Altered

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Título Original: Altered.
Género(s): Terror, Ciencia Ficción, Gore.
Director: Eduardo Sánchez.
Emisión: 2006.
Duración: 88 minutos.
Extras: –

Dirigida por uno de los codirectores de The Blair Witch Project (1999), Altered es una de esas pequeñas joyas de terror que suelen pasar desapercibidas para el público en general pero que tienen todo para convertirse en obra de culto entre los amantes del género. Además, pone en la mesa la otra cara de la moneda de las abducciones extraterrestres, esto es, la venganza de aquellas personas que fueron secuestradas y torturadas por seres de otro mundo.

La calidad del filme es muy buena, aunque en apariencia luce como una película Serie B de baja calidad más parecida al VideoHome que a las grandes producciones Hollywoodenses, pero eso cambia cuando llega el momento de disfrutar de los buenos efectos y la excelente caracterización de los personajes, sobre todo con ese muy adecuado uso del gore, que está en la medida perfecta para asustarte y no para generarte nauseas, como suele ocurrir cuando se sobre explota el género sin dar el salto al Splatter. La ambientación musical también es fabulosa, te mete miedo y te deja al filo del asiento listo para saltar en la siguiente escena sorpresiva. La actuación es quizás el punto más débil, pero al menos tres de los personajes tienen un buen nivel de actuación que salva al resto.

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La historia gira en torno a cinco amigos que fueron víctimas de una abducción extraterrestre quince años atrás. Uno de ellos falleció a causa de la tortura perpetrada por los aliens, mientras que el resto sobrevivieron con terribles secuelas. Uno de ellos, Wyatt parece tener cierta habilidad a las que los extraterrestres temen, por lo que decide separarse de sus amigos y ocultarse en el bosque viviendo en la paranoia constante. Los tres amigos restantes deciden tomar venganza y capturar a una de las criaturas que los atormentó años atrás.

El filme inicia justo en el momento en que los tres amigos atrapan al alienígena y lo llevan a casa de Wyatt para que los ayude a esconderse. Los cuatro saben que si matan al alien su especie tomara venganza y exterminarán a la raza humana. Sin embargo, Cody, el hermano del chico fallecido, decide que tomará venganza a toda costa, sus amigos intentan detenerlo pero en el forcejeo el extraterrestre logra escapar. A partir de ese momento el filme se convierte en una cacería constante, los cuatro amigos tendrán que lidiar con la criatura mientras esta trata de aniquilarlos y llamar a los suyos.

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La permisa de la historia es muy simple, nunca se explica mucho de los extraterrestres y sólo conocemos el pasado de los personajes por meros diálogos, lo que en mi opinión es un gran acierto pues mantiene el halo de suspenso y hace que nos enfoquemos en el terror que acontece en ese momento. Prácticamente toda la película transcurre dentro de la casa de Wyatt, lo que genera un leve ambiente claustrofóbico sin llegar a la magnificencia de otras películas como REC. Y si bien recurre a las escenas sorpresivas para asustar al espectador, considero que para este caso es muy válido su uso pues el miedo generado se va trabajando desde momentos antes con la ambientación sonora y la trama en sí.

El extraterrestre es fabuloso, tiene mucha fuerza, poderes hipnóticos, implantes biorgánicos y un diseño que en verdad da miedo, sin olvidar su inherente sadismo. Las escenas gore también son muy buenas, son pocas pero suficiente para darle el toque tétrico y brutal que el encuentro con un alienígena asesino requieren. Además de eso el toque del virus comer carne le da un cierto juego a la historia, aunque es algo exagerado siendo honestos. Igualmente, ese deseo de lastimar y hacer sufrir al alien, deseo que es recíproco por parte de la criatura, genera un ambiente tenso que va muy bien con la historia.

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Puede que la trama no sea la mejor del mundo, ni la más original y que algunas escenas dramáticas estén de más, así como la falta de explicación de algunas otras, pero a pesar de ello es una película entretenida, bien lograda y que asusta. La primera vez que la vi me causó un gran impacto, sobre todo por ese odio enfermo por parte del extraterrestre y ese deseo y aparente disfrute que tenía por hacer sufrir a los humanos. La escena de los intestinos es sencillamente gloriosa y una de mis escenas gore favoritas de todas las que he visto. Es una de las películas que realmente me ha dado miedo.

El uso de marionetas, trajes y maquillaje por encima del CGI es la mejor parte, hace que todo se vea más real, más visceral y crudo, que es justo como una película de terror necesita verse. Las heridas, las torturas y la criatura conservan ese realismo precisamente por no recurrir a la animación por computadora. Simple, sencilla y sin demasiadas pretensiones, Altered es una excelente recomendación para ver en estas fechas de muertos y fantasmas, pues no tiene complejos trasfondos y salta casi de inmediato directo a la acción.

