Reseñas

Ga-Rei Zero

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Título Original: 喰霊-零- (Ga-Rei Zero).
Género(s): Sobrenatural, Drama, Comedia, Seinen, Shôjo.
Director: Ei Aoki.
Estudio: AIC Spirits.
Emisión: Octubre 2008 – Diciembre 2008.
Duración: 12 Episodios.
Extras: –

Basado en el manga Ga-Rei de Hajime Segawa, Ga-Rei Zero en una serie que actúa como precuela de éste. Inicia su historia antes de los eventos de la novela y nos narra el pasado de los protagonistas. Sin embargo, el hecho de ser una precuela le resta un poco de solides a la historia, ya que por momentos se vuelve algo confusa para quienes no hemos leído el manga, pues su trama se enfoca en explicar sucesos y actitudes de los personajes que muy difícilmente podremos entender sin antes haber leído la obra de Segawa.

La calidad de animación es buena, no del todo sobresaliente ni espectacular, pero provoca una buena impresión en el televidente. Los escenarios, personajes y demonios están bien diseñados, aunque utilizan los estilos simplistas que han predominado en la última década. Los escenarios de fondo resultan un poco acartonados por momentos, sin que esto repercuta gravemente en la calidad general. La música tampoco es sobresaliente, pero en verdad ayuda a enfatizas los momentos dramáticos y tristes de la historia, además de otorgar el toque enérgico a las batallas y escenas de acción.

La historia gira en torno a Kagura Tsuchimiya y Yomi Isayama, dos chicas que pertenecen a familias de exorcistas que durante años se han dedicado a proteger a la humanidad de la amenaza de los demonios con la ayuda de espíritus que sólo ellos pueden ver e invocar. A lo largo de la historia vemos como Kagura y Yomi pelean contra diversos demonios y mejoran sus habilidades para algún día poder heredar las bestias sagradas que les ayudarán en su misión. Para ello se integran a la División Contra Desastres Sobrenaturales, que es una de tantas agencias encargadas de controlar y detener la actividad paranormal.

Desafortunadamente, la ambición y los conflictos familiares orillan a Mei (prima de Yomi) a caer presa de un demonio, quien la obliga a matar al padre de su prima para que ella pueda apoderarse de la bestia sagrada. Yomi decide tomar venganza pero es presa del mismo demonio, quien la convierte en un espíritu asesino que busca acabar con la humanidad, para impedirlo, Kagura deberá enfrentarla en una batalla épica.

El trasfondo de la historia es bastante complejo y la temática de los demonios y exorcistas resulta atractiva. Sin embargo, la mezcla de peleas con escenas melancólicas no da un resultado agradable, pues la brutalidad de las batallas se ve entorpecida por la melancolía excesiva de algunos personajes. Los cambios de tono impiden mostrar lo triste y cruda que la vida de un exorcista puede llegar a ser, generando altibajos que van de la ternura propia del Shôjo a la crudeza innata de Seinen, lo cual no siempre es bueno.

La parte romántica tampoco termina por consolidarse y los toques de comedia en ocasiones quedan fuera de lugar. En lo personal considero que si la serie se hubiese enfocado o en el aspecto dramático o en la acción y las peleas habría obtenido mejores resultados, ya que el tipo de drama que maneja no funciona para este tipo de historias, creo que le faltó algo más de crudeza y un poco menos de llanto.

Otro aspecto que resulta pertinente mencionar es el manejo de tiempos, pues al principio resulta difícil entender en qué época se desarrolla la historia. En los primeros capítulos vemos que la historia se desarrolla en la actualidad, pero después hace una regresión —a manera de enorme flash-back— a tres años antes; posteriormente la serie vuelve a hacer un salto a unos días antes de los eventos que vimos en los primeros capítulos, y prosigue la historia hasta después de dichos eventos. Finalmente, hace un último salto a algunos años al futuro, que es a partir de donde empieza el manga.

