalización no debe significar la perdida de las costumbres ni los viejos valores, sino todo lo contrario, debemos aprovechar la practicidad de las comunicaciones globales para dar a conocer nuestra propia cultura.

Ani•Kuri 15 [1-5]

Ani•Kuri 15 (アニ•クリ15) es un proyecto de quince cortometrajes producidos durante 2007 y 2008 por NHK, los cuales están dirigidos por quince de los más reconocidos productores y directores en el campo de la animación. Debido a que los cortos fueron emitidos durante los espacios publicitarios, la duración de estos fue limitada a un minuto. Además de que esto nos permite apreciar la capacidad y habilidad que los creadores tienen para contar una historia en tan sólo 60 segundos.

La mayoría de los cortos no tienen diálogos o se basan en una canción para contar su historia, lo cual permite al televidente generar su propia interpretación. La serie está dividida en tres temporadas de cinco cortometrajes cada una y para su realización los animadores tuvieron libertad total para elegir el tema que quisieran desarrollar y fueron apoyados por un estudio en específico.

Primera Temporada

Namida no Mokou

Director: Akemi Hayashi.
Estudio: Gainax.

Namida no Mokou plasma de manera grácil y un poco nostálgica las dificultades que tres mujeres experimentan en las relaciones afectivas. Ellas aprenderán que los problemas amorosos no son el fin del mundo y que siempre se puede salir adelante.

El diseño y calidad de animación son simples pero muy agradables y se acoplan con la temática sentimental de la historia, clásica de género Josei. Por su parte, la música, aunque un tanto nostálgica, es perfecta, pues la canción de fondo (Hane, interpretada por el dueto I’s Cube) fue creada en específico para este corto.

Attack of Higashimachi Nichoume

Director: Shinji Kimura.
Estudio: Studio 4°C.

Éste corto nos presenta la historia de tres extraños, coloridos y amables extraterrestres, que llegan a una Tierra de cartón para invadirla, pero sin éxito.

La animación puede parecer extraña pero es una de las más espectaculares dentro de AK15, pues con la enorme habilidad de Shinji Kimura para la creación de escenarios no podría esperarse menos. Y aunque el aspecto musical es simple, el resultado obtenido al conjuntar animación 2D y 3D con maquetas de cartón es formidable.

Hyotokko

Director: Yasufumi Soejima.
Estudio: Gonzo.

Un grupo de guerreros nativos de la selva atacan a un dios con forma de oso, quien captura a uno de ellos y le otorga el poder del fuego espiritual.

La animación no tiene diálogos, pero la música actúa como un perfecto ambientador para la aventura. El aspecto más destacable es la técnica de animación, basada en diversas técnicas de captura de movimiento, las cuales logran que tanto la selva como los guerreros y el dios presenten movimientos espectaculares.

Sancha Blues

Director: Osamu Kobayashi.
Estudio: MadHouse.

Un avaro y extraño tendero observa a sus clientes mientras estos hurgan entre la mercancía y critican los precios sin comprar nada. El corto hace una pequeña crítica a la cultura del consumismo en la sociedad japonesa.

La música es meramente ambiental, pero lo que más destaca es el peculiar estilo de animación. Una característica particular de Sancha Blues es que tanto los escenarios como los personajes están basados en lugares y personas reales.

Uchujin Roikô Hiroshi no Baai

Director: Shôjirô Nishima.
Estudio: Studio 4°C.

Un joven intenta leer su manga mientras un robot (o extraterrestre) lanza bolitas para distraerlo y poder escapar.

El corto nos muestra un poco de comedia física ambientada en un escenario altamente detallado y con gran calidad, la música —de Daisuke Okamoto— le da un toque muy cómico y la fluidez en los movimientos aporta ese último toque de calidad.

Temporada 2
Temporada 3

Genocyber

Título Original: ジェノサイバー (Jenosaiba).
Género(s): Gore, Ciencia Ficción/Cyberpunk/Biopunk, Psicológico, Seinen.
Director: Koichi Ohata.
Estudio: ARTMIC.
Emisión: 1993.
Duración: 5 OVA.
Extras:

Genocyber es una de las más raras, perturbadoras y sangrientas series que he visto. Sin embargo, no es sólo muerte y destrucción lo que la hacen atractiva, son sus extrañas gráficas, sus anticuados escenarios y su forma de mostrar el Gore lo que realmente cautivan a los amantes del género.

