Reseñas

Zombieland

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Título Original: Zombieland
Director: Ruben Fleisher.
Género(s): Comedia, Surviva-Horror.
Emisión: 2009.
Duración: 88 minutos.
Extras: –

Fusionando la comedia y el horror de forma magistral, Zombieland retoma el tan popular tema de los muertos vivientes y nos sumerge en un apocalipsis zombi de la forma más hilarante que podamos imaginar; porque tratar de sobrevivir al fin de la humanidad no tiene que dejar de ser irónico y divertido.

La calidad general del filme es buena aunque no sobresaliente, pues en realidad se recurre a locaciones muy sencillas, varias escenas dentro de autos y alguna que otra autopista abandona. La música ambienta de manera adecuada y la caracterización de los zombis nos muestra caníbales deseosos de carne fresca y no engendros risibles como podríamos esperar. Por su parte, el reparto fue más que atinado, pues  gracias a la capacidad histriónica de Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone y Abigail Breslin la película logra sostenerse sin la necesidad de más personajes.

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La historia gira en torno a Columbus, un chico introvertido y solitario que viaja hacía Columbus, Ohio, con la esperanza de encontrar a sus padres. Durante su viaje conocerá a Tallahassee, un tipo rudo que ama matar zombis y está obsesionado con los Twinkies de crema. Su viaje continúa sin muchos percances hasta que son estafados por dos intrépidas hermanas, la sexy y manipuladora Wichita y la pequeña pero decidida Little Rock, quienes roban su auto y sus armas en más de una ocasión.

Una vez que las diferencias son superadas, deciden viajar todos juntos y empiezan a crecer entre ellos sentimientos de hermandad y cariño. Luego de algunos días de descanso en la mansión de Bill Murray, las hermanas deciden abandonar a los chicos y seguir su camino hasta Pacific Playland, un conocido parque de diversiones. No obstante, los sentimientos que Columbus tiene por Wichita le obligan a salir en su búsqueda acompañado por Tallahassee llegando justo a tiempo para rescatarlas de los voraces muertos viviente.

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Algo que da mucha originalidad al filme son las reglas que Columbus nos va explicando a lo largo de la historia y con las que según él garantizamos nuestra supervivencia. También el origen de la infección es muy gracioso, porque hay que decir que se trata de infectados y no de zombis, ya que el mal de las vacas locas a través de una hamburguesa infectada es lo que desata todo el holocausto.

Los gags usados para romper la tensión dramática son geniales, pues se burlan del horror y nos hacen reír de algo que en esencia es espantoso, y el hecho de que los zombis estén diseñados para una película de miedo pero que el manejo de la historia logre que nos diviertan rompe con el paradigma de todo lo que se ha visto en los últimos años.

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Corpse Party TS

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Corpse Part TS 1

Título Original: コープスパーティー (Kôpusu Pâti).
Director: Ajira Iwanaga.
Género(s): Sobrenatural, Gore, Terror, Ecchi, Seinen.
Estudio: Asread.
Emisión: 2013.
Duración: 4 episodios.
Extras: Corpse Party MF.

Corpse Party: Tortured Souls son una serie de ova basadas en la franquicia de videojuegos del mismos nombre, de los que existen siete historias diferentes y cinco mangas, además de otro pequeño ova de 11 minutos lanzado en 2012 titulado Corpse Party: Missing Footage, que nos muestra una serie de escenas con mucho fan-service y que sirven de previo para la historia que posteriormente veremos en TS.

El diseño de personajes es bueno aunque el estilo no resulta diferente al de las animaciones comerciales de los últimos años. La personalidad de los protagonistas muestra una enorme variedad algo estereotípica pero que da juego para que los terroríficos sucesos puedan desarrollarse. Tanto el diseño de escenarios como la banda sonora son muy buenos y logran una ambientación que te sumerge dentro de una escuela embrujada llena de espíritus sedientos de venganza.

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La historia gira en torno a nueve protagonistas, sietes estudiantes de la academia Kisaragi, una profesora de esa misma escuela y la hermana pequeña del héroe principal. Sus problemas comienzas cuando hacen el ritual de Sachiko por siempre, con el que pretenden sellar su amistad ya que una de sus amigas está por mudarse de ciudad. Para su mala fortuna, algo sale mal y son trasportados a Heavenly Host, una lúgubre escuela del pasado plagada de fantasmas de niños asesinados.

Mientras buscan una salida, nuestros personajes deben enfrentar a los enfurecidos espíritus, lidiar con el terror que se apodera de sus mentes hasta llevarlos a la locura y evitar morir de una forma horrible. Mientras luchan por su vida, descubren pistas sobre lo que en realidad pasó hace varios años en ese lugar y la forma en que pueden regresar a su mundo, para ello deberán apaciguar el alma de los muertos, regresarles sus lenguas mutiladas y obligar al asesino a confesar su crimen.