Gremlins

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Título Original: Gremlins.
Género(s): Terror, Comedia.
Director: Joe Dante.
Emisión: 1984.
Duración: 106 minutos.
Extras: –

Dudé un poco sobre si poner esta reseña para Día de Muertos o para Navidad, pero al final consideré que era una mejor opción para estas fechas llenas de terror y monstruos, aunque en esencia Gremlins es una película navideña de terror. Así es, no todo tiene que ser Tim Allen salvando la navidad, también podemos disfrutar de una Noche Buena huyendo de viciosa criaturas que sólo quieren causar caos, muerte y destrucción.

Gremlins no es la gran película de terror, seamos sinceros, pero es un clásico innegable y un referente indiscutible de la cultura pop, sin olvidar que es un filme obligado para todos aquellos amantes del género. Además, fue uno de los primero filmes que conjuntaron el terror y la comedia en una obra irreverente y muy entretenida.

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La historia gira en torno a Billy Peltzer, un joven que trabaja como cajero en un banco y es hijo de un inventor cuyas invenciones siempre resultan ser un fracaso. Durante uno de sus viajes, Randall, el padre de Billy, llega hasta una extraña tienda en Chinatown, allí encuentra una pequeña y tierna criatura llamada Mogwai. Randall insiste al tendero para que se le venda, pero este se niega argumentando que criar a esa simpática criatura requiere de mucha responsabilidad. Al final, el nieto del tendero vende al Mogwai sin que su abuelo se entere. Randall regresa a casa con el regalo perfecto para su hijo y tres sencillas reglas que debe seguir: no exponer a la criatura a la luz, nunca mojarlo y por ningún motivo darle de comer pasada la media noche.

Al regresar a casa Randall da el regalo a su hijo, quien se encariña de inmediato con el Mogwai, a quien ahora llaman Gizmo. El pequeño Gizmo vive feliz con su nueva familia, pero accidentalmente es mojado por Pete, un amigo de Billy. A causa del agua cinco entrañas bolas de pelo salen de su cuerpo y crecen hasta convertirse en nuevos Mogwai, pero su temperamento es muy distinto, pues gustan de hacer travesuras y son más agresivos. Uno de los nuevos Mogwai, el líder, engaña a Billy para que les dé de comer después de media noche y como consecuencia las cinco criaturas se convierten en crisálidas, de las que salen unos viciosos monstruos que empiezan a causar destrozos, la madre de Billy logra exterminarlos pero el líder llega hasta una piscina y crea a toda una horda de gremlins que amenazan la ciudad entera. Billy y su novia Kate deberán de tratar de salvar sus vidas mientras buscan cómo destruir a las criaturas.

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Debemos admitir que la trama y los personajes están llenos de clichés, aunque quizás no era tan estereotípicos en aquel entonces. Además, la película tiene todo el sello de las producciones de Steve Spielberg, pues vemos la típica publicidad por emplazamiento y un retrato muy fiel de la vida cotidiana en estados unidos en la etapa posterior a la guerra fría, donde se favorecía a los productos locales sobre los productos extranjeros. No es casualidad que el coche de Billy sea un Volkswagen (auto alemán) y no funcione. También vemos roles de género muy marcados y numerosas referencia tanto a otras obras cinematográficas como a géneros y elementos de la cultura pop, sobre todo en la escena donde los gremlins están en el bar.

Según la mitología anglosajona, un gremlin es una criatura malévola que se dedica a sabotear maquinarias. Errores de imprenta o fallos en los motores sueles ser atribuidos a estos seres. Partiendo del origen mitológico, los gremlins de la película realmente hacen honor a su nombre, sabotean autos y otros artefactos causando caos e incluso muertes, pero no son precisamente sanguinarios como los Critters, por ejemplo, son más bien traviesos a un punto que resulta letal. Y eso, aunado a los elementos exagerados que rayan en lo ridículo hace que la película sea muy divertida, aterradora y sobre todo entretenida.

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Algo muy importante que no debemos olvidar es que a pesar de lo ridículos que pueden llegar a ser estos engendros, estuvieron perfectamente diseñados. Tienen una etapa infantil, un periodo de crisálida y finalmente una metamorfosis que los convierte en las maniacas criaturas que vemos en pantalla. Para ser un filme de culto pero sin grandes estándares en cuanto a su complejidad argumental y que apela a un retorcido sentido del humor, el diseño de estos seres me parece magnífico, sobre todo porque nunca explican su origen.

