Mi Villano Favorito

Título Original: Despicable Me.
Género(s): Comedia.
Director: Pierre Coffin y Chris Renaud.
Estudio: Universal Sudios, Illumination Entertainment.
Emisión: Julio de 2010.
Duración: 95 minutos.
Extras:

Nominada como mejor película de animación para los Globos de Oro en 2011, Mi Villano Favorito es una de las comedias animadas más divertidas de los últimos años. Con una trama simple, personajes graciosos y situaciones demasiado evidentes pero que resultan entretenidas, el filme logra captar la atención de los niños, dejarles un mensaje positivo y de paso hacer reflexionar a un público más maduro sobre las complicaciones de la vida laboral y familiar.

La calidad de animación es muy buena, pues hasta los detalles más insignificantes fueron perfectamente diseñados. El diseño de personajes es igualmente bueno, pues logra explotar todas las características de su personalidad para desarrollar situaciones muy cómicas. Sin embargo, la simpleza que hace graciosos a los personajes también los estereotipa un poco y no permite que veamos algo realmente novedoso, aunque debemos tener en cuenta que para contar la historia se requieren personalidades muy específicas (el villano malo, las niñas buenas, la madre cruel).

La historia gira en torno a Gru, el más afamado villano del mundo, quien ve peligrar su puesto cuando Vector, un villano novato, hace su aparición y realiza un robo que sobrepasa toda proeza. Para salvar su honor, Gru deberá idear un plan que vuelva a posicionarlo como el más grande de todos los tiempos, para ello decide robar la luna, aunque primero necesita un rayo reductor. Sin embargo, Vector intenta impedir que Gru logre su cometido y le roba el rayo. Para recuperarlo Gru recurre a la ayuda de tres niñas huérfanas, Edith, Margo y Agnes. Gru adopta a las niñas con el fin de lograr su cometido, lo que no se imagina es que sus nuevas hijas pondrán su mundo de cabeza y lograrán cambiar su forma de pensar.

Gru es un villano que realmente disfruta su trabajo, y como todas las personas, quiere ser el mejor en lo que hace. Este aspecto es una crítica muy inteligente de la vida laboral, pues nos muestra las complicaciones que cualquier persona tiene para destacar en su empleo, sobre todo cuando debe enfrentarse a jefes testarudos y adversarios jóvenes. El principal aporte del filme es presentar la vida de un villano y exponer cuáles serían las problemáticas de su vida, razón por la cual vemos su faceta como hijo (incapaz de satisfacer a su madre), su faceta como trabajador y su faceta como padre.

Entre los personajes importantes también tenemos a las niñas, a quienes en lo personal considero un cliché, pues son las típicas huérfanas que terminan por cambiar la vida de un tipo duro y malo. No obstante, debemos aceptar el hecho de que la incompatibilidad en cuanto a sus personalidades con respeto a la de Gru es lo que da juego a muchas de las situaciones más cómicas.  Y pese a que Gru presenta muchos elementos clásicos del villano no cae en un cliché tan evidente como las niñas. Otros personajes que no debemos olvidar son los Minions, los amarillos secuaces de Gru, quienes representan esa inocencia infantil pero al mismo tiempo el lado pícaro y malvado que todos tenemos, y resulta en extremo divertido ver los enredos en los que se meten debido a sus descuidos.

El juego que Vector le da a Gru me parece que es el aspecto mejor pensado de toda la obra. Por una parte, Vector representa al villano moderno con nuevas ideas y mejor armamento, mientras que Gru es de la vieja escuela. Esta relación es una clara referencia a la vida laboral y al desplazamiento que muchas personas sufren por parte de las nuevas generaciones y las nuevas tecnologías. Aunque no debemos olvidar que ambos villanos comparte el menosprecio por parte de sus respectivos padres.

Una peculiaridad que realmente supieron explotar es la temática del villano, pues en todas las películas de superhéroes el malo siempre es el personaje más complejo. Además, el hecho de que no existan héroes permite que todo el protagonismo recaiga en Gru, y podamos ver y entender la finalidad para todas las maldades que hace. Usar al malo como personaje principal resulta realmente atractivo para muchas personas pues generalmente está tan bien diseñado que resulta molesto el hecho de que deba perder contra el bueno siempre. Además, hacer el mal generalmente es más divertido y los niños se identifican más fácilmente con el malo.

Otro tópico importante es la relación padres-hijos. Tanto la madre de Gru como el padre de Vector no sienten orgullo por sus hijos ni les demuestra su cariño, a pesar de que en el fondo sí los quieren. Esa frialdad y distanciamiento es lo que orilló a Gru a buscar apoderarse de la luna a toda costa, en el fondo sólo quiere cumplir un sueño de la infancia para que su madre esté orgullosa de él. También podemos hablar de cómo la relación con nuestros padres nos marcará en la relación con nuestros hijos, por ejemplo, Grú nunca imaginó ser padre ni encariñarse con las niñas que adoptó.

