Cuentos de Terramar

Título Original: ゲド戦記 (Gedo Senki).
Género(s): Fantasía/Fantasía Épica, Drama, Shônen.
Director: Gorô Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: Julio 2006.
Duración: 115 minutos.
Extras:

Dirigida por Gorô Miyazaki e inspirada en el título La Costa más Lejana de la saga Terramar, escrita por Ursula K. Le Gin, Gedo Senki es una película más dentro del amplio repertorio de Ghibli. Como todo trabajo realizado por éste estudio, el estilo de animación es rustico y artesanal pero capaz de competir con las animaciones digitales más recientes.

Pese a que el filme no es una adaptación fiel de la novela, el hecho de que la obra de Ursula desarrolle un mundo ficticio con su propia forma de gobierno, ciudades, creencias, sistema económico e incluso leyes naturales y mágicas, hace que la película tenga una base muy sólida a partir de la cual desarrollarse.

Gedo Senki 9

Entre los aspectos técnicos que debemos resaltar está el audio, pues esta película posee una banda sonora preciosa. La música es una mezcla de tonadas célticas y medievales que compaginan a la perfección con el contexto y el ritmo de la historia. Asimismo, los escenarios están tan bien diseñados y la construcción social es tan perfecta que incluso es posible notar cómo la villanía de autoridades y pobladores provoca grandes rezagos en la sociedad.

Por otra parte, el diseño de personajes es impactante, pues su personalidad es tan fuerte que ni siquiera hace falta que digan un sólo dialogo para denotar su importancia, especialmente los personajes femeninos, pues —como es característico en Ghibli— los papeles más importantes y emotivos son ocupados por mujeres.

La historia gira entorno de Arren, un joven príncipe que huyera de su reino después de asesinar a su padre. En el camino encontrará a Haitaka, un archimago que busca la causa del desequilibrio natural en Terramar. Ambos emprenderán un viaje donde el mago buscará restaurar el orden natural del mundo mientras que Arren intentará lidiar con los fantasmas de su pasado.

Durante su viaje conocerán a Theru, una misteriosa niña de fuerte personalidad pero desconocido pasado que vive con Tenar, una vieja amiga de Haitaka. Juntos intentará detener a Madam Kumo, una malvada hechicera que busca obtener la vida eterna.

Algo muy destacable es que a pesar de contar con un personaje principal no existe un protagonista nato, todos juegan un papel trascendental en determinados momentos de la historia. Ese juego de personajes nos permite observar la forma en que sus miedos personales les impiden disfrutar de la vida, lo que nos deja una valiosa enseñanza.

Todo ese un mundo fantástico rodeado de criaturas míticas y magia se convierte en el escenario ideal para una aventura épica, pero también consigue atraparnos al adentrase en la mente humana de una manera mundana que sólo la fantasía puede lograr.

Kite: Liberator

Título Original: カイト リベレイタ (Kaito Ribereita).
Género(s): Meitantei, Ciencia Ficción/Biopunk, Seinen.
Director: Yasoumi Umetsu.
Estudios: ARMS, Happinet Pictures, Lantis.
Emisión: Marzo 2008.
Duración: 58 minutos.
Extras: A Kite.

Kite: Liberator es la secuela de los OVA conocidos como Kite (A Kite) aunque no guarda mucha relación con el anime original, salvo algunas referencias, y es mucho menos violenta que su precuela. Incluso puede verse sin necesidad de haber visto los OVA.

Aunque ambos trabajos abordan el controversial y delicado tema de la violencia sexual infantil, Kite: Liberator no ahonda tanto en este problema y se limita a contarnos la historia a través del personaje principal sin profundizar en ningún aspecto. Por el contrario, explica todo de manera muy general y deja al espectador la tarea de inferir el resto de la historia.

La calidad de animación es muy buena y por momentos pareciera que vemos una película en CGI en vez de un anime. Los escenarios están bien detallados y algunos son muy realistas. La música es muy agradable y ayuda perfectamente en los cambios de escenas violentas a escenas tranquilas y relajadas. Los personajes tienen potencial pero algunos se estancan en clichés y otros ni siquiera consiguen justificar su presencia. Además, nunca logramos conocer qué relación hay entre ellos ni cuál fue la motivación que los llevó a donde están.

La historia gira alrededor de Monaka Noguchi, hija de un astronauta que lleva una doble vida. Por un lado es la típica y torpe colegiala que trabaja como mesera y por el otro es la perfecta asesina serial que se dedica a matar criminales. Sus problemas comienzan cuando es contratada por la NASA para exterminar a un miembro de la Estación Espacial que mutó en una extraña criatura debido a comida experimental.