Otro elemento aunado al anterior es la calidad técnica. Tomando en cuenta la barrera del tiempo, su calidad es impresionante. Tan sólo el uso de animatronic y stop-motion que debieron requerir escenas como el ataque en las calles, la juerga en el bar o la ida al cine es abrumadora. Actualmente con el uso de CGI y pantallas verdes pueden lograrse resultados extraordinarios, que para un ojo medianamente educado, nunca dejarán de verse falsos. Pero en Gremlins nunca pasa eso, y si bien hay escenas en las que el stop-motion es más que obvio, eso no reduce en lo más mínimo la calidad lograda por el filme, la cual se extiende también al aspecto sonoro, dejando como punto más débil la actuación pero permitiendo que la película se convierta en un clásico obligado por más que sólo la demencia de estas peculiares criaturas.

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Kakurenbo

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Título Original: カクレンボ (Kakurenbo).
Género(s): Terror, Survival-Horror.
Director: Shûhei Morita.
Estudio: CoMixWave Films.
Emisión: 2004.
Duración: 25 minutos.
Extras: –

Kakurenbo es el nombre que recibe el juego del escondite en Japón, el cual tiene diferentes modalidades de juego, cada uno con un nombre distinto. El Otokoyo es una de esas modalidades. Según la leyenda urbana, es un juego que debe ser jugado por siete niños con máscaras de zorro en una ciudad abandonada conocida como Ciudad Oscura, una laberíntica y desolada ciudad donde habitan los demonios. Dicen que todo aquel que juega nunca regresa.

La premisa del OVA es simple, un juego del escondite jugando por siete niños que deberán enfrentar demonios y obstáculos en una ciudad llena de escombros, tuberías y cables retorcidos. A primera vista parece otra obra más donde los niños asumen el papel de víctimas y un inocente juego se convierte en una pesadilla, trama que hemos visto numerosas veces en animes, películas y series desde hace mucho. No obstante, la forma en que los asiáticos manejan el uso de infantes en el terror y los elementos propios del folclor japonés le dan algunos toques de originalidad.

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La calidad de animación no es precisamente mala pero a mí en lo personal no me gustó, algunas escenas se ven por demás artificiales y el CGI se queda muy por debajo de lo que debería estar, La música, por otro lado, es muy buena, logra una ambientación excelente y es lo único que logra generar una pequeña atmósfera de miedo pues la historia en sí no es del todo aterradora. Los personajes tienen muchos clichés y además se limita a correr y esconderse. Afortunadamente hay un aspecto que sobresale mucho, sobre todo para un amante del Cyberpunk como yo, los escenarios. La ciudad en donde juegan los niños es un deleite visual, con casas y departamentos derruidos y hacinados, pasillos laberínticos y oscuros, tuberías y cables retorcidos por doquier.

Los escenarios son espectaculares, la ambientación musical es buena y la premisa de la historia de hecho no es tan mala si nos empapamos del folclor japonés sobre los demonios y las leyendas urbanas. Con todo esto no importaría que la animación fuese mala y los personajes simples estereotipos, el problema es que no logra explotar sus puntos buenos y termina por ser un filme plano y a lo más algo entretenido. Una buena forma de hacerlo más aterrador pudo haber sido poniéndole una buena dosis de gore.

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La historia gira en torno Hiroka, un niño que decide participar en el juego para buscar a su hermana, quien desapareció en el juego anterior. Además de él hay otros siete niños que no tienen mayor relevancia pues sólo sirven de presas para los demonios. Los cinco demonios representan a un demonio en particular de la tradición japonesa, y si bien su diseño no es del todo atemorizante se basa en el referente cultural que tiene Japón de este tipo de seres. Lamentablemente sus habilidades tampoco se explotan y no vemos todos los horrores que en teoría serían capaces de desatar.

En mi opinión el OVA es entretenido aunque está muy lejos de ser la gran obra de terror que su potencial le hubiese permitidos ser y creo que el principal problema es que no logra generar esa atmósfera de miedo en el espectador como si lo hacen obras de corta duración como Nekogaroshi-hen, aunque el miedo que produce está cimentado en la serie de Higurashi, pero aun así es un poco más tenebroso que este corto. Yo espero ver algún día algo mejor logrado en esos espectaculares escenarios, inspirando a todas luces en la extinta ciudad de Kowloon. Por cierto el final está más o menos rescatable.

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Black★Rock Shooter (2012)

Título Original: ブラック★ロックシューター (Burakku Rokku Shuutaa)
Género(s): Drama, Acción, Psicológico, Fantasía.
Director: Shinobu Yoshioka.
Estudio: Ordet.
Emisión: 2 Febrero 2012.
Duración: 8 Episodios.
Extras: OVA

Dos años después de aquel OVA vacío aparece una segunda versión animada ambientada en el mundo de Black Rock Shooter. Más adelante se haría patente que cada adaptación del personaje arranca desde cero con su propio universo o personajes secundarios; pero para esta ocasión, muchas de las personas responsables de la creación de la primera aventura regresan bajo el mismo estudio para probar suerte una segunda vez.