Finalmente, la temática del padre soltero y la adopción son dos elementos que no sólo dan juego a la historia, sino que reflejan la realidad de muchas familias donde es el hombre quien se encarga de cuidar a los hijos, ya sea porque la madre trabaja o porque está ausente. A lo largo de la película podemos apreciar el crecimiento de Gru como padre, pues en un principio él lleva una vida de soltero y su casa no está diseñada para niños, además de que ni él ni las niñas saben cómo actuar el uno con el otro, pero con forme pasa el tiempo se van tomando confianza y cariño.

Como podemos ver, Mi Villano Favorito es una excelente recomendación para el público infantil y una interesante propuesta para el público adulto, pero sobre todo, resulta una comedia divertidísima para todas aquellas personas que siempre nos identificamos con el malo de la película, aunque en una versión muy rosa, tierna y predecible.

Kiki: Entregas a Domicilio

Título Original: 魔女の宅急便 (Majo no Takkyûbin).
Género(s): Mahô-Shôjo, Comedia, Shôjo.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: Julio de 1989.
Duración: 103 minutos.
Extras:

Basada en la novela homónima de Eiko Kanodo, Kiki es una de las historias más tiernas y entrañables en el repertorio de Miyazaki y Ghibli. La historia es sencilla, divertida y muy agradable, al igual que los personajes. Presenta algunos momentos tristes y en un tanto predecibles, pero en general desborda felicidad y alegría constante, lo cual se agradece mucho, pues hace del filme algo muy ameno de ver.

La calidad técnica es impresionante, pues tanto la música, como la construcción de escenarios y el desarrollo de personajes se amoldan y complementan a la perfección. El primer aspecto a resaltar es la construcción de escenarios, para los cuales Miyazaki optó por un estilo occidental que nos recuerda a los viejos clásicos en los que él participó, como Heidi. Los personajes, por su parte, presentan el diseño clásico de Ghibli, con personalidades únicas y sin estereotipos, y con las mujeres en los papeles centrales de la historia. Finalmente, la música es fabulosa, muy agradable y ambienta a la perfección cada escena del largometraje, con el mínimo detalle de que en ocasiones entra abruptamente.

La historia toma lugar en una ciudad de estilo europeo y corte colonial, que por momentos semeja a Inglaterra, aunque algunas construcciones tienen una arquitectura más alemana o suiza, y por ser una ciudad costera también presenta el estilo mediterráneo de las ciudades ibéricas. Además, a pesar de ser una ciudad aún conserva esa esencia de pueblo, con costumbres y tradiciones muy arraigadas que le otorgan mucha calidez.

Todo gira en torno a Kiki, una pequeña aprendiz de bruja de trece años, quien debe dejar su casa y su familia para vivir sola durante un año en alguna ciudad en la que requieran de sus servicios, para de esa manera entrenar y convertirse en una bruja de verdad. Kiki decide que por fin ha llegado el día de mudarse y emprende su viaje junto a su gato Jiji, pero en el camino y durante su entrenamiento surgirán dificultades que deberá aprender a superar, pues al llegar a una ciudad desconocida deberá afrontar el miedo, la soledad y el cambio de costumbres para demostrar que en verdad es independiente y puede valerse por sí misma.

El argumento central del filme es la independencia y la madurez que todos en algún momento deberemos enfrentar, aunque nos reusemos a ello. En lo personal creo que lo de ser bruja es un simple recurso para hacer más entretenida la historia, pues en el fondo Kiki es una niña más, una niña normal que debe enfrentarse sola al mundo y descubrir por si misma lo difícil que es crecer y alcanzar sus sueños. El mensaje central es que debemos tener la capacidad para no rendirnos incluso a pesar de haber perdido la seguridad en nosotros mismos. Todos estos aspectos se plasman constantemente durante la obra y nos permiten apreciar el crecimiento y desarrollo de todos los personajes, sobre todo del principal.

En toda la película sólo hay dos aspectos que no me gustan. El primero es usar el recurso de la típica chica de campo que tiene que enfrentarse a la vida en la ciudad. Recurso que en lo personal considero un cliché sobreexplotado, aunque la migración es un fenómeno que sigue muy vigente en la actualidad. El segundo problema es que la película termina de forma muy abrupta, prácticamente lo hace al final del clímax y no da lugar al desenlace, lo que nos deja con una sensación de que algo falta. Y aunque al final se muestran algunas secuencias de lo que pasó con los personajes, eso no es suficiente para dar por concluida tan genial obra cinematográfica.

