Freedom

Freedom 1
Título Original: Freedom.
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk/Ciencia Ficción Libertaria, Distopía.
Director: Shuhei Morita.
Estudio: Sunrise.
Emisión: 2006-2008.
Duración: 7 OVA.
Extras:

Freedom Project es un enorme comercial de la sopa instantánea Nissin, pero eso no le resta el ser una genial serie de Ciencia Ficción con un mensaje sobre la aceptación y un drástico cambio en sus escenarios, géneros y argumentos que te dejan sorprendido en cada capítulo. El proyecto contó con la participación de Katsuhiro Otomo en el diseño de personajes y es un excelente ejemplo de que una obra animada puede funcionar perfectamente si tiene una buena historia, aún si es patrocinada por una marca y está saturada de publicidad por emplazamiento.

La calidad técnica es regular, la animación no es tan fluida como cabría esperar y en ocasiones los personajes lucen algo acartonados. La música es buena y el diseño de escenarios es fantástico, con una radical mezcla de esos decadentes escenarios cyberpunkescos repletos de tuberías, muy a lo Otomo, con lugares más pulcros e hipertecnológicos, así como una tierra completamente en ruinas.

Freedom 2

La historia toma lugar en Eden, una colonia lunar, y gira en torno a Takeru, un chico que gusta de las carreras de motos. Él, junto a sus amigos Kazuma y Bismark (Bisu), suele enfrentarse en competencia con Taira, el líder de un grupo llamado Moon Shine. En apariencia esas rivalidades un tanto madmaxianas nos orientan en una dirección, pero un peculiar descubrimiento por parte de Takeru cambia por completo su vida y lo obliga a averiguar cuál es la verdad sobre la tierra, lugar que supuestamente todos creen destruido e inhabitable, pero que de acuerdo al mensaje de una fotografía no es así.

Su búsqueda lleva a los tres chicos con Alan, un anciano que fue parte del proyecto Freedom y vive en los niveles inferiores de Eden. Alan les explica todo lo que sabe sobre la tierra y les ayuda a salir del domo para averiguarlo por ellos mismos. Sin embargo, a las autoridades no parece gustarles la idea de que alguien sepa más de la cuenta y persiguen a los chicos, pero antes de ser capturados, dos de ellos, Takeru y Bisu, consiguen escapar a la tierra en una antigua nave Apolo, donde descubren que no es un lugar inhabitable. Takeru y Bisu viajan entonces hasta Florida para encontrar a la chica de aquella foto.

Freedom 3

Ya en Florida, Takeru y Bisu inician una nueva vida, con nuevos amigos y un mundo entero por conocer. No obstante, Ao, la chica de aquella fotografía que incitara a Takeru a viajar a la tierra está deseosa de ir a la luna para conocer Eden, con el fin de que terrestres y lunares tenga contacto mutuo, además de que con ello lograría el sueño por el que su padre perdió la vida. Para la gente de la Luna la tierra está muerta, pero para los terrícolas aún hay esperanza de que la colonia lunar permanezca con vida. Es así como Takeru, Bisu y Ao deciden retomar el Proyecto Apolo para regresar a Eden.

El trasfondo del que surge la historia y que da origen a la colonia lunar de Eden es muy bueno y se explica directamente al inicio de cada capítulo. No obstante, esos elementos de ciencia ficción se enriquecen con el control absolutista por parte del estado que trata de mantener oculta la vida en la tierra y reprime a sus ciudadanos para mantener una supuesta sociedad ideal, elementos distópico de herencia orwelliana. Aunque en la parte final de la serie veremos que los líderes de la forzada utopía tienen razones de peso para evitar todo contacto con la tierra.

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Algo que me ha gustado mucho de esta serie es el cambio tan drástico tanto de escenarios como de géneros. En el primer capítulo todo luce muy Cyberpunk, con un dejo de anarquía pero con un descomunal desarrollo tecnológico. Vemos lugares oscuros llenos de tuberías, pero también escenarios pulcros y cuasi perfectos, pues se juega mucho con esos contrastes entre lo bajo y decadente y lo perfecto y armónico. Posteriormente todo cambia a una Distopía donde el estado ejerce su poder restringiendo la información que no le conviene que sepa la población, siendo capaz de apresar a ciudadanos inocentes con tal de mantener la aparente perfección.

La relación Cyberpunk-Distopía es muy frecuente, lo que en realidad genera un cambio radical de género es cuando los chicos llegan a la tierra, pues la historia se convierte por completo en una road movie, donde vemos el día a día de los chicos durante su viaje por el sur de los Estados Unidos, en la afamada Ruta 66, hasta Florida. Al llegar a Florida todo adquiere tintes más dramáticos y románticos, pero una vez de regreso en Eden la historia se transforma en Ciencia Ficción Libertaria y vemos una rebelión, a manera de revolución, por parte de los grupos que desean conocer la verdad del proyecto Freedom y viajar a la tierra.

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El anime es muy bueno pues te entretiene y te sorprende con sus inesperados giros argumentales, aunque algunos de ellos resultan un tanto obvios. Tiene acción, romance, drama y un final emotivo. Sus escenarios cumplen al igual que la música y el diseño de personajes, y si bien la animación no es de lo mejor y está plagada de comerciales de la mentada sopa instantánea, sigue siendo una gran recomendación para quien guste de obras como Akira.

Si una forma de obtener ingresos para realizar cualquier tipo de proyecto es recurrir a la publicidad, qué mejor que exponer esa publicidad de forma inteligente y recurrir al emplazamiento en lugar de los comerciales tradicionales. En Freedom es muy evidente la ingesta de la sopa Nissin, pero cuando la historia es lo suficientemente buena como para engancharte, estarás tan atento a lo que pasa que no prestarás mucha atención a los comerciales, o al menos estos no resultarán en extremo intrusivos.

El Viaje de Chihiro

El viaje de Chihiro 1
Título Original: 千と千尋の神隠し (Sen to Chihiro no kamikakushi).
Género(s): Sobrenatural, Fantasía, Romance, Drama.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 2001.
Duración: 125 minutos.
Extras:

El Viaje de Chihiro es quizás la mejor obra animada de Ghibli y es obviamente la más famosa a nivel internacional, tanto que en 2002 le valió ganarse el Oscar a la mejor película de Animación. Pero hablar de Chihiro resulta muy difícil, si no es que imposible, si no se es japonés o al menos lleva uno viviendo un largo tiempo en ese país como para tener conciencia de sus tradiciones y folclor.