El extraño efecto que se produce al usar escenas de acción real con animaciones crudas llenas de cuerpos destrozados brutalmente, genera en el espectador una verdadera incomodidad, pues la obra no sólo se enfoca en la sangre, sino en crear un verdadero temor en el televidente.

La calidad de animación es pobre, lenta y con algunas fallas, aunque con forme avanzan los capítulos parece mejorar. El estilo en el diseño de personajes y escenarios es muy propio de finales de los 80, cuando algunas producciones japonesas tenían un estilo similar a la animación norteamericana. Sin embargo, en los episodios finales es posible observar algunas características más afines al típico estilo japonés actual.

La música no es del todo sobresaliente, por momentos es buena y por momentos mala. En ocasiones algunas escenas carecen de fondo musical y resultan algo tediosas, o por el contrario, el soundtrack no se adecúa totalmente con la temática. La excepción podrían ser los ending que, en lo personal, me parecen muy buenos.

La historia gira en torno a Elaine y su hermana Diana, ambas dotadas con asombrosos poderes psíquicos y gracia a los cuales pueden convertirse en Genocyber, una extraña arma producto de la ingeniería biológica. Después de fusionarse con su hermana, Elaine tiene que enfrentarse a distintas amenazas y luchar como Genocyber durante varios años hasta que se da cuenta de que el mundo no es lugar para ella ni su poder, por lo que decide entrar en estado vegetativo hasta el momento de regresar a luchar.

La historia puede resultar complicada pues cada OVA tiene una temática y un ritmo diferente. En las primeras Genocyber y Elain ocupan el papel principal, mientras que en las últimas el género cambia de un Gore-Biopunk a una temática más psicológica y enfocada en la Ciencia Ficción Social.

A pesar del inquietante desarrollo de la serie, de las fuertes escenas y de la peculiar mezcla de géneros, Genocyber es una gran recomendación para quien gusta de trabajos un tanto surrealistas, llenos de sangre y temáticas extrañas.

Es un trabajo que resultará atractivo para los amantes de la Serie B y para quien guste del género Ero-guro, pero definitivamente no es una obra para todo público, pues quienes no estén acostumbrados a éste tipo de contenidos podrían encontrarla muy perturbadora.

Armitage III: Dual Matrix

Título Original: アミテージ ザ サード (Armitêji za Sâdo).
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk, Drama, Seinen.
Director: Katsuhito Akiyama.
Estudios: Pioneer.
Emisión: 2002.
Duración: 90 minutos.
Extras: Armitage III, Armitage III: Poly-Matrix.

Armitage III: Dual Matrix es la secuela de la película Armitage III: Poly-Matrix, ambas se basan en la serie original de cuatro OVA Armitage III. Sin embargo, a pesar de ser una secuela, Dual Matrix puede verse sin necesidad de haber visto alguna de sus precuelas, pues la trama es sólida y se entiende fácilmente.

Si bien el trasfondo general de la historia tiene su origen en los trabajos previos de Armitage, esta película se enfoca en la parte sentimental y emotiva de los personajes más que en el desarrollo tecnológico y sus consecuencias sociales.

La calidad de animación no siempre es buena, pues los gráficos lucen acartonados por momentos y algunas escenas son notablemente oscuras, lo que impiden apreciar adecuadamente las principales escenas de acción. Por el contrario, existen momento en que la calidad visual es sobresaliente, pues los escenarios tienen gran nitidez, están bien detallados y la iluminación es adecuada.

El aspecto del audio es mucho más acertado, pues la música se adecua muy bien, genera una buena ambientación y entra justo en los momentos de mayor emotividad. Sin embargo, algunas escenas resultan un poco estériles pues carecen totalmente de soundtrack. Los personajes, aunque están bien diseñados, no resaltan del todo y muchos caen en los estereotipos de los personajes de este género (el científico loco, el militar sanguinario o el político poderoso).

La historia gira en torno a Naomi Armitage, una avanzada androide que tiene la enigmática capacidad de concebir y dar vida a humanos con capacidades superiores. Mientras Naomi investiga la masacre perpetrada por los militares en un centro de investigación, su esposo Ross y su hija Yoko viajan a la tierra con el fin de representar a Marte en una asamblea en la que se decidirá por dar, o no, derechos a los robots. Naomi y Ross tendrán que hacer frente a los intereses políticos que busca eliminar cualquier derecho en los robots para salvar a su hija de un científico que busca apoderarse de la habilidad de Armitage.