Considero fundamental leer el manga antes de ver esta serie, pues al estar diseñada como una serie de apoyo (precuela), no es autoconclusiva, ni autorreferencial, ni autoexplicativa, por el contrario, sirve para atar los cabos sueltos del manga. Pero en definitiva, me parece una buena recomendación para sus lectores o para quienes gustan de historia con demonios, armas, peleas y sean seguidores del género Sobrenatural, principalmente si lo que les gusta es la acción y no les importa demasiado la historia.

9

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Título Original: 9 (Nine).
Género(s): Ciencia Ficción/Scrappunk/Stitchpunk, Drama, Fantasía.
Director: Shane Acker.
Estudio: Relativity Media.
Emisión: Septiembre 2009.
Duración: 81 minutos.
Extras: –

Basada en el cortometraje homónimo de Shane Acker y producida por Tim Burton y Timur Bekmambetov, 9 es una de las películas de animación estadounidense más novedosas de la actualidad, pues su estilo único y sus complejos escenarios le han valido la creación de su propio subgénero, el Stitchpunk, aunque esto corresponde más a una moda de crear géneros que a una verdadera clasificación, pues en lo personal creo que también podría denominarse como Scrappunk.

Además de la gran historia de ficción que nos presenta, la estética novedosa que aporta al género y esa mezcla de fantasía y ciencia que le dan un toque muy particular, la discusión que desató en la rede con respecto al género es algo que debemos tomar en cuenta, pues muchos de los géneros cinematográficos nacieron a partir de una única obra que en su momento revolucionó a la gran pantalla pero posteriormente fue emulada por otras cintas. Eso mismo es lo que ha pasado con 9 y el Stitchpunk.

La calidad de animación es simplemente impactante, pues la nitidez y detalle de las escenas son tan realistas que por momentos parece una película de acción real y no una animación. Los movimientos de cámara son muy naturales, y a pesar de la gran cantidad de escenas de acción, en ningún momento se ven torpes o de baja calidad. Los escenarios postapocalípticos son los más hermosos que he visto, pues nos muestran un mundo destruido y contaminado lleno de desperdicios y con una aparente ausencia de seres humanos. La música también está perfectamente trabajada y se acopla adecuadamente a las distintas escenas, otorgando la emotividad correspondiente.

Los personajes son la parte fundamental, pues la historia no profundiza de manera excesiva en el trasfondo de la historia, sino que se enfoca en mostrar sus distintas personalidades. Dichos personajes, que si bien están estereotipados, son en realidad una representación física de la conciencia humana (o alma, si prefieren ese término). Estos extraños muñecos de trapo hacen alusión al concepto alquímico de los homúnculos.

La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico en el que la humanidad ha sido devastada debido a una cruenta guerra entre humanos y máquinas, y gira en torno a Nueve, el noveno muñeco de trapo creado por un científico con el fin de otorgar esperanza a la raza humana y a la vida en la tierra.

Nueve y sus ocho compañeros, deberán luchar contra una máquina creada por el mismo científico que los creó a ellos, la diferencia es que los muñecos poseen parte del alma del científico, mientras que la máquina únicamente posee su inteligencia y no tiene la menor consideración por la vida, razón por la cual se reveló contra los humanos. En el trascurso de la historia vemos como el crecimiento y la unión de los nueve personajes conjuga las habilidades y capacidades necesarias para llevar a cabo la misión.

Sin duda 9 es una película espectacular, y aunque su final es inconcuso, quizás para una segunda parte, la calidad en cuanto a su estética y parafernalia es algo que nunca antes había visto, pues resulta verdaderamente innovador ver extraños robos autómatas creados a partir de desperdicios y basura (de ahí mi definición de Scrappunk). Asimismo, su historia es sólida y puede llegar a ser emotiva y un poco dramática.

