Fantasía

Porco Rosso

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Título Original: 紅の豚 (Kurenai no Buta).
Género(s): Fantasía, Romance, Drama, Comedia.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 1992.
Duración: 94 minutos.
Extras:–

Contraponiéndose a lo que Ghibli nos tiene acostumbrados, Porco Rosso es de las pocas producciones del estudio en donde el protagonista es varón, lo cual genera una dinámica algo diferente de sus anteriores filmes. A pesar de ello, es una película magnífica, con bellos escenarios, una musicalización estupenda y personajes entrañables que nos demostrarán que la bondad y honor de un hombre nunca está en su apariencia física.

La animación es muy buena, con la tradicional técnica que Ghibli siempre ha usado y una fluidez en los movimientos que se agradece al momento de ver las batallas aéreas. El diseño de escenarios resulta espectacular y logra situarnos perfectamente en el Mediterráneo. El aspecto musical es sin duda grandioso pues sus tonadas evocan un ambiente Italiano muy campirano. Finalmente, los personajes están perfectamente construidos y muestran la fuerza, determinación y bondad que Ghibli siempre pone en cada uno de ellos. Y a pesar de que existen villanos, ninguno es realmente malo o cruel, por el contrario, la historia es muy ligera y está aderezada con atinados tintes de comedia que nos permite disfrutar de una historia alegre con un mensaje sobre la paz y el honor.

La historia gira en torno a Marco Pagot, un antiguo piloto de la Fuerza Aérea que peleó en la Primera Guerra Mundial y que por una extraña y desconocida maldición su cabeza tiene forma de puerco. Marco, o Porco, como lo llaman los lugareños, se dedica a atrapar piratas aéreos que pilotan hidroaviones y roban a los barco, por esa razón es odiado por los maleantes, quienes lo persiguen sin descanso. Además de los burlescos piratas, Marco es constantemente espiado por el gobierno fascista. Y por si esto fuera poco tiene que enfrentarse en un duelo aéreo con Donald Curtis, un americano considerado como uno de los mejores pilotos de hidroavión. Sin embargo, no todo es pesar en la vida de Porco, pues en lo profundo de su corazón ama intensamente a Gina, la famosa cantante del Hotel Adriano quien corresponde su amor. También está Fio, una joven mecánico aguerrida e inteligente a quien Porco da la oportunidad de reparar su hidroavión y con quien hará equipo para vencer a Curtis.

El manejo de la indumentaria y maquinaria están muy bien logrados, desde la comunicación con telégrafo, banderas y lámparas, hasta la ropa y el diseño de las naves. La mezcla de tecnología que hace Miyazaki genera un resultado inclasificable, pues muestra aparatos novedosos, diseños viejos y motores de vapor con un toque fantástico. Esas formidables maquinarias son algo común en Hayao y las hemos visto tanto Nausicaä del Valle del Viento como en El Castillo Vagabundo. La arquitectura es otra de las joyas que esta obra nos regala, tanto en las industriosas calles de Milán como en los pasibles y bellos jardines del Hotel Adriano

A pesar de que la historia se desarrolla en Europa, Miyazaki no logra desligarse por completo de la dinámica de la sociedad japonesa. Y eso pasa con muchos de sus filmes, el contexto europeo aunado a una idiosincrasia nipona genera una sociedad que al mismo tiempo que nos resulta familiar nos parece exótica. Además de la estructura social, el entorno bélico sigue siendo una constante en las producciones de Ghibli. Recordemos que la historia se desarrolla en un periodo entreguerras y poco después de la Gran Depresión de 1929, por lo mismo hay mucha parafernalia bélica y pobreza en los habitantes, como el mismo Marco hace notar a Fio durante su viaje. A mi parecer, lo que Miyazaki intenta hacer al desarrollar historias en periodos pacíficos pero con una estabilidad social muy delicada que podría explotar fácilmente en guerra, es aumentar la emotividad de los sucesos que trata de contarnos; vimos lo mismo en Totoro.

La película realiza varios guiños a personajes de la primera guerra mundial, como el Barón Rojo, y a otros filmes de mediados de siglo XX, como Casablanca (Michael Curtiz, 1942). Igualmente, vemos en los personajes diversas características que simbolizan elementos del cine hollywoodense, la relación entre Porco y Gina, y la propia personalidad de éste, me recuerdan mucho a los anti-héroes del Film Noir, mientras que Fio mantiene la esencia de la animación japonesa. La obra es bella, tierna, emotiva, emocionante y llena de acción, tiene personajes carismáticos y muy agradables que fácilmente haremos nuestros, escenarios deslumbrantes y una banda sonora más que recomendable. Por todo eso, y por el mensaje sobre honor, paz y amor que intenta dejarnos, Porco Rosso merece ser considerara una obra maestra.

La Conferencia de los Animales

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Título Original: Die Konferenz der Tier.
Género(s): Fantasía, Comedía.
Director: Curt Linda.
Estudio: Linda Film.
Emisión: 1969.
Duración: 95 minutos.
Extras:–

No acostumbro recomendar nada que no haya visto, pero la realidad es que sí vi está película, sólo que me resultó imposible encontrarla en español y mi alemán no es tan bueno, de cualquier forma, si conoces de que va la historia te será fácil entender toda la obra únicamente por lo que pasa en las escenas sin la necesidad de diálogos.