A partir de esa temática el espectador tendrá que inferir todo, algunas cosas son muy evidente pero otras quedan como verdaderas incógnitas, pues la serie termina abruptamente sin solucionar ni explicar el más mínimo detalle. Nunca sabemos cuál fue el motivo que llevó a Monoka a matar criminales ni para quién trabajaba ni qué pasó con la extraña criatura.

Éste manejo de la historia o bien puede enganchar al espectador haciéndolo pensar en un posible desenlace o bien puede decepcionarlo por completo. No es una película para todo público, pero merece una oportunidad pues podría resultar atractiva para quienes gustan de series en donde deban buscar las respuestas por ellos mismos.

Naruto

Título Original: ナルト (Naruto).
Género(s): Henshin, Comedia, Drama, Shônen.
Director: Hayato Date.
Estudio: Pierrot.
Emisión: Octubre 2002 – Febrero 2007.
Duración: 220 Episodios.
Extras: 3 películas, 3 OVA y un especial. Naruto Shippûden.

Naruto, serie basada en el manga homónimo de Masashi Kishimoto, es una de las obras más populares de los últimos años y el fenómeno animado más importante en la escena friki en todo el mundo. La cantidad de referencias a la cultura japonesa, el contexto feudal mezclado con modernidad y los toques de magia y misticismo, hacen de éste anime uno de los más atractivos del momento.

Su popularidad le ha valido ser uno de los principales temas en el cosplay y el merchandising. Sin embargo, ha recibido fuertes críticas debido a su excesiva comercialización pero ninguna ha mermado su creciente popularidad.

Naruto 2

El estilo y la calidad de animación son excelentes, pues si bien los gráficos no son nada espectaculares y en ocasiones resultan burdos, van perfectamente con el estilo de sencillez que caracteriza a éste anime. Además, como la historia se desarrolla en una época feudal, la animación simple logra sin mayores complicaciones una ambientación apropiada.

El soundtrack en bueno aunque nada espectacular, algunas canciones son impresionantes mientras que otras son meramente aceptables. La música ambiental se repite mucho, pero los ending son muy agradables y los openings describen sutilmente el trasfondo de la historia que toma lugar en aquellos episodios en los que aparecen.

Naruto 3

La historia gira en torno de Naruto Uzumaki, un aprendiz de ninja decidido a convertirse en el próximo Hokage, para ello deberá superar cuantiosos retos que pondrán a prueba sus aptitudes ninja. Junto a sus profesores y compañeros, Naruto enfrentará a un sinfín de enemigos con poderes asombrosos, desarrollará nuevas habilidades y aprenderá valiosas lecciones mientras completa misiones y recorre lugares sorprendentes.

El desarrollo alterna entre capítulos dramáticos, capítulos con acción y capítulos de relleno. Y a pesar de contener muchos de estos últimos, logra que sean divertidos y aprovecha para desarrollar a los personajes secundarios. Sin embargo, debido a lo extensa que es, llega un momento en que la calidad decae un poco y los intentos por crear situaciones y personajes novedosos terminan siendo malos.

Naruto 4

Un aspecto a destacar son los valores y el espíritu de lucha presentes en cada personaje. Hay protagonistas y antagonistas, pero todos buscan un fin y harán lo que sea para conseguirlo. Los valores de amistad, lealtad y honestidad están muy presentes en cada misión y le dan a la serie un tono humanista.

Tenemos que aceptar, nos guste o no, que Naruto llegó para quedarse, que es una serie entretenida y que deja grandes ganancia a la industria, pero a pesar de ello no puede competir con los grandes titanes de siempre, con aquellas series cuyas complejas y apabullantes historias las han elevado al estatus de culto.

Origins: Spirits of the past

Titulo Original: 銀色の髪のアギト (Gin-iro no Kami no Agito).
Género(s): Ciencia Ficción/Biopunk.
Director: Keîchi Sugiyama.
Estudio: Gonzo.
Emisión: 2006.
Duración: 94 minutos.
Extras:

Al igual que las raíces de los árboles, las tuberías de la humanidad han invadido el mundo. Con esa simple frase Origins nos plantea un argumento atractivo que se ve realzado gracias a la formidable calidad del filme. La música, los escenarios, el diseño de personajes y la calidad de animación son impactantes, pues el realismo con que están detallados resulta inigualable.