Tim Burton ha sido un tanto sobrevalorado en la industria del cine aunque su nombre es usado como estandarte de calidad, pero más allá del aporte que él tenga en este filme, me parece que la simple estética le vale un gran reconocimiento al director, animadores y creativos, sobre todo porque nos presentan otra forma de abordar el trillado tema del hombre contra las máquinas, sobreexplotado por la industria del cine desde siempre.

So・Ra ・No・ Wo・ To 13 ova

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Título Original: 空の音・夢ノ彼方 (Sora no wo to: Yume no Kanata).
Género(s): Militar, Shôjo, Drama, Comedia, Ciencia Ficción.
Director: Mamoru Kanbe.
Estudio: A-1 Pictures, Aniplex.
Emisión: Junio 2010.
Duración: 24 minutos.
Extras: Sora no wo to.

El segundo OVA de Sora no wo to toma lugar un año después del inicio de la serie y nos narra la búsqueda de Kanata por encontrar su sueño, en su búsqueda conocerá los sueños y motivaciones de sus compañeras y otros personajes de la ciudad.

La historia no tiene muchas complicaciones, pero contribuye ampliamente al conocimiento, en un aspecto más íntimo, de los personajes. Además, proporciona una buena base para una segunda temporada, principalmente porque conjuga gran parte de la información previa de la serie y nos da nuevas pistas para tratar de comprender qué pasó con el mundo y dónde están realmente los países de Helvetia y Roma.

So・Ra ・No・ Wo・ To 7.5 ova

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Título Original: 饗宴・砦ノ戦争 (Kyōen: Toride no Sensō).
Género(s): Militar, Shôjo, Comedia.
Director: Mamoru Kanbe.
Estudio: A-1 Pictures, Aniplex.
Emisión: Junio 2010.
Duración: 24 minutos.
Extras: Sora no wo to.

El primer OVA corresponde a un punto cinco, y se sitúa entre los capítulos siete y ocho. En él vemos como Kureha nos relata los eventos ocurrido durante el día a manera de diario. Todo comienza cuando Kanata intenta descubrir lo que esconden en el sótano, para evitarlo Phylisia (Filisia) convence a las chicas del pelotón y a Yumina de hacer una batalla a manera de simulacro, si el equipo de Kanata ganaba le dirían la verdad, pero si perdía mantendrían el secreto. Después de la batalla —y la victoria de Kanata— las chicas toman un baño y se ponen a beber, terminando completamente ebrias a excepción de Kureha.

El OVA es un simple capítulo más que no aporta nada verdaderamente importante a la historia, pero resulta en extremo divertido ver como las chicas se desinhiben al calor de las copas. Además, nos aclara cómo es que Kanata se enteró de los negocios que el pelotón tenía con los gangters con quienes comerciaban el licor que ellas mismas destilaban y nos muestra un poco de la historia personal de Yumina. Sin duda una excelente recomendación para quien sea fan de la serie y la comedia.

So・Ra ・No・ Wo・ To

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Título Original: ソ・ラ・ノ・ヲ・ト (Sora no wo to).
Género(s): Militar, Drama, Comedia, Retrofuturismo, Shôjo.
Director: Mamoru Kanbe.
Estudio: A-1 Pictures.
Emisión: Enero 2010 – Marzo 2010.
Duración: 12 Episodios.
Extras: 7.5, 13.

Con música muy emblemática, conceptos artísticos propios del modernismo, ambientación militar y una extraña combinación de elementos europeos, Sora no wo to es uno de los animes más encantadores que he visto, pues la mezcla de ternura que se opone a la crueldad de la guerra logra un resultado sobresaliente. Además, su simpleza y nula pretensión la convierten en una serie tranquila y digerible, que si bien no busca consagrarse como la gran revelación, sí nos ofrece un lindo mensaje sobre la igualdad.

