Eso

Eso 1

Título Original: It.
Género(s): Terror.
Director: Duncan Jones.
Emisión: 1990.
Duración: 189 minutos.
Extras:

Porque no todos los grandes clásicos del Terror deben salir del cine. Si bien Eso se basa en la novela homónima de Stephen King y Pennywise se ha convertido en uno de los homicidas más tenebrosos que la ficción nos ha regalado, es de destacar que este filme fuera en realidad una película para la televisión y no una gran producción cinematográfica. La pantalla chica también nos ha concedido personajes icónicos como este payaso maldito.

La calidad del filme es algo contradictoria, pues por una parte tiene efectos bien logrados para el año en que se filmó pero por otra tiene cierta esencia de baja calidad. Aunque eso quizás se debe a que es una producción para la televisión y todo se hizo de forma más rústica. Las actuaciones son buenas tomando en cuenta que son niños haciendo terror, y esa vulnerabilidad e inocencia propia de los infantes hace todo mucho más sombrío. Además, la música ambienta de manera fabulosa cada escena de miedo.

Eso 10

La historia gira en torno a siete niños, Bill, Ben, Beverly, Richi, Eddie, Mike y Stan, llamados “el club de Los Perdedores”, quienes sufren los constantes acosos por parte de un extraño payaso que ha estado matando a otros niños de la ciudad. Cansados de vivir con miedo deciden ir hasta su guarida para enfrentarlo. Luego de una aterradora lucha contra el payaso este queda herido y huye, los niños regresan a salvo a sus casas y hacen una promesa de volver a reunirse si aquel payaso regresa de nuevo. Treinta años más tarde, una ola de asesinatos hace que Mike se ponga en contacto con sus amigos de la infancia. Pennywise estaba de regreso y era deber de los siete amigos exterminarlo de una vez por todas.

No hay mucho que se pueda decir de Eso que no se sepa ya. Después de 25 años desde su estreno, la historia es conocida por prácticamente todo el público cinéfilo que gusta del terror. Pennywise se han ganado a pulso un lugar en el podio de los asesinos icónicos del séptimo arte, tan respetado y temido como cualquiera. Su inexplicable origen, su desconocida naturaleza y sus geniales poderes le hacen ser considerado como el payaso asesino por excelencia, pese a que no es el único que existe.

Eso 7

Eso sin duda fue una obra brutal para su tiempo por múltiples factores, uno de ellos fue el uso de niños como las principales víctimas y el aprovechamiento de una fobia muy común entre la gente, la fobia a los payasos. Así como Jaws (Steve Spielberg, 1975) provocó un miedo infundado hacia los tiburones, It generó lo mismo contra los payasos. Por si eso fuera poco, la idea de que la imaginación se convirtiera en algo peligroso resultaba una escabrosa novedad, pues como la mayoría de adultos deja de creer en fantasías, los niños se vuelven vulnerables contra un ser que nadie más puede ver, que huele su miedo y se alimenta de sus cuerpos.

Otro elemento fundamental es la situación familiar que viven los pequeños. Todos los niños sufren de algo, algunos deben lidiar con las carencias económicas y el abuso de sus padres, otros tienen que soportar el constante bullying en la escuela, o bien el racismo de su vecindario, la discriminación y menosprecio de sus familiares, la orfandad o incluso el hecho de estar sobreprotegidos. Esos traumas de la infancia y la indiferencia de la sociedad —de la que genialmente se alcanza a reflejar un poco del machismo y racismo de la época— es lo que general el miedo, y el miedo trae consigo la presencia de Eso. Sin duda un película obligada para los amantes del género y una inmejorable opción para quienes les temen a los payasos. Y quienes se animen a leer la novela encontrarán mayor violencia y elementos sexuales que seguro disfrutarán.