Corpse Part TS 7

La historia tiene muy buenos giros argumentales que logran sorprender al espectador, pero uno de los puntos más interesantes es el manejo de los multiversos fantasmagóricos a los que llegan los protagonistas. Al parecer existen diferentes realidades en esa escuela embrujada y eso evita que los personajes interactúen de forma directa. No obstante, el manejo narrativo va superponiendo los sucesos y poco a poco entenderemos que algunos de los eventos que no tuvieron explicación en la historia de un par de personajes son porque ocurrieron en el contexto de otros personajes que están en un espacio diferente.

La historia puede ser un poco compleja al principio pero rápidamente entenderemos porque pasaron cosas que en un principio no tuvieron sentido. Además, cabe aclarar que como en toda historia de terror con muchos protagonistas, estos van muriendo paulatinamente, pero sus muertes están perfectamente dosificadas y llegan en el momento menos esperado.

Corpse Part TS 3

La historia va in crescendo con forme pasan los capítulos, y aunque al principio puede parecer algo lenta, una vez que nos hemos dejado envolver por la atmósfera de terror y permitimos que las escenas sugestionen nuestra mente, tendremos un espeluznante espectáculo frente a nosotros. El manejo del terror, eso sí, es muy japonés, pero para los fanáticos del anime acostumbrados a los patrones culturales nipones, funcionará perfectamente.

Un elemento clave en la construcción del terror y que es un recurso básico en las obras orientales, es el uso de niños. En este anime los fantasma son infantes asesinados, y el máximo exponente lo tenemos en Sachiko, una niñita atormentada que desata toda su maldad contra los protagonistas. A diferencia de occidente, donde los niños aparecen la mayoría de las veces como víctimas, en oriente son ellos lo que nos producen miedo.

ParaNorman

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ParaNorman 1

Título Original: ParaNorman.
Director: Chris Butler y Sam Fell.
Género(s): Sobrenatural, Comedia, Terror.
Estudio: Laika.
Emisión: 2012.
Duración: 92 minutos.
Extras: –

ParaNorman es, en mi opinión, una de las dos mejores películas animadas en Stop Motion de todos los tiempos, la otra es, para regocijo del estudio Laika, Coraline. Argumentalmente ambas historias son del mismo nivel, quizás Coraline es mejor por momentos, pero visualmente y en cuanto a nivel de detalle creo que ParaNorman tiene el primer lugar, pues su estética mezcla la modernidad del mundo actual con un dejo de nostalgia que nos remite por ahí de los años 70, cuando el cine de terror Serie B dominada la gran pantalla.

La calidad visual es impactante, súper realista e impecable, y el hecho de saber que fue animada cuadro por cuadro incrementa aún más su calidad. Los pequeños y cuasi imperceptibles detalles en los escenarios son un verdadero deleite para el cinéfilo más exigente y esos cambios en la cromática que enfatizan el ambiente de terror son perfectos. La música es muy buena, pero incluso ella se ve opacada con la calidad visual. Los personajes están diseñados de manera grandiosa, pues retoman a un grupo muy diverso de jóvenes cuyas habilidades conjuntas les harán salir adelante, y aunque suena a cliché, su construcción tiene la suficiente originalidad para no serlo.

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La historia gira en torno a Norman Badcock, un solitario niño que tiene la habilidad de ver y hablar con fantasmas. Norman vive la desgracia del rechazo por parte de sus vecinos y compañeros ya que lo consideran raro, incluso sus padres no logran entenderlo. A pesar de ello entabla amistad con un simpático y regordete chico, Neil Down, a quien la capacidad sobrenatural de Norman le parece fascinante. Para desgracias de Norman, su tío, que posee la misma habilidad, muere inesperadamente, pero antes de dejar este mundo le encomienda la misión de proteger al pueblo de la maldición de la bruja mediante un ritual especial que deberá realizar esa misma tarde.

Durante el resto de la película veremos como Norman, su hermana Courtney, Alvin (el chico malo), Neil y su hermano mayor Mitch, se enfrentan a los zombis y tratan de revertir la maldición de Agatha, una bruja ejecutada 300 años antes en esa ciudad y que sólo planea vengarse de quienes la juzgaron.

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En apariencia pareciera que el argumento abusa del tema del chico que es molestado simplemente por ser diferente a fin dar un mensaje de superación, algo que hemos visto innumerables veces, pues siempre es el introvertido quien es puesto en una peripecia que lo convertirá en héroe. Para nuestra fortuna, la trama va más allá y nos deja ver las atrocidades que somos capaces de hacer por miedo a lo que no entendemos.

