Tengen Toppa Gurren Lagann

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Título Original: 天元突破グレンラガン (Tengen Toppa Guren Ragan)
Género(s): Mecha, Acción, Aventura, Comedia.
Director: Hiroyuki Imaishi.
Estudio: Gainax.
Emisión: Abril-Septiembre 2007.
Duración: 27 episodios.
Extras: Childhood’s End, The Lights in the Sky are Stars, Parallel Works.

Luego de disfrutar Little Witch Academia y Kill la Kill, dediqué un tiempo a buscar otras obras del mismo estudio para continuar maravillándome con su trabajo, pero para mi sorpresa Trigger era una empresa aún joven en el ámbito de la animación japonesa con muy pocas obras en su catálogo. Luego, al indagar un poco respecto de sus orígenes continuamente resaltaba cierto patrón, en cualquier fuente o página que consultara siempre se repetían cuatro palabras: Tengen Toppa Gurren Lagann.

En un futuro lejano, la humanidad ha sido desplazada de la superficie terrestre; las pocas aldeas que quedan se han adaptado a una vida completamente subterránea. Acosados por terremotos continuos y ataques de terribles hombres-bestia, sobreviven como pueden bajo el régimen tiránico del Rey Espiral. Kamina y Simon son dos jóvenes amigos pertenecientes a una de estas aldeas cuyo sueño es salir a la superficie, pero constantemente son reprimidos por sus semejantes.

Durante una excavación para ampliar la comunidad, Simon desentierra un enigmático robot que únicamente se activa al usar otro misterioso artefacto con forma de taladro. Las cosas dan un giro completo cuando la aldea sufre el ataque de otro robot gigante; Kamina sugiere usar el mecha recién descubierto para combatir la amenaza y con la ayuda de una extraña chica llamada Yoko vencen al Gunmen. Una vez en la superficie, los tres forman una alianza para derrocar al Rey Espiral.

Tengen Toppa Gurren Lagann fue una de las últimas producciones que el equipo fundador de Trigger realizó antes de separarse de Gainax, incluso comparte director con Kill la Kill, lo cual origina multitud de semejanzas entre ambas series. Lo primero que salta a la vista es el impecable apartado técnico que se mantiene casi en todos los episodios; aunque en varias ocasiones se llega a percibir un sutil descenso en la calidad, la animación es fluida y llena de vitalidad.

El argumento es simple: los protagonistas deben derrotar a los enemigos, ganar power-ups y vencer al jefe final. Pero también se enriquece con interesantes historias paralelas que tocan todo tipo de temas más serios, para lograr una perfecta mezcla entre acción, comedia, romance y drama. En ningún momento la historia deja de ser interesante y realmente se siente un progreso que va desde combates a pequeña escala en ciudades subterráneas hasta conflictos de proporciones galácticas.

Existe gran variedad entre personajes y todos ellos están bien construidos; nos muestran todo tipo de facetas y tienen motivos reales para seguir su propio camino. Aunque en un principio los clásicos mensajes de «la amistad es lo más importante» o «cree en ti y conseguirás cualquier cosa» están presentes, no salen repentinamente de la nada y a menudo se nos muestra el arduo esfuerzo que cada quien dedicó a la culminación de sus objetivos.

La serie es exagerada y a menudo no la podemos tomar en serio, sin embargo Gurren Lagann va más allá para entregar un paquete completo de diversión para todas las edades con la duración perfecta y al final, casi de forma furtiva, transmitir un profundo mensaje al espectador. Las secuencias de acción son increíbles y presenciamos todo tipo de batallas entre poderosas máquinas que se desarrollan sobre todo tipo de entornos llenos de sorpresas.

Tengen Toppa Gurren Lagann es una serie de proporciones épicas, con un apartado técnico, sonoro y gráfico de primera, apoyado por un argumento en un principio simple, pero lleno de pequeños detalles y sub-tramas que aumentan su profundidad hasta niveles insospechados. Es una recomendación obligada para todo fan de la animación japonesa; una obra que se disfruta sin problemas desde el primer episodio y que sin duda marcó el comienzo de una nueva era.

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Ghost in the Shell 2: Innocence

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Título Original: 攻殻機動隊: イノセンス (Kôkaku Kidôtai: Innocence).
Género(s): Ciencia Ficción /Cyberpunk / Technoir, Seinen.
Director: Mamoru Oshii.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2004.
Duración: 99 minutos.
Extras: Ghost in the Shell.

Entre los grandes titanes animados del Cyberpunk, hay dos películas que sobresalen de entre todas las demás: Akira y Ghost in the Shell. El Fantasma Cibernético, cómo se le tradujo en Latinoamérica, tuvo su segundo largometraje nueve años después de la icónica primera parte. Y aunque no es una secuela como tal, sino una historia ambientada en el mismo universo a manera de spin-off, es una digna representante de tan grandiosa saga.

El apartado técnico el asombroso, pese a un par de escenas en CGI que en lo personal me parece que desentonan con el estilo de animación que vemos en el resto del filme, pues lucen muy artificiales. Los escenarios, por otra parte, son maravillosos, si la primera película se inspiró en la extinta ciudad de Kowloon, este lo hace además de Blade Runner. Esa arquitectura visceral, industrial y decadente alcanza uno de los puntos más altos en esta obra. La música es igualmente buena ya que es una extensión del soundtrack de la primera entrega. Y el diseño de personajes mantiene su buen nivel.

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La historia gira en torno a Batou, el detective ciborg ex compañero de la Mayor Kusanagi, quien al parecer ha desaparecido en la red. Batou, junto a Togusa, son comisionados para investigar misteriosos asesinatos perpetrados por ginoides dedicadas al servicio sexual. Durante sus investigaciones los dos detectives descubrirán un intrincado plan por parte de la empresa que fabrica a los robots para implantar un “fantasma” dentro de los cuerpos artificiales.

La historia es compleja y muy profunda no en cuando al caso policiaco en sí, sino a ese constante juego con la filosofía, las leyes asimovianas y los conceptos de conciencia, alma, identidad, personalidad e individualidad que se cuestionan, como muchas obras del género hacen, sobre qué tan humanos son los humanos o qué tan parecidos a nosotros son nuestra creaciones artificiales llamadas robots. Además de tomar como base los conceptos del Determinismo Biológico y mezclarlos de manera magistral con el diseño de los androides.

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Además de lo densa que puede resultar, sobre todo en la parte final, me encanta el hecho de mostrar a un Batou más ciborg y menos humano en un principio e ir profundizando en su psique hasta dejarnos ver esa parte más sentimental e incluso melancólica del personaje. En la primera película hay muchos diálogos donde la Mayor Kusanagi se cuestiona cosas sobre su propia identidad como ciborg, esas mismas preguntas empiezan a rondar en la mente de Batou y creo que logran darle una profundidad introspectiva por momentos superior a la que alcanza Kusanagi en la entrega anterior.