La Conferencia de los Animales está basada en el cuento de Erich Kärsten que lleva el mismo nombre y fue publicado en 1949 como una súplica para dar fin a los conflictos bélicos, trauma heredado de la Segunda Guerra Mundial. Además de ser un parteaguas dentro de su propio género al meter temáticas políticas en un aparente cuento infantil, resulta ser la primera obra de animación alemana a color.

En cuanto al aspecto técnico no hay mucho que decir. Si comparamos la animación con la de ahora (cosa que me resulta innecesaria) es obvio que se verá simple y de baja calidad, pero para su tiempo creo que debió resultar algo novedoso, simplemente por la incursión del color. Los escenarios son algo cutres, hay que admitirlo, y repetitivos hasta el hartazgo, sobre todo en las escenas donde los animales corren sin parar. El diseño de los animales es gracioso y me recuerda a esas figuritas de plástico barato. Lo que si destaca y mucho es la música, con sus bellas y pegajosas melodías que sólo pueden describirse con la palabra “carnavalesca” y lo incitan a uno a menear los hombros.

Y de qué va la obra. Pues bien, al principio vemos un circo incendiarse, los adultos corren para salvarse dejando a los animales a su suerte, que para su fortuna son liberados por los niños y salvados de las llamas. Los animales regresan a sus respectivos hábitats, agradecidos con los chiquillos. Tiempo después se desata una guerra y los animales se enteran de aquel conflicto. Enojados por la incompetencia de los humanos para mantener la paz deciden actuar por su cuenta, convocan entonces a todas las criaturas (niños incluidos) a la gran conferencia de los animales.

Toda la fauna del planeta se reúne con la finalidad de hacer entrar en razón a los humanos y boicotear sus planes de guerra. Sin embargo, los militares se enteran y arremeten contra ellos usando la mejor maquinaria del ejército, la Soldatenmaschiene (máquina de soldados), que no es más que una ingeniosa metáfora visual que ilustra el proceso de lavado de mente y manipulación que el ejército ejerce sobre su milicia. Al final los animales triunfan y todo tiene un desenlace feliz.

Al filmarse después de la guerra y con Alemania aún dividida (el filme corresponde a la Alemania Occidental) podemos ver en ella un reflejo de la necesidad de paz y seguridad por parte de la gente. Linda y Kärsten usan el cuento como un medio para exigir paz, a diferencia de la cinematografía japonesa que refleja los horrores de la guerra o el comic americano que clama por un justiciero anónimo que los proteja. El cuento no sólo tiene un claro mensaje político, sino que nos muestra que toda la naturaleza sufre por las malas decisiones de los humanos, así que también lleva un mensaje ecológico.

Ya para terminar, debemos decir que la obra es bastante larga y puede llegar a ser tediosa debido a que hay muchas escenas de más, quizás la mitad de la obra son escenas que pudieron resumirse u omitirse pues realmente no aportan nada, sólo muestran a los animales caminando. De cualquier forma es una buena recomendación y una obra clásica, yo me atrevería a decir que hasta histórica, de la animación alemana.

En 2010 se estrenó una nueva versión de esta cinta, con una animación moderna y un diseño similar a la película Madagascar. No obstante, yo recomiendo de preferencia ver el filme original o en su caso leer la novela, que se encuentra traducida al español y puede ser más fácil de conseguir que una versión subtitulada de la vieja producción alemana.

My Little Pony: Friendship is Magic

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Título Original: My Little Pony: Friendship is Magic
Género(s): Aventura, Comedia, Ciencia Ficción, Fantasía.
Directores: Jayson Thiessen, James Wootton.
Adaptada por: Lauren Faust
Estudio: DHX Media, Vancouver Hasbro Studios.
Emisión: Primera Temporada: Octubre 10, 201o – Mayo 6, 2011.
Segunda Temporada: Septiembre 17, 2011 – Abril 21, 2012
Tercera Temporada: Noviembre 10, 2012 – Febrero 16, 2013
Cuarta Temporada: Noviembre 23, 2013 – Mayo 10, 2014.
Duración: 26 episodios de 22 minutos en la primera, segunda y cuarta temporada, 13 episodios en la tercera (91 episodios en total)
Extras: Página Oficial (en inglés)

My Little Pony Friendship is Magic es una serie animada en Flash basada en la añeja y de alguna forma popular franquicia “My Little Pony” propiedad de Hasbro. Debutando el 10 de Octubre de 2010 en el canal de la compañía “The Hub”, a causa de su gran popularidad, la serie cuenta con cuatro temporadas concluidas.

En esencia se trata de un reboot, que siguiendo el ejemplo de la serie de películas dirigidas por Michael Bay Transformers, buscaba en un principio proporcionar gran impuso a la olvidada línea de juguetes, añadiendo un aire notoriamente más moderno. Estaba dirigida a los niños pequeños, pero conforme transcurrió el tiempo, logró desarrollar uno de los fenómenos de internet más populares en los últimos años, generando incluso una subcultura en la red.