La Séptima película de Miyazaki es una oda a la cultura japonés, una perfecta metáfora de la ideología sintoísta, un rito de paso entre la infancia y la adultez, una crítica al exterminio de la naturaleza en pro de la urbanidad, un reflejo de la jerarquizada sociedad nipona y un grito feminista que reivindica el papel de la mujer en la sociedad actual, es un viaje de sentimientos, es todo eso y mucho más.

El viaje de Chihiro 4

La calidad técnica es sencillamente impresionante, los escenarios son un deleite visual desde la primera escena. El diseño de personajes se excelso, pues evita caer en los chiches de buenos y malos y simplemente muestra a un grupo de personas que es como necesita ser para sobrevivir el día a día. Algunos personajes pueden parecer codiciosos, huraños e incluso atemorizantes, pero esa forma de ser no es más que el reflejo de la situación en la que viven. Finalmente, la música es deliciosa, se funde a la perfección con el resto de elementos y nos permite adentrarnos con facilidad en el genial mundo de los baños termales.

La historia gira en torno a Chihiro, quien viaja junto a sus padres hacia la que será su nueva casa. Sin embargo, en el trayecto su padre decide tomar un camino que los lleva hasta un parque abandonado. Pese a las insistencias de la pequeña, sus padres deciden entrar para recorrer el lugar y encuentran un puesto con deliciosa comida que ingieren hasta convertirse en cerdos. Ante tal espectáculo, Chihiro queda desconcertada, pero es advertida por un extraño joven de que debe salir de allí antes de que sea muy tarde. Para desgracia de Chihiro la noche había caído ya y el abandonado lugar se transforma en unos gigantes baños públicos al que empiezan a llegar extrañas criaturas.

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Haku, el joven que anteriormente advirtió a Chihiro, conduce a la pequeña por el lugar y le dice que busque a Kamaji y le pida trabajo, pues con un empleo Yubaba, la bruja dueña del aquel misterioso lugar, no podrá convertirla en cerdo como hizo con sus padres. Chihiro empieza entonces una travesía por aquellos baños termales donde los dioses de todo Japón se toman un descanso de sus actividades. Luego de muchas peripecias la pequeña consigue que Yubaba le de trabajo y firma un contrato, pero la bruja le quita su nombre para así poder tenerla bajo su control. Chihiro, quien ahora recibe el nombre de Sen, deberá esforzarse para mantener su empleo mientras busca la forma de regresar a sus padres a la normalidad.

La temática de los baños y los dioses es la viva esencia de ese folclor japonés tan exótico para occidente, mientras que las situaciones que acontecen con los diferentes dioses son una crítica al deterioro ambiental. Por ejemplo, el dios del rio llega extremadamente sucio a los baños a causa de todas las porquerías que los humanos vierten en sus aguas, mientras que Haku no es más que la representación antropomorfa de un rio desaparecido por la imparable voracidad humana que ya ha acabado con muchos ecosistemas. Esa voracidad y codicia está reflejada también en los trabajadores del baño y el Kaonashi (sin cara) que engulle a quienes se dejan seducir por el falso oro que les promete.

El viaje de Chihiro 2

Otro aspecto importante ya un poco fuera del folclor, los dioses y la ecología es el aspecto social. El baño tiene una férrea estratificación social y cada trabajador cumple un papel esencial, aunque los más pesados y degradantes suelen estar reservados para las mujeres, cosa que es un tanto paradójica si tomamos en cuenta que de hecho es una femenina quien tiene el control de todo. Lo anterior nos deja a las claras dos cosas, que el papel y el estatus de las mujeres ha cambiado, pero que no todas tienen  la oportunidad de ser las grandes damas y patronas, la mayoría siguen atadas a los mandatos de una sociedad patriarcal.

La película es crítica, dura, nostálgica y un poco dramática por momentos, es muy emotiva y al mismo tiempo extremadamente divertida y romántica, te invita a reflexionar sobre las responsabilidades de crecer y de tener empleo, te muestra lo codicioso que puede ser el mundo de los adultos y lo pesado que debe ser para un niño desenvolverse en él, pero también te hacer reír, soñar y fantasear con un mundo fantástico donde la magia impregna todo a su paso y los espíritus y deidades caminan a tu alrededor.

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Para profundizar más sobre el trasfondo sociocultural de Chihiro les recomiendo esta entrada de Kirai, mi bloguero favorito.

Catolicadas

Catolicadas 2

Creador: Católicas por el Derecho a Decidir
Sitio Oficial: Católicas por el derecho a decidir
Otros Sitios: Católicas México

ACLARACIONES

En primer lugar hagamos algunas aclaraciones. No profeso religión alguna ni creo en Dios ni en cualquier cosa relacionada con lo religioso, místico ni sobrenatural; no estoy a favor de las religiones pero tampoco en contra; no me considero ni ateo ni agnóstico. Este ensayo no refleja una postura de apoyo a los profesantes de la religión Católica, ni busca difundir la labor de las Católicas por el Derecho a Decidir, lo que pretende es mostrar cómo a partir de una animación un determinado sector religioso ha expuesto los males que aquejan a su comunidad y que muchos dirigente de la Iglesia se niegan a aceptar.

No realizaré juicios de valor sobre la labor de las Católicas por el Derecho a Decidir, cada uno de ustedes tendrá su opinión sobre el trabajo que ésta organización está realizando, puede que lo consideren correcto y necesario, o por el contrario, puede que crean que son un montón de pseudocatólicos que atentan contra la doctrina de su Iglesia. Tampoco voy a juzgar a la Iglesia Católica por todas las atrocidades que ha cometido desde su creación, nos centraremos únicamente en los delitos y violaciones expuestos en los cortometrajes, ni más ni menos. Finalmente, no abordaré la historia de la Iglesia Católica ni seré excesivamente puntual con los términos y conceptos religiosos, al no haber sido educado dentro de alguna religión los desconozco.