Con forme la historia avanza, nos alejamos del cliché del chico buleado y nos centramos en un pasado oscuro y una venganza de ultratumba que mantiene maldito al pueblo, un poco como Silent Hill. La intención es obvia, darnos una enseñanza moral matizada con bien pensados giros argumentales que incrementan la tensión y nos sitúan en un torbellino de acción, terror y un diseño artístico impresionante.

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Durante todo el filme vemos numerosos guiños a los clásicos de terror como Jason Voorhees, las obras de Geroge A. Romero, Psicosis y Poltergeist. No bastando con todas esas referencias, al final vemos un breve pero contundente mensaje sobre la diversidad sexual que es obviamente necesario y debería ser natural en películas ya sean para adultos o para niños. De hecho, durante todo el filme, lo que se busca es precisamente exponer un mensaje sobre la aceptación de todo aquello que es diferente.

ParaNorman es la adaptación perfecta del cine de Zombis y el terror en general para el público infantil, pues no sólo retoma la esencia más pura del género, sino que la combina con un mensaje sobre aceptación, diversidad y tolerancia que es muy necesario en la infancia de hoy en día.

ParaNorman 7

Azarkant

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Título Original: Azarkant.
Director: Andrey Klimov.
Género(s): Ciencia Ficción.
Estudio: [Animada íntegramente por Andrey Klimiov].
Emisión: 2013.
Duración: 8:26 minutos.
Extras: –

Hace poco más de un mes, Jack Moreno publicó en su blog el cortometraje Azarkant, un corto ruso de Ciencia Ficción con una calidad visual impactante. El diseño de escenarios y los detalles que contienen son fabulosos, tanto que por momentos uno duda si lo que vemos en pantalla es cgi o imagen real. Y no sólo en el aspecto visual está bien diseñada, también la música está perfectamente seleccionada para generar esa ambientación de misterio y suspenso un poco como se hacía en los años 70.

El corto nos muestra a un astronauta que explora el espacio toparse con una extraña nave espacial en apariencia abandonada, al entrar en la desconocida nave se debe enfrentar con un robot enemigo que no duda en atacarlo, cuando al fin lo vence, descubre que aquel desolado lugar guarda un enorme secreto.

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La estética del corto se inspira en la arquitectura industrial del Cyberpunk, los pasillos de la nave nos remiten al Nostromo de Ridley Scott, mientras que los grandes espacios lucen como la Zion de los Wachowski. El manejo de la tensión y el andar por la nave sin saber qué esperar obviamente nos recuerda a Dead Space, mientras que el diseño de personajes es prácticamente un calco de Halo.

Sin duda un interesante cortometraje con una calidad sobresaliente que se alimenta de grandes clásicos de la Ciencia Ficción de terror. La historia queda un tanto trunca en la parte final, lo cual podría hacernos pensar en un una posible continuación, que, dada la calidad de esta primera entrega, valdría mucho la pena. Habrá que seguir de cerca a su director y estar pendientes de la información que publica en su blog.

Cloverfield

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Cloverfield 1

Título Original: Cloverfield.
Director: Matt Reeves.
Género(s): Found Footage, Monstruos, Survival-Horror.
Emisión: 2008.
Duración: 92 minutos.

En 1999 El Proyecto de la Bruja de Blair puso al género del Found Footage (o metraje encontrado) en el mapa de la teoría de géneros, a pesar de no ser la primera cinta en ese formato. A partir de entonces, muchos filmes han retomado el mismo estilo narrativo con mayor o menor fortuna. En 2008 llegó el éxito más reciente de la cámara en mano, Cloverfield, que sin duda demostró que estas producciones, nacidas de los bajos presupuestos, también pueden desbordar impactantes efectos visuales.

La calidad técnica es muy buena para el género al que pertenece, pero tampoco tiene los efectos especiales súper impactantes, son buenos y la cromática usada en cada momento de tención es atinada. La banda sonora se compone de simples canciones de la cultura pop contemporánea, pero el sonido ambiental es estupendo, te envuelve y te pone justo en el centro de la acción.

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La historia nos sitúa en Nueva York, como cualquier película no japonesa de grandes monstruos que se respete, y nos cuenta el drama amoroso de dos jóvenes y sus amigos durante una fiesta. Mientras los jóvenes neoyorkinos festejan, un extraño temblor los pone en alerta, antes de saber lo que pasa, la cabeza de la estatua de la libertad rueda por las calles y los edificios se derrumban sin explicación.

Luego de una introducción demasiado larga, aunque necesaria para los fines del filme, veremos, gracias a que uno de los protagonistas —sin importar la situación— se niega a dejar de filmar, cómo nuestros personajes corren y se ocultan por las calles de Manhattan mientras tratan de llegar el edificio donde vive el gran amor de nuestro héroe principal. Como es de esperar, los menos indispensables van muriendo mientras los principales logran resolver sus encrucijadas gracias a no muy creíbles eventos.