El soundtrack es muy bueno y emotivo, sobre todo la música ambiental. Es uno de esos trabajos en que la historia y la música se complementan perfectamente. La calidad de animación es excelsa, sobre todo en lo que respecta a los escenarios, y los personajes tienen un diseño más que aceptable.

Edificios en ruinas cubiertos por maleza y bellos estanques de agua que dan la apariencia de un mundo mágico rodeado por avanzadas tecnologías, son el ambiente perfecto para desarrollar la historia de un mundo postapocalíptico en donde los sobrevivientes de un gran desastre ecológico intentan resistir a los peligros de un bosque inteligente, que adquirió la habilidad de pensar por un fallido experimento que intentaba reforestar la tierra.

Sobre las ruinas de modernos edificios se levantan las modestas y medievales chozas de Ciudad Neutral, que en oposición a la ciudad militar de Laguna (Ragna) intenta convivir de manera pacífica con el bosque. Agito, un joven habitante de Ciudad Neutral, y Tula, una misteriosa chica del pasado, intentarán oponerse al poderío militar y evitar a toda costa una guerra entre personas y plantas, logrando únicamente una impresionante batalla entre los propios humanos.

La temática de la película es simple, una ciudad intenta coexistir con el bosque mientras la otra busca una poderosa tecnología del pasado que regresará al mundo a la normalidad, pero a un alto costo, pues destruirá todo para que la vida pueda empezar de nuevo.

Si bien la historia gira en torno a ésta cuestión, los que Origins trata de expresarnos va más allá de la mera ficción, pues nos muestra el panorama actual pero a la inversa, donde el hombre se ve sometido bajo la fuerza de la naturaleza y ahora es él quien deberá defenderse e intentar sobrevivir.

A pesar de que la historia es consistente y tiene un tema realista y muy controversial, la película se queda corta y no desarrolla todo su potencial, ya que ni las tecnologías, ni las criaturas del bosque, ni los personajes mismos logran desarrollarse del todo. Creo que el formato de serie hubiese funcionado mejor, pues el espectador habría tenido más información sobre los sucesos del pasado.

Además de las referencias a los problemas ambientales, podemos ver toques de fantasía, pero son las referencias tecnológicas y armamentista, junto con el dominio del ambiente natural, las que crean un contexto único y novedoso. Sin duda, resulta un excelente anime de tema ecológico, pues nos hace cuestionarnos sobre cómo deberíamos actuar si la naturaleza empezara a defenderse de nosotros.

El Castillo Ambulante

Título Original: ハウルの動く城  (Hauru no Ugoku Shiro).
Género(s): Fantasía, Ciencia Ficción/Steampunk, Romance.
Director: Hayao Miyazaki
Estudio: Studios Ghibli.
Emisión: 2004.
Duración: 119 minutos.
Extras:

El Castillo Ambulante es una película basada en la novela homónima de Diana Waynne Jones y dirigida por el director más representativo de Ghibli, Hayao Miyazaki. Es, como todas las producciones de este estudio, una total obra de arte que deleitará los sentidos, tanto por su hermosa historia como por su espectacular calidad de animación y preciosos escenarios.

La atención que Ghibli puso a los detalles es evidente cuando observamos las hermosas praderas, las nubladas montañas, las descuidadas casas y los ostentosos palacios. La animación es de tal calidad que dice tanto o más que la propia historia, incluso resulta emotivo observar las habitaciones repletas de artilugios perfectamente detallados. Un aspecto extraordinario es que nunca se genera la mínima contaminación visual a pesar de que la cantidad de elementos que aparecen en pantalla es inmensa.

La música es excelente y armoniza perfectamente con todas las escenas, sean estas emotivas, dramáticas o cómicas. Además, sus tonadas de vals y sus marchas se acoplan al contexto histórico en que se desarrolla la obra, mejorando aún más la ambientación.

Los personajes son adorables y están diseñados de forma impresionante, pues cada uno de ellos juega un papel indispensable. Sería difícil lograr tal emotividad si por lo menos uno de ellos estuviera ausente. A su manera cada uno aporta algo que engancha al espectador. Como es costumbre en Ghibli, son los personajes femeninos quienes tienen los papeles principales.

La historia gira en torno a Sophie, una joven que trabaja en una tiene de sombreros y que nunca se ha considerado bonita. Un día se ve envuelta en apuros a causa del mago Howl, razón por la cual es maldecida por la bruja Calamidad, quien le da el aspecto de una anciana de noventa años. Al verse en tan situación Sophie decide escapar y vagar por las montañas, hasta que encuentra el castillo de Howl al que entra a trabajar como ama de llaves.

