Reseñas

Wall-E

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Título Original: Wall-E.
Género(s): Romance, Comedia, Drama, Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Social/Scrappunk/Space Opera.
Director: Andrew Stanton.
Estudio: Pixar Animation Studios.
Emisión: 2008.
Duración: 98 minutos.
Extras: –

Animada por el reconocido estudio Pixar y dirigida por Andrew Stanton, quien ha participado en producciones como Toy Story, Wall-E es una conmovedora historia de amor entre dos robots en un mundo devastado por la contaminación, en donde los humanos viven en cruceros espaciales y son víctimas de la rutina y el excesivo uso de la tecnología.

El filme es visualmente impactante. El gran detalle y la fidelidad de los escenarios en realidad nos sitúan en un mundo postapocalíptico repleto de basura, pues la amplia cantidad de desperdicios lucen en extremo realistas y los derruidos edificios nos dejan ver que la ausencia humana se ha prolongado por varios siglos. El diseño de personajes es muy bueno, tanto en la construcción de robots como en la de humanos. La música destaca bastante, pues la película contiene muy pocos diálogos y depende de las canciones para logra expresar la emotividad correspondiente.

La historia nos sitúa en un futuro donde el mundo está completamente cubierto de basura, para intentar remediarlo, la empresa BnL implementó un programa de limpieza usando pequeños robots compactadores de basura llamados Wall-E, mientras ellos limpian nuestro mundo, los humanos toman un crucero espacial por cinco años. Sin embargo, pasado ese lapso de tiempo el intento por descontaminar el planeta fracasa, obligando a la raza humana a prolongar su viaje.

700 años después, sólo un robot permanece activo. Para sorpresa del pequeño, Eva, una sonda que busca vida, aterriza en la tierra. Wall-E se enamora rápidamente de Eva, pero cuando ella encuentra una pequeña planta regresa a la nave madre, Wall-E la sigue y juntos empiezan una trepidante aventura en el espacio exterior llena de romance y drama. Mientras nuestro oxidado héroe intenta rescatar a su amada, los humanos despiertan del letargo en que los tenía sumidos tanta tecnología y se revelan para recuperar su mundo.

La obra es muy entretenida para el público al que está destinada, pero los mayores también pueden divertirse e incluso reflexionar sobre alguno de los tema que aquí se muestran. Hay un mensaje sobre que las diferencias no son un impedimento para que dos amantes estén juntos y otro muy obvio sobre cuidar el ambiente, pero el más importante es el que alude a la sociedad consumista, obesa y sedentaria creada por el capitalismo, donde la rutina, la comida rápida, la diversión barata, la superficialidad y la tecnología están modificando la forma en que interactuamos con la gente.

Wall-E no sólo nos muestra una simpática historia de amor ni el futuro que nos espera si no cuidamos nuestro planeta, sino que nos invita a reflexionar sobre lo monótona que puede ser la vida cuando pasamos el día pegados a un monitor, viendo televisión, jugando videojuegos o leyendo blogs en internet, en lugar de salir y admirar las bellezas que nos ofrece el mundo como hacíamos antes de que los gadgets extinguieran la charla de sobremesa.

$9.99

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Título Original: $9.99
Género(s): Drama, Romance, Comedia.
Director: Tatiana Rosenthal.
Guión: Etgar Keret.
Emisión: 2008.
Duración: 78 minutos.
Extras: Página Oficial.

Basada en el trabajo del israelí Etgar Keret, dirigida por su compatriota Tatiana Rosenthal y animada por un equipo australiano, $9.99 es una obra multicultural que aborda el complejo tema del significado de la vida, las dudas personales, los miedos y las satisfacciones que todos enfrentamos en búsqueda de la felicidad.

La obra es una verdadera obra de arte en todos los sentidos, desde su metafísica trama hasta la proverbial calidad de su animación. Esta última logra un detalle tan asombroso en sus escenarios que por momentos parecen una obra de hiperrealismo. Al ser un Stop Motion, le resulta imposible evitar los característicos movimientos de una marioneta, pero el detalle del vestuario y el diseño corporal de los personajes apela a un realismo directo, crudo, acido e incluso violento.