Sin bien la historia nos plantea los típicos conflictos entre la robótica, las leyes naturales y las leyes humanas, lo que en realidad busca mostrarnos es cómo una madre puede dar todo para salvar a su hija, pues no hay nada más poderoso que el amor maternal, e independientemente de que Naomi fuera robot, sus sentimientos hacia su hija superaron las barreras tecnológicas.

Dual Matrix es catalogada como Cyberpunk —y de hecho sí puede considerarse dentro de este género— pero yo no la recomendaría a quienes gustan de un Cyberpunk clásico, pues no contiene ni la parte psicológica ni la estética industrial y decadente que a muchos nos gusta.

El filme es una interesante propuesta de Ciencia Ficción ya que contiene dos elementos totalmente diferentes: por una parte tenemos las discusiones sobre el trato a los robots y los derechos que les corresponden, y por otra tenemos la temática del amor maternal, que dota a la obra de un útil factor dramático.

Downtown MTV

Título Original: Downtown.
Género(s): Comedia, Slice of Life.
Director: Chris Prynoski.
Estudio: MTV Networks.
Emisión: 1999.
Duración: 13 episodios.
Extras:

Al igual que muchas de las primeras series animadas creadas por MTV, Downtown no cuenta con la suficiente difusión en nuestro país debido, en parte, a que pocos trabajos del canal lograron superar la primera temporada. Sin embargo, a pesar de haber sido cancelada antes de terminar su emisión y de nunca haberse transmitido en México, resulta una propuesta interesante que logra reflejar a la perfección la vida en el underground de la ciudad, en las sucias y descuidadas calles de los olvidados barrios.

La animación conserva el toque particular de las producciones de MTV, con dibujos crudos, grotescos y que caricaturizan los rasgos de los personajes en las escenas que requieren cierto énfasis. Los escenarios están muy bien detallados pero presentan un estilo descuidado y de aparente baja calidad que ayuda a enfatizar esa realidad un tanto exagerada que busca mostrar la serie. La música es agradable y ayuda mucho en la ambientación de las escenas, pero es el punto más débil debido a que se ve opacada por una historia estupenda y un asombroso diseño de personajes.

Los personajes son sin duda el aspecto mejor logrado de la serie, pues presentan una gama de personalidades, gustos, creencias y formas de hablar, que en verdad reflejan a un sector específico de la sociedad urbana norteamericana, por algo los protagonistas se desarrollaron a partir de entrevistas con gente real. Además, nos enseñan que la gente tiene diferentes formas de pesar y que muchas veces son totalmente distintas a lo que podríamos creer basándonos únicamente en su apariencia física.

Entre los personajes tenemos de todo: sarcásticos, asociales, frikis, parranderos, irresponsables, promiscuos y pervertidos. Todos con una personalidad totalmente definida, pero que no siempre es como su apariencia o actitud aparentan. En realidad todos ellos son gente normal, pero resultan extraños y raros de acuerdo con los estándares de una supuesta sociedad ideal.

DowntownAlex

La historia gira en torno a la vida diaria de un grupo de jóvenes que viven en un barrio cualquiera de Nueva York. A lo largo de los capítulos veremos la manera en que cada uno se desenvuelve y sobrevive en su entorno, así como los conflictos y dificultados que todos enfrentaremos en nuestro paso de la juventud a la vida adulta, pues adquirir responsabilidades muchas veces implica dejar, al menos de momento, los viejos juegos infantiles.

La historia es como un gran sarcasmo que nos enseña de manera directa todos los pensamientos e ideas que por muy bajos, extraños o locos que parezcan están presentes en la mente de todas las personas, sin importar su estatus social o nivel económico.

Uno de los aspectos más importantes de la serie es que nos permite ver las cosas, lugares y actividades que les gustan a los distintos personajes, lo que nos muestra la diversidad que existe no sólo en una ciudad sino en un mismo grupo de amigos. También podemos apreciar que muchas veces el ambiente donde nos desenvolvemos no es el adecuado, o por el contrario, el ambiente que creemos nos resultará desagradable terminará por parecernos cómodo y natural.

En conclusión, Downtown hace una excelente crítica a la vida urbana de los jóvenes y nos enseña que nuestra visión de la vida dependerá de la perspectiva desde la cual decidamos verla. «Todo puede ser como una linda postal o como un sucio agujero». Lo mismo pasa con las personas, por fuera son unas, pero cuando se despojan de su maquillaje son otras, y dependerá de nosotros elegir con cuál de las dos entablaremos amistad.