Ustedes son libres de defender su fe y su Iglesia, pero respeten a quienes no estén de su parte o hayan sido afectados por algún padre pederasta. Recuerden una simple cosas: no estoy atacando aquello en lo que creen, sino al sistema que controla aquello en lo que creen.

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LAS CATOLICADAS

Catolicadas nos narra las peripecias de Sor Juana por intentar cambiar la forma en que el Padre Beto conduce la Iglesia, haciéndole ver que debe tener una mente más abierta y no debe aferrarse al caduco dogma que ha regido a la Iglesia desde sus orígenes.

A lo lago de los episodios veremos cómo Sor Juana logra ir cambiando la mentalidad del Padre Beto, así como brindar apoyo y comprensión a los párrocos que buscan su consejo. Sor Juana nos muestra que la Iglesia debe ser un lugar de apoyo y comprensión, sin discriminar a nadie simplemente por no apegarse al estricto canon religioso. La intensión de la pequeña Hermana es que la gente se dé cuenta de que la Iglesia puede cambiar para bien, sin que ello implique deshacerse de sus costumbres ni creencias.

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INÉS DE ASBAJE Y RAMÍREZ DE SANTILLANA

Para quienes no lo sepan, el nombre real de la afamada Sor Juana Inés de la Cruz es precisamente Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santillana, mujer ilustre del siglo XVII en la antigua Nueva España, personaje al que hace referencia la serie Catolicadas y en el que está obviamente basado su personaje principal.

Pues bien, en mi opinión no pudieron hacer una mejor elección para un personaje que carga con todo el peso de la serie y la crítica misma, en otras palabras, Sor Juana es el estandarte de denuncia contra los males de la Iglesia y al mismo tiempo representa un escudo de intelectualidad y erudición imposible de penetrar por fanático religioso alguno.

Sor Juana sirvió a la Orden de San Jerónimo, pero no lo hizo porque fuese una ferviente creyente, sino porque en ese entonces las mujeres o ingresaban al convento o se casaba, no había otras opciones (salvo ser prostituta). Sor Juana decidió enclaustrarse pues era la única opción para estudiar y dedicarse a una actividad intelectual. Y hay que admitirlo, Sor Juana era una verdadera genio y lo podemos apreciar en sus poemas, los cuales hacen fuertes críticas a la Iglesia y al gobierno de los Virreyes, incluso hay quienes la consideran una feminista, pero no pienso adentrarme en esos asuntos.

De cualquier forma, el personaje de Sor Juana está llevado de una manera tan brillante que no hay forma lógica de rebatirle sus comentarios, y para una Iglesia donde la intransigencia es una actitud muy común, la inteligencia y la información son las mejores armas en su contra.

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LOS TEMAS DE DENUNCIA

Muchos han acusado a la serie de sobrexplotar los estereotipos de la Iglesia, pero un estereotipo se origina por la frecuente recurrencia de lo que expone, es decir, si el estereotipo del Padre Beto es el de un cura anticuado, homófobo e intransigente es porque a lo largo de estos años muchos curas (no todos) han sido así y por esa razón se formó el estereotipo.

Los temas de denuncia podrían parecer repetitivos y recurrentes, pero son algunos de los principales males que han afectado directamente a los feligreses, y ya ni siquiera hablamos de los trapos sucios de Iglesia Católica (o ustedes creen que los papas que han venido a México lo hacen por amor a sus fieles, no, ellos viene a vigilar sus negocios. Recordemos que México es de los países que más aportan dinero al Vaticano).

Entrando de lleno en los temas de denuncia nos encontramos con aquellos que todos sabemos de sobra: La penalización de aborto, el estricto dogma de que la familia nuclear es la única aceptada por Dios, la intolerancia ante la diversidad sexual, la estructura patriarcal de la Iglesia, el machismo, la falta de educación sexual, las denuncias de pederastia, entre muchos otros.

Pese a todos estos problemas la pequeña Sor Juana intenta darnos alternativas que eviten los malos tratos sin que con ello se renuncie a la fe. Nos dice que la Iglesia no debe excluir a las mujeres de participar en labores o cargos religiosos; que las relaciones sexuales no son sólo para la reproducción, sino para disfrutar de ellas y demostrar amor; que una mujer tiene el derecho de decidir sobre su cuerpo y no debe ser castigada por abortar; que la diversidad sexual no es algo malo y que tenemos el derecho de denunciar a los padres que abusen sexualmente de cualquier persona.

Todo esto puede parecer muy obvio, pero el punto importante es que todo aquello que Sor Juan defiende lo sustenta en documentos religiosos en donde la propia Iglesia ha plasmado su postura frente a determinados temas. El problema es que parece recurrir siempre a los mismos, lo cual puede hacernos pensar que son los únicos que defienden la libertad de elección, dejando en el resto de documentos la posibilidad de que las autoridades eclesiásticas abusen de su poder. Incluso parece como un abogado tratando de defender a su cliente con base en un sólo párrafo de una única fracción de un mismo artículo, con el resto de la ley en su contra. De cualquier forma no podemos quitarle mérito a la serie y debemos aplaudir el esfuerzo que realiza.

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… EL POST HA TERMINADO

Para cerrar este post no me queda más que decirles que sean o no creyente deben darle una oportunidad a la serie, pues entre sus muchas virtudes y genialidades está el hecho de que no trata de meternos la religión a la fuerza ni de lavarnos el cerebro, ni siquiera busca convencernos de ser católicos, no está entre sus objetivos, únicamente busca denunciar los males de la Iglesia desde dentro de la misma Iglesia, pues básicamente los males que denuncia sólo afectan a los profesantes católicos y no al resto de nosotros; cuando mucho lo que la organización intenta con estos videos es no perder más creyentes.

Como podemos ver, el uso de la animación ha facilitado tocar temas “espinosos” que mediante cualquier otro medio serían muy difíciles de abordar, lamentablemente la serie ha tenido que enfrentar críticas de los sectores católicos más conservadores del país. Tampoco está de más recordarles que ser mexicano no significa ser católico y la Iglesia existe únicamente para satisfacer las necesidades espirituales de sus feligreses, no para juzgarlos.