La obra nos presenta personajes comunes fácilmente entendibles para el público de cualquier país, pues resultan familiares, agradables y el espectador puede hacerlos suyos de manera inmediata, además de identificarse con alguno de ellos. Su bien planeada construcción psicológica es algo que debemos reconocer, pues cada uno refleja a determinados sectores de la sociedad, pero sobre todo refleja los constantes temores y dudas que todos hemos tenido en algún momento, sobre nuestro futuro, nuestros sentimientos o sobre la vida misma.

¿Qué les parecería responder todas sus dudas por tan sólo $9.99? Esa es la premisa de la historia, en la que podemos ver como se entrelazan las vidas de un grupo de vecinos, cada uno con problemas y frustraciones tan distintas que parecería inverosímil encontrar alguna conexión entre ellos, pero que existe aunque los propios personajes no la puedan ver y va más allá de compartir el mismo edificio, el cual se convierte en el escenario perfecto al mostrarnos la cantidad de historias que pueden ocurrir en un sólo lugar.

La técnica narrativa del filme es algo que me agrada mucho, pues transita de un personaje a otro y nos cuenta su historia de a poco y en pequeñas dosis (parecido a la película Amélie de Jean-Pierre Jeunet). Y a pesar de que para algunos podría resultar tedioso seguir la historia, la interacción entre los personajes facilita mucho esta tarea.

Tenemos todo tipo de personalidades: el viejo y frustrado abogado que vive con su hijo desempleado, el niño fanático del futbol que se ve obligado a ahorra para comprarse una figura de acción, el joven que ama a su prometida pero está temeroso del compromiso, el anciano viudo que se aferra a sus recuerdos, el indigente que se suicida y se convierte en ángel de la guarda, el joven Casanova y su novia supermodelo, un mago en bancarrota y una encuestadora por teléfono que debe soportar los malos tratos de sus encuestados. Todos ellos radicalmente diferentes, pero con algo en común, la búsqueda del significado y propósito de su existencia.

Manejar tal cantidad de personajes resulta siempre difícil y muy pocas producciones logran darle el espacio adecuado a cada uno para que pueda desarrollarse. Sin embargo, esta logra hacerlo al dosificar su participación, lo que deja mucho a la imaginación del espectador para que éste construya su propia interpretación de los hechos.

Al final la obra intenta dar un mensaje simple que al menos yo interpreto de la siguiente manera: la vida no tiene un sentido, pero existen una sola cosa que sí puede darle un sentido la felicidad. Encontrar lo que a cada uno nos hace felices es lo complicado, los viajes, el dinero o el amor pueden ser una opción, pero quizás la felicidad se encuentra en cosas más comunes y fáciles de obtener, en personas que están a nuestro lado, en viejos recuerdos del pasado o en una simple sonrisa. De cualquier forma, si sabemos dónde buscar, encontrarle un sentido a la vida nunca tendrá un costo superior a $9.99.

Fantasy

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Título Original: Fantasy.
Género(s): Audiovisual, Bizarre, Teenploitation.
Director: Jérémie Périn.
Estudio: [producido por: Excuse My French / PH & Tigersushi].
Emisión: 2011.
Duración: 3:35 minutos.
Extras: –

Muchos grupos musicales han tenido la atinada idea de realizar sus videoclips apoyándose de la animación, Bandas como Gorillaz o el DJ japonés Ken Ishii han sacado un gran provecho de este peculiar formato de trabajo y no sólo han logrado posicionar sus canciones en el gusto del público, sino que en ocasiones han logrado regalarnos verdaderas obras maestras e historias que rayan en lo inverosímil pero sin dejar de ser asombrosas. Éste es el caso de la banda francesa de electro-pop DYE, quien nos sorprende con un video que aborda las más oscuras visiones del despertar sexual, desarrollando un género muy poco usual dentro de mundo de la música y retomando la esencia de la animación japonesa.

El corto presenta una calidad de animación impecable, un excelente diseño de personajes y un inigualable acompañamiento musical de toques ochenteros, así como una interesante historia en la que muchos jóvenes podrán verse reflejados y cuya ausencia de diálogos permite una libre interpretación. El corto nos narra la historia de cuatro adolescentes preparatorianos que irrumpen en una piscina pública a media noche. Y lo que inició como un inocente nado nocturno se tornará en algo romántico que explotará el deseo sexual de sus protagonistas.

