Kenichi

Título Original: 史上最強の弟子ケンイチ (Shijō Saikyō no Deshi Kenichi).
Género(s): Peleas, Comedia, Ecchi.
Director: Hajime Kamegaki.
Estudio: TMS Entertainment.
Emisión: Octubre 7, 2006 – Septiembre 29, 2007.
Duración: 50  episodios.
Extras: 7 OVA.

Hace ya un tiempo existió en nuestro país un canal en televisión de paga que muchos consideramos como un canal de relleno, ZAZ, que durante años se dedicó a trasmitir programación dirigida a un público infantil bajo un eslogan de cero violencia; como resultado, lo único que pasaban ahí eran aburridas películas familiares de aventuras y fantasía.

Desde que recuerdo, ZAZ era un canal que siempre te saltabas al momento de cambiar rápidamente los canales de ida y vuelta, hasta que a principios de nuevo milenio a alguien se le ocurrió actualizarlo para enfocarse a un público juvenil. Para sorpresa de muchos, se añadieron a la barra de programación series de anime en nuestro idioma. Comenzó con series enfocadas a deportes como Idaten Jump, Izuma Eleven (mejor conocido como Súper Once) y Eyeshield 21, a las que se sumaron otras con un toque más fantástico como Kiba, Deltora Quest, los primeros 50 capítulos de Yu-Gi-Oh! 5Ds y Kenichi. Con la inclusión del añejo Cybernet, el canal llenó la mayoría de la barra diaria de programación con anime.

Las series fueron desapareciendo una a una, debido a bajos índices de audiencia de varias de ellas. Durante los últimos meses solo sobrevivieron Super Once, Eyeshield 21 y Kenichi, cuyos capítulos se trasmitían en bloques de dos o tres seguidos varias veces al día. Para 2012, la señal de ZAZ simplemente salió del aire y fue reemplazada por otro canal.

Kenichi siempre fue mi favorita del montón, pues la errática programación del canal te permitía ver el mismo episodio en distintos horarios y, gracias a la aceptable longitud de la misma así como una trama nada complicada, disfrutarla sin problemas. La historia es una adaptación de los primeros capítulos del manga homónimo escrito por Syun Matsuena. Kenichi Shirahama es un chico débil y tímido que acaba de ingresar a la preparatoria. Lo primero que decide hacer es inscribirse al club de Karate para aprender a defenderse, sin embargo, los estudiantes más avanzados deciden no aceptarlo.

Un buen día conoce a Miu Fūrinji, una estudiante de intercambio que es acosada por unos malhechores. Kenichi se arma de valor y decide defenderla, pero es ella quien termina derrotando a los maleantes. Deseando ser tan fuerte como esa chica para proteger a sus seres queridos, la sigue hasta el misterioso dojo Ryōzanpaku, hogar de los más poderosos maestros de artes marciales.

Los excéntricos maestros se rehúsan a aceptar un discípulo, pues su entrenamiento es tan brutal que cualquiera podría morir. Gracias a la intervención del abuelo de Miu, Hayato Fūrinji, Kenichi es aceptado y cada uno de los seis grandes maestros le va tomando cariño con el tiempo. Aprendiendo lo básico en una semana, logra vencer al líder del club de karate, pero de inmediato se vuelve el blanco de los demás delincuentes en la escuela.

Kenichi crece hasta ser un gran luchador, soportando el infernal entrenamiento, pero conservando su carácter amable y pacifista. De algún modo consigue limpiar la escuela de criminales, ganando a varios buenos amigos en el camino, y atrayendo la atención de la banda más poderosa del vecindario, Ragnarok y sus ocho miembros más fuertes. Ahora Kenichi debe derrotar a Ragnarok para demostrar que es el discípulo más fuerte de la historia.

La serie posee todos los atributos característicos de la demografía Shônen, un chico normal enfrenta sus propios miedos y debilidades para conseguir la fortaleza de la que carece, y más profundamente, también a la chica de sus sueños. En el camino habrá peligros, aliados, temibles villanos y alguno que otro antihéroe que sigue su propio sendero, paralelo al del protagonista.

El argumento general de los cincuenta episodios puede dividirse en dos partes. En la primera presenciamos el crecimiento de Kenichi para logra forjarse un nombre entre los artistas marciales, auxiliado por sus seis maestros, quienes le enseñan un arte marcial diferente cada uno, y por Miu, a quien se suman varios amigos más que Kenichi va conociendo en la escuela. Esta primera mitad cuenta con gran cantidad de episodios enfocados en acontecimientos de la vida diaria, que en ningún momento pasan como relleno.

Una vez que atrae la atención de Ragnarok, la serie toma una estructura similar a un videojuego. Nuestro protagonista debe derrotar a los Ocho Puños, grandes peleadores que lideran la organización y que toman sus sobrenombres de la mitología nórdica. Continúa avanzando, derrotando a cada uno de ellos hasta el fatídico combate contra el jefe final, quien resulta ser más que un simple delincuente. Algunos de estos rivales se vuelven valiosos aliados tras cruzar caminos con el personaje principal.

Los personajes, aunque en un principio pueden parecer algo flojos, llegan a desarrollarse de gran forma y dejar su marca en el espectador. Los maestros del Ryōzanpaku, aunque aportan muchos de los momentos cómicos, son serios al momento del entrenamiento, sus técnicas y enseñanzas, aunque ficticias, nos parecen muy reales. La inmersión en la trama hace que compartamos su orgullo cada vez que Kenichi aplica los conocimientos adquiridos en algún combate.

La pandilla de Ragnarok también está conformada por grandes personajes. De forma similar, cada uno es un gran practicante de artes marciales que busca poder para sus propios fines. Como Kenichi, han pasado por un duro entrenamiento desde hace un tiempo y no planean darse por vencidos ante nadie. También existen varios personajes recurrentes que iremos conociendo a lo largo de la historia.