El nuevo estilo utilizado se debe en gran medida a Luren Faust, reconocida por su labor previa en Las Chicas Superpoderosas y Mansión Foster para Amigos Imaginarios. En un principio fue seleccionada por Hasbro como director creativo y productor ejecutivo. Faust buscaba desafiar la naturaleza misma del My Little Pony antiguo (fresa y de niñas), creando personajes con personalidades diversas y situaciones más profundas. Se enfocó en temas de aventuras, centrando su atención en historias sobre cómo resolver problemas entre amigos. Hacia el final de la primera temporada, Faust dejó el cargo de productor ejecutivo pero se mantuvo como consultora durante la mayor parte de la segunda temporada. Jayson Thiessen, el director supervisor del show, asumió después el puesto de director creativo.

La serie es protagonizada por una pony unicornio llamada Twilight Sparkle, estudiante protegida de la Princesa Celestia, gobernante de la tierra mágica de Equestria. Viendo a la joven pony sepultada entre sus amados libros, la princesa decide darle una tarea muy especial: hacer amigos. De inmediato la envía junto a su fiel asistente, un joven dragón llamado Spike, a Ponyville. Ahí conoce a otras cinco ponies: Applejack, Rainbow Dash, Rarity, Fluttershy y Pinkie Pie, que terminan por convertirse en sus mejores amigas. Juntas viven varias aventuras, resuelven problemas y aprenden sobre la magia de la amistad.

La mayoría de episodios siguen un formato muy similar. Al final de cada uno, Twilight envía un reporte a su mentora sobre diversos hallazgos, resumiendo el capítulo en una nueva moraleja que busca inculcar valores fundamentales en los niños a quienes va dirigido el show. En temporadas posteriores, esta mecánica ha sabido mantenerse con ligeros cambios. Los episodios tienen pocas conexiones entre ellos, salvo unos elegidos que siguen una línea argumental sólida y coherente; en adición, la serie respeta acontecimientos ya ocurridos en otros capítulos no relacionados o personajes que aparecieron muchos episodios antes.

Muchos de nosotros ya hemos sido impactados por la popularidad de la serie gracias a los diferentes memes, referencias o parodias que pululan por toda la web. Conociendo los tenebrosos antecedentes de la franquicia, varias personas jamás optarían por mirar un episodio de este trabajo; sin embargo, si algún día deciden hacerlo al igual que yo, se llevarán una agradable sorpresa.

Estéticamente, la animación y el diseño de personajes son visualmente impactantes e impresionantes; limpios, dinámicos y amigables a la vista. Las ambientaciones no son demasiado detalladas, pero en ocasiones contienen interesantes guiños u otros elementos ocultos. En este mundo no sólo existen ponies terrestres; en él coexisten pegasos, unicornios, dragones, hidras, minotauros, grifos, quimeras y demás criaturas míticas o campestres, todos ellos animados de la misma manera sobresaliente.

Los personajes principales están construidos de forma magnífica. A medida que corren los capítulos tienes la oportunidad de conocer diferentes facetas de los mismos, desde las más adorables a las más escalofriantes y perturbadoras. Cada uno tiene su propia historia y no están limitados a los estereotipos que en un principio parecen poseer. Twilight Sparkle no es el centro de este universo, al menos en un principio; las otras cinco ponies también poseen una personalidad marcada, detallada y profunda que las hace bastante interesantes. Conforme avanzan los capítulos, podremos identificarnos con al menos uno de los varios personajes.

Los actores de voz originales son excelentes, realmente se han esmerado mucho por desarrollar a sus personajes y darles aún más profundidad, algunos de ellos dan voz a más de un personaje en el mismo episodio y aun así logran hacerlos únicos. Al ser un show educativo, en varias ocasiones se presentan números musicales, sin embargo, a diferencia de las aburridas canciones de antaño, se experimenta con varios ritmos pegajosos y géneros modernos.

La variedad en el guion y situaciones de los episodios es bastante amplia. Tampoco son historias muy complejas, puesto que Hasbro ha pedido mantener el público objetivo de los planes iniciales. Existen los clásicos capítulos que conmemoran días festivos reales, pero no lo hacen de forma idéntica a otros shows; en su lugar las festividades como Navidad y Halloween son traducidas a sus equivalentes en Equestria, acordes al contexto de sus habitantes y la propia historia de este mundo.

Utiliza un humor sano bastante agradable que nos recuerda a las viejas series de los noventas, cuando las caricaturas aún poseían ese factor random, y no buscaban ser más realistas ni abusaban de las bromas con doble sentido o un humor ácido insoportable. Desde la segunda temporada, los creadores se han percatado de que la serie ha alcanzado a audiencias más maduras, añadiendo a los nuevos episodios varias referencias/homenajes a películas clásicas, otras series de televisión e incluso fenómenos de internet.

