Autor: Cuauh

Eden of the East

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Título Original: 東のエデン (Higashi no Eden).
Género(s): Psicológico, Thriller, Romance.
Director: Kenji Kamiyama.
Estudio: Production I.G.
Emisión: 2009.
Duración: 11 Episodios.
Extras: Air Communication, The King of Eden, Paradise Lost.

Escrita y dirigida por Kenji Kamiyama, director de obras como Ghost in the Shell, Eden of the East es una de las series más inteligentes de los últimos años, pues su enfoque psicológico y sus misteriosos e inconclusos argumentos logran atrapar con mucha facilidad a casi cualquier espectador, sobre todo porque lo obligan a intentar descifrar los misterios de la historia y resolver los acertijos que giran en torno a los múltiples personajes.

La calidad visual es asombrosa, pues presenta minuciosos y muy detallados escenarios urbanos que por sí solos logran una gran ambientación incluso sin el apoyo sonoro. La música es igualmente buena, con un toque moderno y alternativo. Por su parte, los personajes están bien diseñados y sus personalidades son creíbles y muy agradables.

La historia gira en torno a Akira Takisawa, un joven que al parecer se borró la memoria y que es parte de un extraño juego en donde doce individuos son seleccionados por Mr. Outsider para ser los seleção, un grupo de personas a quienes se les ha entregado un celular cargado con 10 mil millones de yenes y con el que pueden hacer lo que quieran mientras tengan saldo; su misión es salvar a la sociedad japonesa usando ese dinero.

Akira aparece desnudo frente a la Casa Blanca y conoce a Saki Morimi, una joven recién graduada que pertenece a un club de reciclaje integrado por desempleados, quienes desarrollaron un programa en internet de reconocimiento de imágenes. A partir de ese momento el destino de Saki y Akira queda fuertemente unido, y mientras Saki busca empleo, Akira intenta descubrir la verdad sobre su pasado, los misterios que encierra su peculiar celular y la relación que él tiene con el Lunes Descuidado, un extraño acto terrorista que lanzó varios misiles al centro de Tokio. Así, la serie se convierte en una complicada teoría conspiracional.

La historia es compleja, pero el desarrollo argumental lo es aún más, pues en todo momento el espectador se ve obligado a inferir la verdad sobre el pasado de Akira, además de que la tensión constante y el suspenso característico que manejan los thriller obliga a prestar atención a cada diálogo y cada escena a fin de intentar descifrar la verdad de los extraños eventos que plantea la historia. Sin embargo, la complejidad de la serie no termina ahí, pues la diversidad de los seleção nos muestra una gama muy amplia de personalidades, cada una de las cuales busca salvar a la sociedad pero desde perspectivas muy diferentes, algunas de ellas incluso aberrantes y genocidas.

Este aspecto nos muestra una real, aunque cruda, visión de la sociedad japonesa y nos cuestiona sobre la forma de actuar de una persona cuando recibe un gran poder, que en este caso es el dinero. Esta crítica al poder del dinero podría no ser evidente, pero la serie lo hace de forma muy directa y nos expone la facilidad que una persona tiene en esta sociedad para obtener lo que ella desee mientras cuente con el dinero suficiente.

Otro de los temas principales es la crítica a la pérdida de valores, pues algunos seleção en verdad se preocuparon por ayudar a las personas, mientras que otros simplemente usaron el dinero para vivir cómodamente o vengarse de sus enemigos. Está critica nos cuestiona sobre qué tan dispuestos estamos para ayudar a los demás si tenemos la oportunidad, o qué tan miserables seremos para dejar morir a alguien tan sólo por obtener una ventaja (aspecto que Gantz ya había planteado hace algunos años).

Entre los temas que me gustarían destacar están la dificultad que los jóvenes enfrentan para conseguir empleo y el caso de las personas que ni estudian ni trabajan. En la serie se hace una referencia totalmente directa a este tipo de personas y nos enseña que éste problema afecta a todo el mundo. Sin duda es una excelente recomendación para quien gusta de series inteligentes plagadas de referencias y complots en donde la interpretación dependerá de cada espectador.