Respecto a la animación, la calidad es buena, pero tiende a disminuir notablemente durante los combates y las secuencias de acción, que en muchas ocasiones son varias imágenes estáticas con efectos dramáticos añadidos. Las batallas no son extremadamente rápidas ni extensas, ya que al estar basado en artes marciales verdaderas, un personaje tiende a acabar con su oponente usando tres o cuatro movimientos ejecutados con gran técnica. Los fondos empleados para las secuencias cotidianas tampoco son muy detallados.

En el departamento de audio, la banda sonora acompaña de buen modo a las diversas facetas de la serie, ya sea durante las peleas, los momentos dramáticos y esas geniales secuencias donde el personaje decide no darse por vencido. Respecto a las voces, el doblaje al español latino, indudablemente realizado en México, es excelente y aporta muchísimo carácter a los personajes, con más de una sólida referencia a nuestra cultura.

Kenichi es una excelente serie de aventura y acción con un toque bastante realista en sus combates, grandiosos mensajes de amistad y sabias enseñanzas para enfrentar las adversidades. Estas cualidades la colocaron de inmediato como la favorita dentro del escaso grupo de televidentes que tuvimos la oportunidad de ver la historia completa en ZAZ. Aunque ese canal ya no existe, la serie sigue siendo altamente recomendable para los amantes del género.

Invasión del Mundo: Batalla Los Ángeles

Batalla Los Ángeles 1

Título Original: Battle: Los Ángeles.
Género(s): Ciencia Ficción, Bélico.
Director: Jonathan Liebesman.
Emisión: 2011.
Duración: 116 minutos.

De entre la enorme variedad del filmes que existen en el mundo del cine de ficción donde una fuerza extraterrestre intenta invadir nuestro planeta y un puñado de soldados luchan para defenderlo, muy pocos filmes logran convencer al público y adentrarlo en la historia más allá de sus escenas de acción, pero al mismo tiempo estas películas buscan únicamente eso, la taquilla fácil y engancharte con trepidantes efectos visuales.

Batalla los Ángeles tiene un poco de ambas: formidables efectos y una historia simple plagada de clichés, pero también tiene algo difícil de definir que nos permite ver más allá del marketing taquillero y profundizar en elementos del género que resultan, hasta cierto punto, un novedoso aporte a la Ciencia Ficción.

Batalla Los Ángeles 2

La historia gira en torno al sargento Michael Natz (Aaron Eckhart), un veterano Marín con un pasado oscuro que le hizo ganarse el desprecio de su tropa. Natz ha decidido renunciar, pero antes de que sea oficialmente cesado un extraño evento toma lugar en la costa de California, extraños meteoritos cae por todo el globo sobre las ciudades más importantes. Con este preámbulo es fácil inferir qué pasará luego, Natz comandará su tropa, se ganará su afecto y juntos derrotarán, con alguno que otro sacrificio heroico, a los extraterrestres, porque es obvio que esos meteoritos son naves espaciales. Y en efecto, todo ocurre de esa manera.

Una ventaja en el arranque de esta predecible historia es que te pone casi al instante en el campo de batalla, pues no se trata de un grupo de marines que esperan la invasión, sino de uno que entran a rescatar civiles rezagados luego de que la ciudad cayera a manos de los recién llegados. Es decir, se entra de lleno en la acción sin discutir ni explicar, al menos de momento, las intenciones alienígenas. A lo largo del filme un científico, que parece más un presentador de Discovery Channel que un verdadero investigador, explica el porqué de aquella invasión (como si al público no le quedara claro o si quiera le importara), el agua. El vital líquido que cubre gran parte de la superficie terrestre resulta ser el combustible de los bélicos extraterrestres.

Batalla Los Ángeles 6

Mientras nuestro grupo de marines recorren las calles en busca de sobrevivientes, un contingente de enemigos les cortan el paso, comienzan así larguísimas escenas de acción llenas de disparos y explosiones. Dichas escenas son quizás la joya máxima de esta obra, pues llega un momento en que la acción dura tanto que debe ser cortada por momentos de tensión que simplemente resultan en un pequeño preámbulo para más acción. Sin embargo, no se trata de una lucha encarnizada entre ambos, pues el director hábilmente reúsa el ya olvidado desarrollo del terror setentero, donde el malo aparecía hasta el final y durante la primera mitad, al menos, todo el peso y la tensión dramática caían en los actores.

En efecto, los invasores de otro mundo que vienen por nuestra agua salen muy poco en los primeros 60 o 70 minutos, aparecen sí, pero como simples blancos a distancia que disparan a nuestros héroes. Este manejo incrementa la calidad de actuación y hace lucir a los personajes, pues llega un momento en que parece más una película de cine bélico que una de Ciencia Ficción, aunque en esencia es ambas. Con todos los conflictos armamentistas de los últimos años en los que Estados Unidos se ha visto inmerso, no es de extrañarse que cada vez las obras de temática militar sean más creíbles, y tanto las actuaciones como la parafernalia sean cada vez mejores. Batalla los Ángeles es una buena película bélica y una decente película de Ciencia Ficción, que en su conjunto logran una formidable película palomera para ver por las tardes en la comodidad de tu hogar.

Batalla Los Ángeles 3

Ni la trama ni una compleja explicación sobre los aliens son el objetivo central del filme, sólo la acción pura y dura lo es. Aunque durante su desarrollo tengamos que chutarnos las personalidades y los conflictos existenciales de cada miembro del escuadrón, cuya cantidad de clichés es inmensa. Tenemos al jefe (Natz) que es un prodigio a quien todos odian porque dejo morir a sus hombres, está la típica latina marimacha, interpretada por la indispensable Michelle Rodríguez, que pone el sabor latino al contingente, aunque de hecho la variedad étnica y racial es un reflejo muy fiel del estado actual de la milicia norteamericana, pues hay negros, asiáticos, latinos por montones y uno que otro blanco.