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Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo

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Título Original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版: Q (Wevangelion Shin Gekijô-ban: Kyû).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Khara, Gainax.
Emisión: 2012.
Duración: 106 minutos.
Extras: Rebuild of Evangelion 1.0: You Are (Not) Alone, Rebuild of Evangelion 2.0: You Can (Not) Advace.

Catorce años han pasado desde que Shinji iniciara el Tercer Impacto al final de la segunda película, el cuartel general de Nerv fue destruido y sus ex miembros abandonaron la compañía para forma Wille, una organización encargada de exterminar a los Evas creados por Nerv con el fin de evitar el Cuarto Impacto.

El inicio del filme nos sitúa en el espacio, donde una demacrada Asuka con un parche en el ojo izquierdo realiza asombrosas maniobras sobre su igualmente desgastado Eva 02 para recuperar un extraño objeto (el teseracto) de la estratósfera, mientras Mari la cubre en su flamante y rosado Eva 08. El resultado de la misión es un Shinji extraído con éxito de las entrañas del Eva 01, pero ya nada es como nuestro tercer elegido lo recuerda, sus antiguos amigos y compañeros de trabajo se muestran hostiles hacia él y no alcanza a entender por qué todos lo ven con rencor.

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Mientras Shinji trata de entender que ha pasado en los catorce años que ha estado ausente, un Eva, o lo que parece ser una nueva versión del Eva 00, ataca la nave de Wille, conocido como la AAA Wunder. Pero el nuevo enemigo es en realidad el Mark 9 pilotado por uno de los tantos clones de Rei, quien se lleva a Shinji al derruido geofrente donde se reencuentra con su padre y Kaworu Nagisa, quien parece recordar viejos vínculos con el joven piloto, como si ya se hubiesen conocido en otra ocasión.

Shinji pasa los días con Kaworu, quien le explica que él provocó el Tercer Impacto, pero que juntos pueden arreglarlo todo si bajan a donde yace el cuerpo de Lilith y le extirpan las dos lanzas que acabaron con su vida, Longinus y Cassius. Los días pasan mientras Shinji y Kaworu esperan a que el Mark 13 esté listo, pero sus intenciones de arreglar las cosas se ven coartadas por los planes de Gendo, quien incluso ya ha sobrepasado los designios de Seele para lleva a cabo el Proyecto de Instrumentalización Humana.

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Mientras Shinji recupera las lanzas y ve con terror cómo su ego está por provocar el Cuarto Impacto, Kaworu reflexiona sobre el principio y el fin de Lilims y Adams, para otorgar su vida (nuevamente) a fin de ayudar a Shinji. Con la explicación metafísica de Kaworu en segundo plano y la revelación de que Shinji es el treceavo ángel, Asuka y Mari tratan de detener el Cuarto Impacto, pero su poder no es suficiente, para fortuna de todos, la gigantesca nave de Wille posee el poder de aniquilar dioses, en este caso, al mismísimo Mark 13.

El Cuarto Impacto se ha evitado, Trabis ha dado su vida por Shinji, y Rei despierta de su letargo y se cuestiona sobre quién es ella, acaso es un clon de Yui, parte de Lilith o alguien más. Los planes de Gendo quedan truncados de momento, los Evas restante están sin energía y Rei, Asuka y Shinji deben caminar por la desolada tierra hasta un punto donde puedan ser rescatados regalándonos una postal que rememora los primeros capítulos de la vieja serie de televisión, donde una narcisista Asuka de catorce años, y no la ahora casi treintañera pelirroja, ladraba ordenar a una callada Rei y a un pasivo y desencantado Shinji.

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SOR-PREN-DENTE. Rebuild 3.0 (o 3.33) es sencillamente sublime, pero ya no es Evangelion, bueno, es y no es. 1.0 y 2.0 tienen esa esencia nostálgica de la vieja serie, pero Redo es completamente otra cosa, se desliga de todo lo anterior, pero manteniendo elementos que sólo se explican con todo lo anterior. Es complicado describir la sensación que me causó ver esta tercera entrega, pues por una parte hay cosas que son una reconstrucción de algo que ya vimos, pero por otro lado hay cosas tan nuevas que uno se siente extraño al verlas, justo como Shinji debió sentirse al llegar a Wille.

La primera parte del filme es un choque brutal para el Eva-espectador veterano, uno reconoce todo lo que hay, pero ya nada tiene esa calidez de familiaridad que aún se observa en Jo y Ha. Además, resulta muy difícil entender, hasta que las oportunas explicaciones de Nagisa nos lo aclaran, qué está pasando. Pero aún con todo ese desconcierto, aún con todo lo viejo y todo lo nuevo, hay algo que Evangelion sigue generando y eso es emoción. Evangelion Q me hizo sentir la misma emoción, el mismo interés, la misma sorpresa y expectación que cuando vi NGE por primera vez. Pero reitero, Rebuild 3.0 ya no es el viejo Eva, ya no es Eva, pero al mismo tiempo lo sigue siendo.

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Entre las novedades que encontramos está Wille, y todo lo que eso implica: una Misato seria y que comanda a todo el grupo con mano férrea; una Ritsuko de pelo corto algo más fría de lo habitual; un grupo de combatientes completamente nuevo; la hermana de Touji; Maya, Shingeru y Aoba con más experiencia; la sorpresa de que ni Asuka ni Mari han envejecido por alguna extraña razón, y un sorprendente barco flotante con el poder de exterminar dioses. Los Mark son otra inclusión que ya habíamos visto en las dos entregas anteriores, pero aquí por fin toman un papel esencial. El geofrente en ruinas es visualmente impresionante y las referencias a Lilims, Adams, la cámara de Gauf y el Proyecto de Instrumentalización Humana regresan a escena.