Los conflictos con la mafia, los hackers y virus, la mezcla de folclore e hiperfuturismo y el constante trasfondo político inherente en toda la saga hacen de esta película algo visceral, crudo y violento; elementos prácticamente indispensable en un buen cyberpunk. La acción da paso a momentos de calma e introspección, así como a escenas totalmente complejas y plagadas de información difícil de digerir en primera instancia, sobre todo para quienes recién se adentran al género.

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El concepto de “fantasma” o alma que pretenden implantar en las ginoides a fin de que quebrantes las leyes de la robótica de Asimov y escapen al control humano tiene múltiples lecturas y explicaciones. Si para la explicación de las acciones humanas se retoma al Determinismo Biológico, para las inesperadas acciones de los robots se parte totalmente de los postulados del autor ruso. ¿Qué pasa cuando un androide es desechado, cuando ha adquirido conciencia de sí mismo, cuando se le ha implantado un fantasma? A caso deja de ser robot y se acerca más a lo humano, y si es humano por qué le tememos tanto; cuestiones abordadas por el Valle Inexplicable (Uncanny valley).

Para los más familiarizados no es tan compleja realmente, sobre todo porque la forma en que se desarrolla la historia te permite hacer una lectura simple y suficiente para entender qué esta pasado o bien profundizar a conciencia en todos los conceptos filosóficos y científicos para poner a trabajar tu cerebro un buen rato tratando de entender la visión transhumanista que maneja la obra. Una grandiosa película, una recomendación obligada para los amantes del género y una digna sucesora de una de las obras cyberpunk más importantes de todos los tiempos.

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La Leyenda de Korra

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Título Original: The Legend of Korra.
Género(s): Acción, Fantasía, Drama, Aventura, Comedia.
Creado por: Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko.
Estudio: Nickelodeon Animation Studio, Ginormous Madman, Studio Mir y Studio Pierrot
Emisión: 14 Abril 2012 – 19 Diciembre 2014.
Duración: 52 episodios.
Extras: La Leyenda de Aang.

Tras la conclusión de Avatar, los creadores se tomaron un merecido descanso; el recién formado fandom se encargaría de mantener un interés constante por este nuevo universo en los meses siguientes y hasta se lanzaron un par de novelas gráficas para expandir la historia original. Varios años más tarde se anuncia el desarrollo de una secuela animada en toda regla; pero en esta ocasión no regresaban los personajes originales, pues esta era una nueva historia: La Leyenda de Korra.

Setenta años han pasado desde el fin de la Gran Guerra y el Avatar Aang ha partido ya hacia el otro mundo; el título de Avatar es heredado a Korra, una joven impetuosa y rebelde nacida en la Tribu Agua del Sur. Al contrario de su predecesor, Korra está más que dispuesta a cumplir con su misión sagrada y ya domina tres de los cuatro elementos a temprana edad. Sin embargo, el Aire Control sigue estando fuera de su alcance, aún con un descendiente directo de Aang como maestro particular.

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Para avanzar en su entrenamiento deciden trasladarse a Ciudad República, la metrópolis donde no hay distinciones entre raza u origen. Sin embargo, las personas comunes comienzan a sentirse oprimidas por aquellos maestros capaces de controlar los elementos. Surge una rebelión dirigida por el misterioso Amón y pronto la situación escapa al control de las autoridades locales. El Avatar decide entrar a la acción a la vez que descubre la verdadera naturaleza de este nuevo mundo.

La serie consigue superar el increíble apartado técnico de su predecesora: animación, apartado sonoro y argumento son todos de primer nivel; resulta imposible evitar compararlas: la primera tenía un tono más enfocado al humor, mientras esta segunda parte se siente más madura y oscura. Expande de forma magnífica ese mundo al que solo echamos un vistazo en la primera parte y este elenco de nuevos personajes es más que bienvenido.

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Korra en particular, es una protagonista extremadamente dinámica; durante la serie presenciamos su trasformación de una peleadora temeraria a un poderoso ser en equilibrio espiritual. Sus acompañantes a menudo no están a la altura, en contraste con Equipo Avatar original, pero los villanos son verdaderamente interesantes; cada uno pelea por sus propias creencias con un ímpetu increíble. Es realmente entretenido presenciar los enfrentamientos y razones detrás de cada uno.

Las escenas de combate son magníficas e incluyen todo un repertorio de técnicas nuevas. Al mismo tiempo, la atmósfera es muy diferente: mientras que el Avatar original estaba ubicado en una especie de época feudal, el mundo de Korra parece más bien una ciudad industrializada de los años veinte. Luego de la guerra se dio un gran impulso a todas las artes y ciencias; nuevas tecnologías aparecen cada día y con ellas nuevas amenazas o formas de ver el mundo.

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Por el contexto en el que vive, quizás el viaje de Korra sea más difícil que el de sus antecesores. Durante la serie se nos dan más datos respecto de este mundo, su historia, sus tradiciones y cómo lo ancestral lucha por coexistir con todos estos adelantos científicos. A menudo aparecen, o se hace referencia, a personajes que conocimos en el viaje anterior, añadiendo un toque casi nostálgico y alegre cada vez que aparecen en pantalla.

Mi principal temor en un principio era que la historia no «despegara» lo suficiente para consolidarse como algo independiente, y tuviera que recurrir a estos constantes cameos o reenvíos a la original para mantener nuestra atención. Por fortuna estuve equivocado y ahora puedo decir que esta segunda parte puede considerarse una de las mejores secuelas en el ámbito de la animación. Todo se siente más rápido, agresivo, poderoso y en paralelo, aún más real.

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Por supuesto, el humor continúa siendo parte elemental de esta bella mezcla y el romance tiende a colocarse en primer plano en multitud de ocasiones. También se tocan muchos temas novedosos en una serie enfocada a un público infantil y que de nuevo puede ser disfrutada por cualquiera sin problemas. Quizás uno de sus pocos defectos es que el ritmo se siente un tanto apresurado, y sigue existiendo ese molesto episodio de relleno que resume toda la historia.

A pesar de ser diferente, oscura y hasta caótica en comparación con su antecesora, La Leyenda de Korra es una digna sucesora a esta genial historia. De nuevo se puso especial cuidado en cada detalle para entregar otra historia épica e intrigante, pero suficientemente original, situada en este maravilloso mundo donde lo místico y lo tecnológico logran coexistir, poblado por increíbles personajes que consiguen dejar huella permanente en el espectador.