Además de los estereotipos militares —que hemos tenido que ver desde Depredador, donde sí, un grupo de soldados llenos de testosterona enfrentan extraterrestres— tenemos ciertos excesos un tanto curiosos, como la veterinaria (Bridget Moynahan) que, junto al médico nigeriano que trata de ganarse su nacionalidad, hace una vivisección a un enemigo capturado para saber cómo matarlo. Sorprendentemente es disparándole en donde, haciendo un símil con la anatomía humana, debiera esta su corazón. No faltan las muertes heroicas donde un soldado herido decide sacrificarse para salvar al resto, o el padre, latino por cierto, que muere salvado a su hijo. Estos civiles rescatados se convierten en un lastre para el contingente, pero funcionan muy bien como un elemento que empuja la historia hacia delante, generando peripecias que entorpecen el avance de la tropa y la obligan a enfrentar nuevos peligros, que logran solventar por las genialidades de su líder. Al final los militares que sobreviven descubren una forma para vencer, de un jalón, a todos los malos, para ello deberán destruir su sistema de comunicaciones.

Batalla Los Ángeles 4

Si bien es una película para pasar el rato, tenemos dos temas muy rescatables que nos permiten profundizar en la estrecha relación que la Ciencia Ficción tiene los problemas sociales. La primera es el tema de la colonización, que como ocurrió con las invasiones europeas al resto del mundo, tienen la intención de obtener recursos aún a costa de la población nativa. Ver una invasión extraterrestre desde el punto de vista antropológico, aunque sea sólo en un diálogo de toda la película, nos da juego para hablar y teorizar sobre lo que pasaría si eso ocurriera de verdad, pues una cosa es enfrentar humanos con mejores armas y otra alienígenas con rayos laser.

El otro tema es lo que yo he denominado como “el cameo latino”, pues si han prestado atención, en básicamente todas las obras de Ciencia Ficción (literarias, plásticas o audiovisuales) no existe Latinoamérica más que como simple mención fugaz. En este filme es lo mismo, pero la gran cantidad de latinos que viven en Estados Unidos está impactando tanto es su sociedad que es, actualmente, casi imposible no tener esa presencia latinoamericana en cualquier película gringa, porque, lo quieran o no, somos una realidad, muchas veces molesta, para su país. Y si bien Latinoamérica no existe en la Ciencia Ficción, salvo en la que se hace en nuestra parte del continente, que es muy poca, el peso que tiene nuestra comunidad en el vecino país del norte termina por hacerla presente aunque sea de forma involuntaria.

Knights of Sidonia

Sidonia 2

Título Original: シドニアの騎士 (Shidonia no Kishi)
Director: Kôbun Shizuno.
Género(s): Ciencia Ficción/Mecha.
Estudio: Polygon Pictures.
Emisión: Abril-Junio 2014.
Duración: 12 Episodios.
Extras:

Con la llegada del streaming, los servicios que ofrecen películas y series por internet se han incrementado rápidamente. Netflix es quizás el principal proveedor usado en nuestro continente y eso le ha llevado a desarrollar sus propias producciones. Después del rotundo éxito de House of Cards, esta empresa ha incursionado en otros géneros y formatos. Este año estrenó Knights of Sidonia, una serie de animación japonesa basada en el manga homónimo de Tsutomu Nihei.

La calidad es sobresaliente en cada uno de sus elementos, los personajes tienen rasgos muy distintivos, los escenarios espaciales cumplen y la banda sonora hace un trabajo inmejorable, pero es en los escenarios interiores en donde la calidad se dispara por completo. La estética del concreto y el metal crean una arquitectura fascinante que retoma el hacinamiento incómodo del Cyberpunk pero le quita la frialdad de la decadencia y le aporta algo de calidez y humanidad. Las zonas viejas y descuidadas reflejan el deterioro de una nave espacial que lleva viajando cientos de años.

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La historia se desarrolla en Sidonia, una gigantesca nave espacial donde viven los últimos humanos luego de que el planeta fuera destruido por los Gauna, unos titánicos extraterrestres con quienes la humanidad ha luchado por ciertos de años. En Sidonia se encuentra una academia de pilotos que entrena a jóvenes para comandar mechas que hacen frente al enemigo.

Los acontecimientos principales giran en torno a Nagate Tanikase, un joven que vivía escondido en las zonas subterráneas de la nave alejado del resto, pero que luego de la muerte de su abuelo se aventura a buscar comida en la superficie. Después de algunos incidentes algo rebuscados que sólo buscan poner al protagonista en el centro de la acción, Tanikase es elegido como piloto y, como es de esperar, tiene una habilidad superior para el combate gracias a que desde niño entrenó con su abuelo.

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A lo largo de los capítulos vemos a Nagate y sus amigos combatir con diferentes resultados, pues si bien siempre derrotan al enemigo, en la mayoría de las ocasiones lo hacen con grandes costos e innumerables pérdidas humanas. Además de las batallas espaciales, la historia nos deja ver poco a poco, pero en la medida adecuada, el trasfondo que hay más allá de los pilotos.

En la primera mitad de la serie tenemos protestas, en un tono muy orwelliano, organizadas por un grupo antimilitar que está en contra de la guerra y asegura que los gobernantes han estado en el poder desde hace siglos pues pueden vivir por siempre. Lamentablemente esos detractores dejan de estar en escenas, pero para fortuna del público el desarrollo natural de la historia nos permite conocer el pasado y darnos cuenta de los secretos que los altos mandos ocultan.