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La película es buena, entretenida y desde que inicia la acción no para hasta el final, claro que la va dosificando. La introducción, antes de los eventos emocionantes, es lenta pero no del todo aburrida, aunque lamentablemente resulta necesaria para generar el conflicto que lleva a los protagonistas a intentar sobrevivir en lugar de escapar desde el principio. Sin el planteamiento emocional que se proyecta al inicio, la película entera no tendría razón de ser, lo cual es tonto, pues el ataque de un monstruo gigante debería ser suficiente y no necesitar de un trasfondo amoroso para dar paso a la acción

En mi opinión la parte inicial se alarga demasiado y eso hace que toda la obra se vea muy trabajada, lo cual rompe con la esencia del metraje encontrado. Y la motivación de salvar al gran amor no me parece una razón de peso para enfrentarse al apocalipsis. Además, en más de una ocasión, se abusa del Deus Ex Machina que resuelve sin más los problemas de los protagonistas y les permite seguir avanzando.

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En cuanto a la calidad actoral, podemos decir que los actores lo hacen bien, pero la esencia de sus personajes deja muchos que desear. Digo, sus personalidades son creíbles y hasta cierto punto realistas pero no dejan de actuar estúpidamente y eso resulta molesto. Sobre el monstruo, pues nunca se revela su origen, y eso sí es un gran acierto, se hacen pequeñas hipótesis a lo largo de la obra pero ninguna explica en realidad nada de él, lo cual muchas veces es mejor.

Algo que me gusta mucho y vale la pena destacar es la forma en que este filme se puede compaginar con otros clásicos del género de los Kaiju y que se estrenaron tiempo después, lo que nos habla del impacto de esta película. En una diálogo, uno de los personajes dice que la criatura pudo haber salido de una grieta oceánica, lo que da material para que quienes gustan de teorizar sobre los universos ficticios disciernan sobre si el monstruo de Cloverfield es un kaiju nivel uno del universo de Pacific Rim o por el contrario, es uno de los mutos que Godzilla enfrentó en su más reciente entrega.

Dareka No Manazashi

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Dareka No Manazashi 89

Título Original: だれか の まなざし (Dareka no Manazashi).
Director: Makoto Shinkai.
Género(s): Drama, Ficción futurista.
Estudio: TripleA.
Emisión: 2013.
Duración: 7 minutos.
Extras: –

Con forme pasa el tiempo, la calidad de Makoto Shinkai va creciendo, desde aquellos primeros cortos de pocos minutos hasta sus más recientes largometrajes podemos apreciar la enorme e inigualable calidad que tiene para construir hermosos escenarios, diseñas entrañables personajes e inventar fabulosas y dramáticas historias capaces de hacernos llorar.

En los últimos años, muchos han llamado a Shinkai el nuevo Miyasaki, yo creo que aún está lejos de esa capacidad, pero si alguien puede heredar su puesto es él. Sus obras, que a quienes nos les gusta el drama les parecerán sosas y repetitivas, siempre logran generar en el espectador ese entrañable sentimiento de añoranza y nostalgia que muy pocos directores pueden provocar.

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Su cortometraje más reciente es Dareka No Manazashi, que nos narra las desventuras de un padre y su hija, quienes, a pesar de estar en constante comunicación, se han separado sentimentalmente durante los últimos años, dejando un profundo sentimiento de soledad en los dos. Una desafortunada noche, un querido miembro de la familia muere y los recuerdos desatados por dicha pérdida hacen que padre e hija se vuelvan a sentir unidos.

La animación usa una voz en off para narrar la historia, algo que muchos cinéfilos consideran de baja calidad, pero yo creo que bien usada puede acentuar el tono dramático de una obra. Otro aspecto a destacar es la ambientación, pues si bien los personajes, los escenarios y la música mantienen el estilo que ya estamos acostumbrados a ver de él, la tecnología futurista le da un toque de frescura muy necesario y sitúa a la historia en un contexto temporal cercano a Hoshi no Koe, aunque argumentalmente hablando retoma muchos elementos de sus cortos Kanojo to Kanojo no Neko y Egao, que anclan a la historia dentro del mismo universo en que se desarrollan el resto de sus obras.

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Como en todas las animaciones de Makoto, sus fetiches simbólicos siempre están presentes, los trenes, los cerezos, los cielos nublados y los gatos son parte del desarrollo de la historia. Sin embargo, los años no pasan en vano y ahora la relación padre e hija es lo que permea en sus trabajos más recientes, a diferencia del amor y la amistad que veíamos en sus primeras producciones.