La serie no se ha salvado de críticas negativas. Algunos consideran que es simplemente otra herramienta capitalista de Hasbro, orientada a vender productos a los niños, y que ha hecho poco por cambiar la naturaleza sexista de las viejas series para niñas. Al utilizar Flash, en ocasiones los animadores han optado por el camino fácil, clonando sin cesar un par de modelos para crear multitudes o reciclando diseños genéricos para rellenar los vacíos en la pantalla. Y aunque intentan de verdad no serlo, los desenlaces de varios capítulos pueden ser extremadamente predecibles.

Con todo esto, My Little Pony: Friendship is Magic es una serie excelente, bien trabajada, detallada, profunda, divertida, única y atractiva. El resultado final no es una producción cursi, con horas del té y galletitas, sino algo novedoso y a la vez tan nostálgico.

Para disfrutarla en su totalidad, se debe tener una mente abierta y darle la oportunidad que realmente merece. Evitar el prejuicio de “estar viendo otro programa educativo para bebés” y tratarla como un show realmente bueno, con un gran sentido del humor, personajes consistentes que de verdad interactúan entre sí, un guion ingenioso y una premisa general que funciona a todos los niveles. Para muchos, se trata de la mejor serie de dibujos animados en los últimos diez años.

En una época donde la ironía postmodernista y el cinismo dominan a la cultura popular, My Little Pony: FiM nos permite gozar de las cosas más simples de la vida. Entretenido y educativo sin duda, muestra una moral de la que todo el mundo, y no solo las niñas pequeñas, deberían aprender.

Mi vecino Totoro

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Título Original: となりのトトロ (Tonari no Totoro).
Género(s): Fantasía, Drama, Comedia, Kodomo.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 1988.
Duración: 85 minutos.
Extras: Mei to Konekobasu.

Si bien Studio Ghibli se ha caracterizado por animaciones dirigidas al público infantil con temáticas profundas y mensajes de superación, existen quizás cuatro obras que se han convertido en clásicos tanto para oriente como para occidente: Nausicaä de Valle de Viento, La Princesa Mononoke, El Viaje de Chihiro y, por supuesto, Totoro. Esta última logrando una importancia tal que el simpático y gatuno personaje no sólo se convirtió en la mascota del estudio, sino en un referente cultural dentro de la animación, basta con observar el cameo que realiza en Toy Stoy 3.

Primeramente debemos hablar del detalle técnico. Ghibli siempre ha recurrido a una animación artesanal que es el sello distintivo del estudio. Su animación es fluida, realista y tan amena que logra crear una atmosfera familiar aunque no seamos japoneses. Los escenarios son simples pero minuciosamente detallados, sin caer en la saturación visual, sobre todos los urbanos, pues los naturales tienen un sutil toque de acuarela que logra unos hermosos y agradables cuadros, que lamentablemente en ocasiones lucen algo planos. Las características físicas y las expresiones de los personajes son sencillas pero muy emotivas, y la música logra la perfecta ambientación en cada momento de la historia, con tonadas alegres que derrochan felicidad.

La obra refleja la vida rural japonesa en la postguerra y se enfoca en el modo de vida de los campesinos, mostrándonos la tranquilidad y cotidianeidad de esa feliz vida campestre; lo que resulta un reflejo opuesto a la crudeza de La Tumba de las Luciérnagas, película dirigida por Isao Takahata y producida por Ghibli de manera simultánea a Totoro. Aunque en su trasfondo este filme oculta elementos un poco más melancólicos de los podríamos imaginar en un principio.

La historia gira en torno a las Hermanas Satsuki y Mei, quienes se mudan a una casa en el campo con su padre mientras su madre permanece en el hospital para recuperarse de la tuberculosis. Mientras la pequeña Mei merodea en los alrededores de la casa, unas curiosas criaturas aparecen frente a ella, Mei las sigue y conoce a los Totoro, los espíritus protectores del bosque. Mei y Satsuki viven emocionantes aventuras con ellos, pero cuando Mei se pierde camino al hospital, su hermana hace todo para encontrarla, pero sin resultados, hasta que Totoro y su Gatobús llegan al rescate.

Una vez más el papel central y el peso de la trama recaen en una mujer (Satsuki), en este caso una muy joven y carismática, pero decidida y fuerte, como todas las féminas que Miyazaki nos ha regalado. Los dos personajes principales (las niñas) derrochan una gran alegría que por momentos parece excesiva, pero también viven preocupaciones y tristezas, aspecto que hace mucho más humanos a los personajes.

La historia es simple y agradable, el ritmo es bueno y se enfoca en contar una anécdota bastante corta, pero sobre todo, es una obra muy inocente, llena de alegría y felicidad. Sin embargo, a pesar de ser un filme de naturaleza alegre, tiene momentos nostálgicos y un trasfondo realmente trágico aunque muy bien disfrazado. Esta obra se desarrolla algunos años después que La Tumba de las Luciérnagas cronológicamente hablando, es decir, menos de una década después de la Segunda Guerra Mundial y aún refleja todas las carencias que dejó dicho conflicto bélico.