Sidonia 9

Si bien la serie es buena y tiene toques de originalidad que la caracterizan, no rompe el paradigma del anime Mecha en el espacio, por el contrario, se basa en la fórmula establecida por Evangelion hace casi veinte años. Tenemos al piloto con talento superior que se frustra pero luego logra triunfar, al rival que termina por convertirse en villano luego del fracaso, al enemigo imparable que nadie sabe de dónde vino pero del que los mando superiores ocultan todo y muchos pilotos que mueren por decenas.

Todos estos lugares comunes y los innumerables símiles que podemos hacer con Evangelion no quieren decir que la serie no aporte, quizás no lo hace para el género Mecha, pero sí para la Ciencia Ficción. La serie se desarrolla en un espacio cerrado, la nave, pero a pesar de la ropa y los trajes espaciales, se da el tiempo para presentar sendos toques de fan-service, además, tiene elementos que hacer más creíble una prolongada estadía en el espacio, incluso aquellos que nos son tan creíbles terminan por ser explicados de manera sublime con el perfecto manejo de los flash-back.

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En la nave tenemos un reactor orgánico que al parecer convierte en fertilizante a los muertos, así nada se desperdicia, pues los recursos son limitados; los trajes espaciales son de piel y realizan funciones fisiológicas; los humanos han sido modificados para hacer fotosíntesis y no necesitar de alimento sólido; los miembros del consejo tienen clones y cápsulas antienvejecimiento que les garantizan la vida eterna; la reproducción es asexual e incluso hay personajes intersexuales que nos muestran una diversidad pocas veces vista en la animación. Por si todo lo anterior fuera poco, cuando la nave se mueve bruscamente todo el interior se daña y hay muertes por cientos, lo que realza ese realismo que esperaríamos ver en el espacio.

La serie tiene capítulos de mucha acción y capítulos calmados y reflexivos, tiene pequeños giros argumentales que sí resultan inesperados y terminan por sorprender al espectador, es muy entretenida pese a usar la formula clásica del género Mecha y revela una gran cantidad de secretos en la parte final que aseguran una segunda temporada llena de acción y sorpresas.

Little Witch Academia

Título Original:リトルウィッチアカデミア (Ritoru Witchi Akademia).
Género(s): Fantasía, Comedia.
Director: Yoh Yoshinari.
Estudio: Trigger.
Emisión: Marzo 2, 2013.
Duración: 26  minutos.
Extras: –

Studio Trigger fue fundado en 2011 por un grupo de artistas pertenecientes al famoso estudio de animación japonesa Gainax, quienes decidieron separarse del mismo e iniciar su propio camino en el ámbito de la animación. De inmediato comenzaron a trabajar como asistentes en varios proyectos de otros estudios, hasta que en 2012 lanzaron su primer trabajo independiente, Inferno Cop, una curiosa y corta serie de internet que marcaría el comienzo de una nueva era.

Al año siguiente, Trigger revela su primer corto animado, un OVA intitulado Little Witch Academia, creado con el apoyo del Young Animator Training Project un proyecto anual impulsado por el gobierno nipón. Dirigido por Yoh Yoshinari, y con el guion a cargo de Masahiko Otsuka. El corto fue expuesto al público en salas de cine y posteriormente cargado a YouTube y Crunchyroll, donde de inmediato ganó la atención y elogios no solo del público japonés, sino de fans del anime en todo el mundo.

Akko Kagari decide ingresar a la prestigiosa escuela para brujas Luna Nova Academy, inspirada por los actos asombrosos de Shiny Chariot, su heroína de la infancia y una bruja dedicada a ofrecer espectáculos para todo público. Sin embargo, Chariot no tiene una buena reputación dentro del mundo mágico y es vista como una ilusionista más que como una bruja, un fraude a lo mucho.

Al no provenir de una familia de hechiceros y tener problemas para mantener la atención en las clases, Akko no logra sobresalir en la Academia, a lo que se suman las burlas de las demás estudiantes por su admiración hacia Chariot y su nulo conocimiento del vuelo en escoba, así que se dedica a pasar el tiempo lo mejor que puede con sus amigas Lotte y Sucy.

Un buen día toda la clase es enviada a una prueba en el laberinto subterráneo de la Academia para encontrar tesoros y derrotar monstruos al más puro estilo RPG. Mientras más raro sea el tesoro, más puntos ganará el equipo. Akko pone su mejor esfuerzo para demostrar sus habilidades y logra dar por coincidencia con la varita mágica usada por su heroína tiempo atrás en sus actos.

Sin embargo, Diana, la mejor estudiante de la clase, libera por accidente a un antiguo dragón que se alimenta de magia y se hace más fuerte con cada hechizo lanzado en su contra. Las demás brujas son incapaces de detenerlo. Con la ayuda de sus amigas y la varita de Shiny Chariot, corresponde a Akko salvar la Academia de la destrucción y demostrar su valor de una vez por todas.

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Little Witch Academia es extremadamente divertida y contiene una historia muy buena para su corta duración. Los personajes son sólidos y se desarrollan perfectamente en el poco tiempo que tienen en pantalla, incluyendo una genial protagonista que se alza desde lo más bajo auxiliada por sus amigas, así como una antagonista que desempeña su papel de gran forma sin llegar a ser una persona malvada. El resultado final dista mucho de ser simplemente “Harry Potter versión japonesa”, como lo han llamado algunos.

Lo más sobresaliente en el OVA es la animación. En el limitado acervo de anime que he visto en mi vida, jamás he presenciado un trabajo de animación tan cercano a la perfección como este. Todo el episodio es fluido, lleno de energía y cuidado hasta en el más mínimo detalle. Por su puesto, también se ve acompañado de un apartado sonoro y de actores de voz excelentes.

Se trata de una hermosa, divertida e interesante aventura para todas las edades, cuyo único punto débil es ser una sola entrega que nos deja con ganas de más. Por fortuna, al reconocer su éxito, Trigger lanzó una campaña de crowdfunding en Kickstarter para financiar una segunda parte, que alcanzó su meta inicial en tan solo cinco horas y la duplicó dos veces más. Mientras esperamos su lanzamiento, la primera Little Witch Academia es un trabajo altamente recomendado para cualquier entusiasta de la animación.