La versión de 2012 es una serie animada de ocho episodios de media hora que intenta rescatar el argumento flojo de la OVA al ampliarlo lo mejor posible. El resultado es una historia un poco más coherente y profunda, enriquecida con impresionantes secuencias de acción. Todos los personajes que ya conocemos regresan con un aspecto actualizado; aquellos que aparecieron por breves instantes reciben un papel más prominente y se suman nuevos elementos al elenco.

Mientras que el punto focal del argumento continúa siendo la amistad entre Mato Kuroi y Yomi Takanashi, a su alrededor se teje una serie de historias paralelas que involucran a los demás personajes. Existe una narrativa por arcos donde Mato conoce a nuevas personas, surge un pequeño conflicto y Black Rock Shooter termina por resolverlo en ese otro mundo extraño de la forma más violenta posible. Los protagonistas humanos son básicamente idénticos a los del trabajo original.

Black Rock Shooter recibe una actualización de estilo más que bienvenida y se muestran varias facetas de su personalidad, inexistente en el OVA. Su rival, Dead Master, tiene un cambio radical en apariencia más en línea con el argumento y Black Gold Saw pasa de un simple cameo a un interesante papel neutral en los episodios finales. Se suman dos nuevas rivales con ese atractivo estilo propio del autor, además de añadir un trasfondo a ese peculiar mundo que habitan todas ellas.

Sin embargo, a pesar de la buenas intenciones los segmentos de vida escolar siguen siendo extremadamente aburridos, con un enfoque en el drama aún más forzado, a tal grado que resulta cómico en varias ocasiones. La trama es confusa por momentos y además los dos últimos episodios dan un par de giros un tanto desconcertantes. Afortunadamente, hacen un buen trabajo al cerrar la historia y en esta ocasión existe al menos un final definitivo, aunque poco original.

De nuevo se alterna entre protagonistas, mientras Mato atraviesa el drama de la realidad, Black Rock Shooter se encarga de aniquilar todo a su paso. Los saltos entre secuencias están mejor logrados, de nuevo son fugaces y la mayoría carece de diálogos, pero se complementan entre sí de forma aceptable. Existe un marcado aumento en la calidad de animación, los cambios a modelos tridimensionales son casi imperceptibles y el ritmo de la acción se mantiene en todo momento.

Black★Rock Shooter de 2012 es un trabajo peculiar. Trataron de pulir sus ideas para aumentar la calidad lo mejor posible. En cierta medida lo consiguieron: el apartado técnico es impecable, las batallas son magníficas, la banda sonora es muy buena, el nuevo diseño de muchos personajes agrega frescura, los actores de voz son de primer nivel y el flujo de la trama mejora de forma considerable. Pero es precisamente éste último el punto más débil de la obra.

Es una serie que conserva un concepto original respaldado por un excelente apartado visual, pero cuyo pobre argumento y mitología poco atractiva termina por decepcionar a más de uno. De nuevo transmite un fuerte mensaje de amistad y superación; pero aunque es posible identificarnos con algunas facetas del drama escolar, luego de verla la primera vez, quizás sea mejor idea aprovechar la opción que existe de desechar todo ese cansado slice of life para disfrutar únicamente las secuencias de acción.

Spoilers:

Black★Rock Shooter

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Título Original: ブラック★ロックシューター (Burakku Rokku Shuutaa)
Género(s): Drama, Acción, Psicológico, Fantasía.
Director: Shinobu Yoshioka.
Estudio: Ordet.
Emisión: 24 Julio 2010.
Duración: 50 Minutos.
Extras: Anime (8 Episodios)

A finales de la década pasada comenzaron a circular en la red varios dibujos con un estilo muy interesante. Todos ellos mostraban a una misteriosa chica de cabello negro portando una peculiar flama azul sobre uno de sus ojos. Los decorados de dichas obras abarcaban desde sencillos patrones monocromáticos hasta elaborados paisajes de corte post-apocalíptico, a veces mostrado a otros personajes de rasgos similares. A los pocos meses, las imágenes se volvieron escasas hasta casi desaparecer.

Investigando un poco descubrí que el nombre de la chica era Black Rock Shooter, salida de una única ilustración obra del artista conceptual Ryohei Fuke (también conocido como huke). Su trabajo fue del agrado de una banda independiente con la que colaboró para lanzar un vídeo musical protagonizado por el personaje usando el ahora famoso software de síntesis de voz, Vocaloid. El vídeo pronto se volvió viral en su país de origen, generando multitud de fanarts.

En 2010 se lanza una animación basada en el vídeo, cuyo desarrollo fue monitoreado de cerca por los fans desde que fuera anunciada el año anterior; aunque el autor estaba en el proyecto desde el principio, resultaba curioso imaginar qué tipo de obra surgiría al adaptar tan escaso material original. Tenían nuevos personajes con un estilo visual muy atractivo y la posibilidad de crear un universo que les hiciera justicia. Pero el resultado final dista mucho de lo esperado; con tanto potencial ¿qué salió mal?