En el castillo conoce a Calcifer, un demonio de fuego que trabaja para Howl, y a Marukus, el joven aprendiz de mago. Juntos desentrañarán los secretos del hechicero y buscaran una solución para Sophie mientras intentan escapar de las brujas y los horrores de la guerra. Todo esto ambientado en una Inglaterra fantástica del siglo XIX, llena de extrañas maquinas voladoras y gigantescos buques acorazados.

El desarrollo general es espléndido, pues todos los personajes maduran y se desenvuelven de manera tal que nos permiten conocer sus intenciones y motivaciones, sin olvidar lo atractivo que resulta ver cómo resuelven sus problemas. No obstante, nunca conocemos totalmente el pasado de ninguno de ello, pero eso termina por ser irrelevante.

Es difícil encasillar a cualquier personaje como bueno o malo, cada uno hace simplemente lo que su corazón de dicta y en su conjunto nos muestran un hermoso mensaje sobre la vejes, que intenta enseñarnos que la edad no significa la pérdida de una razón para vivir, sino la ganancia de habilidades que muy difícilmente podremos desarrollar en la juventud. Sophie nos demuestra que la edad está en el corazón y mientras conservemos ese espíritu de lucha podremos seguir adelante.

Petshop of Horrors

Título Original: ペットショップ・オブ・ホラーズ (Pettoshopu obu Horâzo).
Género(s): Sobrenatural, Suspense, Meitantei, Seinen.
Director: Matsuri Akino.
Estudio: MadHouse.
Emisión: 1999.
Duración: 4 OVA.
Extras:

A pesar de lo que su nombre y fama pudieran aparentar, Petshop of Horrors está más enfocada en sucesos y criaturas sobrenaturales envueltas en un halo de misterio que en una historia enfocada en el miedo. Sin embargo, la acción constante en que se desarrollan los capítulos la convierten en una excelente obra llena de suspenso.

Petshop se desarrolla a partir de historias independientes cuya única relación son los dos personajes principales, los cuales juega el papel de protagonista y antagonista típico de las novelas policíacas. Y pese a que contamos con personajes principales, los conflictos giran en torno a los personajes incidentales de cada episodio.

La calidad de animación es buena pero un tanto anticuada, pues, si bien es una serie de finales de los años 90, su estilo de animación y diseño de personajes es muy característico de los años 80. Sin embargo, los rasgos gekiga de los personajes permiten reflejar de manera excelente las expresiones de horror y asombro.

En el aspecto musical, el soundtrack —aunque no es malo— resulta repetitivo y no resalta mucho salvo en contadas ocasiones, pero junto a la exótica parafernalia, propicia una adecuada ambientación para una tienda que vende criaturas extrañas.

La historia gira en torno al Conde D, un andrógino y extraño sujeto encargado de una tienda de mascotas en Chinatown que intentará llenar el vacío emocional de sus clientes causado por la pérdida de un ser amado. No obstante, los compradores tendrán que respetar tres sencillas reglas para mantener a sus nuevas mascotas y deberán recordar en todo momento que son animales y nunca podrán reemplazar a quienes han muerto.

Por otra parte, el detective León Orcot investiga misteriosas muertes cuya única conexión es la tienda de mascotas, pues todos los que han muerto eran sus clientes. Así es como el Conde y León empezarán una extraña relación de detective e informante.

Petshop of Horrors 3

El tema principal de la serie es el onirismo, pues los clientes reflejarán sus miedos y culpas en los animales que compran. Y pese a que estos están ahí como símbolo del amor y esperanza que alguna vez tuvieron sus amos, ellos desvirtuarán la realidad y se obsesionarán tanto por lo que han perdido que sus mascotas se convertirán en monstruos de pesadilla.

Ésta es la carta fuerte de Petshop, pues los horrores son diferentes en cada caso y se enfocan en criticar el apego emocional que algunas personas pueden llegar a tener por algo. Lamentablemente la serie es muy corta y nunca conoceremos la verdadera identidad del Conde ni de sus exóticos animales, pero esto no disminuye la calidad de la obra.

Afro Samurai

Título Original: アフロサムライ (Afuru Samurai).
Género(s): Artes Marciales, Gore, Ciencia Ficción, Seinen.
Director: Fuminori Kisaki y Jamie Simone.
Estudio: Gonzo.
Emisión: 2007.
Duración: 5 OVA.
Extras: Afro Samurai Resurrection.