5 Centímetros por Segundo

Byousoku 1

Título Original: 秒速5センチメートル(Byôsoku Go Senchimêturo)
Género(s): Romance, Drama.
Director: Makoto Shinkai.
Estudio: CoMix Wabe Inc.
Emisión: 2007.
Duración: 60 minutos.
Extras:

Un poema hecho animación. Con esa sencilla frase podemos resumir la película entera, pues 5 Centímetros por Segundo es, no sólo uno de los mejores trabajos de Makoto Shinkai, sino una de las mejores propuestas animadas del cine dramático que pueda existir. La belleza visual impacta, la armonía musical te sumerge en un ambiente nostálgico lleno de sentimiento y la ternura de su argumento sin duda aflorará tus emociones.

La calidad técnica es sublime en todos los aspectos, pero los escenarios sobresalen por estar llenos de detalles y reflejar ese particular estilo que tiene Makoto. Las enormes urbes, los apacibles poblados rurales y los majestuosos cielos nocturnos son tan hermosos que generan en el espectador un sentimiento de añoranza y familiaridad. Cada locación está basada en un lugar real de Japón, pero la estética, pese a ser contemporánea, tiene cierta esencia futurista, espacial y mágica.

Byousoku 2

La música es sencillamente insuperable y nos demuestra que la dupla que Shinkai y Tenmon han hecho durante todos estos años alcanzó su grado de perfección en el soundtrack de éste filme. Las canciones nos incitan a recordar y a entristecernos, pero también a ser felices o al menos a no perder la esperanza de que podemos llegar a serlo. Los escenarios se conjugan con el sonido ambiental y la música de fondo para lograr una atmósfera dramática sumamente emotiva.

Los personajes son enternecedores y lograremos identificarnos con todos ellos, quizás no en su totalidad pero sí en al menos una de sus acciones, pasiones o infortunios. Los tres personajes principales reflejan distintos aspectos que en algún momento todos hemos vivido o viviremos con respeto a las relaciones afectivas. No son perfectos ni tienen el final feliz de los cuentos de hadas, por el contrario, enfrentarán problemas que si no son capaces de solucionar deberán aprender a vivir con las consecuencias o esperar a que el tiempo se haga cargo.

Byousoku 8

La historia está dividida en tres partes. En la primera nos centramos en la historia de Takaki Thono y Akari Shinohara, dos amigos de la infancia que se ven separados por la distancia y el tiempo. Sin embargo, a pesar de vivir en lugares separados, los sentimientos entre ambos permanecen igual. No es sino hasta que Takaki está a punto de mudarse lejos que ven peligrar su amistad. Takaki decide hacer un largo viaje para ver a Akari antes de mudarse, pero el viaje no sale como lo planea y su tren se retrasa, a pesar de ello logran reunirse tan sólo para darse cuenta de que no lograran estar juntos para siempre como habían imaginado.

En la segunda parte vemos a Takiki en su nueva escuela, pero la narración corre a cargo de su compañera Kanae Sumida quien está profundamente enamorada de él. Pese a todos sus intentos, Kanae no logra expresarle sus sentimientos y al final descubre que aunque logre hacerlo él nunca se fijará en ella, así que decide callar. En la última parte vemos el desenlace de los tres personajes y cómo enfrentan, cada uno a su manera, la perdida de aquel gran amor.

Byousoku 10

El filme tiene un ritmo pausado que curiosamente resulta muy agradable e incremente esa esencia poética que desprende la historia por sí misma. La narración con voz en off y el uso de cartas para comunicarse en lugar de medio electrónicos, agudizan esa nostalgia generada por el recuerdo de un viejo amor y por la pérdida del mismo. Todos los elementos que integran la obra trabajan en conjunto para lograr el cometido del director: hacer sentir al espectador las mismas emociones que los personajes. Y lo logra de forma magistral.

Al igual que lo hizo en sus animaciones anteriores, Makoto introduce una serie de elementos simbólicos muy recurrentes en sus obras: las nubes, los cerezos, los trenes y los gatos. Además, hace muchas referencias a cada uno de sus trabajos previos, lo que nos permite imaginar que todas sus historias trascurren en el mismo universo. Tenemos alusiones a Kanojo to Kanojo no Neko que sugieren que los primeros años de la historia trascurres en la misma temporalidad del corto y también vemos breves referencias a Kumô no Mokô Yakusoku no Basho y lo que parece ser el inicio de la carrera espacial que posteriormente vemos en Hoshi no Koe.

Byousoku 9

Si bien la película trata cuestiones sobre al romance y el amor, no lo hace a la ligera, puesto que en verdad nos invita a reflexionar sobre temas como la soledad, la reciprocidad, el afecto y la forma en cómo todas las relaciones humanas, principalmente las afectivas, siempre se ven perturbadas por factores como la distancia y el tiempo.

La enseñanza más grande que nos deja la obra es que el amor verdadero puede darse de muchas formas, y ni siquiera importa si es correspondido o no. El amor es unilateral, es de nosotros hacia la otra persona, y los tres personajes representan eso, pues uno logra superarlo, otro se queda aferrado al recuerdo y el tercero simplemente decide seguir adelante aunque sea incapaz de olvidar. Una obra para sentirse nostálgico pero también para aprender que podemos amar de muchas formas.

A Tree of Palme

Palme 2

Título Original:パルムの樹 (Parumu no Ki).
Género(s): Fantasía/Fanta-ciencia, Drama.
Director: Takashi Nakamura.
Estudio: Palm Studio.
Emisión: 2002.
Duración: 132  minutos.
Extras:

Al buscar información sobre A Tree of Palme, lo más común es encontrar la trillada reseña en donde se considera a ésta animación como “la versión oscura de Pinocho”. Sin embargo, yo no creo que sea correcto, en primera porque Pinocho es oscura por sí misma, incluso la edulcorada versión de Disney lo es. En segundo lugar, a pesar de que sí conserva muchos guiños al clásico de Carlo Collodi, se trata de una obra completamente distinta.