La interpretación que puede dársele a la obra es muy extensa, pero de manera general el video trata de mostrarnos el despertar sexual de una chica que en un principio se reusaba a aceptar y entender esas nuevas sensaciones, distorsionando en algo grotesco todo lo referente al sexo y tratándose de aferrar a su ya concluida infancia. Entrar en ese nuevo mundo lleno de emociones y acercamientos antes desconocidos puede ser atemorizante para algunas personas y el clip sabe ejemplificárnoslo de manera magistral, pero también sabe cómo mostrarnos de manera indirecta la pérdida de esa inocencia.

Independientemente del apartado erótico, lo que me cautivó del video fueron las referencias a las obras en las que está basado. Por una parte desarrolla de manera extraordinaria el género Bizarre, propio de la Serie B y el cine de Horror-Erótico (aunque más bien pornográfico) japonés. La analogía grotesca que hace de lo sexual es retomada de películas como Society de Brian Yuzna (1989) y Cosas Feas de Isaac Ezban (2010); incluso podemos observar cierta similitud con una escena de Kids de Larry Clark (1995).

Dark Fury

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Título Original: The Chronicles of Riddick: Dark Fury.
Género(s): Ciencia Ficción.
Director: Peter Chung.
Estudio: Universal Pictures.
Emisión: 2004.
Duración: 33 minutos.
Extras: –

Fusionando el diseño de animación estadounidense con el estilo cinematográfico del anime japonés, la apariencia de comic y la metódica dirección coreana de Peter Chung, Dark Fury no es sólo el mediometraje intermedio entre las dos primeras películas de la Saga de Riddick, sino que es todo un despliegue visual de peleas, criaturas, mercenarios y acción constante que en tan sólo media hora engancharán al espectador en este peculiar mundo de ciencia ficción.

Dark Fury fue creado con el propósito de servir de enlace entre Pitch Black y The Chronicles of Riddick, películas protagonizadas por Vin Diesel. La animación nos cuenta lo que pasó después de que Riddick, Imam y Jack logran escapar de aquel oscuro planeta en la primera película y nos sitúa hasta poco antes de que Riddick deje a sus compañeros en Helios Prime, planeta protagónico en el segundo filme.

La calidad de animación es impactante, desde el diseño de escenarios (espacio exterior y naves) hasta la fiel caracterización de los personajes que mantiene toda la esencia de los actores que les dieran vida, los cuales prestaron sus voces para este trabajo. Los movimientos son muy fluidos e impecables y explotar al máximo las características bélicas de Riddick, obligándolo a pelear contra brutales mercenarios y viciosas criaturas.

La trama no tiene más complicaciones, es una obra ligera, nos introduce aún más en el universo de Riddick y nos explica un poco sobre lo que pasó con los personajes entre las dos películas. Una excelente opción para quienes son fanáticos de la saga y una gran recomendación para quienes no han visto las películas, pues no deja de ser entretenida y emocionante.

Dark Fury 3

Interstella 5555

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Título Original: インターステラ 5555 (Intaasutera 5555)
Género(s): Ciencia Ficción/Space Opera, Romance, Drama, Audiovisual.
Director: Leiji Matsumoto y Kazuhisa Takenouchi.
Música por: Daft Punk, álbum “Discovery”.
Estudio: Toei Animation.
Emisión: Diciembre de 2001.
Duración: 68 minutos.
Extras: –

Dirigida por el experto japonés en Space Opera, Leiji Matsumoto, y musicalizada por el dueto francés Daft Punk, Interstella 5555 es una magistral obra de animación que mezcla todas las características de la Ciencia Ficción japonesa y el video musical, para lograr un filme dramático y emotivo que retoma la concepción de la música como lenguaje universal.

La calidad de animación es grandiosa, con escenarios psicodélico llenos de luz y sonido que nos sitúan en un planeta ajeno pero al mismo tiempo un tanto familiar. El diseño de personajes es el clásico de los trabajos de Matsumoto, quien es un maestro en la reutilización de personajes. La personalidad de estos se refleja de manera magistral y es fácilmente entendible a pesar de la ausencia de diálogos. La música es sin duda la parte fundamental, pues son sus ritmos y letras quienes nos cuentan la historia,  pues la obra no es más que el video musical del álbum Discovery, pero contado de una manera elocuente a través de cada una de las canciones.

La película nos cuenta la historia de una galaxia lejana, donde la música es el principal vehículo de comunicación, y donde la avaricia de la humanidad y la codicia de un hombre por tener el mejor grupo musical pondrán en peligro la estabilidad del universo. Una banda de extraterrestres es secuestrada por un mezquino empresario terrícola, quien lucrará con el talento de los músicos y los explotará hasta el cansancio, alejándolos de sus seres queridos y forzándolos a olvidar su antigua vida.