El mensaje ecológico es bastante evidente, pues las criaturas del bosque y el bosque mismo son seres vivos que merecen nuestro respeto y cuidado. De hecho Totoro es como una representación zoomorfa del bosque, es un espíritu guardián que protege a sus habitantes y hace crecer a las plantas. Aunque también puede verse como una representación del miedo y la angustia dejados por la gran guerra, pues recordemos que Totoro sólo se presenta frente a las protagonistas cuando éstas están solas, tristes o necesitan ayuda.

Finalmente (aunque no quisiera), no puedo dejar de comparar a Totoro con Alicia en el País de las Maravillas, la versión animada de Disney, sobre todo por la semejanza del Gatobús con Cheshire, y no dudo que exista cierta inspiración en ella, cosa que no importa pues las tramas y temáticas son muy distintas. Y para los que se preguntaban qué es Totoro, pues es un Gato montés-perro-mapache-búho.

Stitchpunk

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Con el bum de los bulos (noticias falsas en internet) que propiciaron la expansión de un sin número de géneros imaginarios, principalmente los derivados del Cyberpunk, surgió entre algunos blogueros y gente interesada en el cine la manía de otorgar a cada nueva obra cinematográfica un género exclusivo apelando a las características de su historia y añadiendo el sufijo punk. Como es de esperar, muchas de esas obras ni siquiera eran Ciencia Ficción, y entre aquellas que sí eran del género muy pocas contenían la ideología anárquica y la visión distópica del futuro, aspectos indispensables para poder portar el mentado sufijo.

De entre estas invenciones destacan dos que por mucho tiempo me reusé a aceptar como subgéneros punk, pero que ahora, después de analizar de manera más puntual sus características, creo que bien merecen pertenecer a esta creciente familia de subgéneros. La primera es el Stitchpunk, género nacido con la película 9 y que se autodefinía como una derivación de la Ciencia Ficción cuya tecnología era a base de tela. La segunda es el Splatterpunk, subgénero que realmente no es Ciencia Ficción, sino una derivación del Gore, el Splatter, la Serie B y el Exploitation.

Iniciaré pues con una definición de lo que yo considero es el Stitchpunk:

El Stitchpunk es una derivación del Scrappunk que se distingue por el tipo de desechos usados para la fabricación de tecnología, que es este caso son los desechos orgánicos. 

TELA Y COSTURA

Stitch (del inglés “puntada”) fue usado porque los personajes principales de la película 9 son de tela, y al ser una historia de Ciencia Ficción ambientada en un mundo postapocalíptico que critica la actitud autodestructiva de los humanos, el sufijo punk le quedó como anillo al dedo. Sin embargo, no todos los autómatas que aparecen en el filme son de trapo, el resto están fabricados con desperdicios que lo que alguna vez fueron aparatos electrónicos o basura orgánica (tela, madera y hueso). Está peculiaridad me permitió entender que el Stitchpunk es en realidad un Scrappunk de desechos orgánicos.

MATERIALES ORGÁNICOS VS INORGÁNICOS

La tela no puede constituir la base de una tecnología ficticia, la propia película de 9 hace uso de la fantasía —y no de la ciencia—  para explicar la aparente vida de los muñecos de trapo. Tomando en cuenta las características que ya definí en el ensayo sobre Scrappunk, me percaté de que era posible la existencia de una tecnología ficticia, futurista y racionalmente verosímil a partir de elementos orgánicos fácilmente degradables que otorgaría características totalmente diferentes al subgénero. Fue así como la especialización en determinado tipo de desechos me permitió aceptar y expandir un subgénero que muchos habían confinado al uso de la tela.

Ya tenemos en claro que el Stitchpunk se basa en desechos orgánicos o fácilmente degradables, mientras que el Scrap hace uso de los inorgánicos. Entre estos materiales no degradables tenemos los que son o fueron herramientas electrónicas y los que cumplieron funciones totalmente diferentes. Un Scrappunk Clásico puede presentar ambos tipo de desechos, pero cuando hace uso exclusivamente de basura electrónica y se desarrolla en un contexto intacto podemos puntualizarlo aún más denominándolo Nano-Scrappunk (aunque esto ya es una excesiva delimitación que sólo yo utilizo).

Coraline

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Título Original: Coraline.
Género(s): Fantasía, Sobrenatural.
Director: Henry Selick.
Estudio: Laika Entertainment y Pandemonium LLC.
Emisión: Febrero 2009.
Duración: 100 minutos.
Extras: –

Basada en la novela homónima de Neil Gaiman, quien ha participado en la adaptación de algunas obras de anime, como la Princesa Mononoke, Coraline es uno de los largometrajes de animación más recientes y exitosos que hacen uso de la técnica del Stop Motion, pues además de su historia, su calidad técnica es sorprendente y asombrará tanto a quienes son seguidores de este estilo de animación como a quienes no lo son.

La calidad de este filme es impresionante, desde la construcción de escenarios y personajes, hasta la fabricación de la indumentaria (ropa y accesorios) y la banda sonora. La historia es buena y muy consistente, pero lo que realmente resulta atractivo es imaginar todo el proceso de producción, ya que la cantidad de detalles que presenta debió requerir un esfuerzo impresionante para lograr que cada elemento se adecuara a la trama, sobre todo si consideramos que es una obra hecha cuadro por cuadro.