Monstruo

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Título Original: Monster.
Género(s): Mockbuster, Found Footage, Survival-Horror.
Director: Erik Estenberg.
Emisión: 2008.
Duración: 84 minutos.
Extras:

Sólo existen dos razones por las que alguien podría haber visto esta película: (1) o eres un neófito en el cine y caíste en la trampa del Mockbuster, o (2) eres un versado cinéfago que de hecho gusta de ver este tipo de producciones de baja calidad. Cómo lo más probable es que seas del primer grupo, empecemos con una muy breve explicación de lo que es el Mockbuster.

Los Mockbusters son películas de bajo presupuesto (no confundir con Serie B ni VideoHome) que basan sus títulos en obras Hollywoodenses de gran popularidad e incluso lanzan sus producciones antes o a la par de los filmes de renombre con la intención ya sea de hacer una especie de parodia o de vender sus obras aprovechando la confusión de las personas que comprar sus DVD por error creyendo que es la película de moda. Para el caso específico de Monster, el gancho fue Cloverfield (2008).

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No obstantes al enojo que te puede producir el haber comprado una de estas película y descubrir que es una producción hecha con 2 pesos y con efectos más chafas que los de cualquier canal de YouTube, es importante mencionar que este tipo de filmes tiene un nicho de consumidores muy particular que de hecho disfruta viendo estas cosas. Así que pueden tomar esta reseña como una advertencia para no tirar su dinero o como un análisis más en caso de que quieran adentrarse en este peculiar y muy mal hecho cine.

La historia gira en torno a dos hermanas cineastas que viajan a Tokio para hacer un documental sobre el calentamiento global y el Protocolo de Kioto. Mientras están realizando una entrevista un terremoto azota la ciudad, pero al parecer no se trata de un movimiento tectónico, sino de algo que está atacando la ciudad.

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Las chicas se encuentran con otro joven estadounidense quién les ayuda a llegar a la embajada para salir del país. En su camino descubren que Tokio está bajo el ataque de un monstruo gigante con tentáculos que al parecer ha salido de las profundidades de la tierra. A partir de ese momento todo se convierte en una lucha por salir de la ciudad y mantenerse con vida.

La premisa suena muy interesante y prometedora, aunque no deja de ser otra película de Kaijus y de hecho sigue el mismo formato de Cloverfield: un inicio como de video blog donde las chicas hablan de cualquier tontería justificando su viaje a Japón, la entrevista y luego el caos que da paso a la acción; todo en tan sólo 11 minutos. Debemos admitir que incluso es más rápida en ese aspecto que el mismo Cloverfield, pero más aburrida sin duda. Aunque la actitud de los japoneses que parecen ocultar algo le da un pequeño toque de misterio.

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Como toda película Found Footage que se respete, debe tener partes de la cinta estropeadas, fallos de cámara y audio, nula banda sonora, entre otros errores hechos adrede. Los efectos son pésimos como buen Mockbuster, con aviones en CGI más piratas que películas chinas y un monstruo que nunca se ve por completo, pues sólo se aprecia un poco de sus tentáculos en tres ocasiones.

La película tampoco cuenta con efectos especiales, ni locaciones con cosas destruidas, todo lo “real”, es decir, lo que no es CGI barato, son escenas tomadas por mero oportunismo y totalmente descontextualizadas. En las escenas de acción todo se limita a close up a la cara de las chicas.

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Si todo en cuanto a efectos, valores de producción y música es malo, ya ni siquiera vale la pena hablar de la actuación ni la construcción de personajes. Todo está tan mal hecho que hace ver al VideoHome como una obra de alta calidad. Los sonidos de gritos y destrucción seguramente son robados de algún otro video y en las escenas donde se ve gente corriendo se reciclan extra, pues estos se ven pasar una y otra vez en segundo plano.

Entre los aspecto que te hacen dudar sobre qué tan chafa es realmente, es el hecho de que el DVD que puede comprarse en México tiene doblaje, y un doblaje de actores profesionales. Otro elemento es el de los escenarios, pues parece como si realmente hubiese sido filmada en Japón, aunque en los créditos dice que fue en Los Ángeles.

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Una mierda de película sin duda, una obra a evitar rotundamente pero un obligado para ese público “conocedor” que por alguna razón disfruta de este tipo de obras tan mal producidas. Porque algo hay que reconocerle al Mockbuster y es el hecho de lograr que sus pésimas producciones no sólo sean llevadas y vendidas en otros países, sino incluso sean dobladas por profesionales como si de una gran producción se tratara.

Monster es, en mi opinión, todo un clásico de The Asylum, productora tras obras tan aberrantes pero populares como Sharknado y otras barbaridades emitidas por el canal SyFy, aunque no todo es tan malo, pues ellos también son la gente detrás de series tan entretenidas como Z Nation. No es una película ni un género al que si quiera deban darle una oportunidad, pero si por alguna razón ya se adentraron en este tipo de cine, como yo, sí es una película que deben ver.

Yu-Gi-Oh! The Dark Side of Dimensions

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Título Original: ブレイブルーアルターメモ (BureiBurū Arutā Memori)
Género(s): Fantasia, Juegos de Cartas, Sobrenatural.
Director: Satoshi Kuwabara.
Guión: Kazuki Takahashi.
Estudio: Konami, Studio Gallop y Nihon Ad Systems.
Emisión: 23 Abril 2016.
Duración: 131 minutos.
Extras: Bonds Beyond Time

El año pasado se conmemoró el vigésimo aniversario de la popular franquicia creada por Kazuki Takahashi. Para cerrar la celebración se estrena también una nueva película animada que continúa los eventos del anime y manga originales. Aunque soy gran seguidor del juego de cartas basado en la obra primigenia, el anime jamás me interesó demasiado, en gran medida debido a los ligeros ajustes que se realizan regularmente al juego por motivos de argumento.

El juego real y el anime tienen una relación simbiótica, a tal grado que quizás no podrían sobrevivir el uno sin el otro. Mientras que disfruté el inicio de la serie original cuando apareció por primera vez en televisión abierta, pronto perdí el interés al mismo tiempo que los capítulos dejaban de transmitirse. Hasta mucho tiempo después decidí saltarme todos esos episodios no televisados para ver sólo el combate final y descubrir la conclusión de la historia.

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Las películas anteriores, La Pirámide de la Luz y Lazos Más Allá del Tiempo, tampoco fueron muy impresionantes pero para mí resultaron mucho más atractivas que el anime. Luego de ver un par de adelantos de esta tercera entrega, quedé impresionado, pues se notaba un tremendo aumento en la calidad, además de prometer un tono más serio. Por supuesto, la película se estrenó en Japón y trascurrió más de medio año antes de que llegara a América; por desgracia, no en nuestro país.