La calidad de animación es impecable, los escenarios están finamente detallados y los gráficos son en extremo nítidos, al igual que la ambientación que hace alusión a las provincias europeas. La ciudad de Seize —lugar donde trascurre la serie— es una copia casi fiel del poblado de Cuenca, España, principalmente de las Casas Colgantes y el Puente de San Pablo. También nos presenta elementos propios de folclor Alemán, Francés, Español, Austriaco, Suizo y Japonés, como el Obon (Fiesta des Lumieres), algo así como el Día de Muertos, y referencias a la Tomatina que se celebra en Valencia, España.

Sora no wo to 8

Todas esas referencias culturales y folclóricas crean un contexto novedoso a la vez que familiar, pues la mezcla de elementos orientales con tradiciones europeas y parafernalia militar, hacen que la serie adquiera un toque retro, pues los escenarios nos remiten a la región franco-cantábrica, mientras que el elemento militar nos remonta a las revoluciones previas a la Primera Guerra Mundial.

Además de las referencias ya mencionadas, en el opening se hace alusión a Gustav Klimt, pintor austriaco que creó obras como El Beso y que ha sido retomado por otros animes como Elfen Lied. No podemos olvidar las referencias a los Calvados (vinos) franceses ni melodías como el himno cristiano Amazing Grace, canción que ya ha sido usada por animes como Eureka 7.

La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico en el que una cruenta guerra destruyó toda la tecnología existente y acabó con la vida en los océanos, obligando a los ejércitos a regresar a la vieja tecnología del siglo XX. Kanata Sorami es una joven recluta que se enlistó en el ejército con el fin de aprender a tocar la trompeta, instrumento con el cual se dan las órdenes militares. Para su fortuna, es asignada al pelotón 1121 en la ciudad de Seize, provincia de Helvetia (Suiza).

En el pelotón, integrado sólo por mujeres, conocerá a otras reclutas y compañeras, con las cuales tendrá que entrenar, proteger a los habitantes de la ciudad y evitar que se desate la guerra contra Roma (que de hecho es Alemania pues el idioma que los “romanos” hablan es alemán). Para ello deberán desafiar a la mafia, conseguir otros trabajos con los cuales ganar dinero y enfrentar sus miedos y traumas del pasado para dejar de ser una tropa menospreciada.

La historia nos muestra un poblado un tanto medieval, con fortalezas, castillos, mercados, talleres artesanales y monopolios manejados por la mafia como en la época de la Gran Depresión (1929). También hace alusión a la guerra bacteriológica, con virus como la muerte invisible, que es una probable referencia a la peste negra o a la viruela. Además, nos muestra que las diferencias entre el estado gobernante y la religión son por lo general a causas de intereses personales, porque ambas buscan —al menos en teoría— el bienestar del pueblo. Esto lo podemos apreciar en la ayuda mutua entre pelotón 1121 y la Iglesia Ortodoxa.

El desarrollo de la serie es muy particular, pues se maneja como un Slice of life hasta la mitad de la serie, ya que en los primeros capítulos únicamente vemos el día a día en el cuartel. En la segunda mitad se introducen elementos mucho más dramáticos, pero sin dejar la indiscutible ternura que los personajes le aportan. Y para el final nos otorga un excelente ejemplo sobre igualdad, partiendo del hecho de que la música es universal, y que sin importar a que país o batallón pertenezcamos o que idioma hablemos, siempre podremos entender y disfrutar las notas musicales.

Aunque la historia es muy ligera y se maneja de forma muy sencilla, el trasfondo histórico del que parte el conflicto militar tiene un origen realmente complejo y sombrío; a lo largo de los capítulos es posible observar algunas referencias al viejo mundo. Esto hace que la historia tenga una gran solides y permita la posterior creación de precuelas o secuelas de igual o mayor complejidad.

En lo personal me parece que es la conjunción de todos esos elementos de distintas épocas y ámbitos lo que hace tan peculiar y atractiva a la serie, pues es difícil encontrar una historia que compagine ambientes tan distintos de forma natural, y, sobre todo, que logre una gran armonía y desarrollo con tan amplia gama de referencias.