Como en todos los trabajos de Hayao, el papel central lo tienen las mujeres, constante por demás recurrente pero que aporta una gran emotividad en todas sus obras. Kiki es otra de esas grandes féminas que Ghibli nos ha regalado, es decidida, inteligente e independiente, pero además es la mujer más tierna y noble que el estudio ha producido. Cabe resaltar que Ghibli es de los estudios más congruentes en cuanto a la construcción de sus personajes, pues tanto el aspecto físico como la personalidad van acordes con la edad, los sentimientos e intereses de cada persona.

Parece que estar producida por Ghibli y ser dirigida por Miyazaki es sinónimo de éxito para una película, o al menos es garantía de que será una excelente animación en el aspecto técnico y argumental. Pero independientemente de eso, Kiki es una obra que entretiene, divierte y deja un mensaje de superación bastante obvio, que si bien puede ser prefabricado, nunca estará de más.

Dragon Ball Kai

Título Original: ドラゴンボール – 改 (Doragon Bōru Kai).
Género(s): Shônen, Comedia, Peleas, Sobrenatural, Ciencia Ficción, Henshin, Ecchi.
Director: Daisuke Nishio.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: Abril de 2009 – Marzo 2011.
Duración: 97 Episodios.
Extras: Dragon Ball, Dragon Ball Z, Dragon Ball GT.

Tras el final de Dragon Ball GT, los fans seguían esperando una posible continuación de la serie, sin embargo, con el tiempo fue más evidente que eso no sucedería. Miles de rumores corrieron e incluso se anunció un tal “Dragon Ball AF”, que al final resultó no ser más que un doujin bien logrado sin relación con el autor original.

Tras años de espera, el 5 de abril de 2009 se estrenó Dragon Ball Kai, Dragon Ball Z remasterizado en alta definición para festejar el 20.º aniversario de la serie. Se regrabaron las voces y los efectos de sonido, y lo más importante, se editó para ajustarse completamente al manga, eliminando todo el relleno de la serie original. También presenta una constante edición grafica (sangre eliminada digitalmente, escenas violentas suavizadas o eliminadas, insinuaciones sexuales, gestos obscenos y referencias al alcohol, muerte o tabaco eliminadas). En occidente fue rebautizada como Dragon Ball Z Kai y se anunció que no abarcaría la Saga de Majin Boo y consistiría únicamente de alrededor de 100 episodios.

El 4 de abril de 2011, DBZ Kai comenzó a trasmitirse en México a través de televisión de paga, después de muchas polémicas con respecto al elenco que participó en el doblaje: muchos de los actores originales no participaron debido a desacuerdos económicos. Tras finalizar la primera batalla con Vegeta, la emisión fue suspendida, continuando la serie con los capítulos originales de DBZ. La razón del cambio es desconocida hasta ahora, pero se sabe que Kai no estaba dando los niveles de audiencia esperados, además de las constantes quejas de los fans debido a las nuevas voces y la censura.

La fórmula de Dragon Ball cautivó y apasionó a toda una generación. Tanto el manga como el anime han sido traducidos en muchos idiomas y distribuidos en muchos países. Gracias a su fama se han creado muchos videojuegos, figuras de acción y todo tipo de mercancías inimaginables. También ha sido parodiado con series como Dragon Fall y El Consultorio del Dr. Gokú. Además de crear muchos fenómenos clásicos del Internet como “It’s over 9000!” o “I’MA FIRIN’ MAH LAZOR!”, sin olvidar el célebre Dragon Ball Rap del grupo Porta. Su influencia en la sociedad de finales de los años noventa ha sido más que evidente. Gokú sigue marcando nuevas generaciones y seguramente pasarán muchos años antes de que podamos decir que la idea ha muerto. Eso es algo de lo que pocos animes pueden presumir. En fin, Dragon Ball es más que un clásico, es un fenómeno mundial.

Dragon Ball GT

Título Original: ドラゴンボール – GT (Doragon Bōru GT)
Género(s): Shônen, Comedia, Peleas, Sobrenatural, Ciencia Ficción, Henshin, Ecchi.
Director: Osamu Kasai.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: Febrero de 1996 – Noviembre 1997.
Duración: 64 Episodios.
Extras: Dragon Ball, Dragon Ball Z.

En 1995, Akira Toriyama decidió terminar de ilustrar el manga, por lo que Toei Animation se quedó sin material para continuar la serie. Dada la popularidad de Dragon Ball, Toei tomó el proyecto en sus manos y creó su propia continuación, Toriyama se negó a ser el supervisor general de trama, ya que desde antes había decidido dar por terminada su labor dentro de Dragon Ball.