Algo muy destacable para los seguidores más meticulosos es el walkman de Shinji. Cuando Rebuild se estrenó, algunos criticaron el hecho de mantener una tecnología tan de los 90 en lugar de usar un dispositivo más moderno, pero todo se aclara cuando en Q nos explican que ese aparato era del padre de Shinji. Pero lo importante es que en las dos películas anteriores, y en la serie, siempre se destacaban las canciones 25 y 26, que son una alusión a los capítulos finales, tanto a los metafísicos de la serie original como a los finales cronológicamente reales que vemos en EoE. Aquí vemos reproducirse la pista 28, esto significa que ya estamos en el capítulo 28, pero que nos saltamos el 27, pues ese toma lugar durante los catorce años que Shinji pasa dormido en el Eva 01, o al menos es lo que yo creo. Hablando de teorías, cuando reseñé You Are (Not) Alone, dije que para mí, todo Rebuild ocurría después del Tercer Impacto en EoE, ahora no estoy tan seguro, pero será hasta la última entrega que pueda o no constatarlo.

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Otra de las cosas que se mencionan son la absorción de Yui por parte del Eva 01, pero eso es algo que ya estaba claro desde la saga original; Ayanami como clon también ya estaba muy claro. Lo que si agrega muchísima complejidad es que Shinji es el ángel número trece y que Kaworu actúa como si para él todo lo vivido en la serie original hubiera pasado en realidad, en otras palabras, Nagisa en el único vínculo real que une a las dos sagas. Los ángeles artificiales de Seele, el modo 777 que convierte al Eva 02 en una furiosa bestia de batalla (incluso más que el modo “The Beast” que vimos en Ha), el Wunder donde todo el puente se sincroniza en un gigantesco Entry Plug y el Mark 13 que usa dos pilotos son los atractivos extra que nos ofrece Kyû.

Evangelion es y será el titán de titanes, y ya sea que prefieran la serie original o la reconstrucción, nunca dejará de sorprendernos. Cuando yo vi Neon Génesis por primera vez seguí viendo anime con la esperanza de encontrar otra serie que produjera en mí los mismos sentimientos de reflexión, emoción, melancolía y soledad que me hizo sentir la serie de televisión y después de muchos años y muchas series vistas por fin la encontré, se llama Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo. Ver una serie o película y sentir el cansancio emocional como si hubiésemos vivido en persona las aventuras que vimos en pantalla, son el mejor síntoma de que estamos ante una serie de muchísima calidad.

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Disfrutando el Anime con Kill la Kill

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Cuando Vossk reseñó Kill la Kill hace algunos meses, se dedicó a hostigarme insistiéndome en que la viera, algo que actualmente agradezco, pues hace mucho tiempo, quizás años, que no había disfrutado de una serie como lo hice durante las semanas que me tomó terminarla. La serie no es sólo el despliegue brutal de batallas, poderes y giros argumentales inesperados que te dejan con cara de “¿qué acaba de pasar aquí?”, sino que su calidad técnica, la rareza de su argumento y los inverosímiles personajes que rayan en lo absurdo, te dejan pegado al televisor desde el primer capítulo. Sin embargo, no fue el hecho de que la serie sean tan grandiosa lo que me permitió disfrutarla como hace mucho no disfrutaba el anime, sino la libertad que tuve para verla sin tener que prestar atención a cada detalle para reseñarla en el blog.

Cuando empecé a escribir reseñas lo hacía a partir de lo poco que recordaba de las series que había visto, algunas de las primeras fueron escritas hasta con un año de diferencia entre la fecha en que la vi y el día en que se publicó, lo cual hacía que muchos de los aspectos esenciales quedaran sin mencionar. Actualmente cuando veo una serie o película lo hago con pluma en mano, una libreta al lado y el control remoto listo para pausar en caso de que necesite detener la acción para apuntar algo importante o volver a ver algo que no me quedó claro. Por supuesto, esto me impide reseñar obras que haya visto en el cine o en la televisión, pues no tengo la facilidad para apuntar ideas que considero importantes en el momento que surgen.

Kill la Kill 2

Cuando tenía diecisiete años veía dos o tres serie de anime al mes, actualmente veo cuatro o cinco por año. La diferencia es que para ofrecer a los lectores contenido de calidad tengo que poner más atención de la que normalmente cualquier persona poner al ver televisión, lo que termina por ser agotador teniendo en cuenta el tipo de historias que me gusta abordar. Esa manía por escribir reseñas que no copien lo que ya existen en miles de blogs ha hecho que deje de disfrutar el ver anime como lo hacía antes, como cuando estaba en preparatoria y no me preocupaba por desglosar los trasfondos argumentales.

Ver Kill la Kill me remontó a esos años de adolescencia, a los tiempos donde sólo me preocupaba el dejarme atrapar por la historia y no el analizar cada aspecto de esta. Estar sentado en el sillón, sin la presión de leer cada diálogo o tratando de que ninguna escena pase inadvertida fue de lo más reconfortante que he experimentado en los últimos años con lo que respecta a mi experiencia como telespectador. Agradezco a Vossk el obligarme a verla y exhorto a los lectores a que le den una oportunidad a tan genial obra animada, que sin duda, pasará a ser una de las mejores animaciones japonesas de esta década.

Kill la Kill 1

Evangelion y mi inmersión en el anime

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Cuando iba en la escuela secundaria (2002-2005), teníamos en la familia una vieja computadora Windows 98 de esas armadas que eran muy comunes en la década de los noventa. Nadie de mi familia sabía aprovecharla realmente, nos limitábamos a usarla como máquina de escribir. En ese entonces prácticamente nadie tenía internet en sus casas y sólo un par de cafés-internet brindaban ese servicio; yo no tenía idea de cómo navegar en la red, ni tenía correo electrónico y lo más que sabía hacer para obtener información era consultar las viejas y hoy extintas versiones de Encarta. Lo que hacíamos en ese entonces para compartir información, imágenes, videos y juegos era quemar nuestros propios CD o intercambiar los viejos discos de 3½ (eran esos que hoy sólo pueden verse en el ícono de “guardar” de Word). Y sí, sé que para esas fechas ya todos escuchábamos música en discos y sólo algunos de nuestros padres guardaban sus viejos casetes (aunque a mí todavía me tocó tener walkman e incluso de pequeño llegue a escuchar discos de acetato, nací en 1990), pero en lo que respecta a la computación, México siempre ha estado un par de décadas por detrás de los países más desarrollados.