The Dark Side of Dimensions tiene lugar seis meses después de la conclusión de la historia original, luego de que Yugi Moto venciera en el Duelo Ceremonial a su compañero el Faraón Atem para permitirle trascender hacia el otro mundo. Yugi y sus amigos continúan con sus vidas, pero hubo alguien quien no estaba dispuesto a terminar su historia aún: Seto Kaiba. Kaiba busca a toda costa tener un último duelo contra Atem para recuperar su honor y nada podrá detenerlo.

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Reconstruye el Rompecabezas del Milenio con la ayuda de la más avanzada tecnología de KaibaCorp y pretende que Yugi le ayude a convocar de nuevo al legendario duelista. Pero sus planes no pasarán desapercibidos, pues un misterioso grupo decide intervenir para evitar la resurrección de Faraón. La situación escala hasta convertirse en un conflicto entre tres partes. Como es costumbre en este mundo, la única forma de solucionar esto es mediante feroces partidas en un conocido juego de cartas.

La película tiene un apartado técnico de primera, con animaciones fluidas y una excelente banda sonora. Sin embargo, debo hacer énfasis en que la versión que llegué a ver está doblada al inglés por lo que seguramente los diálogos no reflejan las intenciones originales del guión y en su lugar tenemos lamentables bromas fuera de lugar. Además, la música original fue reemplazada en su totalidad, de acuerdo con los fragmentos de la versión japonesa que he logrado ver en la red.

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Los personajes tienen un aspecto actualizado que les infunde más dinamismo y se hace buen uso de los gráficos generados por computadora para enfatizar el poderío de los monstruos convocados durante un duelo. El argumento no es tan complicado; incluye un par de tramas paralelas que se alternan continuamente, pero en la recta final una de ellas toma precedencia sobre la otra. La duración también es de resaltar, pues es considerablemente más larga que sus antecesoras.

En lugar de un único duelo estelar que sirve como clímax de la aventura, El Lado Oscuro de las Dimensiones nos permite disfrutar de cinco duelos diferentes muy bien diferidos a lo largo de todo el filme. La cinta usa reglas más parecidas a las del juego real, aunque no podían faltar ciertas modificaciones que se realizan para añadir más drama. Podemos volver a ver monstruos icónicos como el Dragón Blanco de Ojos Azules o el Mago Oscuro, pero además versiones actualizadas de varios clásicos.

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El personaje más atractivo de la película es sin duda Kaiba, quien regresa a ser un hombre despiadado que no se detiene ante nadie para conseguir sus metas. En multitud de ocasiones desplaza a los demás personajes, sobre todo en el primer duelo. Los enfrentamientos son en verdad interesantes, combinando todo tipo estrategias; aunque ninguno de ellos es muy largo el intercambio de jugadas es dinámico, acompañado por excelentes efectos visuales y una que otra sorpresa.

Con un argumento sorprendentemente sólido y excelente calidad en animación, The Darkside of Dimensions consigue ser más que otro producto enfocado a aprovecharse de la nostalgia. Quizás, uno de sus únicos puntos débiles sea su larga duración. Dejando a un lado ese aspecto, la película es una recomendación obligada para todo fan del juego de cartas y del anime en especial, pues constituye un final definitivo a la historia que lo inició todo.

BlazBlue – Alter Memory

Título Original: ブレイブルーアルターメモ (BureiBurū Arutā Memori)
Género(s): Acción, Peleas, Fantasia.
Director: Hideki Tachibana.
Estudio: teamKG y Hoods Entertainment
Emisión: 8 Octubre 2013 – 24 Diciembre 2013
Duración: 12 episodios
Extras:

Los videojuegos de peleas han estado presentes desde el nacimiento de la industria, pasando por las extintas maquinitas, hasta refinarse para ser objeto de concursos a nivel mundial como parte de los novedosos eSports. Mientras que estos torneos anuales se suelen enfocar en unos pocos títulos clásicos como Street Fighter, The King of Fighters o Mortal Kombat, en ocasiones se celebran otras competencias menores antes del evento principal.

Uno de éstos títulos es la saga BlazBlue, cuyas curiosas gráficas en dos dimensiones siguen atrayendo la atención, a pesar de ya no ser el estándar de la industria desde hace un tiempo. A menudo, los juegos de pelea dedican poca atención a la trama de las series (si es que existe) para enfocarse por completo a la jugabilidad. BlazBlue es distinto en este aspecto, pues posee uno de los guiones más complejos dentro del género.

Sólo he tenido la oportunidad de jugar BlazBlue un par de veces, sus llamativos personajes hicieron que deseara adentrarme un poco más en la historia del juego. Como muchas otras sagas, no es extraño que deriven otras obras como manga o en este caso, un anime. Alter Memory es la adaptación del argumento de los dos primeros juegos: Calamity Trigger y Continuum Shift; sin embargo, también es una maraña de personajes y conceptos que debemos digerir en muy poco tiempo.

La historia trata sobre Ragna «The Bloodedge», un hombre con vastos poderes sobrenaturales y también el rebelde más buscado por la Novus Orbis Librarium, una organización que gobierna el mundo mediante el uso de la magia. La recompensa más grande de toda la historia será otorgada a aquél que mate a Ragna, por lo que tras ubicarle en la ciudad de Kagutsuchi, un gran número de peleadores se reúnen en ese lugar para tratar de derrotarle.

De paso aprendemos bastante sobre el pasado de los diversos personajes que van apareciendo y la trama se diversifica añadiendo todo tipo de secretos y giros, hasta revelar varias líneas temporales que se exploran simultáneamente; las amenazas que enfrentan los protagonistas rápidamente crecen hasta proporciones apocalípticas. El anime también es muy fiel a la estructura del un juego de peleas, cada personaje sigue su propio camino y constantemente entra en conflicto con otros.

La historia avanza muy rápido con el objetivo de resumir las dos primeras entregas de la saga y dejar al espectador preparado para entender los eventos de la tercera, CronoPhantasma, sin la necesidad de haber jugado los anteriores. En este sentido, la obra cumple; pero también enfrentamos una historia que repetidamente salta de un personaje a otro. Con un elenco tan amplio, demasiadas sub-tramas y constantes cambios de rol, es difícil llevar el ritmo.

No ayuda mucho el hecho de que, si no estamos familiarizados con los videojuegos, debemos manejar multitud de conceptos nuevos casi de inmediato para comenzar a entender este mundo: los lugares, personajes, armas, técnicas, organizaciones, leyendas, planos de existencia, eventos apocalípticos, enemigos, y hasta los aumentos de poder tienen todos un nombre diferente (a veces hasta varios nombres o sufijos) que añaden más confusión.