El paso del amor juvenil e infantil de la primera etapa de su carrera al ámbito familiar que ahora nos presenta, no sólo hace de sus obras algo mucho más nostálgico, sino que reflejan, a mi forma de ver, la madurez que está alcanzando este formidable director al que todavía le falta mucho por mostrar.

Rango

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Rango 1

Título Original: Rango
Director: Gore Verbinski.
Género(s): Western, Comedia.
Estudio: Industria Light and Magic.
Emisión: 2011.
Duración: 107 minutos.
Extras: –

Demostrando que el género del viejo oeste se encuentra tan vigente como cuando Clint Eastwood montaba su caballo por las inmensas llanuras bajo la dirección de Segio Leone amenizado por las fabulosas tonadas del Ennio Morricone, Rango nos remite a un pasado lleno de polvo y sol, donde el sombrero de un hombre y su confiable Colt eran lo único necesario para enfrentarse al desierto.

Parece irónico que algunos de los filmes western más reconocidos sean de hechura italiana y no norteamericana como podríamos pensar, pero los aportes que el Spaghetti Western hizo al cine a nivel estético y musical son irrefutables. El género de los vaqueros se vino a empapar con una horda de tipos duros, héroes que no lo eran y bandas sonoras más allá de los sublime. Todas esas características están presentes en Rango, que nos recuerda más al western europeo que al estadounidense, no por nada el personaje principal es una alusión al clásico de Segio Corbucci, Django (1966).

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Con una calidad visual tan impactante, una banda sonora tan apabullante y escenarios tan minuciosamente diseñados que sería la envidia de los mismísimos Leone y Corbucci, Rango se ha convertido por mérito propio en un clásico del cine de vaqueros que está a la altura de cualquiera de las viejas producciones.

El filme nos sitúa en el desierto de Mojave, cerca de la frontera mexicana y a unos kilómetros de Las Vegas. Con personajes que retoman la construcción de las fábulas mediante el uso de animales antropomorfizados que responden a los arquetipos necesarios en este tipo de obras pero sin caer en ningún momento en clichés.

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La historia gira en torno a Rango, un camaleón mascota que después de un accidente termina perdido en el desierto. Luego de vagar bajo el inclemente sol llega a Tierra (Dirt), un pueblecito a punto de sucumbir a la sequía. Para integrarse con los lugareños, nuestro protagonista finge ser Rango, un conocido forajido. Una vez con su nueva identidad, Rango tiene un duelo con los matones del lugar y luego de algunos singulares sucesos es proclamado Sheriff por el alcalde.

Como parte de las obligaciones de su nuevo puesto, Rango deberá resolver el misterio de la falta de agua, iniciando así una aventura que le llevará a recorrer el desierto, enfrentar peligrosos criminales y luchar contra cientos de enemigos a fin de regresar el agua al pueblo. Sin embargo, cuando su empresa falla, deberá recorrer el desierto solo hasta encontrar al “Espíritu del Oeste”, quien le ayudará a descubrir que la sequía es en realidad una conspiración gestada por los altos mandos.

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Si bien la película es un simple Western, no pierde la oportunidad de hacer una fuerte crítica social a dos factores muy específicos, la corrupción del gobierno y la desertificación de la tierra causada por el uso irracional y el acaparamiento del agua y otros recursos.

En el filme vemos cómo el pueblo está sometido por las autoridades pero no por la fuerza ni el dinero, sino por la fe, como ocurre en nuestra propia sociedad. El mismo alcalde le dice a Rango que el pueblo lucha por sobrevivir por la simple creencia de que algún día todo mejorará, también le dice que el pueblo debe tener fe en algo, aunque eso sea un héroe falso como lo es nuestro protagonista. Actualmente, al menos en México, mucha gente o tiene una fe ciega en el gobierno o espera que todo mejore para el próximo sexenio, y así, de sexenio en sexenio vivimos esperando la llegada de una mejora de no depende sino de nosotros mismos. Sobre este tema, son muchas las lecturas que le podemos dar a la película, pero quedémonos sólo con esa.

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El otro tema es el control y el acaparamiento de recursos, que es este caso es agua. Es obvio que en el desierto quien controla el agua lo controla todo, por eso muchos habitantes de Tierra han vendido sus propiedades, pero el cameo que hace la ciudad de Las Vegas, nos invita a reflexionar sobre cómo los asentamientos humanos afectan a los ecosistemas circundantes, pues no olvidemos que nuestros personajes son simples animalitos del desierto.

Tampoco debemos pasar por alto aquellas analogías surrealistas un tanto oníricas, ni los elementos bélicos mezclados con toques de fantasía y exageración que impiden que la obra se estanque en algo sólo de caballos, indios y pistoleros. Y como olvidar el cameo de Clint Eastwood, o al menos de su imagen caricaturizada, como el “Espíritu de Oeste”.