Como mi computadora ya era muy arcaica, se descomponía casi cada fin de semana; la impresora tenía la manía de desconfigurarse cada que yo tenía que imprimir una tarea de la escuela. Tratando de palear los desperfectos, frecuentábamos un café internet que además ofrecía servicios de reparación, regenteado por uno de esos técnicos en informática cuyo nivel de conocimiento era comparable al de cualquier chavo actual de preparatoria. En una de tantas, el tipo ese le metió un montón de imágenes y un juego súper genial del que me volví un fanático y que me dejó muchas horas de diversión con mis amigos de preparatoria, Age of Empires II. Entre las imágenes habían muchas de Dragon Ball y otras series que había visto, pero de otras no tenía ni idea. Sin embargo, dos imágenes llamaron mi atención de entre los cientos que ahora tenía mi computadora. La primera de ellas era una imagen de Asuka Langley tocando el violín con las leyendas “Asuka” y “nostalgia” (La segunda imagen de este post), la otra era una imagen del álbum Der Mond de Yasuhiro Yoshiura donde se ve al Eva 02 de fondo en una ciudad derruida con Asuka en primer plano (la tercera imagen del post); también había otras imágenes de Evangelion parecidas a la que encabeza esta entrada, donde se ven tanto a los tres pilotos como a sus respectivos Evas. En ese entonces yo imaginaba que se trataba de una serie donde los Evas (que yo no sabía que se llamaba así) era extraterrestres que invadían la tierra y los niñitos (Rei, Asuka y Shinji) tenían poderes y los combatían.

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El tiempo trancurrió y la vieja computadora pasó a mejor vida. Afortunadamente, en un aguinaldo de 2004, mi mamá decidió comprarme una computadora nueva, pues no quería estar batallando cuando entrara a preparatoria el año siguiente. Así fue como obtuve mi primera PC de marca, una HP con Windows XP que aún hoy conservo con mucho cariño pese a no usarla más. Ya que entré a la preparatoria también contratamos servicio de internet, pero no con wifi como ahora, sino con las tarjetas prepagadas de Todito que requerían conexión mediante vía telefónica (Dial-up) e impedían usar el teléfono cuando estabas conectado. Sí, era ese que se conectaba haciendo una llamada y generando un peculiar sonido que muchos recordamos con nostalgia. Con ese internet que corría a 56k pude buscar la palabra “Asuka”, pues era lo único que recordaba de aquel grupo de imágenes que tanto me impactó. Descubrí que la serie se llamaba Neon Génesis Evangelion y que en nada tenía que ver con lo que yo imaginaba.

En diciembre de 2006 yo caminaba hacia mi casa cuando al pasar por un puesto de videojuegos y anime pirata vi una portada que decía Evangelion, me detuve de inmediato y compre la bolsita de plástico con su disco al interior, los veinte pesos mejor gastados de mi vida (aunque de hecho ya no recuerdo cuánto costó en realidad). Esa misma tarde, en punto de las 18 horas, empecé a verla y no me detuve hasta terminar el capítulo 26 a eso de las 2 de la mañana. La serie era la versión original con el doblaje original en español, y además incluía las dos películas (Death and Rebirth y The End of Evangelion) aunque en español de España, que vi la mañana siguiente en compañía de un primo que casualmente llegó a mi casa y que al igual que yo quedó impactado con las imágenes que tenía en pantalla. Ver toda la serie de corrido me resultó tan impactante que desde ese momento quedé inmerso en el mundo de la animación hasta el día de hoy.

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Con el paso del tiempo empecé a leer todo lo que encontraba sobre Evangelion en internet y a recopilar todas las imágenes que podía (actualmente tengo una carpeta con más de cinco mil imágenes distintas entre capturas, artwork y fanart). Como consideraba a la serie algo maravilloso, creí que no necesitaría ver nada más el resto de mi vida, antes de terminar el año ya la había visto unas tres veces. Sin embargo, al llegar enero ya buscaba en los café internet, pues habíamos dejado de usar Todito, información sobre Love Hina, la segunda serie de anime que vi; la tercera fue Elfen Lied y la cuarta Serial Experiments Lain.

La densidad argumental y la calidad de esas primeras series me llevaron a interesarme por la Ciencia Ficción y el Cyberpunk. Para junio de 2007 había visto tantas series que decidí abrir un blog para reseñar todo lo que veía y poder recordar de qué trataba cada obra, como una especie de bitácora personal pero compartida con todos los internautas; también asistí a mis primeras convenciones en compañía de mi primo, quien al igual que yo empezó a ver anime gracias a Evangelion, aunque después de cuatro o cinco veces me arté de que cada convención fuera lo mismo y dejé de asistir. Así caí, sin quererlo y gracias a un no tan buen reparador de computadoras, en el mundo del frikismo y la animación.

Komaneko

Komaneko 1

Título Original: こまねこ (Komaneko).
Director: Tsuneo Goda.
Género(s): Kemono, Comedia, Fantasía.
Estudio: Animación independiente.
Emisión: 2006.
Duración: 60 minutos.
Extras:

¿Qué puede ser más tierno que un adorable gato hecho en Stop Motion haciendo sus propios cortos de Stop Motion? Komaneko es un filme japonés que aglomera cinco historias, a manera de pequeños cortometrajes independientes, sobre Koma-chan, un pequeño y creativo felino que debe sortean numerosas dificultades a fin de crear su propio cortometraje animado con su vieja cámara de 8mm.

La calidad de animación es excelente y ese diseño infantil, un tanto europeo, le da un toque de ternura inigualable, que pese a estar destinado a un público infantil no deja de ser gracioso para los mayores. La música es igualmente tierna y aunque es repetitiva es difícil hartarse de escucharla. Los diálogos son lo mejor del mundo pues se limitan a breves maullidos usados en el momento correcto, el resto de la historia no necesita de voces para ser contada.

Komaneko 2

La película va alternando secuencias hechas con maquetas y marionetas con otras mucho más sencillas hecha con claymation sobre un fondo pintado. Las partes que requieren set tienen escenarios muy detallados y realistas, mientras que las otras únicamente usan un fondo pintado o hecho con plastilina, pero ambas son buenas y muy entretenidas. Aunque eso sí, las imágenes filmadas en escenarios que parecen casitas de muñecas son fabulosas.