El filme retoma la vieja fábula del muñeco que quiere convertirse en un niño de verdad, pero nos muestra un aspecto crudo de ese deseo. Fuera de esa premisa, el desarrollo de la historia, el trasfondo argumental y los escenarios son totalmente diferentes, tanto que la obra tiene más semejanzas con cualquier historia de fantasía pulp que con Pinocho.

Palme 5

La música es sobresaliente no sólo por acoplarse perfectamente a la estética de la obra y lograr una ambientación adecuada, sino por regalarnos curiosas piezas musicales que son algo raras pero muy agradables. Los escenarios son fabulosos, pues no remiten a la Fantasía y Ciencia Ficción pulp de los años setentas, con artefactos de apariencia medieval, el hacinamiento típico del Cyberpunk y un colorida arquitectura que juguetea con el Scrappunk.

En cuanto a los personajes, podemos decir que tienen una personalidad muy bien definida y que evolucionan a lo largo de la obra, quizás no de la mejor manera, pero lo hacen. Los personajes en ocasiones tienes bruscos cambios de temperamento y toman decisiones que no son tan lógicas comparándolas con el desarrollo de la historia, algunas acciones incluso son poco creíbles. Pese a estos pequeños detalles, los personajes funcionan lo suficiente para dar juego a la trama y lograr contar una historia. Aunado a ellos, también tenemos árboles extraños, criaturas fantásticas y peces voladores que agregan ese elemento exótico necesario en la fantasía.

Palme 6

La historia gira en torno a Palme, un muñeco hecho con madera del árbol Kuroop y que funciona gracias al aceite (o sabia) que produce la planta. El Kuroop, conocido como Soma, creció absorbiendo las memorias de las antiguas culturas hasta que se volvió poderoso y produjo una semilla de la que nacería Laala, pero durante el proceso los habitantes de Tama se vieron sumamente afectados, por lo que intentaron evitar aquel nacimiento a toda costa.

Palme fue creado para ayudar a Xian, la enferma esposa de su creador. Cuando Xian murió su objetivo en la vida desapareció y él se desactivó, hasta que una mujer llamada Koram le dio un extraño objeto conocido como el huevo Touto, dicho artefacto contenía el aceite de Soma. Palme inició entonces un viaje con la finalidad de encontrar aquel árbol. Durante su travesía conoce a Shatta, el hijo de Koram; Popo, un niña que le recuerda a Xian; Pu y Mu. Los cinco emprenderán un viaje al Más Abajo para descubrir los misterios del Kuroop, resolver los conflictos entre Shatta y su madre y convertir a Palme en humano.

Palme 4

Palme espera que Soma lo haga humano, pero durante su travesía veremos cómo el muñeco se obsesiona, se asusta, siente miedo y frustración, hasta que se da cuenta de que no necesita un cuerpo para expresar sus emociones y proteger a quienes ama. Si bien el crecimiento emocional de Palme es lo que podríamos esperar en una obra como ésta, lo destacable es que el muñeco logra su propia autoaceptación al pasar por toda clase de emociones, siendo las irracionales, agoistas y desequilibradas, las que más impactan al público, pues algunas reacciones de Palme son un tanto atemorizantes.

A pesar de que Palme fue construido a partir de un árbol, no es para nada una marioneta, sino un autómata cuyo diseño nos remite al Steampunk y que pasó de ser un robot irracional y sin emociones a lo que podríamos denominar un androide que piensa, siente, desea, se obsesiona y se frustra. Palme nos permite reflexionar sobre el aprendizaje de las emociones en seres artificiales y nos demuestra que la fantasía también puede filosofar sobre ello. Sin embargo, la obra trata de aparentar mayor profundidad de la que tiene, y eso, aunado a ritmo lento y su excesiva duración, la hacen un poco tediosa.

Café Allongé

Café Along (1) Título Original: Café Allongé.
Director: Maxime Paccalet.
Género(s): Comedia.
Estudio: Kawanimation.
Emisión: 2009.
Duración: 6:40 minutos.
Extras:

Kawanimation es un estudio francés de animación creado en 2006 y actualmente integrado por varios animadores, ilustradores y diseñadores. El estudio cuenta con diversos trabajos que explotan diferentes técnicas de animación. Uno de los cortos más divertidos e hilarantes es Café Allongé.

En el corto vemos a un joven sentado en una cafetería perdiendo el tiempo cuando una hermosa chica entra al lugar. El chico fantasea con múltiples escenarios en los que trata de conquistarla pero fracasa en cada uno de ellos. Agobiado por la presión y la belleza de aquella mujer decide ir al baño para refrescarse pero sufre un penoso incidente. Al final nuestro amigo logra llevarse a la muchacha de la forma más inesperada.

Café Along (4)

El corto es pequeño pero tiene al menos cuatro características que lo distinguen. La primera es el formidable arreglo musical, la segunda son el diseño y la estética a todas luces europeos, el tercero son las tomas, los espectaculares travelings y las escenas que parecieran filmadas con un objetivo ojo de pez. Finalmente, esas ensoñaciones oníricas del muchacho que producen raros suceso y criaturas bizarras resultan un toque muy atinado.

El corto es una gran opción para aquellos que gustan de la animación vanguardista europea, pero también nos sirve de pretexto para dar a conocer un estudio con mucha calidad, estilo propio y grandiosos trabajos en su haber.