Summer Wars

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Summer Wars 7

Título Original: サマーウォーズ (Sama Wôzu).
Género(s): Ficción Especulativa, Comedia, Drama, Slice of life.
Director: Mamoru Hosoda.
Estudio: MadHouse.
Emisión: Agosto de 2009.
Duración: 114 minutos.
Extras: –

Dirigida por Mamoru Hosoda, director de películas como Toki wo Kakeru Shôjo y Digimon Adventure Our War Game (1999), e inspirada en el clásico War Games de John Badham (1983), Summer Wars es uno de los largometraje más impresionantes y enternecedores de la actualidad, pues su calidad la hizo ser considerada como prenominada al Oscar 2011 como mejor animación.

El filme contó con la participación de Youji Takeshige como diseñador artístico y retoma el estilo de animación utilizado en Tokikake, combinándolo con escenarios muy similares a los que pudimos apreciar en la película de Digimon Adventure. El diseño de personajes corrió a cargo de Yoshiyuki Sadamoto quien respetó la simpleza en los rasgos físico. Finalmente, la preciosa música crea una ambientación perfecta al generar la tensión necesaria en los momentos dramáticos o la espontaneidad de los momentos cómicos.

Summer Wars 2

La historia gira en torno a Kenji Koiso, un joven estudiante genio de las matemáticas pero con dificultad para relacionarse con los demás. Para su fortuna, es invitado a pasar unos días con la familia de Natsuki Shinohara, una compañera de la escuela que es de un grado superior. Lo que Kenji no sabe es que Natsuki pretende hacerlo pasar por su novio y presentarlo a su familia.

Durante su estadía en casa de la Familia Jinnai, Kenji recibe un mensaje que intenta descifrar, dicho mensaje contenía los códigos de acceso para OZ, un mundo virtual a manera de red social que controla prácticamente todos los negocios y servicios en el mundo. Una vez descifrado el código, la cuenta de acceso de Kenji es hackeada por un extraño virus que empieza a absorber otras cuentas, con lo que obtiene el dominio de OZ e inicia el colapso de todos los sistemas controlados por Internet. En el caos, Kenji y la Familia Jinnai intentan retomar el control de OZ y acabar con el virus que pone en riesgo la estabilidad de la raza humana.

Summer Wars 5

La historia hace una muy inteligente crítica a la dependencia que actualmente tenemos de Internet, donde las redes sociales se han convertido en un espacio más dónde desenvolvernos, y cualquier colapso en el sistema virtual se verá reflejado en un colapso del sistema social real. Además, Summer Wars nos plantea la desaparición de esa frontera que nos permite diferenciar entre el mundo real y el virtual, ya que actualmente es muy difícil separar nuestra vida cotidiana de nuestras relaciones en la red.

Además del aspecto tecnológico, avatares y gadgets, Summer Wars nos presenta una construcción familiar muy entrañable, pues la estructura de la Familia Jinnai, además de ser tierna, es muy realista, sobre todo en el papel que juegan las mujeres como cabeza de familia. Y no sólo eso, la película también nos muestra cómo los problemas, secretos y conflictos consiguen superarse mediante la unión familiar, unión que muchas veces sólo se logra cuando las familias sufren una tragedia.

Summer Wars 4

La amplia gama de personalidades en la familia es sin duda uno de los aspectos que le otorgan originalidad a la obra, pero que al mismo tiempo la hacen universal, pues sin importar de donde seamos, los valores familiares estarán presentes en nuestra sociedad. Esto propicia que pueda internacionalizarse con facilidad, sobre todo en países donde la ideología de la unión familiar aún es muy fuerte.

El filme también nos enseña que la modernidad no debe significar la pérdida de las costumbres, pues cuando la tecnología nos falle sólo nos quedaran las viejas tradiciones (aspecto que me recuerda el tema que aborda Honey Tokyo). El cambio cultural causado por el gran desarrollo tecnológico es un aspecto que nos hace vulnerables, pues confiamos tanto en la tecnología que es difícil saber qué hacer cuando no podemos contar con ella.