Eso 9

Fist of Jesus

Fist of Jesus

Título Original: Fist of Jesus.
Género(s): Survival-Horror, Splatter, Comedia.
Director: Adrián Cardona y David Muñoz.
Emisión: 2014.
Duración: 15 minutos.
Extras:

Supongo que si son fans de los zombis y algo ateos habrán pensado en algún momento que el primer zombi de la historia fue Jesús. Pues bien, si nos remontamos a la historia bíblica en todo caso fue Lázaro, quien fue revivido por Jesús, pero las cosas pudieron no haber salido como el hijo de Dios esperaba y regresar a la vida a un muerto pudo resultar una pésima idea.

Fist of Jesus es un hilarante cortometraje sobre un apocalipsis zombi ocasionado por Jesús al tratar de revivir a Lázaro. Mientras los muertos vivientes devoran todo a su paso, el Mesías y su fiel amigo Judas, deciden enfrentarlos y exterminar a cada uno de ellos. Pese a que la premisa es muy sencilla, lo destacable son los toques de comedia irónica y satírica de los que hace uso, la atinada música de fondo y el genial manejo del Splattler que deja bañados en sangre a los protagonistas. Otro perfecto ejemplo de que las producciones independientes apoyadas por el crowfunding serán una alterativa muy viable en un futuro cercano.

Entendiendo Cloud Atlas

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Advertencia: recomiendo ver la película antes de leer este ensayo, no tanto por los spoilers que contiene, sino para que entiendan más fácilmente de lo que estoy hablando.

La primera vez que vi Cloud Atlas no entendí de qué trataba, pero por alguna razón me gustaba lo que veía. La segunda vez que la vi me quedó más clara la relación que había entre las diferentes historias y para la tercera vez, habiendo visto los comentarios de los directores, las entrevistas con los actores y los detrás de cámaras que incluía el DVD, terminé por comprender la complicada estructura narrativa, que si bien puede resultar muy confusa la primera vez que tienes contacto con este filme en realidad no es tan difícil de comprender. Así que hoy les traigo un pequeño análisis para que sepan cómo desglosar y disfrutar de los numerosos hilos argumentales de esta genial película.

LA ESTRUCTURA

Lo primero que debemos saber es que la estructura narrativa de Cloud Atlas es básicamente una variación de lo que en literatura se conoce como Novela Río. Un perfecto ejemplo de este tipo de novela es la saga Canción de Hielo y Fuego de J. R. R Martin. Quienes hayan leído los libros sabrán que el autor nos narra la historia de muchos personajes desde la perspectiva de cada uno de ellos, pero no lo hace al mismo tiempo, cada capítulo describe los eventos que toman lugar en determinada locación y con determinado grupo de personajes, en capítulos subsecuentes nos narra lo que ocurre en ese mismo momento pero en otro lugar y desde la perspectiva de otro personajes, así el lector tiene la visión global de los eventos. Con forme avanza la novela las historias que al principio parecían independiente se va uniendo en una historia general que aglomera a todos y cada uno de los elementos que empezamos a ver por separado. Como un gran río, donde cada afluente es la historia vista a partir de un personaje en particular y el conjunto de todas las visiones nos da la historia total.

En el cine esto es muy fácil de hacer, porque de hecho es cómo funcionan todas las películas, vemos una escena donde acurren ciertos eventos y actúan determinados personajes y posteriormente vemos lo que acontece en otro lugar al mismo tiempo. Lo complicado es cuando dichas historias no sólo están separadas por la locación, sino por el tiempo. A siglos de distancia los caminos de los diferentes personajes nunca de cruzarían, pero lo que Cloud Atlas no enseña es que no es necesario que los personajes interactúen en persona para que sus caminos se crucen, basta que la influencia de las decisiones que tomaron en su vida afecten a otras personas.

La estructura que maneja Martin, donde en cada capítulo vemos lo que acontece en un lugar y bajo la perspectiva de cierto personaje, es lo mismo que hicieron los Wachowski con este filme. Cada una de las seis historias es un fragmento de la historia global, lo difícil es comprender que a pesar de estar separadas por años de distancia y de usar personajes distintos que nunca interactúan entre sí (salvo en una ocasión) estamos ante la misma historia. Para aminorar ese choque temporal, los directores tuvieron la genial idea de crear un anclaje para que el espectador pudiera seguir la historia como si todo aconteciera en el mismo contexto espaciotemporal, me refiero el uso de los mismos actores en todas las historias pero interpretando papeles distintos.