Noiseman Sound Insect

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Título Original: 音響生命体ノイズマン (Onkyo Seimeitai Noiseman).
Género(s): Psicológico, Ciencia Ficción/Cyberpunk.
Director: Koji Morimoto.
Estudio: Studio 4°C.
Emisión: 1997.
Duración: 15 minutos.
Extras: –

Dirigido por Koji Morimoto, quien se ha caracterizado por trabajos experimentales con estética cyberpunk y componentes decorativos que generan escenarios surrealistas y un poco psicodélicos (como en su clip musical Extra), Noiseman Insecto del Sonido es un cortometraje plagado de elementos oníricos que conforman una extraña y no poco paranoica historia.

El corto conjugan de manera magistral los cuatro elementos básicos del Cyberpunk: la música, los escenarios urbanos, la sociedad decadente como consecuencia del desarrollo tecnológico y la personalidad anárquica de sus personajes, por lo cual resulta una obra magistral a la que podemos sacarle mucho jugo.

La calidad de animación es regular, pues los gráficos lucen deslavados y nos impiden apreciar la magnífica construcción de los escenarios, los cuáles evocan las clásicas urbes decadentes propias del Cyberpunk: inusuales y coloridos edificios hacinados llenos de elementos arquitectónicos que luchan por buscar un espacio en la saturada ciudad. La música, de Yoko Kanno, es formidable y se convierte en parte del discurso más allá un simple elemento ambientador. Los personajes, por su parte, presentan las características anárquicas frecuentes en este tipo de obras.

La historia gira en torno a Noiseman, una extraña forma de vida sintética creada por el científico Franken, que intenta eliminar los sonidos del ambiente convirtiéndolos en cristales, para ello recluta a una pandilla de niños callejeros, quienes a bordo de extraños vehículos, cazan pequeños fantasmas del sonidos. Sin embargo, Tobio y Reina, dos miembros de la pandilla, caen por accidente al lago prohibido y comen la fruta musical, que libera sus mentes del control de Noiseman y los impulsa a revelarse contra él a fin de traer los sonidos de vuelta a la ciudad.

La historia está plagada de numerosas referencias, desde las que evocan clásicos del anime como Akira o Astroboy, hasta aquellas que nos remiten a la biblia, como la existencia del fruto prohibido. Sin embargo, las referencias más evidentes son las que aluden a uno de los temas más comunes en la Ciencia Ficción, el Complejo de Frankenstein, y no sólo a la temática, sino a la novela misma.

Además de las referencias y las características natas del género, Noiseman se sumerge en un extraño y onírico universo, donde la realidad se disuelve y es difícil distinguirla de la fantasía, la imaginación o la paranoia. Asimismo, los elementos psicológicos hacen más intensa la historia y dificultan un poco su compresión. Sin duda, una excelente recomendación para quienes gustamos de historia futuristas muy al estilo cyberpunk ambientadas en escenarios llenos de detalles y con complejos elementos que muchas veces no logramos entender.

Lucky Star OVA

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Título Original: らき☆すた (Raki ☆ Suta).
Género(s): Comedia, Slice of life, Shôjo.
Director: Yasuhiro Takemono.
Estudio: Kyoto Animation.
Emisión: Septiembre 2008.
Duración: 45 minutos.
Extras: Lucky Star.

El OVA de Lucky Star se compone de una serie de historias cortas que nos cuentan distintos eventos a partir del punto de vista de un personaje en particular. La calidad de animación y el audio mantienen la misma calidad de la serie y las referencias al estilo de vida otaku y japonés siguen siendo la base cómica. El OVA no puede ubicarse temporalmente dada la falta de elementos, aunque puede desarrollarse en cualquier momento a partir del episodio 17 aproximadamente, pero lo más probable es que se desarrolle después del capítulo final.