Si son de esas personas que gustan de ver animaciones que destila ternura, pero sin excederse, esta obra es para ustedes, y si son simples amantes del Stop Motion tampoco se la pueden perder, pues la calidad de detalles de algunos escenarios es algo que seguramente les fascinará. Además, el final alcanza tintes tan dramáticos y emotivos que te deja sin palabras.

Lluvia de Hamburguesas

Lluvia de Hamburguesas 1

Título Original: Cloudy with a Chance of Meatballs.
Director: Chris Miller y Phil Lord.
Género(s): Comedia, Ciencia Ficción.
Estudio: Sony Pictures Animation.
Emisión: 2009.
Duración: 90 minutos.
Extras:

Con un nombre que ya nos evoca algo cómico y curioso, Lluvia de hamburguesas ha logrado abrirse paso entre los filmes animados de los últimos años y se ha colocado en el gusto del público de manera decorosa, tanto que el año pasado se entrenó la segunda parte, la cual pasó sin pena ni gloria si la comparamos con otras segundas partes (Cómo Entrenar a tu Dragón) estrenadas también en los últimos años.

La calidad de animación y el diseño de escenarios son buenos, los personajes se estereotipan no porque caigan en cliché o estén mal construidos, sino porque responden a las necesidades de la historia, que por momentos requiere seguir una fórmula de fracaso-amor-superación muy trabajada en las grandes producciones pero que finalmente da resultados. La música es agradable y atinada, no sobresale mucho pero cumple perfecto en la ambientación.

Lluvia de Hamburguesas 5

La historia gira en torno a Flint Loco, un joven inventor que desde niño a tratado de crear algo que ayude a las personas y le permita a su padre estar orgulloso de él, pero lo único que ha conseguido son una serie de experimentos fallidos. Cuando parece que su vida estará destinada al fracaso, su más reciente creación, una máquina que crea comida usando agua, causa una catástrofe que destruye el más reciente proyecto para salvar al pueblo de la miseria. Sin embargo, la máquina de Flint termina en la estratósfera y desde allí crea precipitaciones de comida, lo que resulta la forma perfecta para que la economía del pueblo se levante.

Los habitantes de Isla Mascabocado y su alcalde no paran de pedir variados menús a Flink para que los haga llover, mientras que la reportera del clima, Sam Chispas, difunde la noticia por televisión. El pueblo adquiere fama a nivel internacional y Flink logra el respeto de todo el pueblo, excepto de su padre. Para su mala fortuna, la máquina se sobrecaliente y la comida muta en una súpertormenta de alimentos que amenaza con destruir la isla entera. Ahora será misión de Flint, Sam, la celebridad local “Baby” Brent y el camarógrafo Manny, apagar la maquina antes de que destruya al mundo entero.

Lluvia de Hamburguesas 2

La historia es sumamente fantástica y tanto los argumentos como el diseño en general están enfocados para un público infantil al que trata de dejarle un mensaje de superación. No obstante, lo más destacable es que no se trata de aceptar a los otros, sino aceptarnos a nosotros mismos. Todos los personajes en algún momento tienen que afrontar su realidad y eso hace que terminen por superar sus defectos y errores, en otras palabras, vemos un genial crecimiento en todos ellos.

Además del obvio mensaje de autosuperación, tenemos varias críticas sociales. Una de ellas nos muestra que la presión social puede llegar a alejarnos de nuestros sueños cuando estos son menospreciados o mal entendidos. También está la avaricia de las autoridades que buscan su enriquecimiento a costa del pueblo al que supuestamente deben servir, no en balde esa genial analogía del político gordo. Finalmente, hay un guiño a la cultura del desperdicio que impera en Estados Unidos y que va de la mano con el mal manejo que se hace con los desechos.

Lluvia de Hamburguesas 6

En otra ocasión ya había hablado del “cameo latino”, que no es otra cosa sino la presencia de personajes latinoamericanos en obras de ciencia ficción estadounidense debido a que los inmigrantes ilegales están presentes en cada vez más rublos laborales. Aquí tenemos a Manny, un médico y copiloto guatemalteco que dejó su patria por buscar el sueño americano como camarógrafo de noticias.

La película es para niños, pero como muchas cosas destinadas al público infantil, tiene un trasfondo un poco más complejo que entretendrá a los adultos, aunque en lo personal no creo que sea tan recomendable para aquellos adultos serios que reniegan de ver animación, para quienes sí nos gusta ver caricaturas, es una excelente opción.

Corpse Party TS

Corpse Part TS 1

Título Original: コープスパーティー (Kôpusu Pâti).
Director: Ajira Iwanaga.
Género(s): Sobrenatural, Gore, Terror, Ecchi, Seinen.
Estudio: Asread.
Emisión: 2013.
Duración: 4 episodios.
Extras: Corpse Party MF.

Corpse Party: Tortured Souls son una serie de ova basadas en la franquicia de videojuegos del mismos nombre, de los que existen siete historias diferentes y cinco mangas, además de otro pequeño ova de 11 minutos lanzado en 2012 titulado Corpse Party: Missing Footage, que nos muestra una serie de escenas con mucho fan-service y que sirven de previo para la historia que posteriormente veremos en TS.

El diseño de personajes es bueno aunque el estilo no resulta diferente al de las animaciones comerciales de los últimos años. La personalidad de los protagonistas muestra una enorme variedad algo estereotípica pero que da juego para que los terroríficos sucesos puedan desarrollarse. Tanto el diseño de escenarios como la banda sonora son muy buenos y logran una ambientación que te sumerge dentro de una escuela embrujada llena de espíritus sedientos de venganza.

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La historia gira en torno a nueve protagonistas, sietes estudiantes de la academia Kisaragi, una profesora de esa misma escuela y la hermana pequeña del héroe principal. Sus problemas comienzas cuando hacen el ritual de Sachiko por siempre, con el que pretenden sellar su amistad ya que una de sus amigas está por mudarse de ciudad. Para su mala fortuna, algo sale mal y son trasportados a Heavenly Host, una lúgubre escuela del pasado plagada de fantasmas de niños asesinados.