Aún así, esta nueva serie surgía como un proyecto ambicioso que prometía recuperar el factor aventura característico de la primera parte, abandonado a partir de la Saga de Cell; también se buscaba acabar con la continua superación de niveles e incluir personajes novedosos.

Tras la derrota de Majin Boo y después de 10 años de entrenar junto a su “reencarnación”, Gokú inicia una nueva aventura. Pilaf logra encontrar las Esferas del Dragón Oscuras y convierte a Gokú en un niño, tras pedir accidentalmente dicho deseo al dragón. Poco después, las esferas  se esparcen por el universo entero y deben ser recolectadas en un plazo menor a un año o el planeta en donde se pidió el deseo, la Tierra, será destruido.

Gokú, Trunks y Pan deciden embarcarse para encontrarlas lo más pronto posible. Durante su recorrido deben pasar por diversos planetas y vencer a cada uno de sus oponentes para finalmente reunir las esferas y regresar a la Tierra. Pero, durante su viaje, la población humana ha sido poseída para servir y ayudar a Baby, un ser que sólo desea destruir a los saiyajin. Baby se apodera del cuerpo de Vegeta, desatando una feroz batalla entre él y Gokú, quien tras recurrir a una nueva transformación, logra eliminar a Baby.

Desafortunadamente, a pesar del enorme esfuerzo, la Tierra está destinada inevitablemente a su aniquilación. Piccoro elige morir en la explosión para asegurarse de que las Esferas del Dragón oscuras sean exterminadas junto al planeta, restaurado posteriormente con las esferas auténticas.

En el infierno, el Dr. Myu (creador de Baby) se une con el Dr. Gero para crear un nuevo androide bajo su control completo: #17, el cual arriba a la recién reconstruida Tierra, logrando unirse con el #17 original y creando así al Súper #17. Gokú puede en última instancia derrotar a Súper #17 con la ayuda de #18, pero no antes que el Dr. Gero y el Dr. Myu sean asesinados por su propia creación.

Cuando Shenlong es convocado de nuevo para revivir a los muertos por Súper #17, las esferas se agrietan y un dragón oscuro aparece en su lugar. Éste se divide en siete dragones malignos, cada uno con una esfera en su interior. Gokú, con ayuda de Pan, lucha incansablemente para erradicar estos misteriosos dragones. No obstante, después de que seis de los siete son derrotados, el último absorbe las otras esferas, aumentando su poder. Gokú lo derrota después de la batalla más difícil de su vida, incluyendo una fusión con Vegeta en nivel 4 que termina sin que puedan derrotar a su enemigo. Gokú realiza una Genkidama con todos los habitantes del universo y vence al poderoso dragón.

Desafortunadamente, el resultado final fue una serie de baja calidad en general al no contar con una base sólida como lo fue el manga original de Toriyama. Duró poco más de un año al aire, debido a la baja popularidad que obtuvo tras la primera parte. Era obvio que volver a los inicios de DB después de todo el camino recorrido no era la mejor idea.

Dragon Ball GT ha sido criticada por los fans y analistas por varios desacuerdos que presenta con la serie anterior. El nuevo diseño de muchos personajes dio una mala impresión que hizo que los fans extrañaran y prefirieran Dragon Ball Z.

Muchos seguidores no lo ven como una continuación, sino más bien como un Spin-off del manga original. De entre lo rescatable tenemos la nueva transformación de Gokú en súper saiyajin 4, la aparición de Pan y la efímera saga del Súper 17, que nos permitió volver a ver a algunos de los villanos anteriores (dibujados con la mano izquierda).

Dragon Ball Z

Título Original: ドラゴンボール – Z (Doragon Bōru Z)
Género(s): Shônen, Comedia, Peleas, Sobrenatural, Ciencia Ficción, Henshin, Ecchi.
Director: Daisuke Nishio.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: Abril de 1989 – Enero 1996.
Duración: 291 Episodios.
Extras: Dragon Ball, Dragon Ball GT.

A partir del capítulo 195 del manga original, su adaptación al anime fue llamada Dragon Ball Z. También fueron creados dos especiales para televisión que ampliaban la historia, además de 13 películas y 2 OVA. Esta serie nos sitúa cinco años después de que Gokú venciera al hijo de Piccoro en el 23º Torneo de las Artes Marciales.