El OVA nos muestra la vida cotidiana de la alegre Mato Kuroi, una adolescente en su primer día de escuela, quien conoce a Yomi Takanashi, una chica nueva en el vecindario y ambas se vuelven mejores amigas. Sin embargo, la popularidad de la primera aumenta conforme trascurre el ciclo escolar. Luego de unos meses ambas son separadas al pasar a segundo año; Mato sigue haciendo nuevos amigos, mientras Yomi se siente desplazada y desarrolla un fuerte rencor hacia su amiga.

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De forma paralela, presenciamos el solitario viaje de Black Rock Shooter a través de un mundo muerto. Atraviesa diferentes parajes desolados con el objetivo de llegar hasta la guarida de su más reciente adversario, Dead Master. Ambas entidades comienzan un feroz combate que en cierta medida refleja los acontecimientos de la otra realidad. Gracias a sus esfuerzos, Dead Master es derrotada y la relación entre ambas amigas vuelve a la normalidad.

La calidad de animación es muy buena, ya sea durante el slice of life con apacibles protagonistas bien diseñados o las dinámicas escenas de acción sin diálogos ambientadas en multitud de intrigantes entornos detallados. El tema musical del personaje principal aparece en multitud de ocasiones para satisfacer a los entusiastas del Vocaloid, empleando distintos estilos. Los actores de voz y efectos sonoros son todos de primer nivel.

El OVA alterna entre largas porciones de dramática vida escolar y las fugaces apariciones del personaje titular. Se debe puntualizar que el argumento es aburrido; trasmite un mensaje muy fuerte de amistad y es evidente que los creadores se esforzaron lo mejor posible para dar un enfoque más original al material primigenio; pero en consecuencia, las secciones que en teoría son las más importantes terminan como una molestia para el espectador.

Las protagonistas hacen un buen trabajo y llegamos a identificarnos con ellas por momentos; a cambio, Black Rock Shooter aparece en pantalla durante menos de diez minutos en diminutas dosis, que parecen más bien una recompensa por soportar la otra parte de la historia. Al final, este trabajo resulta decepcionante para tratarse del debut de un personaje tan popular. El concepto, sin embargo, seguiría latente para dar nacimiento a una nueva versión extendida que vendría después.

Susurros del Corazón

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Título Original: 耳をすませば (Mimi wo sumaseba).
Género(s): Romance, Drama.
Director: Yushifumi Kondo.
Estudio: Ghibli.
Emisión: 1995.
Duración: 111 minutos.
Extras: Neko no Ongaeshi.

No es muy común en obras de Ghibli representar la vida cotidiana de la gran ciudad, por lo general estamos acostumbrados a ver mundos fantásticos donde la magia lo rige todo o pequeños y apacibles poblados donde la vida aún es calmada y pacífica. Sin embargo, Susurros del Corazón, película basada en la obra original de Aoi Hiiragi, nos sitúa en un ambiente completamente urbano, con una familia que vive en un pequeño departamento y toma el tren como principal medio de transporte, pero que a pesar de la urbanidad, aún puede sentirse ese toque rural y mágico que permea en todas la obras del estudio.

La calidad del filme es muy buena, como todo trabajo de Ghibli. Los personajes están muy bien diseñados y la calidad de animación es formidable. Los escenarios están perfectamente logrados y realmente te sitúan dentro de una ciudad, además, pese a que la película ya tiene sus años siguen luciendo muy actuales. La calidad musical, por su parte, es asombrosa, la canción principal logra transportarnos a lugares rurales algo antiguos sin salir de la ciudad y al mismo tiempo hace de la urbe un lugar más cálido y hogareño de lo que es realmente.

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La obra gira en torno a Shizuku Tsukishima, una adolescente fanática de los libros que pasa sus vacaciones en la biblioteca. Un día, descubre que un tal Seiji Amasawa ha leído los mismos libros que ella, lo que despierta su curiosidad por saber cómo es aquella persona. Durante sus vacaciones conoce a un chico por accidente que le cae mal quien para su mala suerte resulta ser el mismísimo Seiji. Antes de descubrir la identidad del chico Shizuku se topa con un extraño gato, al que sigue hasta una peculiar tienda de antigüedades, donde conoce al abuelo de Seiji y descubre que el chico, además de leer, es un fanático de la música y que lo que más desea en la vida es convertirse en un fabricante de violines. Las metas que Seiji se ha fijado le hacen reflexionar sobre su propia vida y lo que ella desea hacer de grande, así que inspirada por su nuevo amigo decide probar suerte en la escritura.