BlazBlue – Alter Memory es quizás una de las adaptaciones más fieles al producto original, con una excelente calidad en cuanto a animación que rivaliza con la presente en los juegos, dedicada principalmente a los fans, quienes encontrarán algo familiar pero suficientemente diferente para mantenerlos interesados. Por otro lado, aquellos ajenos a esta saga deben enfrentar una historia confusa a toda velocidad seguida por una avalancha de conceptos difusos.

Tokyo Godfathers

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Título Original: 東京ゴッドファーザーズ (Tōkyō Goddofāzāzu).
Género(s): Drama, Comedia.
Director: Satoshi Kon.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 2003.
Duración: 92 minutos.
Extras: –

No hay mejor recomendación para ver en esta época navideña que la tercera película dirigida por Satoshi Kon, Tokyo Godfathers es sin duda una oda a ese espíritu navideño que lamentablemente se ha estado perdiendo en la sociedad. Y no me refiero al mensaje espiritual que el cristianismo se ha empeñado en mantener en la mente de sus feligreses, sino a valores morales y ético que deberían estar de manera natural en la mente de todas las personas, pero que lamentablemente no lo están.

El filme tiene una calidad formidable, con escenario llenos de elementos bien detallados como generalmente ocurre en las obras de Satoshi. La construcción urbana es muy buena y el diseño de personajes es igualmente fabuloso, propia de su director, quien nos ha acostumbrado a personajes entrañables y muy profundos con un pasado lleno de problemas y una complejidad mental que muy poco directores logran. La música es igualmente buena y logra una interesante atmósfera urbano-navideña algo nostálgica.

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La historia gira en torno a tres vagabundos, Miyuki, una adolescente que huyó de su casa luego de apuñalar a su padre, Gin, un hombre maduro que perdió a su familia por el alcohol y las apuestas, y Hana, un travesti homosexual que se tiró a la perdición luego de que el amor de su vida muriera. Los tres inigualables personajes han conformado una interesante familia compuesta y se apoyan para lograr sobrevivir en las frías calles de Tokio, donde además de sufrir las carencias propias de su condición, tienen que enfrentar la indiferencia, el odio e incluso la violencia del resto de ciudadanos.

Su vida toma un giro radical cuando en la víspera de la noche buena encuentran a un bebé abandonado en la basura. Rápidamente Miyuki y Gin deciden que lo mejor es dejarlo con la policía, pero Hana se niega diciendo que es un milagro navideño, pues ella siempre quiso ser madre, además de que no permitirá que el bebé tenga la misma infancia que ella, pasando de un orfanato a otro. Hana nombra al bebé Kiyoko, sin embargo, termina por entender que lo mejor es regresar a la bebita con sus padres.

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A partir de ese momento la historia es un giro argumental tras otro en la búsqueda por encontrar a la familia de la niña. En su travesía los tres vagabundos enfrentarán largas caminatas bajo la nieve, rescatarán al jefe de la mafia, sufrirán secuestros y presenciarán asesinatos, sin olvidar los numerosos accidentes que sufrirán, de los cuales se salvarán por pura suerte, o quizás por la gracia divina de los milagros navideños. Además de su singular aventura, conoceremos el pasado de cada uno de los personajes y los crudos eventos que los llevaron a terminar en las calles.

La obra es una comedia sin lugar a dudas, pero el trasfondo en un brutal drama tan crudo como la vida misma. Satoshi Kon logró que la obra se desarrollara de una forma amena e incluso graciosa, pero al mismo tiempo, la maestría de este grandioso director hace que veamos un Tokio que rara vez es retratado en el cine o la televisión, el duro mundo de la gente sin hogar, que a pesar de tener que hurgar entre la basura por algo de comida, no dejan de ser gente con buen corazón, cosa que no ocurre con muchos de los personajes que están en mejores condiciones que ellos.

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Las obras de Satoshi siempre han retratado la parte oscura de la sociedad japonesa, la locura, la violencia contra la mujer, la ilegalidad que abarrota las calles entre muchos otros problemas de los que pocas veces se habla, y que no son endémicos de Japón, aunque se presentan de forma muy singular en ese país. Aquí vemos lo mismo, la locura de una mujer, la violencia familiar, los ajustes de cuentas entre pandillas, el odio irracional de las nuevas generaciones y, el mayor problema de todos, la indiferencia de las personas ante los problemas de sus semejantes.

A pesar de que Tokyo Godfathers es la película más ligera, cómica, emotiva y feliz de Satoshi, no deja de presentarnos esa interesante área oscura de la sociedad, donde los jóvenes golpean vagabundos viejos por diversión y las señoras del vecindario se limitan a juzgar a prójimo sin la menor pisca de empatía. No obstante, los reveces que sufren nuestros personajes, por muy duros que sean, los van llevando por un camino que al final converge en un desenlace feliz. Y es que, a pesar de todo lo malo en el mundo, siempre podremos encontrar razones para sonreír.

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Un aspecto a destacar que he podido ver en obras de anime sólo en muy contadas ocasiones en la presencia de personajes latinos. En una escena vemos a Miyuki llegar hasta un peligroso barrio donde vive una familia de latinos. Lo mejor de esta escena no es el perfecto retrato de la cultura latinoamericana, que afortunadamente nunca cae en el cliché, sino el hecho de que los personajes hablan español, tal cual.

Otro elemento formidable que conviene destacar, sobre todo en nuestro país y en estos momentos, es el personaje de Hana, pues no es para nada común tener un protagonista homosexual, travesti y que además fue Drag Queen en sus buenos tiempos. En estos días donde la familia tradicional, como lo marca la Iglesia católica, es ya una minoría en la realidad de la diversidad humana, Tokyo Godfathers se convierte en un estandarte perfecto para demostrar que una familia compuesta, como la de este peculiar trio, puede ser igualmente buena para lo que se supone debe servir una familia: cuidar de los suyos. Y lo mejor es que Hana, el vagabundo maricón, resulta ser el personaje con los mejores sentimientos y las intenciones más nobles, sin olvidar que es el más culto, letrado y religioso de todos.

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Last Order: Final Fantasy VII

Título Original: ラストオーダー -ファイナルファンタジーVII- (Rasuto Ōdā -Fainaru Fantajī Sebun-)
Género(s): Acción, Drama, Fantasía.
Director: Morio Asaka.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 14 Septiembre 2005.
Duración: 25 minutos.
Extras: Compilation of Final Fantasy VII.