Lo difícil es saber qué es lo que une las historias, pues algunos elementos son tan sutiles que pasan desapercibidos y eso nos hace pensar que las historias no tienen una relación directa, para ayudarles a ver los elementos de unión les dejo el siguiente esquema.

Entendiendo Cloud Atlas

LAS LECTURAS DE CLOUD ATLAS

Tuve que ver la película tres veces para comprender cómo se relacionaban las historias, los personajes y los actores, y llegué a la conclusión de que hay tres formas en que podemos ver Cloud Altas:

  • Lectura de Novela Río. Esta forma de ver la película es indudablemente la que haremos la primera vez que veamos la película y consiste en tratar de seguir las historias por separado, como si cada una de ellas fuera algo totalmente ajeno e individual del resto. El problema es que al ser seis historia y tener a tantos personajes nos resultará difícil seguir el ritmo durante todo el filme, además de que llegado el momento, el reciclaje de actores y la interacción entre personajes terminará por confundirnos.
  • Una historia lineal. La segunda opción de lectura consiste en ver la película como si fuera una sólo historia lineal. Es decir, debemos hacer caso omiso al hecho de que son personajes distintos en contextos espaciotemporales diferentes y centrarnos en la interacción que los diálogos y las escenas tienen entre las distintas historias. Esto es difícil pero posible gracias a la estructura interactiva que tiene el filme, esto es, cuando el personajes de una historia hace una pregunta la respuesta es dada por un personajes de otra historia como si estuviesen conviviendo, lo mismo pasa con ciertas escenas, su inicio está dentro de una historia pero su conclusión está en otra.
  • Anclaje actoral. La tercera opción consiste en ver Cloud Atlas como si se tratara de una sólo historia pero haciendo caso omiso de los distintos personajes, en su lugar deberemos centrarnos en seguir al actor encargado de interpretar cada papel. Esta opción y la primera terminan por combinarse y confundirnos pues podríamos pensar que como los distintos personajes son interpretados por el mismo actor, estos son una especie de reencarnación.

Lo que yo recomiendo es ver la película varias veces y hacer al menos dos de las tres lecturas propuestas. No obstante la forma correcta es estar conscientes de que son seis historias diferentes, observar cuidadosamente la relación entre los elementos de unión (tanto objetos, como acciones, ideas, diálogos y escenas) y los personajes, y aceptar que la película es sobre un sólo tema: la lucha por el amor y la libertad que ha tomado lugar a lo largo de la humanidad.

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LOS DOS TEMAS CENTRALES

Hay dos temas centrales en la película, aunque muchos podrían decir qué sólo es uno (la lucha). El primero de ellos es el amor. En cada una de las seis historias hay un elemento de romance, en ocasiones muy obvio y otras veces no tanto. Este elemento del amor o bien puede complicarnos el entender la relación actores-personajes o bien facilitarla. Me explico, las parejas siempre son interpretadas por la misma dupla de actores y eso puede hacernos creer que son reencarnaciones, cosa que yo no creo. Por ejemplo, en la primera historia, Edwing y su esposa (Tilda) son interpretados por Jim Sturgess y Doona Bae, quienes a su vez dan vida a Hae-Joo Chang y Sonmi-451 respectivamente. Otro caso similar lo vemos en Isaac Sachary y Luisa Rey, interpretados por Tom Hanks y Halle Berry, quienes igualmente interpretan a otra pareja de enamorados, Zachry y Meronym.

El segundo tema es la revolución. En todas las historias tenemos cambios drásticos en la forma de pensar que conllevan a la inconformidad con el sistema presenta y por ende a revelarse en su contra con tal de logar sus sueños, alcanzar una meta o proteger un ideal. En la primera historia vemos el nacimiento de las ideas que estaban en contra de la esclavitud, en la segunda la lucha por proteger nuestras creaciones, en la tercera el surgimiento del feminismo, en la cuarta y quinta vemos la lucha por la libertad y en la sexta la lucha contra los miedos y la ignorancia.  Muchas veces esa lucha no se presenta tan directa, por ejemplo Somni sí se revela contra un sistema rector, pero Cavendish y los ancianos se rebelan contra la enferma Noakes (Hugo Weaving), los Edwing no luchan de frente contra los esclavistas, sino que encaran al padre de Tilda y defiende sus ideas abolicionistas.