Realmente no hay mucho que decir al respecto, la película es muy agradable, tiene una trama simple, personajes atractivos, acción, aventura, romance y un poco de nostalgia. Sin embargo, a pesar de ser una Space Opera, no se exime de la crítica social, muy matizada, nada compleja y sin elevadas pretensiones, pues lo único que busca es mostrar cómo la mediatización en el ambiente artístico muchas veces (casi siempre) otorga beneficios sólo a la parte administrativa y no a los artistas reales.

Elfen Lied 10.5 “Regenschauer”

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Título Original: エルフェンリート: 通り雨にて 或いは、少女はいかにしてその心情に至ったか? (Erufen Rîto: Tōriame ni te arui wa, shōjo wa ikani shi te sono shinjō ni itatta ka?).
Género(s): Drama, Seinen.
Director: Mamoru Kanbe.
Estudio: Genco.
Emisión: Abril 2005.
Duración: 24 minutos.
Extras: –

En el OVA de Elfen Lied, situado entre los capítulos 10 y 11, podemos ver a Nana y Nyu intentando llevarse mejor, además de que se brinda mucha información sobre el pasado de Lucy que nos permite conocer más a fondo su infancia.

El OVA es bastante tranquilo comparado con la serie y mantiene la buena calidad tanto en imagen como en música. Y pese a no estar comprendida dentro de los capítulos principales, bien merece verse, pues aporta valiosa información que, si bien no es del todo relevante, nos ayuda a comprender mejor la manera en que se desarrollaron los eventos entre la infancia de Lucy y su captura.

Elfen Lied

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Título Original: エルフェンリート (Erufen Rito).
Género(s): Gore, Terror, Drama, Romance, Psicológico, Ficción Especulativa, Shôjo, Seinen.
Director: Mamoru Kanbe.
Estudio: Genco.
Emisión: Julio 2004 – Octubre 2004.
Duración: 13 Episodios.
Extras: Un OVA.

Basada en el manga homónimo de Lynn Okamoto, Elfen Lied es una de las más controversiales series del género gore, alabada por su mezcla de crudeza y romanticismo pero criticada por su tendencia al explotation (abuso de violencia e insinuaciones sexuales). Sin embargo, la serie no es otra cosa que una historia de amor retorcido expuesta desde un punto de vista único, con innumerables referencias psicológicas y artísticas desarrolladas sobre un argumento de ficción y sangre.

La serie resulta impactante desde el primer segundo, pues en la primera escena vemos un despliegue de violencia tal que realmente te deja sorprendido. La nula censura demuestra la calidad y las intenciones de los creadores, pues ese trasfondo de sangre y erotismo conducirá toda la historia, añadiéndole elementos emocionales tan crudos que la tornarán trágica, dramática y un poco aterradora.  Pero no es sólo su género lo que llama la atención, sino la trama, la historia y los personajes que logran envolvernos en una atmósfera excelente que explotan el amor, la soledad y el arrepentimiento.

Cabe destacar el apartado técnico de la obra. En primer lugar tenemos un soundtrack que se basa en un par de melodías tocadas con diferentes instrumentos y ritmos, que a pesar de lo repetitivo que parezca sirve para generar cierto melancolismo. El opening y ending también destacan bastante, por un parte la canción inicial (Lilium) nos presenta una letra en latín muy sugerente, mientras que la canción final rompe bruscamente el violento ritmo de la historia al mostrarnos una melodía alegre y romántica. No debemos olvidar las múltiples referencias a los austriacos Hugo Wolf y Gustav Klimt, compositor y pintor respectivamente.

La calidad de animación es muy buena y los escenarios están basados en la ciudad japonesa de Kamakura y son realmente fíeles a la geografía del lugar. El diseño de personajes es muy contemporáneo y un tanto simple, aunque el manejo de los cambios emocionales de Lucy es sorprendente, pues pasa de una ternura muy moe a un sadismo escalofriante que incremente ese sentimiento de terror y morbo que nos provoca el sufrimiento del que son presas los personajes.