Al terminar de ver Black Lagoon me quedé intrigado por el peculiar estilo de la animación, que estaba seguro haber visto en alguna otra parte antes. Por su puesto, Madhouse es un reconocido estudio nipón responsable de muchas otras adaptaciones como Devil May Cry y el extraordinario Death Note. Pero yo aseguraba haberlo visto mucho antes de conocer los dos trabajos antes mencionados, y entonces la respuesta vino a mi: Final Fantasy VII.

Last Order: Final Fantasy VII es un OVA con 25 minutos de duración lanzado originalmente en conjunto con la espectacular película animada Advent Children como parte del proyecto Compilation of Final Fantasy VII, un conglomerado de videojuegos y trabajos de animación enfocados en expandir el universo del popular Final Fantasy VII original, lanzado en 1997 para el PlayStation. El corto se completó en poco menos de seis meses, bajo la supervisión directa de Tetsuya Nomura.

La obra abarca dos eventos específicos presentes en el videojuego original, ambos flashbacks: el Incidente de Nibelheim, donde el legendario héroe Sephiroth desapareció en combate, y el escape de Zack y Cloud mientras evaden las fuerzas militares de la Compañía Eléctrica Shinra conforme se dirigen a Midgar. La historia alterna entre estos dos acontecimientos desde el punto de vista de una unidad de fuerzas especiales de la Compañía encargada de capturar a ambos protagonistas.

Resaltan la breve escaramuza de Zack contra los soldados de Shinra y su enfrentamiento final con Sephiroth y Jenova en el reactor. El videojuego original no ha envejecido bien y en su momento, Last Order nos permitió dar un vistazo actualizado a estos eventos con una alta calidad técnica en todos los aspectos. Esta pequeña animación incluye peleas con espadas gigantescas a gran velocidad e incluso un poco de drama.

A diferencia de Advent Children, Last Order contradice los eventos del juego original a tal grado que ediciones posteriores la alejan de la Compilación para considerarla una especie de spin-off. La historia sería expandida de nuevo en la precuela Crisis Core, donde el jugador puede experimentar de primera mano dichos eventos como parte de la partida, por lo que este trabajo resulta redundante para aquellos grandes fans de la saga, pues seguramente ya habrán experimentado esta historia varias veces.

La principal falla es que sin el conocimiento básico respecto al universo de Final Fantasy VII el OVA es confuso, pues saltamos de inmediato a la acción y no hay tiempo para las presentaciones, resultando en un montón de escenas sin orden que fallan al momento de enganchar al espectador. Aún así, Last Order no deja de valer la pena debido su gran calidad técnica en cuanto a animación, sonido y voces; además posee la duración exacta para disfrutarse sin muchos problemas.

Black Lagoon

Título Original: ブラック・ラグーン (Burakku Ragūn)
Género(s): Acción, Drama, Comedia, Misterio, Thriller.
Director: Sunao Katabuchi.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 8 de Abril 2006 – 22 de Junio 2011
Duración: Dos temporadas de 12 episodios cada una y 5 OVAs
Extras: Omake.

Mientras que mi editor prefiere historias con un denso argumento psicológico, personajes multifacéticos y trabajos con un profundo mensaje oculto, yo me inclino por disfrutar historias ligeras con un atractivo estilo visual. De pronto aparecen en tu lista de sugerencias mientras buscas alguna nueva obra para disfrutar y consiguen engancharte hasta que terminas por ver varios capítulos uno tras otro. Black Lagoon es una de esas series.

Adaptación del manga homónimo creado por Rei Hiroe, la historia comienza con Rokuro Okajima, un oficinista japonés promedio a mitad de un viaje de negocios en los mares del sur. Pronto la situación se sale de control cuando su barco es capturado por un grupo de mercenarios conocidos como Lagoon Trading Company. Los piratas secuestran a Okajima para apoderarse de los valiosos datos que trasporta e intentar cobrar un rescate.

A bordo del buque torpedero Black Lagoon propiedad de los mercenarios, el hombre conoce más a fondo a sus captores: el sereno capitán Dutch, el especialista en informática Benny y la violenta pistolera Revy. Sin embargo, el plan de Lagoon sufre un severo contratiempo cuando la compañía japonesa decide que el señor Okajima es prescindible y envía a sus propios mercenarios para recuperar los valiosos datos bajo cualquier costo.

Rokuro colapsa al saberse traicionado por sus superiores y en un rápido giro de eventos termina por ayudar a sus captores a vencer a los mercenarios contratados por los japoneses. Luego de probar la dulce victoria, decide abandonar su antigua vida para unirse a los piratas, ganando el sobrenombre “Rock”. Su nueva base de operaciones se encuentra en la ciudad ficticia de Roanapur, al sureste de Tailandia. La ciudad es también punto de reunión de los peores sindicatos criminales del mundo.

Black Lagoon es está ambientada al estilo de las clásicas películas de acción a inicios de los noventas, con multitud de referencias hacia éstas. Utiliza una narrativa por arcos, donde tres o cuatro capítulos forman una historia diferente cada vez. Lagoon Company acepta trabajos dentro y fuera de Roanapur, por lo que a menudo los vemos en todo tipo de misiones que casi siempre terminan con espectaculares balaceras, persecuciones a gran velocidad, explosiones y diálogos baratos.

Los personajes o las secuencias de acción el verdadero atractivo de la serie. El estilo de dibujo y animación son espectaculares, así como la música y efectos de sonido. La serie hace gala de una buena dosis de violencia gráfica: muertes horribles o uso de drogas están presentes sin censura alguna. Los personajes son bastante carismáticos y muy diferentes unos de otros. Cada uno aporta su marca al curso de la historia aunque varios solo aparezcan brevemente.

Una bendición para los vivos, un ramo de flores para los muertos. Con una espada para la justicia, un castigo de muerte para los malvados, así llegaremos al altar de los Santos. En el nombre de Santa María Virgen, que este martillo golpee cada injusticia.

Uno de los puntos negativos de esta obra es la recurrente simplicidad del argumento y lo repetitivo que puede resultar. Los arcos argumentales tienen pocas conexiones entre sí, siguen una estructura muy similar y aunque se nos presentan nuevos personajes muy interesantes a menudo, es difícil percibir un desarrollo en los protagonistas más allá de pequeños flashbacks de su pasado, por lo que siempre vuelven a su estado predeterminado luego de una misión.

Los 12 primeros episodios llevan un ritmo excelente, conocemos a los protagonistas, hay impresionantes secuencias de acción y buenas dosis de humor negro. La segunda temporada, intitulada The Second Barrage comienza con el mejor arco argumental de toda la serie, pero la segunda mitad intenta desarrollar una historia un tanto más compleja que contrasta bastante con los episodios anteriores; sin mencionar que también es el arco argumental más largo, el final de The Second Barrage no cumple con las expectativas.