La historia continúa mostrándonos eventos cotidianos como lo hizo en la serie, pero no proporciona ningún aporte sobresaliente, así que es como si viéramos un capitulo de 45 minutos. El aspecto más significativo es la parodia en vivo que los seiyûs de Akira Kogami y Minoru Shiraishi hacen de Lucky Channel. Una gran recomendación para quien disfrutó la serie.

Lucky Star

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Título Original: らき☆すた (Raki ☆ Suta).
Género(s): Comedia, Slice of life, Shôjo.
Director: Hiroshi Yamamoto.
Estudio: Kyoto Animation.
Emisión: Abril 2007 – Septiembre 2007.
Duración: 24 Episodios.
Extras: Un OVA.

Basado en el 4-koma (manga en 4 viñetas) homónimo de Kagami Yoshimizu, Lucky Star es una de las series más cómicas y críticas de la industria, pues su extraño sentido del humor busca referenciar y hacer burla de otras series, patrones de conducta dentro de los fans, estereotipos en los personajes de anime y la vida de las figuras públicas de la cultura pop.

Podríamos decir que Lucky Star busca denunciar de manera muy sarcástica el modo de vida de los seguidores del anime y los productores de estos contenidos, los cuales se ven ensimismados en sus pasatiempos y olvidan desarrollarse en otros aspectos de su vida. Asimismo, busca evidenciar la falta de tolerancia que puede llegar a existir por parte de las personas que no tienen los mismos gustos o aficiones, pero que muchas veces se apasionan por cosas no convencionales.

La calidad de animación es regular, pues los escenarios no sobresalen en nada y ni siquiera actúan como un verdadero fondo ambientador. La música es simple y muy repetitiva, a pesar de tener un opening fuera de lo común con un para-para (baile) bastante atractivo. Y aunque la banda sonora no sobresale, sirve para referencia e incluso homenajear series japonesas de antaño, esto en el caso de los ending.

El aspecto de los personajes es el mejor logrado, pues ellos desarrollan la serie por completo, ya que el anime se basa únicamente en la vida cotidiana de sus personajes, por lo que la buena construcción de estos era indispensable para obtener los resultados deseados. Las personalidades están creadas a partir de una gama muy amplia de elementos totalmente estereotipados, que a pesar de ello logran actitudes originales.

La extrema cantidad de elementos moe (otaku, tsundere y yandere) de cada personaje sirven para criticar al vacío de nuevas ideas en la construcción de estos, pues hoy en día es muy común encontrar al menos a un personaje con los siguientes rasgos: tierna, tímida, torpe, intelectual ode pechos grandes. Lucky Star toma todos esos elementos y los pone dentro de sus personajes, por lo que cada uno de ellos tiene al menos tres o cuatro de estas características.

La apariencia física también es muy particular, pues a pesar de que los personajes tienen 17 años, su aspecto corporal parece de niñas de secundaria o menores. Ésta aparente burla al desarrollo se debe a que en la mayoría de los animes actuales las chicas de secundaria ya presentan cuerpos muy desarrollados que no corresponden a su edad, por lo que la serie busca hacer una denuncia de ello. Igualmente, el personaje de Patricia Martin, refleja el cerrado interés y conocimiento que los occidentales tenemos de la cultura japonesa, pues fuera del anime pocas veces nos interesamos por algo diferente.

La historia gira en torno a la vida cotidiana de Konata Izumi y sus amigas Kagami, Tsukasa y Miyuki, quienes están en el segundo año del bachillerato. En el trascurso de los capítulos veremos los problemas, distracciones y vivencias a los que deberán enfrentarse.

La historia avanza a un ritmo lento —pese a que cada capítulo es aproximadamente un mes de la vida real y un día puede estar representado en una escena de pocos segundos— ya que en ningún momento se presentan eventos sobresalientes que destruyan la rutina diaria. A pesar del lánguido desarrollo, no resulta una serie monótona o aburrida, por el contrario, la vida diaria resulta especialmente atractiva.