Afro Samurai es una de las más vanguardistas obras animadas de la actualidad, pues el particular estilo de Gonzo, el toque americano afro-western y la música Hip Hop, logran un resultado muy original y divertido, además de otorgar un toque multicultural y multirracial a un anime japonés.

La producción corrió a cargo de Samuel L. Jackson, quien ha participado en películas como Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993) o Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994). Además de producir, el actor puso la voz al personaje principal, quien gracias a eso refleja su herencia afroamericana de manera muy creíble.

La calidad de animación es impactante, los escenarios y los personajes están finamente diseñados, y el estilo gekiga enfatiza los rasgos afroamericanos. Además, esa característica personalidad de los barrios negros estadounidenses se acentúa debido a que la serie está hablada totalmente en inglés.

La fluidez de las tomas es un aspecto sobresaliente, ya que no se pierden detalles ni en las más rápidas batallas, que al combinarse con slow-motion ofrecen un detalle inmejorable. La banda sonora es otro aspecto que debe mencionarse pues no es común escuchar un soundtrack de anime basado en canciones de Hip Hop.

La historia gira en torno a Afro, un joven samurái que intenta vengar la muerte de su padre y convertirse en el peleador número uno del mundo, para ello primero tendrá que convertirse en el número dos, pues sólo el segundo mejor puede retar al primero. En su camino tendrá que enfrentar diferentes enemigos y superar los errores de su pasado. Todo esto acompañado de sangrientas y brutales peleas repletas de cuerpos destrozados y un pequeño toque de sexo.

Si bien Afro Samurái no es la gran serie ataviada de referencias complicadas, sí es una gran opción para quien busca un anime que salga de los estereotipos convencionales y del diseño habitual del anime actual. Su mezcla racial es sin duda el aspecto fundamental que la hace tan original, pues es difícil imaginarse a un samurái negro con un gran peinado afro partir balas y misiles con su espada mientras pelea contra robots y extraños sujetos con extremidades biónicas.

Otro punto a su favor, es el hecho de que es una de las pocas series que sabe explotar su género al máximo, pues no sólo destroza gente porque sí, sino que plantea en cada enemigo y combatiente una razón de peso que lo obliga a realizar la masacre.

El aspecto más débil son los clichés americanos que contiene, pues nuestro personaje principal es el típico héroe americano (aunque de hecho no es un héroe) que sin importar las dificultades siempre resulta vencedor. Sin embargo, eso no le resta mérito alguno, pues en todo momento estarás pegado a la pantalla intentando no perderte ni un corte de la afilada catana de Afro.

FLCL

Título Original: Furi Kuri (フリクリ)
Género(s): Comedia, Ciencia Ficción, Mecha, Anime Progresivo, Shônen.
Director: Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Gainax, Production I.G.
Emisión: Abril 2000 – Marzo 2001.
Duración: 6 OVA.
Extras:

FLCL es una obra diferente, atrevida, divertida y extraña; quizás por eso es considerada como el más claro exponente del Anime Progresivo, a pesar de que catalogar a una serie dentro de éste género es muy subjetivo, pues tiene que ser vanguardista y novedosa, contar con una historia diferente que no siga los estándares establecidos, modificar las temáticas recurrentes en su género y mostrarnos personajes que no caigan en estereotipos.

La serie está plagada de referencia, desde las que aluden a otros trabajos del mismo estudio, como Evangelion o el video de apertura de la Daicon IV, hasta parodias de South Park, Gundam y Michael Jackson. Incluso se mencionan marcas famosas de instrumentos musicales.

La calidad de animación es buena y muy característica del estilo Gainax, con escenarios que van desde los más pintorescos y simples hasta los más psicodélicos y surrealistas. El diseño de personajes es atractivo y muy acertado, pues se desenvuelven de una manera hilarante y tan fuera de lo común que consiguen retorcer la historia en una extraña mezcla de ficción, locura y tecnologías sin sentido.

En el aspecto sonoro, la obra se defiende muy bien, pues el audio es sencillamente formidable y conjuga una buena selección de canciones de rock interpretadas por el grupo The Pillows que se acoplan perfectamente con la trama y el estilo en general.

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Furi Kuri nos presenta una historia sencilla y hasta cierto punto fácil de entender, pero que se desarrolla de una manera tan compleja y extravagante que resulta complicado seguirle el paso y lograr entender los numerosos diálogos plagados de frases incomprensibles y palabras que no existen.