Luego de 3 años, se decide animar la última parte del manga hasta ese momento en el formato de cinco OVAs intituladas Roberta’s Blood Trail una continuación directa a las dos temporadas anteriores. Las OVAs desarrollan una única historia basada en uno de los rivales más mortíferos de Lagoon Company mientras busca saciar su sed de venganza. De nuevo se intenta establecer una atmósfera aún más oscura con una historia profunda, reuniendo a la mayoría del elenco. Como la segunda temporada, esta tercera es buena, pero inferior a la primera.

Aunque comencé a verla en el idioma original, leer los subtítulos mientras se desarrolla una secuencia de acción te impide disfrutar al máximo la increíble calidad visual. La versión doblada al inglés es superior en muchos aspectos, pues permite que resalte aún más este singular elenco de personajes tan variados, aunque muchos de ellos caigan en clásicos estereotipos. Black Lagoon es un anime extremadamente divertido y recomendable para quien busque una buena serie de acción con tintes realistas, de la mano de un apartado técnico impecable.

Inuyasha

Título Original: 戦国御伽草子 犬夜叉. (Sengoku Otogizōshi InuYasha)
Género(s): Aventura, Romance, Drama, Fantasía, Comedia.
Director: Masashi Ikeda y Yasunao Aoki.
Estudio: Sunrise.
Emisión: 16 de octubre de 2000 – 29 de marzo de 2010
Duración: 193 episodios, divididos en dos temporadas.
Extras: Cuatro películas y un OVA.

La repentina expansión del anime en nuestro país a finales del siglo pasado nos permitió disfrutar de varias series icónicas que terminaron por dejar su marca en nuestra cultura, como el legendario Dragon Ball, Digimon Adventure y los Caballeros del Zodiaco. Existió otra obra intitulada Ranma ½, que más bien era una comedia con tintes románticos cuyo extravagante argumento no tuvo el mismo impacto en los televidentes.

El auge de la animación japonesa en televisión abierta culminó con la llegada del nuevo milenio, reduciendo las trasmisiones a fugaces maratones en fin de semana con horarios inconsistentes. Un buen día, mientras cambiaba rápidamente los canales sin propósito alguno terminé por sintonizar el malsano Canal 7, que para mi sorpresa trasmitía en ese momento una serie de anime con un estilo muy parecido al de Ranma ½. La serie cuenta la historia de un ser híbrido mitad demonio llamado Inuyasha.

Él busca obtener la Perla de Shikon, una poderosa reliquia que otorga poderes sobrenaturales a su portador, para convertirse en un demonio completo. La joya atrae criaturas malignas, por tanto es custodiada por la sacerdotisa Kikyo. Ambos comienzan un romance secreto, pero caen en una terrible trampa ideada por otro demonio. Inuyasha termina durmiendo eternamente debido a un conjuro, y su amada muere, llevándose la Perla consigo al otro mundo.

Quinientos años después, Ahome Higurashi es transportada por el ataque de la Mujer Ciempiés a la “época feudal” a través de un pozo en el templo familiar; allí encuentra a Inuyasha y le libera del encantamiento. Ahome descubre que ella es la reencarnación de Kikyo y debido a su intervención, la Perla de Shikon reaparece cincuenta años después de aquél fatídico incidente, junto con el despertar de muchos demonios que buscan obtener la joya.

Uno de tantos espectros consigue robar la Perla y en un rápido giro de eventos, se rompe en múltiples fragmentos que se esparcen por toda la región. Ahome decide quedarse en el pasado y unir fuerzas con Inuyasha para localizar todos los fragmentos. En su viaje conocen nuevos aliados y enemigos, cuyos destinos están siempre entrelazados por la reliquia. Además de la dura travesía, la protagonista debe regresar regularmente a su propia época para continuar con su vida normal de estudiante.

La trasmisión de la serie no duró más de dos semanas antes de desaparecer para siempre. Cuando al fin tuve la posibilidad de ver televisión por cable descubrí que de hecho ya tenía un buen rato al aire, en el entonces clásico horario nocturno. Logré ver un par de episodios al azar hasta que el bloque de anime desapareció también. Entonces me olvidé de sus existencia hasta hace unos meses, cuando me decidí a conocer el final de ésta historia de una vez por todas.

Yōkai

Inuyasha es la adaptación del manga homónimo creado por Rumiko Takahashi, reconocida artista en el medio y también autora de Ranma ½. La serie tiene esa calidad propia del anime a finales de los noventas, con un estilo  de dibujo dinámico, limpio y con gran calidad en cuanto a banda sonora. Pero lo que en un principio me enganchó al ver esos pocos episodios sueltos hace ya un buen tiempo fueron las voces dobladas a nuestro idioma.

El trabajo de doblaje en Inuyasha es espectacular, realizado indudablemente en México con un elenco de verdaderos profesionales. Son todas esas voces con las que crecimos en los noventas. El doblaje se dejó incompleto en un principio, faltando los últimos siete episodios y los capítulos especiales. Los 26 episodios que conforman la última temporada se terminaron de doblar hace un par de meses este mismo año y probablemente estén disponibles mediante trasmisión on-demand.

Por otro lado, como muchas series de la época que se estrenaron paralelas a la publicación del manga original, la duración del anime es colosal, con casi doscientos episodios, películas, OVAs y especiales. Y es precisamente aquí donde Inuyasha encuentra uno de sus puntos más débiles, el temible relleno. 40 de los 167 episodios originales son relleno en estado puro, con personajes sacados de la manga y pequeñas sub-tramas que no permiten avanzar en la historia.

El principal problema de la primera parte es que la historia es extremadamente repetitiva. Si añadimos más relleno y especiales dobles enfocados en un par de personajes que no representan avance alguno obtenemos una horrible mezcla cuyo principal efecto consiste en sofocar al espectador hasta aburrirlo, en especial cuando nos esperan más de 150 episodios adicionales. El relleno se enfoca en comedia o romance, es aceptable al principio, pero representa un verdadero fastidio más adelante.

Los primeros episodios son magníficos. El mundo en donde se desarrolla está lleno de oscuridad, misterio y leyendas. Se enfocan en reunir a todos los protagonistas así como explicarnos sus motivaciones. A la facción de Inuyasha se suman Shippo, un pequeño zorro demonio, el monje pervertido Miroku y Sango, la exterminadora de monstruos. Kikyo es revivida para seguir con su propia agenda; Koga, un lobo demoníaco y Sesshoumaru, el hermano de Inuyasha buscan volverse más fuertes.