Lucky Star 3

Las características cómicas de la serie se basan justamente en la vida diaria y presentan situaciones comunes en las que todos hemos estados alguna vez y que al identificarnos con ellas resultan graciosas. Sin olvidar que toda esta gama de referencias se basa principalmente en anime, manga, videojuegos y relaciones personales.

Además de las referencias cómicas también hay una crítica a ciertos patrones sociales propios de la industrial, como la sarcástica alusión a la vida de una idol, la indirecta mención de los seiyûs o la parodia de los vendedores de anime y manga. En lo personal considero que Lucky Star intenta definir un estilo de comedia propio para los japonenses, por lo que hace referencia a cosas comunes que son naturalmente graciosas para ellos, pero que para el público extranjero son difíciles de apreciar.

Codehunters

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Título Original: Codehunters.
Género(s): Ciencia Ficción.
Director: Ben Hibond.
Estudio: Stateless Films.
Emisión: 2006.
Duración: 6:40 minutos.
Extras: –

Codehunters es un cortometraje británico sencillamente impactante, pues desde su animación, música y personajes, podemos apreciar que es un trabajo muy elaborado y perfectamente diseñado en cuando a su calidad técnica. Los escenarios nos muestran una ciudad destruida y al borde del colapso, los personajes presentan elementos del anime japonés y el comic americano, y la música se convierte en el vehículo mediante el cual podemos especular sobre la trama, pues no existen diálogos.

La historia gira en torno a cuatro extraños y rudo superhéroes, los cuales se dedican a proteger la ciudad de los corruptos militares y los feroces demonios que aterran a la población. El cortometraje no nos da mayores detalles sobre la trama y resulta prácticamente imposible conocer la historia de fondo. Sin embargo, en la página oficial del corto podemos encontrar la historia sobre el origen de los superhéroes. A continuación la traducción del texto:

La ciudad portuaria de Lhek está al borde del colapso. Es un estado en las costas del Pacífico —de un no muy lejano futuro asiático— sin fronteras, sin gobierno, sin leyes ni orden.

La corrupción y el crimen están fuera de control en lo oscuros callejones de Eda, el distrito más pobre de Lhenk. La mayor parte de la ciudad está bajo el control del ejército que comanda el dictador Khaan. El sector menos privilegiado está infestado con feroces demonios que esparcen el miedo y la muerte entre la población. Aventurarse en esos lúgubres territorios resulta algo mortal.

Hace ochenta años, Niran —mano derecha de Khaan— fue asignado para encontrar una forma de capturar las más oscuras pesadillas de los niños y materializarlas en la realidad. De esa forma, los demonios fueron creados a partir de las oscuras visiones y usados para esparcir el miedo y el terror sobre Lhenk.

Desde que Khaan llegó al poder, su gobierno sólo ha sido desafiado por un único opositor, un hombre llamado Krai. Este hombre  era un renombrado “Codificador”; uno de los últimos sobrevivientes de una raza suprema poseedora de la habilidad para manipular el ADN, el código de la vida. Krai era la única persona con el poder de desafiar el reino de terror de Khaan, por eso se convirtió en un héroe, símbolo de rebelión y libertad.

Por setenta años Krai fue perseguido con ferocidad por el emperador; finalmente fue atrapado, ejecutado y su cuerpo fue desmembrado en siete partes. Sin embargo, los rumores dicen que Khaan falló en su intento por quemar los restos de Krai, acto que le obligó a ocultarlos y  dispersarlos por Asia para que no pudieran ser ensamblados de nuevo.