Mientras buscan una salida, nuestros personajes deben enfrentar a los enfurecidos espíritus, lidiar con el terror que se apodera de sus mentes hasta llevarlos a la locura y evitar morir de una forma horrible. Mientras luchan por su vida, descubren pistas sobre lo que en realidad pasó hace varios años en ese lugar y la forma en que pueden regresar a su mundo, para ello deberán apaciguar el alma de los muertos, regresarles sus lenguas mutiladas y obligar al asesino a confesar su crimen.

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La historia tiene muy buenos giros argumentales que logran sorprender al espectador, pero uno de los puntos más interesantes es el manejo de los multiversos fantasmagóricos a los que llegan los protagonistas. Al parecer existen diferentes realidades en esa escuela embrujada y eso evita que los personajes interactúen de forma directa. No obstante, el manejo narrativo va superponiendo los sucesos y poco a poco entenderemos que algunos de los eventos que no tuvieron explicación en la historia de un par de personajes son porque ocurrieron en el contexto de otros personajes que están en un espacio diferente.

La historia puede ser un poco compleja al principio pero rápidamente entenderemos porque pasaron cosas que en un principio no tuvieron sentido. Además, cabe aclarar que como en toda historia de terror con muchos protagonistas, estos van muriendo paulatinamente, pero sus muertes están perfectamente dosificadas y llegan en el momento menos esperado.

Corpse Part TS 3

La historia va in crescendo con forme pasan los capítulos, y aunque al principio puede parecer algo lenta, una vez que nos hemos dejado envolver por la atmósfera de terror y permitimos que las escenas sugestionen nuestra mente, tendremos un espeluznante espectáculo frente a nosotros. El manejo del terror, eso sí, es muy japonés, pero para los fanáticos del anime acostumbrados a los patrones culturales nipones, funcionará perfectamente.

Un elemento clave en la construcción del terror y que es un recurso básico en las obras orientales, es el uso de niños. En este anime los fantasma son infantes asesinados, y el máximo exponente lo tenemos en Sachiko, una niñita atormentada que desata toda su maldad contra los protagonistas. A diferencia de occidente, donde los niños aparecen la mayoría de las veces como víctimas, en oriente son ellos lo que nos producen miedo.

ParaNorman

ParaNorman 1

Título Original: ParaNorman.
Director: Chris Butler y Sam Fell.
Género(s): Sobrenatural, Comedia, Terror.
Estudio: Laika.
Emisión: 2012.
Duración: 92 minutos.
Extras:

ParaNorman es, en mi opinión, una de las dos mejores películas animadas en Stop Motion de todos los tiempos, la otra es, para regocijo del estudio Laika, Coraline. Argumentalmente ambas historias son del mismo nivel, quizás Coraline es mejor por momentos, pero visualmente y en cuanto a nivel de detalle creo que ParaNorman tiene el primer lugar, pues su estética mezcla la modernidad del mundo actual con un dejo de nostalgia que nos remite por ahí de los años 70, cuando el cine de terror Serie B dominada la gran pantalla.

La calidad visual es impactante, súper realista e impecable, y el hecho de saber que fue animada cuadro por cuadro incrementa aún más su calidad. Los pequeños y cuasi imperceptibles detalles en los escenarios son un verdadero deleite para el cinéfilo más exigente y esos cambios en la cromática que enfatizan el ambiente de terror son perfectos. La música es muy buena, pero incluso ella se ve opacada con la calidad visual. Los personajes están diseñados de manera grandiosa, pues retoman a un grupo muy diverso de jóvenes cuyas habilidades conjuntas les harán salir adelante, y aunque suena a cliché, su construcción tiene la suficiente originalidad para no serlo.

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La historia gira en torno a Norman Badcock, un solitario niño que tiene la habilidad de ver y hablar con fantasmas. Norman vive la desgracia del rechazo por parte de sus vecinos y compañeros ya que lo consideran raro, incluso sus padres no logran entenderlo. A pesar de ello entabla amistad con un simpático y regordete chico, Neil Down, a quien la capacidad sobrenatural de Norman le parece fascinante. Para desgracias de Norman, su tío, que posee la misma habilidad, muere inesperadamente, pero antes de dejar este mundo le encomienda la misión de proteger al pueblo de la maldición de la bruja mediante un ritual especial que deberá realizar esa misma tarde.

Durante el resto de la película veremos como Norman, su hermana Courtney, Alvin (el chico malo), Neil y su hermano mayor Mitch, se enfrentan a los zombis y tratan de revertir la maldición de Agatha, una bruja ejecutada 300 años antes en esa ciudad y que sólo planea vengarse de quienes la juzgaron.

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En apariencia pareciera que el argumento abusa del tema del chico que es molestado simplemente por ser diferente a fin dar un mensaje de superación, algo que hemos visto innumerables veces, pues siempre es el introvertido quien es puesto en una peripecia que lo convertirá en héroe. Para nuestra fortuna, la trama va más allá y nos deja ver las atrocidades que somos capaces de hacer por miedo a lo que no entendemos.

Con forme la historia avanza, nos alejamos del cliché del chico buleado y nos centramos en un pasado oscuro y una venganza de ultratumba que mantiene maldito al pueblo, un poco como Silent Hill. La intención es obvia, darnos una enseñanza moral matizada con bien pensados giros argumentales que incrementan la tensión y nos sitúan en un torbellino de acción, terror y un diseño artístico impresionante.

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Durante todo el filme vemos numerosos guiños a los clásicos de terror como Jason Voorhees, las obras de Geroge A. Romero, Psicosis y Poltergeist. No bastando con todas esas referencias, al final vemos un breve pero contundente mensaje sobre la diversidad sexual que es obviamente necesario y debería ser natural en películas ya sean para adultos o para niños. De hecho, durante todo el filme, lo que se busca es precisamente exponer un mensaje sobre la aceptación de todo aquello que es diferente.

ParaNorman es la adaptación perfecta del cine de Zombis y el terror en general para el público infantil, pues no sólo retoma la esencia más pura del género, sino que la combina con un mensaje sobre aceptación, diversidad y tolerancia que es muy necesario en la infancia de hoy en día.

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