Summer Wars 3

Summer Wars es una obra muy emotiva, que abarca numerosos temas dentro de su historia, desde el tierno y puro romance hasta el dominio que Internet tiene en las relaciones humanas, sin olvidar la importancia de la familia como la más básica e indispensable institución social.

Ésta película nos deja el mensaje de que la unión de la humanidad pude darse a través de las redes social si tiene como base a la familia. Mensaje que si bien no es original —pues ya lo habíamos visto en la película de Digimon— sí hace eco en la sociedad actual, pues las redes sociales ocupan un lugar cada vez más importante para la humanidad pero no han logrado sustituir los lazos afectivos de las relaciones familiares.

Ikkitousen

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Título Original: 一騎当千 (Ikkitôsen).
Género(s): Ecchi, Shônen, Comedia, Peleas.
Director: Takeshi Watanabe.
Estudio: J.C. Staff, Genco.
Emisión: Julio 2003 – Octubre 2003.
Duración: 13 Episodios.
Extras: Ikkitousen DD, Ikkitousen GG, Ikkitousen XX.

Chicas lindas, cuerpos esculturales, peleas callejeras, ropas destrozadas y una generosa cantidad de fan-service y pantsu-shots son las características que describen a Ikkitousen, series basada en el manga homónimo de Yuji Shiozaki, que a su vez se basó en la novela china de Luo Guanzhong, Romance de los Tres Reinos (三国演义).

Ikkitousen es una de las series más famosas dentro del género Ecchi y las peleas callejeras, pues retomas las viejas características de los juegos de arcadias como Street Fighter (una temática que nos lleva nivel por nivel y que va aumentando las capacidades y fuerza de los oponentes con forme avanza el torneo) y las acompaña con numerosas escenas de desnudos parciales. Dicha estrategia le ha permitido ganarse un lugar muy decoroso dentro del público masculino.

Ikkitousen 3

En el aspecto técnico, Ikkitousen nos presenta escenarios simples pero aceptables, que cumplen su función como arenas de combate y cuyo diseño permite su fácil destrucción al no estar demasiado detallados. Podemos decir que la calidad visual en cuanto a escenarios es algo simple, pero debido a que la temática no requiere un amplio desarrollo en éste aspecto, la simpleza funciona perfectamente.

En cuanto a las tomas y movimientos de cámara, estos resultan un tanto violentos en las peleas de los primeros capítulos, pero se van afinando con forme avanza la serie. El aspecto musical, por su parte, cumple eficientemente su papel de ambientador, pero se ve opacado por las demás características técnicas.

Ikkitousen 6

El diseño de personajes secundarios es muy simple, al igual que la mayoría de los personajes masculinos, con las contadas excepciones de aquellos cuya constitución física es resaltada para denotar su estatus de peleador. Las mujeres reciben un trato totalmente diferente, pues sus atributos corporales se ven resaltados para ser el atractivo visual que la serie necesita.

Como a menudo pasa en la series Ecchi, los personajes femeninos se ven encasillados en sus rasgos moe y nos muestran una personalidad que muy difícilmente saldrá del estereotipo, aunque la gran cantidad de personajes busca disfrazar esta deficiencia presentándonos una aparente variedad de personalidades, estrategia que no logra un buen resultado a causa de las características cómicas que llevan a ciertos personajes al absurdo.

Ikkitousen 5

La historia gira alrededor de un grupo de jóvenes que son la reencarnación de héroes legendarios que lucharon por la unificación de China en la era de los Tres Reinos y cuyos destinos están atados a la suerte que sus ancestros vivieron siglos atrás. Para evitar sufrir el mismo destino, los jóvenes peleadores intentarán cambia su suerte valiéndose de artimañas y luchando hasta la muerte con el fin de llevar a su escuela al liderazgo. Hakufu Sonsaku es el personaje principal, pues está destinada a ser la soberana que unirá a los tres reinos.