Dividida en 3 “Sagas” o partes principales, DBZ nos explica el origen saiyajin del protagonista, para dar paso al verdadero clímax de la historia, junto a los enemigos principales de la serie. A la llegada del hermano mayor de Gokú, Raditz, se inicia una lucha por el control de las Esferas del Dragón, principal motivación del príncipe saiyajin Vegeta y de emperador Freezer, quien utilizó todos sus recursos para tratar de obtenerlas, incluso llamar a sus guerreros de élite: las geniales Fuerzas Especiales Ginyu. Se desatan todo tipo de batallas épicas y en ocasiones trágicas, mostrando una gran variedad de técnicas originales e incluso bizarras, destacando ampliamente la batalla final contra Freezer, durante la cual Gokú consigue transformarse por primera vez en el legendario súper saiyajin.

Tras derrotar al tirano galáctico, el siguiente problema son los poderosos androides creados por el Dr. Makigero (científico de la desaparecida Patrulla Roja), cuya misión principal es eliminar a Gokú. Sin embargo, todo el asunto de los androides encubre a un enemigo aún más poderoso: Cell, creación maestra del mismo científico, desarrollado a partir de las células de los peleadores más fuertes de la Tierra. El objetivo de Cell es convertirse en el ser perfecto, la entidad más poderosa de universo, para lo cual ha viajado desde un futuro lejano. Aún con el apoyo de un nuevo aliado saiyajin y el considerable aumento de poder de los protagonistas, Gokú termina sacrificándose para derrotar al androide perfecto, dejando la batalla final en manos de su hijo, Gohan.

Siete años después, Gokú y los demás deben lidiar con el enemigo definitivo, Majin Boo, un temible demonio creado por un malvado hechicero. Se libraron los combates más espectaculares, decisivos, y en ocasiones extraños, para el futuro no sólo de la Tierra, sino del universo entero. La desenfrenada superación de niveles llevó a los protagonistas a fusionarse entre ellos para derrotar a esta última amenaza.


Esta serie es y será un hito, un clásico que se debería apreciar por todo el que sea amante del anime. Puede parecer en principio algo monótono y predecible, pero son sus personajes y situaciones únicas lo que lo hacen brillar. Posee un final muy típico, donde se logra después de muchos esfuerzos “salvar el día” y que todos terminen felices. Vuelven los mismos personajes de la serie original pero, conforme van pasando los capítulos, se van agregando personajes nuevos que le dan un enfoque completamente diferente. Vegeta, Trunks, Mr. Satán, entre otros, van desplazando poco a poco a los personajes que acompañaban a Gokú en un principio, que pasan a un segundo plano sin desaparecer completamente de la vida del personaje. Los enemigos son de un nivel completamente superior, cada uno con su propio carisma y personalidad detallada que los hace memorables.

El apartado técnico sigue siendo sobresaliente, con una animación de buena calidad y una banda sonora que lo complementa perfectamente, sobre todo en las batallas, las cuáles han ganado una enorme importancia, llegando a convertirse en las verdaderas protagonistas de la serie. Una vez más, las Esferas del Dragón hacen su triunfal aparición, incluso en otros planetas, siendo de especial importancia durante la Saga de Freezer; pero las aventuras para reunirlas pasan a un segundo plano a partir de la Saga de Cell.

Como puntos negativos tenemos un mal que aqueja a muchas series más: el relleno. Los capítulos de relleno en Dragon Ball Z son bastante evidentes y numerosos. Llegan a abarcan “mini-sagas”, como la aventura en contra de Garlick Jr. al principio de la serie; o el Torneo de las Artes Marciales en el Otro Mundo. Sólo unos pocos aportan algo nuevo e interesante, como cuando Vegeta y Nappa hacen una parada en su viaje hacia la Tierra para conquistar un pequeño planeta y acaban con toda su población; o las actividades recreativas de Cell antes de que empiece su torneo. Pero en general son de baja calidad y no tienen importancia en la línea argumental.

El relleno también se manifiesta durante los episodios originales, alargando de forma insufrible las batallas. Cuando nos encontramos en pleno combate por el destino del universo, el argumento cambia repentinamente para mostrarnos lo que están haciendo los dichosos personajes secundarios (que no nos importa y no tiene algo que ver con el punto en cuestión), incluso consumiendo el resto del capítulo; o a media pelea nos encontramos viendo una pantalla vacía donde sólo se cruzan varias líneas rápidamente mientras el fondo gira dramáticamente, sin olvidar las enormes pantallas de humo/polvo que tardan siglos en disiparse. Para un ejemplo de todo ello basta con mirar los “cinco minutos” (más de ocho episodios) que tardó el planeta Namek en destruirse.

Dragon Ball

Título Original: ドラゴンボール (Doragon Bōru).
Género(s): Shônen, Comedia, Peleas, Sobrenatural, Ciencia Ficción, Henshin, Ecchi.
Director: Daisuke Nishio.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: Febrero de 1986 – Abril 1989.
Duración: 153 Episodios.
Extras: Dragon Ball Z, Dragon Ball GT.