Elfen Lied 4

La historia se desarrolla en torno a los Diclonius, una mutación humana que se caracteriza por un par de cuernos en la cabeza y unos vectores que semejan brazos invisibles de gran poder. Estos seres tienen una natural tendencia homicida en contra de los humanos y buscan exterminarlos. Lucy, el primer Diclonius identificado, es nuestro personaje principal. Ella sufrirá durante su infancia toda clase de abusos a causa de su naturaleza, lo cual incrementa su odio contra los humanos. Sin embargo, tiene la fortuna de conocer Kôta, un pequeño niño que la trata como a cualquier persona sin importarle su condición. Lucy se enamora rápidamente de él, pero los celos que le provoca la relación entre Kôta y su prima Yuka la llevan a cometer una serie de homicidios que destruirán la vida de su amado.

Años más tarde Lucy y Kôta se encuentran de nuevo, lo que reaviva los celos enfermizos del antiguo triangulo amoroso. Además, una organización que experimenta con los Diclonius intenta crear una raza superior, aumentando la intriga y propiciado espectaculares enfrentamientos entre Diclonius y Silpelit (hibrido de humano y Diclonius).

La peculiar relación sentimental entre los personajes, las batallas, los desmembramientos, los inhumanos experimentos llevados a cabo con los Diclonius, el constante sufrimientos y un final completamente abierto, logran generar un ritmo vertiginoso que no dificulta entender el trasfondo de la historia, por el contrario, hacen de ella algo sumamente entretenido y disfrutable.

Ese constante cambio de ritmo es la piedra angular de este anime, pues por una parte tenemos escenas de acción y violencia y por otra están las letárgicas escenas de drama y romance. Dicha combinación es lo que atrapa al espectador pues lo emociona, lo entristece y lo hace reflexionar sobre la condición humana; los momentos de felicidad se vuelven más emotivos porque hemos visto momentos de tristeza y la violencia se vuelve más cruda cuando vemos a tiernos e inocentes personajes sufrir de esa manera.

La indiferencia humana a las condiciones de tortura, soledad y sufrimiento es una de las críticas que hace Elfen Lied. En la serie vemos que los Diclonius son usados como animales para experimentos, se restringen sus libertades y prácticamente no tienen derechos. Esto nos lleva a la crítica principal: la búsqueda de una raza superior basada en la ideología nazi y la teoría eugesiana. No es casualidad que la serie haga una gran cantidad de referencias sobre Alemania. El quid principal se basa en la imposibilidad que la especie humana tiene para cohabitar con los Diclonius y viceversa; sólo uno puede habitar la tierra y ambos buscan exterminar al otro.

Sin duda en una historia grandiosa, que sabe manejar y explotar al máximo cada elemento de su trama y además hace una crítica muy fuerte al odio inherente en los humanos y a su apego emocional, sin olvidar el fan-service y la sangre. En otras palabras, Elfen Lied es un excelente representante del Gore, pero no sólo por explotar el morbo que la violencia y las mutilaciones provocan en el televidente (aunque en ocasiones si abusa) sino por aportarle al género un toque de dramatismo y crudeza tan realistas que llegan a conmovernos.

Devil May Cry

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Título Original: デビル メイ クライ (Debiru Mei Kurai).
Género(s): Aventura, Comedia, Drama, Horror, Sobrenatural.
Director: Shin Itagaki.
Estudio: Madhouse.
Emisión: 14 de junio de 2007 – 6 de septiembre de 2007.
Duración: 12 Episodios.

Hace 2000 años hubo una cruenta guerra entre el mundo de los humanos y los demonios, guerra que los humanos hubiesen perdido de no ser por Sparda, un demonio que se apiadó de la raza humana, se puso de su parte y derrotó a los demonios encerrando al príncipe demonio que había provocado la guerra en lo más profundo de una cripta. Tras esto, Sparda convivió con los humanos y se casó con una mujer llamada Eva con la que tuvo dos hijos mitad humanos, mitad demonios.

Para evitar que el portal hacia el mundo infernal se abriese nuevamente, Sparda confinó el poder de su hechizo en dos amuletos quienes fueron entregados a sus hijos. Dante, el menor, aprovechando las habilidades demoníacas que heredó, intentó vivir una vida como caza-recompensas de fenómenos paranormales, pretendiendo ignorar su pasado demoníaco, mientras que Vergil se empecinó en aumentar sus conocimientos sobre el mundo infernal, su padre y el infinito poder que los demonios pueden llegar a poseer.