El trasfondo histórico de las batallas y los héroes legendarios suena muy prometedor, pero no llega a ser verdaderamente sólido debido al tipo de personajes que maneja, los cuales son excelentes para una serie de comedia, mientras que la historia funcionaría mejor en un anime más sobrio. Ambos aspectos son buenos por separado, pero me parece que juntos se demeritan. Sin embargo, la simpleza y comercialidad que la serie pretende logra funcionar con sus vistosas peleas y chicas semidesnudas.

Ikkitousen 4

Uno de los aspectos que considero más criticable es el cambio de escenas serias con una fuerte carga de elementos históricos esenciales para la trama, a escenas cómicas que rompen con el ritmo de la historia. Me parece que el argumento tiene elementos que le permitirían mayor complejidad, pero sabemos que esto no es lo que los productores buscan. En lo personal considero que recurrir a una historia tan buena como pretexto para hacer pelear a chicas sexys es un desperdicio de contenido.

El dotar a una serie Ecchi de una historia compleja, busca interesar al espectador en algo más que el morbo y la excitación, pero no creo que a los jóvenes que gustan del Ecchi les importe demasiado si el desarrollo de la temática es coherente o no. Sin embargo, Ikkitousen intenta aumentar su atractivo incorporando un trasfondo histórico complejo con el fin de evitar estancarse en una historia mediocre cuyo único encanto sean las voluptuosas mujeres.

REC 7.5 “The Unforgiven”

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Título Original: レック: 許されざる者 (REC: Yurusarezaru mono).
Género(s): Comedia, Romance.
Director: Ryutaro Nakamura.
Estudio: Shaft.
Emisión: 2006
Duración: 12 minutos.
Extras: REC.

REC 7.5 es un pequeña OVA situada entre el capítulo 7 y 8, donde vemos a Matsumaru, Tanaka y Aka yendo a beber a un bar. Tanaka termina muy tomada y Matsumaru la lleva a su casa, lo cual causa celos en Aka.

Un OVA sin más complicaciones que no aporta mucho a la trama principal, es un capítulo más pero resulta muy divertido y además conserva todas las características de la serie, en especial el particular estilo de comedia.

REC

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REC 1

Título Original: レック (Reku).
Género(s): Comedia, Romance, Drama, Slice of Life.
Director: Ryutaro Nakamura.
Estudio: Shaft.
Emisión: Febrero 2006 – Marzo 2006
Duración: 9 Episodios (10 minutos cada uno).
Extras: REC 7.5.

Basada en el manga homónimo de Hanamizawa Q-Tarou, el anime REC es una serie que suele ser menospreciada por el público más especializado, pues su trama simple y sus personajes comunes no presentan la complejidad que muchas veces esperamos de una animación japonesa. A pesar de ello, REC no es lo que denominaríamos una serie comercial, pues la historia —a pesar de tener un mensaje prefabricado— logra enganchar al espectador con su emotividad, principalmente a quien gusta de las novelas ligeras y la comedia romántica.

La calidad de animación es regular, pues los escenarios y el diseño de personajes son muy simples, cosa que no resulta tan grave, pues el aspecto primordial es la historia, y al tratarse de una novela ligera puede darse el lujo de no prestar demasiada atención a los aspectos técnicos, pues no necesita de un gran realce para que la comedia funcione; incluso llega un momento en que la deslavada animación se vuelve una peculiaridad y no un defecto.

El desarrollo de la historia es excelente, pues a pesar de usar un formato tan inusual y corto no presenta problemas graves, por el contrario, logra que entendamos a la perfección las dificultades que experimentan los personajes en esa etapa de su vida. La música, por su parte, logra ambientar adecuadamente las distintas escenas, pero carece igualmente de espectacularidad.

Los personajes son, a mi parecer, la parte fundamental de la trama, a pesar de que caen en los estereotipos típicos de su género. Por ejemplo, Onda Aka presenta la suficiente rareza y originalidad para dar pie al desarrollo de la historia, pero se encasilla dentro de sus rasgos moe sin que esto merme la calidad argumental.