Como podemos ver hay muchas lecturas e interpretaciones que podemos hacer de Cloud Atlas, ya que su estructura y la interacción de seis historias diferentes lo permite. A mí en lo personal me gustaron más las historias de Edwing y Frobisher, pero estéticamente me fascino esa distópica ciudad de Nueva Seúl, con esos elementos Cyberpunk que sólo los Wachowski pueden lograr.

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Cloud Atlas

Cloud Atlas

Título Original: Cloud Atlas.
Género(s): Romance, Drama, Ciencia Ficción, Comedia.
Director: Tom Tykwer, Andy y Lana Wachowski.
Emisión: 2012.
Duración: 172 minutos.
Extras:

Basada en la novela homónima de David Mitchell, Cloud Altas es un interesante ejercicio de narrativa que nos lleva por diversas historias de amor unidas por el efecto de las acciones que personas de distintas épocas tomaron. El filme nos muestra breves destellos de la historia de la humanidad desde el siglo XIX hasta un postapocalíptico siglo XXIV, a través de personajes separados por el tiempo pero unidos por dos elementos en común: amor y revolución.

La calidad del filme es asombrosa. El apartado sonoro resulta esquisito ya que la música ambienta de forma sublime, pues al mismo tiempo que separa y delimita las distintas épocas históricas, las une en una misma historia. La calidad visual es sobresaliente, los escenarios son un deleite para los ojos y nos llevan de las plantaciones trabajadas por esclavos negros hasta una futurista e hipertecnológica Nueva Seúl. El vestuario cumple su funcione de igual manera, pues así como vemos la característica moda de los años 70 vemos prendas medievales de un futuro postapocalíptico. Finalmente, las actuaciones son asombrosas y llevan a los actores fuera de su zona de confort, obligándolos a interpretar hasta seis personajes distintos. Pero los actores no serían nada sin la impresionante caracterización, gracias a la cual una actriz puede dar vida a una chica asiática creada genéticamente o a una inmigrante mexicana, o un actor puede interpretar a un asesino a sueldo o a la enfermera residente de un asilo de ancianos.

Adam Edwing

La historia se divide en seis subhistorias que comparten elementos en común. Cada historia es independiente y podría funcionar por separado, pero la estructura narrativa de la película hace que aquello que vemos iniciarse en la escena de una historia tenga su conclusión en una escena de otra historia. De esa forma, aunque cada historia tiene su propio hilo argumental, su desarrollo y comprensión por parte del espectador depende de lo que acontezca en el resto de las historias. Y si bien eso hace de este filme algo único, también vuelve muy difícil comprender lo que pasa, sobre todo porque el espectador puede perderse tratando de seguir las historias por separado o bien buscando los elementos que las unen. Digamos que es como una Novela Río recortada y unida de tal forma que da como resultado una novela lineal hecha con los retazos de las seis historias.

Hablando cronológicamente, la película inicia en 1849 al sur del Océano pacífico, desde donde Adam Edwing viaja de regreso a San Francisco luego de firmar un contrato comercial para su suegro. Durante su viaje ayuda a un esclavo negro que se escapó de la plantación donde trabajaba mientras trata de sobrevivir al envenenamiento perpetrado por un doctor que quiere robar su oro.