La intención de presentar un mundo obscuro y una historia sobrenatural dirigida al público infantil es un gran acierto por parte del estudio Laika, pues es difícil ver obras animadas de terror orientadas a los niños, que al mismo tiempo que llaman su atención y les dejan un bonito mensaje los están educando para consumir cierto tipo de géneros que no son tan reconocidos por los especialistas pero que tiene una importancia fundamental dentro del séptimo arte.

Los escenarios presentan un estilo sombrío que refleja la atmósfera planteada por la novela. Los personajes están muy bien diseñados, tanto en su aspecto físico como en su personalidad. La animación es muy buena, aunque por momentos el ángulo de cámara no logra evitar que nos sintamos como si estuviéramos viendo una maqueta desde lejos. Sin embargo, la animación es fluida y natural, salvo las expresiones faciales, que me parecen algo repetitivas. A pesar de ello, presenta una gran calidad y los pequeños detalles le dan un encanto particular. Finalmente, la música es espectacular, se adecúa perfectamente a la historia y le otorga esa ambientación lúgubre que necesita.

La historia gira en torno a Coraline, una niña de doce años bastante independiente y curiosa, y en ocasiones algo malhumorada y quejosa, quien frecuentemente se siente olvidada por su padres, ya que estos se pasan el día trabajando y no le ponen atención. Después de mudarse a una antigua mansión llamada el Palacio Rosa, Coraline descubre una pequeña puerta, la cual es la entrada a un mundo alterno en donde todo parece ser mejor, sus “otros padres” le prestan atención y sus “otros vecinos” son divertidos y amigables, a diferencia de los que viven en el mundo real.

Poco a poco Coraline se va enamorando de aquel hermoso y perfecto lugar, sin embargo, para permanecer en él debe perder sus ojos y cambiarlos por un par de botones. En ese momento descubre que su “otra madre” es en realidad una bruja que ha capturado las almas de otros niños y a sus verdaderos padres, Coraline tendrá que liberarlos y enfrentarse a la hechicera para poder escapar y regresar al mundo real.

La historia es interesante, muy sólida y muchos de los elementos que usa resultan novedosos, pero tampoco es un aporte radicalmente original a la industria animada, incluso resulta predecible por momentos. Sin embargo, el proceso creativo es otra cosa, pues a pesar de no revolucionar el Stop Motion como tal, su calidad técnica es tan buena que el simple hecho de verla resulta una experiencia visual muy agradable.

Coraline se ha convertido, gracias a su indiscutible calidad, en uno de los nuevos clásicos animados del cine y seguramente es ya una de las mejores obras contemporáneas en Stop Motion. Sus escenarios fantásticos, sus toques de terror, su inmejorable ambientación y sus agradables personajes le permiten competir mano a manos con cualquiera de los títulos animado ya consagrados.

Nocturna

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Título Original: Nocturna.
Género(s): Fantasía, Sobrenatural, Drama.
Director: Adrià García, Víctor Maldonado.
Estudio: Filmax Entertainment.
Emisión: 2007.
Duración: 80 minutos.
Extras: –

Más allá de la monopólica animación estadounidense y el cada vez más globalizado anime, existen trabajos de animación que muy pocas veces reciben la difusión y el reconocimiento que merecen. Nocturna, producción franco-española, es uno de esos trabajos. Lamentablemente, muchos de los blogs dedicados a reseñar y comentar animación se han enfocado en criticar las similitudes que el trabajo tiene con producciones de otros estudios en lugar de difundir lo que resulta ser una propuesta novedosa y fresca dentro de la industria.

La animación es impecable y de alta calidad, pues logra trasformar los escenarios brillantes y luminosos en espacios lúgubres y sombríos, además de mostrarnos fluidas escenas de acción. El diseño de escenarios y personajes es muy típico de la animación francesa y desde los primeros minutos uno puede notar que se trata de un trabajo europeo. Finalmente, la música realiza un trabajo de ambientación excelente, tanto en las numerosas escenas de acción como en aquellas que alcanzan toques dramáticos.

La historia gira en torno a Tim, un pequeño niño huérfano que vive en un orfanato, le teme a la oscuridad y es un apasionado de la astronomía. Tim se pasa los días dibujando las constelaciones en la azotea del edificio hasta que una noche observa como Adhara, su estrella favorita, desaparece misteriosamente del firmamento. Desconcertado por la desaparición, cae del techo pero es rescatado por el Pastor de Gatos, un extraño sujeto encargado de vigilar a los gatos del vecindario, quienes tienen la tarea de dormir a los niños con sus maullidos.

Con ayuda del pastor, Tim descubre Nocturna, una empresa de monstruos encargados de realizar las tareas de la noche; sus integrantes son los culpables de que los niños despierten despeinados, destapados y de que mojen la cama. Inesperadamente una extraña sombra empieza a rondar por las calle de la ciudad apagando cada luz existente. Tim y los miembros de Nocturna tendrán que afrontar la maléfica amenaza y evitar que las estrellas desaparezcan, pero al mismo tiempo, Tim deberá confrontar su miedo a la oscuridad para darse cuenta de que la noche guarda hermosas sorpresas.