Shen, Lawan, Zom y Nhi son los Codehunters, los únicos con la habilidad de ver las secuencias suspendidas de ADN (el Núcleo Oscuro) que controla a los demonios una vez materializados. Sólo quienes poseen esa habilidad tienen el poder de desafiar a Khaan y Niran. Pero sin la ayuda de Krai, la fuente del Núcleo Oscuro no puede ser destruida…

Bendito Machine

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Título Original: Bendito Machine.
Género(s): Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Social, Sobrenatural.
Director: Jossie Malis.
Estudio: Zumbakamera.
Emisión: 2007 al presente.
Duración: 10 Episodios.
Extras: –

Bendito Machine son una serie de cortometrajes españoles sobre poder, dinero, religión y corrupción. Están basados en los teatros de sombras orientales (silueta negras recortadas contra un fondo luminoso) y presentan fábulas religiosas y espirituales.

Los cortometrajes nos muestran cómo los humanos nos aprovechamos de los recursos que la madre naturaleza, la madre maquina o las divinidades nos proveen, terminando por industrializar el proceso mediante el cual obtenemos dichos recursos para posteriormente comercializarlos y obtener ganancias a costa de la sobreexplotación. Sin embargo, tarde o temprano la naturaleza, las maquinas o las divinidades terminarán por cobrar venganza y nos castigarán por abusar de su generosidad, convirtiendo el progreso en decadencia social.

Sin duda son los cortometrajes con más contenido antropológico que he tenido la oportunidad de ver, pues ejemplifican perfectamente el proceso mediante el que un recurso es industrializado, capitalizado y finalmente elevado a un estatus suntuario cuando su posesión se vuelve sinónimo de poder, o bien, la mercadotecnia lo convierte en un producto de primera necesidad aunque en esencia no lo sea.

Otra cosa que también se critica es la actitud de la sociedad capitalista, la cual pretende comercializar todo, no sólo cosas materiales, sino fe, ideas, conocimiento e información, aunque al final, todos los objetos comerciales se vuelvan desechables o inútiles con el paso del tiempo.

Jojo in the Stars

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Título Original: Jojo in the Stars (Jojo en las estrellas).
Género(s): Romance, Drama.
Director: Marc Craste.
Estudio: Studio Aka.
Emisión: 2004.
Duración: 11 minutos.
Extras: –

Jojo in the Stars en un cortometraje Inglés con una estética muy retro que nos recuerda el viejo cine mudo en blanco y negro de los años veinte. Aunque también tiene muchas características del cine negro de la década de los cincuenta, el llamado Cine Noir. Además, la animación es muy amena y detallada, con unos personajes muy originales y unos escenarios un tanto postapocalípticos que, junto con el increíble acompañamiento musical, nos sumergen en una melancolía y una soledad muy crudas.

El corto nos narra la historia de un joven que asiste a un circo de fenómenos debido a que está enamorado de Jojo, una joven con alas que es la atracción principal del evento. Sin embargo, Jojo es mantenida presa por el dueño del circo y sufre el repudio de las personas que no pueden aceptar su diferencia. Para evitar que Jojo siga sufriendo, el joven decide liberarla y escapar con ella, pero su plan es frustrado por los engendros y Jojo es capturada mientras el joven cae al frio y desolador exterior, lugar donde sufre por el abandono y la falta de esperanza hasta que el tiempo y la lluvia se encargan de desfigurar su cuerpo. Diez años más tarde, el joven es captura por el circo como una nueva atracción y es encerrado con Jojo, quien aún conserva su amor por él.

El corto es sencillamente hermoso, pues nos muestra una tragedia muy al estilo de Shakespeare y nos enseña que el amor puro luchará contra cualquier calamidad y perdurará sin importar el tiempo, la distancia o el aspecto físico. Una grandiosa obra animada que bien merece una oportunidad.

Hum

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Título Original: Hum.
Género(s): Ciencia Ficción/Scrappunk.
Director: Soeren Bendt.
Estudio: The Animation Workshop.
Emisión: 2007.
Duración: 8 minutos.
Extras: –

Hum es un cortometraje Danés de la escuela The Animation Workshop, con características Scrappunk similares a las que pueden apreciarse en 9, esto es: contexto futurista, aparente ausencia de humanos y maquinas construyendo máquinas a partir de desechos.