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Para quienes crecimos viendo series que respondían a un western clásico y ligero, ver una película animada que retoma los clásicos de Europa resulta muy gratificante y novedoso. La Enchilada Western o el Western clásico de los gringos era algo ya muy visto, pero no así el Spaghetti o el Chorizo Western, que indudablemente modificaron el género y bien merecían estar presentes en una animación de tal calidad, sobre todo para reinsertar a los vaqueros en las nuevas generaciones.

Una de las mejores obras animadas de los últimos años a nivel argumental, la mejor, sin duda alguna, a nivel visual, y la mejor animación western, por mucho, de todos los tiempos. Una recomendación obligada para los amantes del cine, la animación y los vaqueros.

Perritos animados

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Los animales de compañía se han convertido en miembros muy apreciados por sus familias y la explosión de los memes en los últimos años les han dado un lugar muy exclusivo a perros y gatos. Sin embargo, el mejor amigo del hombre, el perro, siempre será muy especial para nosotros, y los dos cortos que a continuación les presentó retratan el cariño más puro y la fidelidad más loable que sólo es posible recibir por parte de nuestros cánidos amigos.

El primer corto nos muestra a un perrito hacer todo lo posible para evitar que su somnoliento dueño tenga un accidente, mientras que el segundo nos coloca en un apocalipsis zombi donde un niño y su mascota deberán trabajar juntos para sobrevivir.

En el primer corto todo es ternura y emotividad, pero no de esa edulcorada y plagada de clichés sentimentales. El segundo video también tiene mucho sentimentalismo, pero destaca el hecho de que retoma a los muertos vivientes como un simple elemento ambientador, mientras que la historia se enfoca en desarrollar el tema del amor entre perros y humanos. Ambos cortos fueron realizados por estudiantes del California Institute of Arts (CalArts).

OMELETTE

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Título Original: Omelette.
Director: Madeline Sharafian.
Género(s): Comedia.
Estudio: CalArts.
Emisión: 2013.
Duración: 2:30 minutos.
Extras: –

Un perrito ayuda a su dueño a preparar su cena cuando este llega cansado de trabajar.

 

STEADFAST STANLEY

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Título Original: Steadfast Stanley.
Director: John Codi Kim.
Género(s): Survival-Horror.
Estudio: CalArts.
Emisión: 2014
Duración: 4:10 minutos
Extras: –

Un perrito busca a su dueño en un apocalipsis zombi para entregarle su zapato.

Kill la Kill

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Título Original: キルラキル (Kiru ra Kiru).
Género(s): Shōnen, Peleas, Comedia, Ecchi.
Director: Hiroyuki Imaishi
Estudio: Trigger.
Emisión: 3 de octubre de 2013 – 27 de marzo de 2014.
Duración: 25  episodios.
Extras: –

El éxito de Little Witch Academia dio a Trigger los ánimos necesarios para aventurarse a crear su primera serie de televisión. Reuniendo a un talentoso grupo que ya había trabajado antes en otra famosa serie de animación, lanzan en 2013 Kill la Kill, dirigida por Hiroyuki Imaishi y con el guion a cargo de Kazuki Nakashima.

La Academia Honnouji está bajo el control del consejo estudiantil, encabezado por Satsuki Kiryūin, quien gobierna con puño de hierro. Los miembros del consejo portan ropas especiales denominadas Uniformes Goku, que les otorgan capacidades sobrehumanas, los cuales utilizan para someter al resto de los estudiantes y personal de la escuela.

Una estudiante de intercambio llamada Ryūko Matoi llega a la Academia portando la mitad de la legendaria Hoja Tijera, buscando a la persona que posee la otra mitad de la espada y que también es el asesino de su padre. Se dice que Satsuki conoce valiosa información al respecto, pero antes de poder interrogarla, Ryūko es fácilmente derrotada por los miembros del consejo y sus poderosos uniformes especiales.

En las ruinas de su antiguo hogar encuentra a Senketsu, un misterioso uniforme escolar viviente que se une a su cuerpo. Usando las habilidades de Senketsu, Ryūko consigue el poder suficiente para hacer frente a los Uniformes Goku. Ahora debe derrotar a Satsuki y su guardia personal, los Cuatro de Élite, para liberar a Honnouji de la tiranía y descubrir la verdad sobre la muerte de su padre, la ropa, el mundo y los aliens.

Kill la Kill es un anime muy peculiar. Desde el primer episodio solo te proporciona las cosas más básicas y luego te manda directamente de cabeza hacia la acción. Lleno de clichés de otros trabajos y demografías, e incluso referencias a la cultura occidental, la serie es un caótico conglomerado de violencia, comedia, acción y fan-service.