Además de la historia que describe los sueños y paciones de los personajes, tenemos una singular y divertida subtrama de romance. Yuko, la mejor amiga de Shizuku, está enamorada de un chico, pero este chico, a su vez, está enamorado de Shizuku, lamentablemente para él, ella no le corresponde. A su vez, Seiji revela que ha leído todos esos libros con la intención de que Shizuku se fijara en él, pues hace tiempo que está enamorado de ella. Shizuku empieza a cambiar los sentimientos de desprecio que tiene hacia Seiji y termina enamorándose de él, sobre todo por esa determinación que él tiene de saber qué es lo que desea hacer con su vida, cosa que ella no ha logrado descubrir.

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Al pasar de los minutos, la historia se transforma de una especie de Slice of Life urbano a una tierna y levemente dramática historia de amor. Seiji se va a Italia por dos meses para descubrir si tiene talento para fabricar violines, mientras que Shizuku se queda en casa escribiendo una historia de fantasía y amor protagonizada por el Barón Humbert von Gikkingen, una curiosa figura felina que es el mayor tesoro del abuelo de Seiji. Sin embargo, si ambos triunfan en sus propósitos tendrán que separarse de nuevo por mucho más tiempo.

La historia es realmente muy sencilla y tiene algunos errores que podemos pasar por alto. No obstante, hay varias cosas que podemos rescatar, la principal es esa etapa de descubrimiento de nuestras paciones y metas personales. En la historia Shiro Nishi, el abuelo de Seiji, le dice a Shizuku que ambos son como como diamante en bruto, que sus obras son aún burdas y ásperas, como una piedra, pero que con la práctica eventualmente lograrán convertir su arte en verdaderas piedras preciosas. A mí en lo personal me gustó mucho que algunos de los personajes tuvieran muy en claro lo que querían hacer con su vida mientras que otros no tuvieran ni idea, y sobre todo el hecho de que es la práctica, más que otra cosa, lo que te hará ser bueno en algo.

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La parte de la historia de amor me parece que flaquea en muchos puntos, pero es muy tenue, tierna e inocente y no necesita de grandes actos de amor que caigan en lo meloso, a pesar de que los tiene. También el hecho de que la historia de amor más enternecedora no sea la que toma lugar entre los dos personajes principales sino entre dos personajes secundarios me parece un gran acierto, pues finalmente nuestros protagonistas son aún unos niños y sus dramas románticos se limitan a divertidos triángulos amorosos que seguramente nos recordarán nuestra etapa de secundaria y aquellas primeras desventuras de cuando alguien nos gustaba.

Susurros del Corazón es una obvia historia de amor que en un principio no parece serlo, además de que se sale un poco de la línea tradicional de las obras de Ghibli, pero a pesar de ello es muy buena. Además, lo que más destaca de este filme, para mí, es que contiene mi canción favorita de todas las obras de Ghibli que he visto hasta el momento (Country Road en su versión cantada por Shizuku) y mi escena favorita de todas las obras de Ghibli que he visto hasta el momento, esa en la que Shizuku se pone a cantar mientras que Seiji toca el violín acompañado de su abuelo y un par de sus amigos.

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Vi anime original y me emocioné

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El sábado pasado fui a Mixup a comprar unos audífonos para escuchar el podcast, porque sí, cuando termino de editarlo primero lo escucho completo desde Audacity con los Headset, después lo paso al celular (anteriormente al iPod pero ya se me descompuso) para escucharlo nuevamente, primero con los Headset y posteriormente con unos audífonos convencionales. La razón de hacer esto es porque el audio cambia un poco cuando se escucha con uno u otro dispositivo y porque también a veces hay variaciones de volumen y calidad antes y después del renderizado.

Pero en fin, regresando a lo que quería contarles, fui a esta tienda (no me están patrocinando) y compre unos audífonos azules idénticos a los que tenía y que perdí hace un par de semanas, luego caminé entre los estantes de películas buscando la tercera temporada de Game of Thrones. Llevaba dinero suficiente para comprar ambas cosas sin problemas, ahorros que había hecho de mi quincena anterior (aunque a mí me pagan cada mes), así que me puse a buscarla. Para mi fortuna, tardé un tiempo en encontrarla y en ese inter descubrí que allí venden anime original.

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En muchas tiendas de películas originales es posible encontrar anime y series populares (Dragon Ball, Los Caballeros de Zodiaco, películas de Ghibli), pero la mayoría tienen la misma selección y no cuentan con esas joyas que uno anhelaría ver en los estantes y, por qué no, comprar, pese a que ya las hayamos visto o las tengamos pirata. Sin embargo, hoy fue un caso diferente, además de los clásicos de Miyazaki o algunas que otra obra de Mamoru Hosoda (Tokikake, Summer Wars, Los niños Lobo) pude ver grandes clásicos de los viejos tiempos, como Paprika, del grandioso Satoshi Kon, Aplassed Ex Machina, Ghost in the Shell, alguna de las Óperas Espaciales de Leiji Matsumoto y las tres películas que hasta ahora integran Rebuild of Evangelion, entre otros clásicos animados que no vienen de Japón, como la formidable oda a la ciencia ficción pulp europea, Heavy Metal.