Todos ellos comparten un fuerte resentimiento contra Naraku, principal antagonista de las series. Un demonio con poderes oscuros cuyo único propósito es ver arder al mundo. Conforme cada bando adquiere fragmentos de la poderosa perla, van ganando habilidades para hacerse más fuertes. Naraku termina por obtener la mayor parte y la capacidad de crear nuevos seres que siguen sus órdenes. A su grupo se suman Kanna y Kagura, así como el hermano de Sango, Kohaku, revivido por la Perla.

Aquí comienza un ciclo repetitivo. Naraku obtiene más poder y barre el suelo con los héroes, éstos a su vez se vuelven más fuertes hasta quedar iguales de nuevo. Sango trata de recuperar a Kohaku, pero por alguna razón no lo consigue, Ahome e Inuyasha se vuelven más cercanos, pero Kikyo interfiere en su romance. De vez en cuando ataca otro enemigo sin afiliación, pero rara vez representa una amenaza para los protagonistas y es despachado rápidamente.

Es en estos momentos que otros personajes alejados del conflicto principal aparecen para sacarnos de la pasividad. Sesshoumaru en particular atraviesa un viaje más interesante, donde pasa de antagonista a aliado, sin perder jamás los rasgos que le caracterizan e incluso formando su propia facción que se suma a la incansable cacería de Naraku por sus propios motivos, haciendo alianzas ocasionales con los demás héroes.

Luego de empatar nuevamente con Naraku, el grupo protagonista pierde su rastro y entra a escena un nuevo equipo de villanos: Los Siete Guerreros, malvados mercenarios revividos por la Perla de Shikon. Estos zombis mágicos frenan el avance de Inuyasha y devuelven la frescura a la serie, robando el protagonismo en varias ocasiones con sus personalidades tan variadas. Todos los personajes conocidos desempeñan un buen papel en esta etapa y es muy divertido verlos crecer.

Tras la derrota de Los Siete Guerreros se descubre que también trabajaban para Naraku y que éste se ha vuelto más fuerte tras permanecer oculto durante todo este tiempo. Inicia un segundo ciclo de historia repetida. A la facción rival se suma Hakudoshi, un niño siniestro creado por Naraku que es más fuerte que todo lo visto anteriormente, pero por alguna razón jamás puede acabar con los héroes, a pesar de sus malignas conspiraciones.

En esta etapa es más divertido olvidarse de los protagonistas originales y seguir la interacción entre villanos que resulta ser más interesante por mucho. Kagura y Hakudoshi buscan deshacerse de Naraku, su creador, a la vez que simulan seguir sus órdenes. Se hace evidente que los antagonistas no son una amenaza, pero son ellos quienes realmente mueven la historia. Resulta interesante averiguar cuál será su siguiente plan aunque seguro fracase.

Naraku realiza una serie de experimentos retorcidos para eliminar toda debilidad en su cuerpo, desechando partes que no necesita u obteniendo otras más fuertes. Separa su corazón, que toma forma de niño, y lo oculta con un artefacto mágico. Lleva a los protagonistas a otra de sus excesivamente elaboradas trampas donde la fuerza conjunta de Inuyasha y Ahome termina por superarlo, sin otra opción más que escapar (otra vez). La serie original concluye sin un ganador definitivo.

El Acto Final

La emisión original del anime en Japón terminó en 2004 sin un final en toda regla. En 2008, la autora termina el manga y gracias al apoyo de los fans, un año después se animan los volúmenes restantes de la historia bajo el nombre Inuyasha Kanketsu-hen (犬夜叉 完結編), compuesta por 26 episodios. Por un lado, el argumento soluciona sus principales fallas (repetitivo y muy largo). Irónicamente, a cambio se vuelve confuso en un breve lapso de tiempo.

Kanketsu-hen es como ver un anime completamente diferente. Los grandes adelantos en la industria de la animación se hacen patentes con cada segundo que transcurre en la pantalla. La animación está a la par con series del nuevo milenio y el apartado técnico es de primer nivel. Varios personajes obtienen un diseño más estilizado y actualizado. La mayoría de los involucrados en la serie original vuelven para terminar lo ya empezado.

La historia avanza rápidamente. Las facciones en esta guerra terminan por definirse. Por un lado están el grupo de Inuyasha (compuesto por él mismo, Aome, Shippo, Sango, Miroku y ocasionalmente Koga), Kikyo, Sesshoumaru y Kohaku, quienes forman breves alianzas o siguen por su cuenta, y por otro está la facción de Naraku y sus sirvientes. Todos ellos van coleccionando sus últimos power-ups hasta el momento de la batalla final.

Kanna, Kagura, Hakudoshi y el Corazón de Naraku dentro del Infante son destruidos uno a uno, reemplazados por un último esbirro: Byakuya de los Sueños. Por otra parte, Kikyo es eliminada definitivamente y Koga abandona el conflicto al verse superado. Kohaku y Sesshoumaru hacen una alianza final con los héroes para enfrentar a Naraku, quien usa la Perla para asumir su forma final. Logran vencerle para ganar un merecido final feliz.

Valoración

Inuyasha posee un par de fallas críticas, pero luego de terminar de verla es fácil descubrir porqué al día de hoy conserva su bien merecido séquito de fans, sobre todo en nuestro continente. A pesar de su tremenda duración, cada género que la compone tiene su momento memorable y están en perfecto balance. El romance meloso no desplaza a la aventura, el drama o la acción en ningún momento, sino que logran coexistir en una divertida mezcla.

Es interesante descubrir al final del día que cada personaje tiene razones sólidas para seguir su propio camino, la mayoría de ellos atormentados por la tragedia o el rencor. La comedia no está nada mal, en especial durante las secciones ubicadas en la época actual. El estilo del dibujo es hermoso a la vista y la calidad de animación se mantiene luego de 190 episodios. La música es magnífica, con un tema propio de cada personaje, aunque puede volverse un tanto tediosa en la recta final.

Debido a lo repetitivo del argumento, no es una serie que pueda verse en largas sesiones maratónicas como es común hoy en día, al menos desde mi punto de vista. En cambio, es ideal disfrutarla en dosis diferidas más digeribles aunque nos lleve más tiempo. Gracias a que jamás llega a excesos de violencia o erotismo, también funciona como primer acercamiento al ámbito de la animación japonesa para un público de todas las edades.

Inuyasha es otro clásico contemporáneo proveniente de aquella época en que nuestro país decidió abrirse a nuevos contenidos. Ubicada en un mundo fantástico lleno de vida, cuyos profundos personajes nos hacen partícipes de un viaje memorable, sobre todo los antagonistas, pero al cual debemos proceder con la suficiente paciencia para atravesar (o saltar) todo ese relleno y argumento reciclado que pueden desalentar rápidamente a más de uno.