El argumento comienza como la clásica historia de venganza, donde la protagonista debe vencer a todos los oponentes hasta llegar al jefe final. Conforme avanza descubrimos que no podemos tomarlo en serio y en ciertos puntos se podría catalogar de ridículo. Sin embargo, este termina siendo uno de los puntos más fuertes de la serie, pues la línea argumental es simple y fácilmente pasa a segundo plano para dejarnos disfrutar las increíbles escenas de acción que son un verdadero festín visual.

Las peleas son increíblemente exageradas, extravagantes y van subiendo de intensidad hasta lo verdaderamente imposible. A menudo los personajes son forzados a “trasformarse” para comenzar un combate, lo cual es representado a través de fascinantes secuencias coloridas que jamás dejan de ser impresionantes así sea la décima vez que las vemos.

Toda la serie tiene un sentimiento desbordante que nos engancha y nos deja con ganas de saber que ocurre a continuación, pues el trabajo de animación es sorprendente, fluido, espectacular y único. Es aspecto visual no es algo que se pueda describir fácilmente con palabras, pues basta un vistazo para darnos cuenta que este es el trabajo de verdaderos profesionales.

Si bien varias personas han criticado el, en su opinión, exagerado fan-service, lo cierto es que la historia termina por justificarlo y al final ya no parece tan importante; en gran medida debido al tono caricaturesco de la serie, termina como un elemento cómico más.

Una original e impredecible historia aderezada con relaciones sólidas entre personajes bien construidos, incluyendo un balance casi perfecto entre comedia y acción, además de una animación, banda sonora y actores de voz de primer nivel, convierten a Kill la Kill en una obra obligada para todo buen fan de la animación japonesa, pues es un trabajo que se disfruta de principio a fin, un recordatorio de qué tan divertido y creativo puede ser el anime en su máxima expresión.

Pokémon: The Origin

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Título Original: ポケットモンスター THE ORIGIN (Pocket Monsters: The Origin).
Género(s): Shônen, Fantasía.
Director: Itsuro Kawasaki (primera parte), Yukio Kuroda (segunda parte), Hideya Takahashi (tercera parte) y Daiki Tomiyasu (parte final).
Estudio: OLM, Production I.G, Xebec.
Emisión: October 2, 2013.
Duración: 4  episodios.
Extras: Innumerables.

Hace un tiempo, un viejo amigo y yo logramos conectar dos copias del clásico Pokémon: Edición Esmeralda. El objetivo del juego es secuestrar a diferentes criaturas de su hábitat natural para someterlas a tu voluntad y hacerlas pelear entre sí por riqueza y gloria. Acordamos entonces criar a nuestros Pocket Monsters hasta alcanzar cierto nivel y cumplir uno de los muchos sueños de nuestra infancia: realizar un verdadero combate pokémon.

Y es que por muy infantil que parezca, Pokémon marcó una época para quienes crecimos en los noventas. Recuerdo muy bien que las grandes tiendas estaban atestadas de mercancía relacionada incluso mucho antes de que la serie se trasmitiera en televisión abierta. La serie llegó (y jamás se fue), ganando millones de fans por todo el mundo. Sin embargo, en esa época muy pocos sabíamos que todo eso provenía de un videojuego, uno bastante bueno.

Pokémon inició como un videojuego RPG lanzado para la consola portátil GameBoy en 1996. Pasaron varios años para que los dos primeros títulos salieran de Japón y aún más para que llegaran a nuestro país; una vez que tenías alguno de los títulos en tus manos, descubrías que la historia del juego y del anime tenían muy pocas cosas en común. Conforme la serie avanzaba, las diferencias se hacían abismales. Quienes preferían el juego abandonaron la serie, mientras que quienes desconocían la existencia de los juegos continuaron con su dosis diaria de “Esta historia continuará…”.

Resumir el éxito de la franquicia en unas líneas es tarea difícil, pues cuenta con más de 260 millones de juegos vendidos, 17 películas y una serie animada que cada día se acerca más a conmemorar su episodio número 1000. Para promocionar el lanzamiento de sus títulos más recientes, X y Y,  se trasmitió un especial de TV dividido en cuatro partes. Para sorpresa de muchos, esta animación es mucho más fiel a las mecánicas y diseños de los juegos originales.

001 – Red

El especial es una adaptación de la historia de los dos primeros juegos, Rojo y Azul. En el primer episodio conocemos a Red y Blue (Green en el original), dos chicos originarios de Pueblo Paleta que reciben del célebre Profesor Oak sus Pokémon iniciales, Charmander y Squirtle respectivamente, para comenzar con su aventura Pokémon.

Red desea hacer realidad su sueño de capturar a todas las criaturas de la región para completar la Pokédex, mientras que Blue aspira a convertirse en campeón de la Liga Pokémon. En el camino, ambos protagonistas desarrollan una fiera rivalidad. Desconociendo muchas cosas básicas sobre los Pocket Monsters, Red es auxiliado por Brock, un líder de gimnasio con quien celebra su primer combate oficial. Red vence a Brock y gana su primera medalla, descubriendo el verdadero significado de tener un Pokémon.