Después de unos minutos mirando embelesado aquella fabulosa selección y abriendo discretamente mi cartera para hacer cuentas y ver cuántas de ellas podría comprar, decidí que quizás lo más raro y difícil de conseguir sería Heavy Metal, sobre todo porque estaba en Blue Ray, así que la tomé y di una última vuelta por el lugar antes de regresar para llevarme las tres películas de Evangelion. Lamentable o afortunadamente me topé con la tercera temporada de Game of Thrones rebaja de su precio original, así que después de dudar unos segundos decidí comprar la serie y dejar al resto de animes originales para otra ocasión, una en la que tenga más dinero. Aunque si hubiera visto 5 cm por Segundo de Makoto Shinkai estoy seguro que no estaría viendo a Tyron Lanister fornicar con cinco prostitutas en este momento (a quien engaño, estoy escribiendo esto el mismo sábado y aún no he abierto el dvd, pero no dudo que pueda haber una escena así).

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Depredador (Podcast)

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En 1987 nació uno de los extraterrestres más emblemáticos que el cine nos ha regalado, uno de los más representativos íconos de la cultura pop y uno de los cazadores más fieros del universo entero. El Depredador o Yautja, llegó a la tierra para cazar humanos y exhibir sus cráneos como trofeos, pero al mismo tiempo trajo consigo algunos de los elementos más originales que el cine de Ciencia Ficción había visto hasta entonces.

Con un rugido característico, armas nunca antes vistas, un camuflaje perfecto y una cultura donde el honor, el valor y la fuerza son lo más importantes, es que se nos presenta a este imponente alienígena. Si bien el éxito inicial de Predator no fue inmediato, los aportes que dio a la construcción de vida extraterrestre los pusieron, al cabo del tiempo, en un puesto de honor entre las películas de culto.

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Depredador se integra actualmente por tres filmes: Predator (John McTiernan, 1987), Predator 2 (Stephen Hopkins, 1990) y Predators (Nimród Antal, 2010), así como un par de crossover y una gran variedad de videojuegos y cómics, sin olvidar los innumerables fanfic que han expandido el universo de este fiero cazador espacial. El argumento que da origen a toda la saga es muy básico: un extraterrestre viaja por el espacio cazando criaturas en distintos planetas. Pero a pesar de ello, los pequeños chispazos que nos van rebelando tanto la naturaleza biológica como social de Yautja son suficiente para desarrollar y expandir las distintas historias que esta criatura es capaz de generar.

Predator, el primer filme, es sin duda alguna el más icónico de todos, pues nos presenta a este genial personaje y nos introduce en un universo nuevo y lleno de posibilidades. Quién no recuerda al imponente Dutch (interpretado por Arnold Schwarzenegger) y su grupo de titánicos machos luchar contra una criatura invisible entre la selva. Imperceptible, letal y mortal, el Depredador es uno de los más grandes e indispensables clásicos del cine de ficción y monstruos, así que decidimos rendirme homenaje con este sencillo podcast.

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Disponible también desde: Anchor

Game of Thrones. Primera temporada vs libro

 

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Por ahí del 2010 me enteré, gracias al podcast de La Biblioteca de Trantor, de la existencia de una saga de Fantasía Épica a la altura de la famosa obra de Tolkien. Felix, locutor del podcast, hablaba de Canción de Hielo y Fuego, escrita por George R. R. Martín. Entre las cosas que mencionaba de ella estaba el rumor de que sería adaptada a la televisión por parte de HBO, al poco tiempo se estrenó Juego de Tronos, que rápidamente ganó adeptos entre el público. Yo tomé la decisión de no ver la serie antes de leer los libros, pues no quería que mi imaginación se viera determinada por la fisonomía de los actores que le darían vida a cada personaje, como me había pasado con Los Juegos del Hambre.

Pasaron los años y fue hasta este mes que me animé por fin a ver la primera temporada, a pesar de que sólo he leído el primer libro. Me rehusaba a hacerlo por no querer contaminar la imagen que yo mismo me había generado de los personajes, pero los constantes e inevitables spoilers me hicieron decidir verla, eso y el hecho de que no tengo dinero como para comprar los robustos libros que integran la saga literaria.