Gokú, un misterioso niño que vive sólo en las montañas, recibe la visita de una joven llamada Bulma, quien le cuenta la leyenda de las siete esferas del Dragón, capaces de cumplir cualquier deseo. Desde entonces, ambos se dedican a recorrer el mundo en busca de las poderosas esferas doradas, dando inicio a una de las más grandes aventuras jamás contadas.

En esta primera parte seguiremos a Gokú desde su infancia, cuando inicia el entrenamiento que lo convertirá en el hombre más fuerte del universo, y el punto central del argumento será precisamente reunir las Esferas del Dragón antes de que caigan en malas manos. Conoceremos a muchos de los personajes que nos acompañarán en el desarrollo de la historia, además de algunos antagonistas no tan malvados, cada uno con una personalidad detallada y profunda. Así, podemos dividirla en sagas, la primera contra Pilaf, siguiendo con la lucha en contra de la Patrulla Roja (Red Ribbon) y finalmente la batalla contra el primer rival serio de nuestro protagonista, Piccoro.

Ocasionalmente la trama volcará hacia el entrenamiento de Gokú y el famoso Torneo de las Artes Marciales (Tenkaichi Budokai), en el que los mejores luchadores de todo el mundo se darán cita, batiéndose en duelo a fin de demostrar quién es el más fuerte sobre la Tierra, utilizando todo tipo de técnicas especiales y habilidades únicas.

La serie está  llena de escenarios coloridos, personajes originales, momentos memorables y mucha acción, todo ello situado en un extraño mundo que combina elementos futuristas (autos voladores y prácticas cápsulas), criaturas prehistóricas (incluso animales parlantes antropomorfos), magia y componentes místicos, mostrando una calidad en animación sorprendente para su época, acompañada de una banda sonora de buena calidad.

Es un anime enfocado al público más joven y de fácil comprensión, lleno de mensajes positivos. El final es completamente obvio, ya que se trata del cierre de un ciclo, que en este caso es la niñez de los protagonistas. Posteriormente sería opacado por la segunda parte, que presenta un argumento más desarrollado y complejo, dirigida a un público más maduro.

Dragon Ball: Introducción

Sin duda, hablar de Dragon Ball es hablar de una serie que cautivó y apasionó a toda una generación durante muchos años. Todo comenzó con un manga escrito e ilustrado por Akira Toriyama, publicado originalmente en la revista semanal Shōnen Jump entre 1984 y 1995, y que posteriormente se adaptaría a una larga y exitosa serie de anime. Toriyama se inspiró en la novela china Viaje al Oeste, así como en numerosas películas de artes marciales y clásicos de la ciencia ficción como Terminator y Star Wars.

Desde su lanzamiento se ha convertido en uno de los mangas y animes más populares de su época, tanto en Japón como en el resto del mundo. Se han elogiado el diseño, los personajes y el humor de la historia, mientras que varios autores han confirmado que Dragon Ball les sirvió de inspiración para crear sus propios mangas, entre ellos los creadores de Naruto y One Piece. La popular adaptación al anime consta de 3 partes o temporadas, siendo las dos primeras una adaptación del manga original de Toriyama, mientras que la última fue dirigida por Toei, con la supervisión y diseño de personajes del renombrado mangaka. Por fortuna, en México nos llegó la versión sin censura y con el soundtrack original, que sumado al increíble trabajo de Intertrack  S.A. de C.V. (ahora Doblajes París S.A. de C.V.) al doblar la serie a nuestro idioma, nos permitió disfrutar de un Dragon Ball muy superior a la cómica e incoherente versión española o a la insípida y monótona versión estadounidense llena de censura. Su éxito fue tal que se transmitió durante más de diez años ininterrumpidos en TV abierta.

La trama sigue las aventuras de Son Gokú, quien durante la mayor parte de su vida se somete a un entrenamiento de artes marciales y explora el mundo en búsqueda de siete objetos legendarios conocidos como las Esferas del Dragón”, las cuales conceden cualquier deseo a su portador por medio del gran dios dragón Shenlong. A lo largo de su travesía, Gokú conoce a varios amigos y se enfrenta a una amplia variedad de memorables villanos, muchos de los cuales también buscan las esferas para cumplir sus deseos.

Las artes marciales, la amistad y el afán de superación son las bases del argumento de esta serie. Utiliza un sistema parecido, en cierta manera, al de los videojuegos y RPGs clásicos: el protagonista, con la ayuda de algunos personajes secundarios, debe derrotar a varios enemigos, cada uno más fuerte que el anterior, para llegar al enfrentamiento final con el “Jefe” de los villanos en turno, al mismo tiempo que incrementa su propia fuerza. Así, es posible dividir al argumento en “sagas”, cada una representada por un enemigo final diferente. Sin embargo, la violencia y otros contenidos considerados no apropiados para menores en muchos de sus episodios han provocado que en Occidente se pida la censura e incluso la prohibición de la serie.