Serial Experiments Lain

SE Lain 1
Título Original:シリアルエクスペリメンツレイン (Shiriaru Ekusuperimentsu Rein).
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk/Wirepunk, Psicológico, Seinen.
Director: Ryutaru Nakamura.
Estudio: Triangle Staff.
Emisión: Julio 1998 – Septiembre 1998.
Duración: 13 Episodios.
Extras:

Serial Esperiments Lain no sólo es considerada como una de las máximas obras de culto en la animación japonesa, también comparte el podio con obras cyberpuk de la calidad de Akira o Ghost in the Shell, y es, sin duda alguna, la obra wirepunk por excelencia.

Lo que resulta sobresaliente de SE Lain es el hecho de haber sentado muchas de las bases para el posterior desarrollo de género Wirepunk, pues la serie se adentra en cuestiones filosóficas sobre los conceptos de comunicación, realidad y divinidad, todo desde un red virtual en la que el mundo entero está interconectado.

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La serie presenta el típico estilo noventero simple y desgarbado, gran parte de los elementos,  como escenarios y personajes, tienen pocos detalles y visualmente no resaltan mucho. Sin embargo, las sombras, los cables eléctricos y las luces de neón generan una estética muy particular que nos remite a la visceralidad arquitectónica del Cyberpunk clásico. La banda sonora es sobresaliente, pues la música y los sonidos ambientales generan una atmósfera intrigante.

La calidad de animación es buena y se ajusta tanto a las breves escenas de acción como a las extensas escenas introspectivas. El diseño de personajes es excelso y nos presenta una variedad de personalidades que se complementan, generan conflictos e impulsan el desarrollo de la historia, en especial Lain, quien expone tres facetas de su personalidad muy distintas entre sí y nos permite apreciar la formidable construcción psicológica de los personajes.

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La serie gira en torno a Lain Iwakura, una introvertida y solitaria niña de 14 años que empieza a interesarse por la computación cuando recibe un correo electrónico de una compañera muerta. Lain se adentra en el mundo de las Navi y en el Nexo, una red virtual similar a internet, y descubre que el mundo real y el virtual están más conectados de lo que parece.

Mediante un dispositivo conocido como psiquis, Lain logra entrar de forma libre a la red y adquiere tanto poder que se convierte en un ser omnipresente. Su popularidad le genera enemistades y termina enfrentando a los Caballeros, un grupo de hackers que dominan el Nexo. Con forme su poder aumentar, Lain empieza a cuestionarse sobre la realidad, las limitantes de poseer un cuerpo físico y la existencia de un dios.

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El ritmo es letárgico, pero a pesar de la lentitud de algunas escenas, lo estáticas que pueden llegar a ser o los largos periodos de silencio, la obra es sumamente densa, en todo momento hay información fluyendo y eso obliga al espectador a poner mucha atención. Realmente es difícil captar todo lo que la serie dice y lograr que esa información en su conjunto signifique algo que nos ayude a entender lo que pasa.

La serie tiene una gran cantidad de referencias propias de las obras cyberpunk, entre ellas están los dispositivos que permiten una conexión entre el usuario y el Nexo, las drogas sintéticas, el onirismo, los avatares virtuales que difieren de nuestra personalidad en el mundo real, planes y conspiraciones gubernamentales, tecnología extraterrestre y una constante temática existencialista.

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Como muchas obras cyberpunk, SE Lain recurre a los tópicos más clásicos del género, como el submundo anarco-punk, ejemplificado en el club Cyberia, los hackers, y la corriente filosófica del Transhumanismo o en este caso posthumanismo, pues plantea que la evolución humana será capaz de trascender únicamente mediante el uso de la tecnología que le permita superar sus limitaciones físicas.

También está presente una fuerte disertación sobre el concepto de dios, que retoma algunos de los elementos que constituyen a una divinidad y los contrasta con aquellas características que un humano puede tener en el mundo virtual, llegando a la conclusión de que si existe un dios sólo puede estar en la red.

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Como toda obra wirepunk, SE Lain se cuestiona sobre el concepto de realidad, teniendo como base la existencia de dos mundo (el real y el virtual) dentro de los cuales existen seres cuyas características permiten definirlos como seres vivo. Quizás quienes sólo habitan en el mundo virtual no sean seres biológicos, pero viven, se desarrollan y evolucionan aún más que quienes nacimos en el mundo real, pues ellos no están limitados a las ataduras que un cuerpo material nos impone.

La serie representa un verdadero reto para el amante de la animación, pero es uno de los clásicos de culto más apreciados entre los espectadores. Sus complejos argumentos nos incitan a cuestionarnos sobre la evolución humana, la fusión entre el mundo real y el virtual y el concepto de realidad. Una verdadera joya del anime, de su propio género y de los medio audiovisuales en general.

Micro Mayhem

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Título Original: Micro Mayhem.
Género(s): Carplotation.
Estudio: Stoopid Buddy Stoodios.
Emisión: 2013.
Duración: 1:50 minutos.
Extras:

Creado por el colectivo Stoopid Buddy Stoodios, Micro Mayhem es un pequeño corto que nos demuestra no sólo la maestría de estos jóvenes talentos, sino que la acción y el Stop Motion pueden ir de la mano y lograr joyas como ésta.

Una peculiaridad es el género de la obra, el carplotation (uno de los tantos subgéneros del Cine de Explotación), pues no resulta común encontrar en obras animadas a uno de los temas más clásicos del cine Serie B.

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En el corto vemos a un auto de carreras desafiar a un camión en una carretera en el campo. Los vehículos compiten y generan una gran cantidad de explosiones, accidentes, destrucción y muertes a su paso. Al final sólo uno de ellos sale vencedor.

La genialidad del corto no está ni en el tema ni en la calidad artística, ambos son sobresalientes, sino en la calidad a nivel de edición, pues lograr que unos autos miniaturas luzcan como verdaderos bólidos que corren a toda velocidad entre cerradas y peligrosas curvas, como en cualquier película hollywoodense, es algo realmente asombroso.