Dante, el protagonista de la saga, logró detener las ansias de poder de su hermano, sellando una vez más la entrada entre los dos mundos. En el transcurso de esta travesía, logra despertar por completo su sangre demoníaca heredada de su padre obteniendo así poder superior. Finalmente decide dedicarse a la caza de demonios y demás seres sobrenaturales en su propia agencia la cual llamó Devil May Cry.

Con esta premisa, plasmada de forma magistral en las cuatro entregas de la saga de videojuegos desarrollada por Capcom, la cual nos tiene a acostumbrados a incontables combates a gran velocidad contra bestias infernales y otros esperpentos, utilizando todo tipo de armas; no podríamos esperar menos de la adaptación al anime. Sin embargo, el resultado final nos dejará con la sensación de que algo falta.

Esta miniserie tiene lugar entre el primer Devil May Cry y Devil May Cry 4, y en cierto modo sigue la mecánica de misiones presente en los videojuegos. Nos presenta la vida cotidiana de Dante, o más precisamente «lo que hace Dante cuando no está salvando al mundo». Ese es uno de los mayores puntos negativos de este trabajo, el argumento es imperceptible, casi como si no existiera. Los capítulos son muy básicos, cada uno presenta una historia independiente en donde nuestro protagonista acepta un nuevo trabajo relacionado con lo paranormal, pero debido a la pasión que pone en lo que hace, termina siempre endeudado y volvemos al principio. Detrás de estas pequeñas historias, se desarrolla la verdadera trama de la serie, la cual sólo es perceptible en el primer y último episodio. Al final, la historia no aporta algo nuevo a lo que ya conoces si has jugado las diferentes entregas, además de una mirada un poco cómica a la vida despreocupada de Dante con su agencia de investigación.

Los personajes principales conservan sus personalidades originales. Dante cumple su papel sin contratiempos: taciturno cuando le conviene, a veces arrogante e invencible durante las batallas, despreocupado y divertido, cuya mayor afición son las pizzas y el helado de fresa, aunque cabe destacar que en ocasiones se le ve poco enérgico. Para gusto de los fans, Trish y Lady también hacen su triunfal aparición, protagonizando algunas batallas muy bien logradas que aportan mucho a la serie. Por otro lado, los personajes secundarios hacen lo suyo, pero en ocasiones sentirás que están fuera de lugar.

Las escenas de pelea tienen lugar en los últimos momentos, y están dentro de lo que cabría esperar, pero es un poco extraña la simplicidad de los enemigos. Los demonios podrían haberse hecho mejor, un poco más detallados o con otras habilidades como los que aparecen en los juegos. Otro punto que algunos encontrarán negativo es que Dante pelea únicamente usando a Rebellion y Ebony & Ivory. No hay rastro de Devil Trigger ni de otras armas, características más que necesarias en los juegos de DMC.

La animación es muy buena, la calidad de dibujo es destacada, con excelentes diseños de personajes, en conjunto con unas voces que les hacen justicia. La música es pasable y está bien dentro del todo. Los fondos de escenario son oscuros y complementan bien la trama.

En conclusión, la serie tal vez no sea la viva imagen del videojuego original, pero contiene grandes momentos de acción. Espadas, pistolas y batallas demoníacas es lo que ofrece. Muy recomendable para aquellos que jugaron la saga y para quienes buscan una historia simple de cazademonios para pasar el rato. Si buscas una historia profunda y miles de personajes detallados, no lo encontrarás aquí.

Dead Space: Perdición

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Título Original: Dead Space: Downfall.
Género(s): Ciencia Ficción, Terror, Horror, Suspenso, Acción, Survival-Horror, Gore.
Director: Chuck Patton.
Distribuidor: Electronic Arts.
Emisión: Octubre de 2008.
Duración: 75 minutos.

Dead Space es una de las sagas más recientes de videojuegos. Esta serie rescata varios elementos característicos del Survival-Horror, género abandonado durante esta generación de videoconsolas enfocado en la resolución de acertijos y evasión de enemigos,  y lo mezcla de forma refinada con disparos en tercera persona.

Para muchos de nosotros, la industria de los videojuegos de terror hace mucho perdió su objetivo, lanzando año tras año juegos basados en disparar como loco a todo lo que veas. Dead Space nos dio un respiro y presenta una aventura completamente nueva, una especie de Resident Evil en el espacio. En el juego original, tomas el papel de un ingeniero que supuestamente iría a reparar una nave espacial en problemas, terminando sumergido en una pesadilla de extraterrestres asesinos y cadáveres reanimados.