Dragon Ball
Dragon Ball Z
Dragon Ball GT
Dragon Ball: Películas
Dragon Ball: Especiales de Televisión
Dragon Ball: Ovas y Especiales
Dragon Ball Kai
Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses

Soul Eater

Título Original: ソウルイーター (Sôru Îta).
Género(s): Sobrenatural, Comedia, Shônen.
Director: Takuya Igarashi.
Estudio: Bones, Aniplex.
Emisión: Abril 2008 – Marzo 2009.
Duración: 51 Episodios.
Extras: Soul Eater Not.

Considerada por algunos como la serie Shônen del 2008, Soul Eater, anime basado en el manga homónimo de Atsushi Okubo, es quizás la serie de acción y aventura más original del momento, pues su extraño diseño, su temática sobrenatural y la mezcla de folclor japonés con elementos occidentales como el Halloween, la hacen especialmente atractiva para un público acostumbrado a celebrar los eventos relacionado con la muerte.

La historia integra elementos extremadamente diversos, pues retoma aspectos del folclor japonés y los conjunta con elementos medievales de construcción europea, sin olvidar la innumerable gama de referencias a todo tipo de tradiciones culturales relacionadas con la muerte y demás elementos tanto históricos como populares.

Lo primero que salta a la vista es su extravagante animación. Por un lado tenemos elementos estéticos que llegan a ser un poco burlescos, como el sol y la luna, mientras que Death City, lugar donde transcurre la historia, presenta una arquitectura entre colonial y medieval, sin olvidar los objetos que hacen referencia al Halloween. La música también posee un estilo propio que le va excelente a la historia y al peculiar estilo de dibujo, pero me parece que no sobresale tanto como los demás elementos.

Los personajes poseen una fisonomía que se aleja del estilo convencional del anime actual. Sus personalidades, construcción y desarrollo están muy definidos pero en ocasiones resultan estereotipados, como la relación entre los personajes principales, que responde a las características clásicas del Shônen: una relación competitiva entre una chica inteligente y un joven intrépido.

La historia gira en torno a Maka Albarn y su arma Soul Eater, Black Star y su arma Tsubaki, y Death the Kid y sus armas las hermanas Thompson, todos estudiantes de Shibusen, escuela en donde se entrenan armas demoniacas (Death Scythe) para Shinigamis (dioses de la muerte). Para obtener el grado de Death Scythe el arma y su técnico deberán capturar 99 almas de Kishin (humanos en proceso de convertirse en demonios) y un alma de bruja.

La serie no se centra únicamente en el proceso que los siete estudiantes siguen para convertirse en Death Scythe, por el contrario, se aleja un poco de ese fin y empieza a desarrolla una compleja trama llena de secretos relacionados con Shibusen. Además, la base cultural e histórica de Soul Eater resulta muy atractiva para los occidentales, pues ver pelear al dios japonés de la muerte con una bruja de tradición europea es sumamente entretenido.

Otro atractivo que presenta la serie es su acción constante, pues durante sus 51 episodios sólo un par de estos podrían ser considerados relleno, los demás están plagados de batallas impactantes, momentos cómicos y un desarrollo que mantiene el interés del espectador en todo momento. Quizás el único aspecto débil sea el desarrollo de los personajes principales, pues en un principio se presentan confiados y seguros de sí, pero después se retraen en inseguridades que terminan por superar. Personalmente creo que la mayoría de los personajes secundarios y antagónicos tienen un mejor desarrollo.

Soul Eater nos muestra una faceta totalmente ajena a la concepción europea o cristiana de la muerte, ya que en la serie los dioses no son seres oscuros de inframundo a los que tengamos que temer, sino dioses cuya tarea es precisamente la de recoger las almas de los muertos, y que a pesar de ser dioses (o demonios) tiene debilidades y temores que deben aprender a superar.

Lucky Star

Título Original: らき☆すた (Raki ☆ Suta).
Género(s): Comedia, Slice of life, Shôjo.
Director: Hiroshi Yamamoto.
Estudio: Kyoto Animation.
Emisión: Abril 2007 – Septiembre 2007.
Duración: 24 Episodios.
Extras: Un OVA.

Basado en el 4-koma (manga en 4 viñetas) homónimo de Kagami Yoshimizu, Lucky Star es una de las series más cómicas y críticas de la industria, pues su extraño sentido del humor busca referenciar y hacer burla de otras series, patrones de conducta dentro de los fans, estereotipos en los personajes de anime y la vida de las figuras públicas de la cultura pop.