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El colectivo fue fundado por cuatro artistas: Seth Green, John Harvatine IV, Matthew Senreich y Eric Towner. Entre sus trabajos destaca un buen número de obras, todas ellas en Stop Motion, que van desde un corto para la sección “Spy vs Spy” de la serie MAD emitida por Cartoon Network, hasta un “Couch gag” de Los Simpsons.

Sin duda son un colectivo cuyo trabajo presenta un estilo muy propio, un diseño formidable y un talento indiscutible. Una excelente opción para todos aquellos amantes de la animación hecha con arcilla.

Ghost in the Shell

Ghost in the Shell 1

Título Original: 攻殻機動隊 (Kôkako Kidôtai).
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk/Wirepunk, Seinen.
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I. G.
Emisión: 1995.
Duración: 82 minutos.
Extras: Ghost in the Shell: Innocence, Ghost in the Shell: SAC, Ghost in the Shell SAC 2nd Gig, Ghost in the Shell: SAC Solid State Society.

Basada en la manga homónimo de Masamune Shirow, Ghost in the Shell es una de las películas más representativas del Cyberpunk animado a nivel mundial. Su estética, sus personajes y la poética forma de abordar la dicotomía entre la realidad y la virtualidad son sencillamente impresionantes.

Ghost in the Shell no sólo es uno de los anime de culto más importantes de las últimas décadas, también es la perfecta concretización del Cyberpunk, el Nanopunk y el Wirepunk en una sola obra. El filme fluctúa entre la frontera de esos tres géneros y retoma algunos de sus elementos más esenciales, lo que la hace una referencia obligada para todo amante de la Ciencia Ficción, no por nada ha sido inspiración para muchas obras del género, como la saga Matrix de los hermanos Wachowski.

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La calidad de animación es tan impactante que aún hoy luce vigente. El estilo gekiga usado en los personajes es excelso, pues la rudeza de estos logra reflejar la violencia de ese mundo distópico y tecnológico. La música es bellísima y ambienta de manera sublime cada una de las escenas, generando una atmósfera lúgubre y siniestra.

El diseño de escenarios es uno de los aspectos más sobresaliente, pues no sólo hace uso de esa estética oscura, industrial y sobresaturada propia del Cyberpunk, también nos muestra elementos más delicados y minimalistas que coquetean con el Nanopunk. La detallada urbe logra un aspecto visceral y hacinado pero sin abusar del neobrutalismo, lo que resulta sumamente atractivo. Sus escenarios están inspirados, sin duda, en la ciudad de Kowloon, Hong Kong, el lugar con la mayor densidad demográfica en el mundo hasta su destrucción en 1993.

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La historia gira en torno a la teniente Motoko Kusanagi, una cyborg que trabaja para el departamento policial en el área de delitos tecnológicos, conocida como “sección 9”. Los problemas comienzan cuando su unidad es encomendada para atrapar a un pirata cibernético, el “Maestro de Marionetas”, quien se ha infiltrado en el “fantasma” de algunas personas con el fin de crear conflictos políticos.

Todo se complejiza cuando Kusanagi descubre que dicho criminal es en realidad una inteligencia artificial surgida del océano de información que hay en la red. Dicha entidad se reconoce a sí misma como una nueva forma de vida y exige asilo político.

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La historia toma lugar en un futuro en donde los cerebros de todas las personas están interconectados en una red mundial. Asimismo, muchos humanos han modificado su cuerpo a tal punto que lo único humano que queda de ellos es su “fantasma”, que podemos denominar como conciencia o alma, y que les permite diferenciarse de los androides.

Los temas que trata la obra son muchos y muy complejos, pero en esencia, todo puede resumirse al conflicto filosófico de la realidad, que resulta ser el tema principal en las obras wirepunk, sobre todo cuando hablamos del mundo natural en contraposición con la vida artificial creada por los humanos. La película se plantea sobre qué nos hace humanos, qué es real y cómo debemos redefinir al “ser vivo” en una era en la que existe una vida 2.0.

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Hablando sobre qué nos hace humanos, tenemos que si el cuerpo artificial de un cyborg puede simular las mismas funciones que las de un cuerpo humano, entonces los atributos fisiológicos dejaran de ser un distintivo entre ambos. Si la inteligencia artificial puede reproducir, sentir y pensar las mismas cosas que un humano entonces dónde estará la diferencia entre uno y otro. El “fantasma” es esa delgada línea que separa lo natural de lo artificial, pero si lo artificial crea sus propios “fantasmas” entonces ya no existirá diferencia.

Los empiristas dicen que la realidad es todo aquello que percibimos con nuestros sentidos y que podemos recordar. Sin embargo, el filme nos muestra que las experiencias pueden ser simuladas o haber sufrido alteraciones y que nuestros recuerdos pueden ser implantados. Todo esto redefine lo que somos, pues nuestra identidad se construye con base en lo que hemos vivido pero no tendremos forma de comprobar si esto fue real.

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Finalmente, si una inteligencia artificial toma conciencia de sí misma, reproduce las mismas emociones y experiencias que un humano y supera el conflicto sobre su origen pues se reconoce como nacida de un cúmulo de información destinado a evolucionar, entonces cuáles serán los argumentos para no considerar viva a esa entidad. Posiblemente no nació como un organismo biológico, pero sus procesos de crecimiento y desarrollo, pese a no ser físicos, siguen el mismo patrón que el de cualquier otro ser viviente.

Ghost in the Shell es una obra magnífica, con temáticas de una profundidad abismal en lo que respecta al ámbito científico, político y filosófico. Nos cuestiona sobre aquello que nos define como humanos y como individuos únicos, nos pone en alerta sobre lo que consideramos realidad y nos deja pensando sobre si un ser vivo debe ser forzosamente un ente orgánico.