La historia gira alrededor de Matsumaru Fumihiko y Onda Oka, quienes se conocen por accidente y después de peculiares eventos terminan viviendo juntos. Matsumaru es publicista en una empresa de botanas, mientras que Onda es aprendiz de Seiyû (actriz de doblaje). Para fortuna de Matsumaru, su proyecto para promocionar una nueva fritura fue aceptado y ahora deberá encontrar a la actriz adecuada para hacer la voz de Nekoki, el extraño gato-árbol que es la mascota oficial del producto. A partir de esta premisa se desarrollaran una serie de eventos donde nuestros personajes deberán afrontar la dura vida laboral y la vida en pareja.

Existen muchas referencias en la serie a pesar de su corta duración, entre las más notorias están las que aluden a la actriz británica Audrey Hepburn, quienes es la principal inspiración de Aka y cuya filmografía fue usada para nombrar los capítulos. Otra de las referencias, que sin duda es la más destacable, es la que aborda el trabajo de los seiyûs, pues nos muestra lo difícil que éste puede llegar a ser.

De manera muy simple, REC hace alusión a la vida cotidiana de los jóvenes que inician una vida laboral y nos muestra las dificultades que estos pasan para encontrar un buen empleo y obtener sus primeros logros. Además, nos muestra cómo la vida personal puede afectar nuestro trabajo, que la vida en pareja no es fácil y que pese a nuestras fallas y errores de nosotros dependerá seguir adelante.

En lo personal creo que la serie funciona perfectamente para un público veinteañero que está por terminar la carrera o recién ha comenzado a trabajar, pues de ésta manera será más fácil identificarse con los personajes. Y si bien la serie ha sido subestimada  por su simpleza, el hecho de no ser tan popular le permite mantener los ideales que predica, pero sobre todo, nos enseña a tomar con humor las dificultades de la vida.

Fuera de control

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Título Original: Fuera de control.
Género(s): Experimental.
Director: Sofía Carrillo.
Estudio: Nahuyacafilms.
Emisión: 2008.
Duración: 11 minutos.
Extras: –

Con el Apoyo de la Academia Jalisciense de Cinematografía, el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes, IMCINE y Nahuyaca Films, Sofía Carillo nos presenta un interesante y surrealista trabajo de animación que explota el aspecto emocional de sus extraños personajes. Fuera de control ha participado en numerosos festivales cinematográficos nacionales e internacionales, uno de los más importantes fue el Festival de Cine Sundance.

La producción del corto es de Carolina Cárdenas, la edición de Uri Espinosa, la música de Saúl Ledesma, el diseño sonoro de Gerardo Martínez (que ganó Pantalla de Cristal como mejor diseño sonoro) y la fotografía de Paola Chaurand.

Sofía Carrillo nació en Guadalajara en 1980, se desempeña en las áreas de dirección de arte y animación clásica. Con Vértigo, su primer cortometraje de animación en 35 milímetros, se hizo acreedora a una beca del programa Estímulos a la Creación y al Desarrollo Artístico en Jalisco (2003) y también participó en diversos festivales en México.

Aislados e incompletos, varios personajes comparten en el interior de una casa extraña y laberíntica, distintas formas de soledad. Enfrentándose a sus miedos buscarán, desesperadamente, complementarse.

La calidad general del corto es muy buena. El diseño de los personajes es escabroso y el detalle en sus cuerpos mutilados y sus demacrados rostros en verdad reflejan esa extraña soledad en la que se encuentran. La música, por su parte, crea el ambiente perfecto, pues hace de un mismo escenario tanto una escena tétrica como una escena alegre.

Sin duda es un corto espectacular, pues genera en el público esa extraña sensación de estar dentro de un sueño que no alcanza a ser una pesadilla pero que es lo bastante fúnebre para generar la tensión de no saber qué es lo que está pasando dentro de esos sombríos muros.