Como podemos apreciar, Nocturna plantea un mensaje infantil de superación bastante evidente, pero el discurso de su historia llega a ser verdaderamente complejo y envolvente para un público más maduro. Además, resulta muy atractiva para aquellos apasionados de la fantasía y los mundos habitados por monstruos de diversa índole con una esencia más mítica que sobrenatural. Las criaturas de Nocturna tienen una naturaleza popular y hacen referencia a los mitos y leyendas que podemos encontrar en los cuentos medievales.

Nocturna es una obra que propone un estilo diferente, un estilo muy europeo que bien podría convertirse en los próximos años en el elemento característico de la animación española, pero sobre todo, es una película con un gran mensaje para los niños, está llena de acción y es tremendamente entretenida.

Mighty Antlers

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Título Original: Mighty Antlers.
Género(s): Fantasía.
Director: Sune Reinhardt.
Estudio: The Animation Workshop.
Emisión: 2011.
Duración: 4 minutos.
Extras: –

Mighty Antlers es un cortometraje desarrollado por la escuela Danesa de animación The Animation Workshop. En el corto vemos a un enfurecido hombre conducir su auto por el bosque, de pronto observa a un venado en medio del camino y decide acelerar para arrollarlo sin medir las consecuencias.

El corto tiene una estética visual impresionante, pues maneja unos escenarios muy detallados que semejan pintura en acuarela, además de un audio que realiza una impecable ambientación al presentar hasta el más mínimo elemento sonoro. Sin embargo, la parte esencial del trabajo es el mensaje ecológico que contiene, pues vemos como el venado es antropomorfizado y pelea cuerpo a cuerpo con el hombre, lo cual es una clara alusión al poder de la naturaleza, quien puede despertar y cobrarnos todo el daño que le hemos hecho.

Ficción Especulativa

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Tokio Magnitud 8.0 (Masaki Tachibana 2009)

La Ficción Especulativa es considerada por algunas personas y autores como un subgénero de la Ciencia Ficción, mientras que otros la consideran incluso una corriente que se opone a las limitaciones autoimpuestas por este género. Por otra parte, algunos consideramos que la Ficción Especulativa no tiene nada que ver con la Ciencia Ficción.

Iniciaré con una definición que lo que yo entiendo por Ficción Especulativa:

La Ficción Especulativa es aquella que intenta hacer un acercamiento o anticipación a lo que podría ocurrir en un futuro próximo o en el presente. También plantean disyuntivas sobre qué podría pasar si determinadas cosas existieran o ciertos eventos ocurrieran. Todo esto a partir de postulados coherentes (aunque exagerados) que nos permitan reflexionar sobre el posible acontecer de dichos sucesos.

Si bien tanto la Fantasía como la Ciencia Ficción pueden especular sobre el futuro de la humanidad, la Ficción Especulativa especula sobre eventos y desastres naturales que no han ocurrido pero podrían ocurrir en el mundo en que vivimos, o en su defecto, que ya ocurrieron y podrían volver a ocurrir. En otras palabras, éste género especula sobre eventos cuya naturaleza no presenta elementos ficticios, es decir, tienen cabida en nuestro mundo real.

Muchas de las obras que abordan el tema de las infecciones virales o los desastres naturales no presentan los elementos suficiente para que puedan pertenecer netamente a la Ciencia Ficción o la Fantasía, pues el argumento racional que intenta explicar dichos eventos parte de la ciencia actual y por lo tanto no presenta el cambio contextual que exigen tales géneros.

En éste tipo de obras estamos viendo algo ficticio pero posible, principalmente cuando hablamos de desastres naturales o epidemias, así que estamos especulando sobre eventos que por ser naturales podrían ocurrir en cualquier momento.

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CIENCIA FICCIÓN ESPECULATIVA VS FICCIÓN ESPECULATIVA

Muchos seguidores y autores de Ciencia Ficción han toma el término de Ficción Especulativa como un sinónimo, y en apariencia resulta un apalabra adecuada, sin embargo, no toman en cuenta el hecho de que la Fantasía también puede especular sobre un futuro habitado por magos y dragones.

Los defensores del término Ciencia Ficción Especulativa como sinónimo (o subgénero) de la Ciencia Ficción, consideran que la especulación no debe limitarse a realidades deterministas, en cambio, puede ir más allá y proporcionarnos una visión sobre el futuro que no se vea forzada a estructurarse en correspondencia con el desarrollo científico.

En la otra corriente estamos quienes consideramos a la Ficción Especulativa como un género que ya no está relacionado con la Ciencia Ficción, pues sobre lo que se está especulando es sobre sucesos posibles en nuestra realidad a partir de la tecnología y el desarrollo científico que tenemos actualmente, razón por la cual muchas de estas obras son contemporáneas.

En lo personal no considero que la Ciencia Ficción Especulativa pueda existir como tal, pues toda la Ciencia Ficción es por naturaleza especulativa, así que denominarla con ese nombre sería demasiado redundante.

2012

¿QUÉ PASARÍASI…?