La historia gira en torno de Naota Nandaba, un chico normal que vive una vida común pese a verse obligado a convivir con Mamimi Samemija, una chica algo rara y exnovia de su hermano. Todo cambia cuando es atropellado por Haruko Harukara, una chica que aparentemente no es de este mundo y que anda en busca de Atomsk, el Rey Pirata capaz de robar planetas. A partir de ese accidente, Naota adquirirá la extraña habilidad de sacar robots y demás objetos extraños de su cabeza, los cuales le causarán problemas que tendrá que resolver con ayuda de Haruko.

Entre las cosas raras que podemos disfrutar, están la mezcla de animación con dibujos de manga y la presencia de imágenes de acción real en el Ending, sin olvidar el extravagante y cómico —aunque muy poco sugerente— fan-service. También se muestran mensajes que hacen referencia a los cambios en la adolescencia, principalmente en el despertar sexual y en las implicaciones sociales que estos acarrean.

Debemos admitir que FLCL no es para todo público pero es una serie que bien merece una oportunidad, pues es una gran exponente de su género y nos demuestra que los trabajos alocados e innovadores también tienen cabida en esta industria.

Wolf’s Rain ovas


Título Original: ウルフズ・レイン (Warafusu Rein).
Género(s): Kemono, Drama, Romance, Fantasía, Ciencia Ficción /Biopunk/Ciencia Ficción Social.
Director: Tensai Okamura.
Estudio: Bones.
Emisión: 2003.
Duración: 4 ova.
Extras:

Los OVA de Wolf’s Rain son la continuación de la serie y le dan un final más conciso, pues después de los cuatro tediosos capítulos de relleno, que aparentemente se debieron a problemas en el estudio de animación, el final de la serie resultó inconcluso y forzado.

Los OVA conservan la misma calidad en cuanto a música y animación, pero la historia da un giro dramático y se hace más cruda, pues los personajes sufren grandes desgracias que incluso los llevan a la muerte. En lo personal me parece que se abusa del sacrificio, pues la mayoría de los personajes exponen su vida para alcanzar un paraíso que aparentemente no existe.

En estos cuatro capítulos conocemos más de los personajes que en toda la serie, y podemos notar el crecimiento y madures que en realidad alcanzaron. También terminamos por entender el misterio sobre Cheza, el paraíso, el Libro de la Luna, Darcia y la relación entre lobos y humanos, razón por la cual los OVA son indispensables para conocer el desenlace final de la historia.

A pesar de que los ova son en realidad los capítulos finales, me parecen recomendables únicamente para aquellos que en verdad hayan disfrutado la serie y quieran conocer el verdadero final.

Life no Color

Título Original: Life no Color.
Género(s): Romance.
Dirigido por: Tazawa Ushio.
Estudio: GODxDOG Production.
Duración: 4:00 minutos.
Emisión: 2003.
Extras:

Con música de Kousuke Ouchi y la voz de Mami como vocal, Life no Color es un pequeño corto que nos remonta a esos fugaces y casuales encuentros sumamente significativos en nuestra vida, los cuales muchas veces nos obligan a ir en contra de las normas a fin de repetirlos.

Lo que Ushio nos muestra en esta pequeña animación es la ternura de aquella primera atracción casual y repentina hacia una persona, que si bien es totalmente desconocida, a partir de ese momento se convertirá en alguien sumamente especial.

Life no Color 01Life no Color 02Life no Color 03

La calidad en cuanto a animación es muy buena, aunque nada espectacular; los matices tenues y los colores deslavados de los escenarios se conjugan magistralmente con la lenta y envolvente banda sonora.

En el corto vemos a un joven encontrarse con una chica en el teleférico mientras va en camino a la escuela nocturna. En ese momento el chico recuerda la primera vez que se vieron y decide regresa en su búsqueda desafiando las diferencias sociales.

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La historia nos muestra una sociedad donde la división y discriminación entre clases sociales se encuentra firmemente marcada, al grado de que los diferentes estratos usan ropa de un color específico para diferenciarse, una temática que resultará familiar a quienes hayan leído Un Mundo Feliz de Aldous Huxley.

La obra es preciosa, pues cada aspecto se conjuga perfectamente para lograr la emotividad de ese primer encuentro. Además, el mensaje que nos muestra es algo que todos debemos tener en mente: “Vida, no discriminación”.