En el corto vemos a un extraño robot hecho con restos de viejos aparatos musicales despertar solo en lo que parece ser un taller. Al mirar a su alrededor y observar el material a su alcance decide crear un robot-bocina. Una vez creado busca en los estantes un robot-fusible para encender el nuevo aparato. Después de una descarga eléctrica y un momento de silencio, la música empieza a sonar y el resto de los robots-fusibles que permanecían ocultos bajan para bailar.

El acompañamiento musical es muy bueno pero la animación resulta un tanto acartonada. Sin embargo, el aspecto fundamental del corto es su referencia al fantasma en la conciencia robótica, tema que ha sido abordado por películas (novelas) como Yo Robot y series como Ghost in the Shell. Dicha temática se enfoca en estudiar la dinámica “social” que lleva a los autómatas a reunirse cuando están solos (y que probablemente posibilita que violen las leyes de la robótica).

Blood Trail

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Título Original: Blood Trail.
Género(s): Gore, Terror.
Director: Nathan Love.
Estudio: Nathal Love.
Emisión: –
Duración: 2:40 minutos.
Extras: –

Creado por el estudio de animación Nathal Love, Blood Trail es un cortometraje que emula las más recientes técnicas de animación para lograr una calidad inigualable, ya que a pesar de ser tan corto presenta una atención extrema a los detalles, tanto en el diseño de personajes como en los escenarios. Aunque la cualidad más sobresaliente es la ambientación acústica, pues hasta el más mínimo sonido fue dispuesto para crear una atmosfera envolvente que nos ubique dentro de un sombrío bosque.

La historia nos muestra a un montarás que acampa en medio del bosque junto a su prisionero. Lo que ellos no saben es que en las copas de los árboles, sombrías y sanguinarias criaturas los acechan para devorarlos.

El corto tiene una temática muy similar a los videojuegos de Survival-Horror, pues nos presenta escenas extremadamente violentas plagadas de sangre y cuerpos destrozados que harán las delicias de los amantes de Gore e incluso muchos espectadores han confundido el corto con el trailer de una película o un videojuego, pero no es así. Y aunque no se descarta que Nathan Love pueda retomar la animación en un proyecto más amplio, por el momento el corto es lo único que tenemos.

Una constante de la que me percaté mientras investigaba sobre este corto fue que la mayoría de las reseñas se enfocan en el hecho del terror como algo novedoso en una animación, y que ésta no debe ser exclusiva para niños. En lo personal no me parece que éste trabajo busque abrir los ojos del público acostumbrado a una animación exclusivamente infantil, ni demostrar que el género del terror tiene una plataforma muy amplia en la animación pues esto ya quedó demostrado con Resident Evil, entre otras aportaciones japonesas, desde hace muchos años.

Mighty Antlers

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Título Original: Mighty Antlers.
Género(s): Fantasía.
Director: Sune Reinhardt.
Estudio: The Animation Workshop.
Emisión: 2011.
Duración: 4 minutos.
Extras: –

Mighty Antlers es un cortometraje desarrollado por la escuela Danesa de animación The Animation Workshop. En el corto vemos a un enfurecido hombre conducir su auto por el bosque, de pronto observa a un venado en medio del camino y decide acelerar para arrollarlo sin medir las consecuencias.

El corto tiene una estética visual impresionante, pues maneja unos escenarios muy detallados que semejan pintura en acuarela, además de un audio que realiza una impecable ambientación al presentar hasta el más mínimo elemento sonoro. Sin embargo, la parte esencial del trabajo es el mensaje ecológico que contiene, pues vemos como el venado es antropomorfizado y pelea cuerpo a cuerpo con el hombre, lo cual es una clara alusión al poder de la naturaleza, quien puede despertar y cobrarnos todo el daño que le hemos hecho.