Para especular partimos de la pregunta ¿qué pasaría si…? De esta forma, para que una obra pueda considerarse Ficción Especulativa debe tomar un objeto (suceso, fenómeno, evento) y especular sobre el devenir de la humanidad a partir de la supuesta existencia o inexistencia de este objeto.

¿Qué pasaría si: un terremoto asolara Japón, un volcán naciera en medio de Los Ángeles, ocurriera una nueva era glaciar, los continentes se moviera bruscamente o un meteorito impactara con la tierra? Las respuestas nos las dan obras como Tokio Magnitud 8.0 (Masaki Tachibana 2009), Volcano (Mick Jackson 1997), The Day After Tomorrow (Roland Emmerich 2004), 2012 (Roland Emmerich 2009) y Deep Impact (Mimi Leder 1998).

Si lo vemos con detenimiento, todos los eventos que estas obras nos plantean han ocurrido, podrían ocurrir o están ocurriendo, y no existe ciencia ni tecnología ficticia en ninguna de sus historias, por el contrario, se desarrollan en nuestra sociedad actual.

Es conveniente dejar en claro que lo que se busca es presentar una visión de lo que podría pasar si determinados eventos ocurrieran, pero siempre en el futuro o en presente. Cuando una obra especula sobre el pasado deja de ser anticipación y se convierte en Ucronía. Recuerden: la Ficción Especulativa no es Ciencia Ficción.

Deep Impact

9

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Título Original: 9 (Nine).
Género(s): Ciencia Ficción/Scrappunk/Stitchpunk, Drama, Fantasía.
Director: Shane Acker.
Estudio: Relativity Media.
Emisión: Septiembre 2009.
Duración: 81 minutos.
Extras: –

Basada en el cortometraje homónimo de Shane Acker y producida por Tim Burton y Timur Bekmambetov, 9 es una de las películas de animación estadounidense más novedosas de la actualidad, pues su estilo único y sus complejos escenarios le han valido la creación de su propio subgénero, el Stitchpunk, aunque esto corresponde más a una moda de crear géneros que a una verdadera clasificación, pues en lo personal creo que también podría denominarse como Scrappunk.

Además de la gran historia de ficción que nos presenta, la estética novedosa que aporta al género y esa mezcla de fantasía y ciencia que le dan un toque muy particular, la discusión que desató en la rede con respecto al género es algo que debemos tomar en cuenta, pues muchos de los géneros cinematográficos nacieron a partir de una única obra que en su momento revolucionó a la gran pantalla pero posteriormente fue emulada por otras cintas. Eso mismo es lo que ha pasado con 9 y el Stitchpunk.

La calidad de animación es simplemente impactante, pues la nitidez y detalle de las escenas son tan realistas que por momentos parece una película de acción real y no una animación. Los movimientos de cámara son muy naturales, y a pesar de la gran cantidad de escenas de acción, en ningún momento se ven torpes o de baja calidad. Los escenarios postapocalípticos son los más hermosos que he visto, pues nos muestran un mundo destruido y contaminado lleno de desperdicios y con una aparente ausencia de seres humanos. La música también está perfectamente trabajada y se acopla adecuadamente a las distintas escenas, otorgando la emotividad correspondiente.

Los personajes son la parte fundamental, pues la historia no profundiza de manera excesiva en el trasfondo de la historia, sino que se enfoca en mostrar sus distintas personalidades. Dichos personajes, que si bien están estereotipados, son en realidad una representación física de la conciencia humana (o alma, si prefieren ese término). Estos extraños muñecos de trapo hacen alusión al concepto alquímico de los homúnculos.

La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico en el que la humanidad ha sido devastada debido a una cruenta guerra entre humanos y máquinas, y gira en torno a Nueve, el noveno muñeco de trapo creado por un científico con el fin de otorgar esperanza a la raza humana y a la vida en la tierra.

Nueve y sus ocho compañeros, deberán luchar contra una máquina creada por el mismo científico que los creó a ellos, la diferencia es que los muñecos poseen parte del alma del científico, mientras que la máquina únicamente posee su inteligencia y no tiene la menor consideración por la vida, razón por la cual se reveló contra los humanos. En el trascurso de la historia vemos como el crecimiento y la unión de los nueve personajes conjuga las habilidades y capacidades necesarias para llevar a cabo la misión.

Sin duda 9 es una película espectacular, y aunque su final es inconcuso, quizás para una segunda parte, la calidad en cuanto a su estética y parafernalia es algo que nunca antes había visto, pues resulta verdaderamente innovador ver extraños robos autómatas creados a partir de desperdicios y basura (de ahí mi definición de Scrappunk). Asimismo, su historia es sólida y puede llegar a ser emotiva y un poco dramática.

Tim Burton ha sido un tanto sobrevalorado en la industria del cine aunque su nombre es usado como estandarte de calidad, pero más allá del aporte que él tenga en este filme, me parece que la simple estética le vale un gran reconocimiento al director, animadores y creativos, sobre todo porque nos presentan otra forma de abordar el trillado tema del hombre contra las máquinas, sobreexplotado por la industria del cine desde siempre.