Juego de Tronos 3

La calidad narrativa de Martin me atrapó y en menos de un mes leí las casi 800 páginas que integran el primer libro. La descripción de algunos eventos resulta tan poética que te sumerge en la atmósfera, así esté relatando eventos tan insignificantes como cuando Bran escala por los techos y paredes del palacio o acciones más fuertes como cuando Daenerys y Khal Drogo intiman por primera vez. La mencion de los detalles es muy rica y en eso se queda muy, pero muy, corta la serie de televisión. Sabemos que el énfasis que los escritores ponen para describir escenarios lo hacen con la intención de ponernos en contexto, el problema es que la impresión que te deja como espectador ver los mismos elementos como meros fondos en el escenario es insignificante si la comparamos con lo que te hace sentir el imaginarlos.

El problema que tiene la novela, al menos al principio, es que la cantidad de personajes, lugares y situaciones son abrumadoras, al principio no entiendes qué es lo que pasa, quién es quién y en dónde están, mucho menos el porqué. En eso sí es mucho mejor la serie, pues al menos a mí me costó unas 200 páginas empezar a identificar de qué personajes hablaba el escritor, y de hecho muchas cosas que yo creía haber entendido de cierta manera resultaron ser diferentes cuando vi la serie, y no por una mala adaptación, sino por mi propia confusión causada por la gran cantidad de personajes y lugares. Leer una Novela Río tiene estas dificultades, pero una vez que comprendemos cómo se van entrelazando las historias es fácil ver el trasfondo general; aunque claro, siempre es más fácil entender qué es lo que pasa cuando al nombre le ponemos una cara.

Juego de Tronos 2

En cuestión narrativa la serie de televisión se queda muy corta, pero sin duda es mucho más digerible que el libro, sobre todo por la complejidad que este alcanza dada la gran cantidad de situaciones que toman lugar al mismo tiempo. No obstante, hay muchas escenas que están en extremo simplificadas y si no han leído los libros resultarán menos importantes de lo que son. Cuando Arya se pierde en los laberintos del castillo en Desembarco del Rey y se topa con los cráneos de los dragones es una de las escenas que más me gustaron en el libro, pero es extremadamente cutre en la serie.

La serie me gustó mucho y de hecho entendí cosas que no me habían quedado claras en la novela. Es una gran adaptación pero le falta ese toque poético e intenso que logra Martin en sus libros, aunque por otro lado creo que leer el libro y ver la serie, en ese orden, complementa perfectamente la historia, pues los sucesos del libro te permitirán entender mejor el contexto de muchas cosas, mientras que la simplificación de la serie de ayudará a comprender aquellos que no te hubiesen quedado claros. No soy un experto pues sólo he visto la primera temporada y leído el primer libro, así que estoy bastante atrasado del ritmo actual de la saga, pero me parece que si vas a consumir uno deberías forzosamente consumir el otro.

Juego de Tronos 4

Noveno Aniversario

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Hoy, al compartir una publicación en la página de Facebook, caí en cuenta de que faltan quince días para el noveno aniversario del blog. Y sí, sé que ustedes están leyendo esto el 27 de junio, pero como ya estoy trabajando y donde me estoy quedando de momento o no tengo Internet o está muy lento, he decidido escribir esto con antelación y dejarlo programado para que se publique el día exacto.

Nueve años es mucho tiempo para un pequeño blog que reseña los animes, entre otros escritos, que su administrador ha visto. Hace tiempo platicaba con Vossk sobre el hecho de que muchos de los blogs contemporáneos y que escribían del mismo tema ya no existen o en su defecto están abandonados. Muy pocos blogs superan los tres años de edad, en los primeros años publican mucho y con una frecuencia establecida (generalmente una vez a la semana) pero con el paso del tiempo y las ocupaciones dicha frecuencia va disminuyendo hasta cesar por completo. En este blog nunca ha pasado eso (ni pasará, mientras vivamos) pero sí han habido un par de temporadas en las que las publicaciones disminuyen, como la etapa actual que esperemos termine en octubre, con nuestro regreso triunfal para el mes de noviembre.

Sin contar la escuela, escribir en este blog es lo que más tiempo he hecho en toda mi vida, es el trabajo al que más le he dedicado tiempo, esfuerzo y dinero (bueno, sólo el dominio, de hecho hacer el podcast cuesta más), y lo mejor de todo es que me hace muy feliz trabajar en este espacio. Este año no habrá un especial ni nada por el estilo, eso lo dejaremos para el año entrante cuando cumplamos una década, pero no quería dejar pasar una fecha tan importante para mí.

Les agradezco a todos nuestros fieles lectores y espero seguir contando con sus visitas y comentarios por mucho tiempo más. Las reseñas, el anime y las cosas frikis seguirán, de esos vivimos, pero con forme envejezcamos y maduremos (según) llegará eventualmente diferente tipo de contenido. El Podcast y los videos de YouTube seguirán aunque en mucho menor medida durante los próximos meses, pero los retomaremos para fin de año.