Podríamos decir que Lucky Star busca denunciar de manera muy sarcástica el modo de vida de los seguidores del anime y los productores de estos contenidos, los cuales se ven ensimismados en sus pasatiempos y olvidan desarrollarse en otros aspectos de su vida. Asimismo, busca evidenciar la falta de tolerancia que puede llegar a existir por parte de las personas que no tienen los mismos gustos o aficiones, pero que muchas veces se apasionan por cosas no convencionales.

La calidad de animación es regular, pues los escenarios no sobresalen en nada y ni siquiera actúan como un verdadero fondo ambientador. La música es simple y muy repetitiva, a pesar de tener un opening fuera de lo común con un para-para (baile) bastante atractivo. Y aunque la banda sonora no sobresale, sirve para referencia e incluso homenajear series japonesas de antaño, esto en el caso de los ending.

El aspecto de los personajes es el mejor logrado, pues ellos desarrollan la serie por completo, ya que el anime se basa únicamente en la vida cotidiana de sus personajes, por lo que la buena construcción de estos era indispensable para obtener los resultados deseados. Las personalidades están creadas a partir de una gama muy amplia de elementos totalmente estereotipados, que a pesar de ello logran actitudes originales.

La extrema cantidad de elementos moe (otaku, tsundere y yandere) de cada personaje sirven para criticar al vacío de nuevas ideas en la construcción de estos, pues hoy en día es muy común encontrar al menos a un personaje con los siguientes rasgos: tierna, tímida, torpe, intelectual ode pechos grandes. Lucky Star toma todos esos elementos y los pone dentro de sus personajes, por lo que cada uno de ellos tiene al menos tres o cuatro de estas características.

La apariencia física también es muy particular, pues a pesar de que los personajes tienen 17 años, su aspecto corporal parece de niñas de secundaria o menores. Ésta aparente burla al desarrollo se debe a que en la mayoría de los animes actuales las chicas de secundaria ya presentan cuerpos muy desarrollados que no corresponden a su edad, por lo que la serie busca hacer una denuncia de ello. Igualmente, el personaje de Patricia Martin, refleja el cerrado interés y conocimiento que los occidentales tenemos de la cultura japonesa, pues fuera del anime pocas veces nos interesamos por algo diferente.

La historia gira en torno a la vida cotidiana de Konata Izumi y sus amigas Kagami, Tsukasa y Miyuki, quienes están en el segundo año del bachillerato. En el trascurso de los capítulos veremos los problemas, distracciones y vivencias a los que deberán enfrentarse.

La historia avanza a un ritmo lento —pese a que cada capítulo es aproximadamente un mes de la vida real y un día puede estar representado en una escena de pocos segundos— ya que en ningún momento se presentan eventos sobresalientes que destruyan la rutina diaria. A pesar del lánguido desarrollo, no resulta una serie monótona o aburrida, por el contrario, la vida diaria resulta especialmente atractiva.

Lucky Star 3

Las características cómicas de la serie se basan justamente en la vida diaria y presentan situaciones comunes en las que todos hemos estados alguna vez y que al identificarnos con ellas resultan graciosas. Sin olvidar que toda esta gama de referencias se basa principalmente en anime, manga, videojuegos y relaciones personales.

Además de las referencias cómicas también hay una crítica a ciertos patrones sociales propios de la industrial, como la sarcástica alusión a la vida de una idol, la indirecta mención de los seiyûs o la parodia de los vendedores de anime y manga. En lo personal considero que Lucky Star intenta definir un estilo de comedia propio para los japonenses, por lo que hace referencia a cosas comunes que son naturalmente graciosas para ellos, pero que para el público extranjero son difíciles de apreciar.

The Hell’s Kitchen

Título Original: The Hell’s Kitchen.
Género(s): Comedia.
Director: Benjamin Bocquelet.
Estudio: Creado íntegramente por R. Martin y B. Bocquelet.
Emisión: 2003.
Duración: 3:40 minutos.
Extras:

The Hell’s Kitchen es un cortometraje francés que explota el humor negro en su máxima expresión, pues nos presenta una situación que resulta cómica pero que en realidad es trágica, cruda y violenta, plagada de muertes y accidentes sin sentido que debido a su espontaneidad resultan divertidos.

La animación está hecha en stop motion y recrea un estilo retro propio de la década de los cincuenta. Asimismo, sus personajes están perfectamente diseñados y hacen una parodia bastante caricaturizada de los estereotipos europeos, en específico de estereotipo francés e inglés. Sin duda una excelente e irreverente propuesta para quien gusta del humor negro.