Si bien muchos critican que sus personajes son de lo más estereotipados, que el protagonista no piensa, sólo obedece y que el argumento no es lo más impresionante de universo, lo cierto es que se ha convertido en una franquicia estupenda, que puede sacarte un par de sustos genuinos como los de antaño, compuesta de varios juegos, cómics y el tema del día de hoy, una precuela a forma de cinta animada.

Downfall

Mientras realizan una profunda excavación en el remoto y deshabitado planeta Aegis 7, la tripulación del USG Ishimura encuentra una antigua reliquia religiosa llamada The Marker (La Efigie) considerada por una religión futurista como prueba de la existencia de Dios. La reliquia es desenterrada y llevada a bordo de la nave, donde es adorada por unos y despreciada por otros.

El profano artefacto provoca paranoia, suicidios e incluso asesinatos entre la tripulación. Pero el peor de los horrores todavía no ha surgido a la oscuridad. Retirar la Efigie de su lugar de descanso ha provocado el resurgimiento de una poderosa raza alienígena con la grotesca capacidad de reanimar los cadáveres humanos, convirtiéndolos en salvajes bestias asesinas conocidas como Los Necromorfos.

Ahora los sobrevivientes deben encontrar la manera de escapar, usando todos los medios posibles, resistiendo la locura que se apodera de ellos y en el peor de los casos, al menos contener la amenaza.

Cabe destacar que la animación de la película es muy buena, con personajes sencillos sin texturas complicadas. Dead Space: Perdición muestra una mezcla entre ciencia ficción y terror. Encontrarás referencias y pequeñas coincidencias con otras peliculas icónicas del terror espacial. Una de las referencias más importantes la podemos encontrar en 2001: Odisea en el Espacio por lo del monolito maléfico, y la saga comenzada por Ridley Scoot: Alien, donde el ambiente asfixiante y la sensación de que criaturas inimaginables acechan en las sombras han sido tomados en cuenta.

Las escenas poseen mucha acción, varias batallas y escenas gore a más no poder. La animación le viene muy bien a este aspecto, ya que utilizando otro estilo más detallado, dichas escenas pasarían a ser demasiado descriptivas; en cambio, la animación permite llevar este aspecto de un modo más «agradable» a la vista. Los efectos sonoros acompañan a la imagen de forma excelente.


Downfall presenta una historia con unas extraordinarias ilustraciones, grandes dosis de suspenso, sangre, descuartizados, Necromorphs y alguno que otro sustillo que cumple el objetivo de entretener. Su estilo sigue muy bien la dirección de los dos primeros juegos de la saga.

Muy recomendable para aquellos que gustan del gore o que han terminado alguno de los videojuegos, sobre todo porque encontrarás un par de criaturas conocidas. También sirve como una excelente introducción si no has probado el primer Dead Space en tu consola. Un paso más que acerca al cine con los videojuegos, por fin de manera correcta.

Hellsing

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Título Original: ヘルシング (Herushingu).
Género(s): Terror, Sobrenatural, Seinen.
Director: Umanosuke Iida, Yasunori Urata.
Estudio: Gonzo.
Emisión: Octubre 2001 – Enero 2002.
Duración: 13 episodios.
Extras: Hellsing Ultimate.

Vampiros, sangre, caballeros reales y órdenes religiosas son algunos elementos que Hellsing, serie basada parcialmente en el manga homónimo de Kôta Hirano, tiene para ofrecer. La serie es sin duda el más conocido referente del anime de vampiros y su fama no es para menos, pues realmente redime a estos muertos vivientes y los convierte en algo digno de admiración, con poderes sobrenaturales impresionantes, batallas gloriosas y un trasfondo enigmático para enganchar al espectador.

En el aspecto técnico Hellsing se defiende muy bien, a pesar de no poseer una animación impresionante ni un diseño excepcional, pues sus personajes mantienen el estilo contemporáneo y clásico del anime de finales de los 90. Y si bien su estilo es un tanto simple y poco detallado, mantiene cierta imagen de comic que se agradece bastante. La serie posee un soundtrack muy decente; su música no es en extremo impresionante pero ayuda en la ambientación y el sonido roquero de algunas canciones le da un toque único.