002 – Cubone

Red ha vencido a otros dos líderes de gimnasio, además de obtener otros artículos útiles para su aventura. Llega a Lavender Town donde aprende sobre la torre que sirve como cementerio Pokémon y los fantasmas que la habitan. Lamentablemente, el Equipo Rocket ha ocupado la torre y secuestrado al encargado del albergue local, el señor Fuji. Corresponde a Red derrotar a los maleantes a la vez que resuelve el misterio detrás del trágico pasado de cierto pokémon.

Este episodio es una adaptación fiel a cierta tarea que se debía realizar en los videojuegos para conseguir algunos ítems valiosos, que involucran un tono más serio jamás visto en el anime y que incluso ha desatado gran cantidad de historias de terror creepypasta en la red. Para aquellos familiarizados con la historia de Cubone, puede resultar algo lento, pero en el trasfondo aporta elementos clave para el desenlace de la aventura.

003 – Giovanni

Red ha derrotado a siete de los ocho líderes de gimnasio. En el camino logra frustrar de nuevo los planes del Equipo Rocket y conocer a su líder, Giovanni (Sakaki en el original). Pero la malvada organización decide atacar una importante compañía para robar su investigación. Red reta al líder a un combate por el destino de la compañía, pero termina siendo derrotado fácilmente.

Llega por fin al último gimnasio, donde reta al líder quien resulta ser Giovanni. Irritado por la actitud de Red, el jefe del Equipo Rocket usa a sus dos mejores criaturas en la batalla por la medalla final. Luego de un intenso combate, Red envía a su último pokémon, Charizard, el cuál recuerda a Giovanni su vida de niño y lo que se sentía entrenar pokémon. Giovanni es derrotado y además de entregar la medalla, decide reformarse y empezar de nuevo, disolviendo al Equipo Rocket.

004 – Charizard

Red llega a la sede de la Liga Pokémon, donde derrota al Alto Mando. Un último obstáculo se interpone entre él y el título de campeón, el actual poseedor del título, su rival Blue. Red y Blue inician un intenso combate, con Red saliendo victorioso por poco. Entonces, el Profesor Oak invita a Red al salón de la fama donde él y sus pokémon quedan inmortalizados como campeones.

Continuando con su viaje para completar el Pokédex captura a las criaturas restantes, incluyendo a las tres Aves Legendarias, Articuno, Zapdos y Moltres. De regreso en Pueblo Paleta, entrega el Pokédex completo al Profesor, pero también descubre que Blue ha sido derrotado por un pokémon desconocido. Con un nuevo objetivo, Red parte en busca del pokémon número 150, el más poderoso de todos, Mewtwo.

Orígenes

Para muchos, Pokémon Origins es lo que el anime debió ser. Aunque cada uno de los episodios tiene un director diferente, todos ellos hicieron un muy buen trabajo y se debe resaltar el esfuerzo empleado para comprimir las 40 horas de juego en solo cuatro partes. Las diferencias en la historia son mínimas, la recreación de las ciudades, paisajes y personajes desde el GameBoy es excelente.

Todos los guiños realizados al juego como las pantallas de carga que aparecen cada vez que inicia un episodio, los cuadros de dialogo de varios personajes,  las barras de vitalidad para los pokémon cuando batallan, así como la banda sonora original totalmente remasterizada añaden un gran sentimiento de nostalgia para quienes jugaron Rojo, Azul o alguna de las versiones posteriores  y nos demuestran que tan diferentes son los mundos de Red y Ash.

Quizás los únicos puntos negativos sean la corta duración de este especial, pues presenta muchas secciones resumidas, como batallas que son recortadas hasta el encuentro final o simplemente mencionadas. Varias personas también critican la carencia de “voces” para los pokémon, que en lugar de fastidiarnos al repetir sus propios nombres como en el anime, emiten gruñidos parecidos a los de un animal vivo. Este cambio también se aplica a Mewtwo, una decisión decepcionante para quienes estamos acostumbrados al villano reformado en busca del sentido de la vida que aparece en la primera película.

Para los fans de antaño, Pokémon Origins es altamente recomendable, y aunque en el fondo ciertos añadidos sólo están ahí para promocionar Pokémon X/Y, el valor nostálgico de este especial es muy grande. Las batallas son espectaculares y en ocasiones brutales, llenas de movimientos a alta velocidad, efectos grandiosos y una animación de primera. Los personajes son más agradables y volver a ver varios de nuestros Pocket Monsters favoritos de entre los 150 originales en acción es una oportunidad que no debe desaprovecharse.