Los escenarios poseen un estilo lúgubre y sombrío pues generalmente la acción ocurre en la noche y esto ayuda a generar el ambiente tenebroso que se necesita, aunque realmente no son atrayentes y restan mucho al atractivo visual. Y a pesar de que deslucen bastante, su diseño es lo suficientemente fiel para ubicarnos en Inglaterra, país que a pesar de no tener una gran tradición de vampiros, como lo tiene Europa del Este, si posee la herencia de las legiones de caballeros y órdenes religiosas que los combaten.

Un aspecto esencial son los personajes, cuyo diseño visual es muy bueno y como la historia no se entromete demasiado en sus vidas les permite que se desenvuelvan sin aburridos enredos sobre su pasado. El más importante es Alucard, un vampiro de primer nivel que sobrepasa todo esquema, tanto que desde su primera aparición es evidente su descomunal poder y su arrogancia. A él le sigue Sir Integra Wingaters Hellsing, líder de la Institución Hellsing y la maestra a quien Alucard debe obediencia. Victoria Seras es el tercer personaje principal y pese a que muchos creen que sólo es el atractivo visual, ella cumple la función de otorgar los pequeños toques de humor y evidenciar cosas sobre los vampiros que muchos darían por sentadas.

La historia se desarrolla alrededor de Alucard, un vampiro original con sorprendentes poderes que trabaja para la Institución Hellsing, una Orden Real de Caballeros Religiosos encargada de exterminar a los engendros que aterran Inglaterra. Sin embargo, un extraño aumento en la población de vampiros, perpetrado por una organización que los fabrica de forma artificial, deja al descubierto una conspiración contra la corona inglesa. Alucard, Integra y Victoria deberán enfrentarse a una horda de espectros liderados por sagaces vampiros artificiales. Por si esto fuera poco, Alexander Anderson, un sacerdote de la Institución Iscariote del Vaticano, se hace presente con la intención de exterminar al no muerto, además, Incognito —otro vampiro original— también arremete con las mismas intenciones.

La serie confronta elementos que históricamente han tenido rivalidades, como los seres demoniacos y las instituciones religiosas y también hace una crítica muy directa sobre la religión, pues Hellsing representa a la Iglesia Protestante, mientras que Iscariote es claramente la Iglesia Católica, Iglesias que por años han tenido conflictos entre sí, sobre todo en la Gran Bretaña.

El tema del “vampiro que caza vampiros” podría parecer trillado, sin embargo, la obra le da un giro novedoso al pugnar por la dignidad de estos. Alucard busca dicha dignidad y demuestra que estar subordinado a un humano no la compromete. Asimismo, él repudia a los vampiros inferiores y a los que matan por placer, lo que nos dice que la serie intenta redimir la figura de un ser maligno y poderoso con determinados principio que rigen su vida inmortal. La historia retoma un elemento muy asociado a este tema, los zombis, pero no como los infectados a los que las películas modernas y el Survival-Horror nos tienen acostumbrados, sino como los sirvientes fieles de los resucitados.

La serie sabe jugar muy bien con todos los elementos que la componen: emplea al fan-service como un método de atracción para el público masculino, mantiene un suspenso constante, retoma los elementos mágicos de los vampiros, aprovecha la violencia en los momentos justos y usa la cantidad de sangre adecuada. Y si bien Hellsing tiene mucho de esto último, no clasifica como Gore, ya que al ser una serie de vampiros es natural la sangre, más bien lo hace como un Thriller por el tipo de suspenso que maneja. Además, son los seres demoniacos y el trasfondo argumental la base de la historia, no así la violencia

El manejo de la historia es excelso, pues el ritmo constante atrapa al espectador desde el primer momento, sin olvidar los enigmas sobre la Institución Hellsing, Alucard y los demás personajes. Tampoco se estanca en un problema por demasiados capítulos, de hecho es todo lo contrario, en pocos episodios nos proporciona gran cantidad de información. Algo que también otorga mucha fuerza a la historia es la conjugación de la tradición mítica del vampirismo con el aspecto militar y las temáticas religiosas.

Como podemos ver, Hellsing en un verdadero clásico de vampiros, tiene todo para serlo y resulta entretenida en todo momento. Y pese a no ser la gran producción en cuanto a calidad visual, tiene una calidad argumental que compite y supera a muchas obras con el mismo tema; por algo se ha mantenido en el gusto del público durante tanto tiempo.