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Robert Frobisher

El diario que Edwing escribió sobre su viaje llegó hasta la casa del compositor Vyvyan Ayrs (1936), donde el también compositor Robert Frobisher trabaja como copista mientras escribe su propia obra maestra. Frobisher mantenía contacto por carta con su amante, el joven Rufus Sixmith, quien más tarde  llegaría a ser físico nuclear. Ya como físico (1973), el viejo Sixmith descubre una conspiración por parte de las empresas petroleras para explotar un reactor nuclear y evitar que sus acciones cayeran con la llegada de un nuevo tipo de energía. Temiendo por su vida decide filtrar la información a la periodista Luisa Rey. Luisa se vio amenazada por un sicario pagado por las empresas que querían ocultar la verdad, pero recibió ayuda de algunos amigos, entre ellos su vecino Javier Gómez, un chico apasionado por las novelas de misterio.

El pequeño Javier creció para convertirse en escritor y convirtió la odisea de Luisa en una novela (2012), obra que mandó al editor Tymothy Cavendish para su publicación, pero Cavendish estaba huyendo de los amigos de un gánster a quien debía dinero, por lo que persuadido por su hermano se oculta en un asilo para ancianos, donde era constantemente maltratado por la enfermera del lugar. Hartos de las vejaciones, Cavendish y otros ancianos deciden escapar. Dicho escape es llevado a la pantalla grande años después.

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Luisa Rey

De alguna forma la película sobre Cavendish es almacenada en un Kino (2144) que termina en el área de objetos perdidos del Papa Songs, un popular restaurante de comida rápida atendido por fabricantes, mujeres creadas genéticamente (clones). Las fabricantes era tratadas como esclavas y constantemente recibían abusos por parte de los consumidores. Una de éstas fabricantes era Sonmi-451, quien fue liberada por el Comandante Hae-Joo Chang, miembro de un grupo rebelde que trataba de derrocar al sistema. Sonmi se convierte en el estandarte de una lucha que abogaba por una humanidad incluyente en la que humanos y clones fuesen tratados por igual.  Lamentablemente, la utopía lograda por Sonmi llegó a su fin y el nuevo y perfecto sistema cayó.

Más de un siglo después de la caída (2321), el mundo se había dividió en dos, los Prescientes, últimos sobrevivientes de la utopía, y los nativos, para quienes Sonmi era una deidad a quien hacían oraciones. Zachry, un nativo, ayuda a Meronym, una Presciente, a llegar a lo alto de una montaña donde esperaba encontrar un trasmisor que les permitiera contactar con alguna de las colonias humanas que yacían en otros planetas.

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Tymothy Cavendish

El desarrollo de la película no es linean como yo lo conté, sino que van mezclando elementos de cada historia que se relacionan entre si ya sea por lo que vemos en pantalla, los diálogos o los personajes. Por ejemplo, en una escena podemos ver el inicio de una persecución a caballo y en otra la conclusión de dicha persecución pero en coche, o bien podemos escuchar una pregunta cuya respuesta es dada por otro personaje cuyo contexto temporal está a cien años de distancia. Cuando saltamos entre historias la nueva historia parecerá ya empezada, como si algo previo faltara, eso es porque si bien son seis tramas es un solo filme.

Algo que me gusta mucho es que cada historia está contada a partir de los elementos que su género exige y que además nos da un pequeño destello de la realidad que se vivía en aquel entonces. Por ejemplo, en la historia de Edwing el principal tema social es la esclavitud, pero también el surgimiento de las ideas abolicionistas que derivaron en la Guerra Civil de Estados Unidos. Por su parte, la historia de Luisa nos pone justo en plena liberación femenina, con las ideas feministas en pleno surgimiento pero el machismo en su máxima expresión. Como podremos notar, en cada época e historia hay un elemento de cambio que se opone a un dogma establecido y lucha contra él de forma violenta mediante una revolución.

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Sonmi-451

Algo igualmente interesante son las pequeñas referencias a otras obras de Ciencia Ficción y Distopías. El nombre de Sonmi-451 nos remite directamente a la obra de Ray Bradbury y muchos elementos de esta historia son retomados de Matrix. Y si bien la historia de Somni está totalmente dentro de la zona de confort de los Wachowski, el resto de historias no lo está y eso nos permite apreciar la capacidad que tienen ambos directores para adaptarse a diferentes géneros y estilos narrativos. Esa capacidad de adaptación también la vemos en los actores, quienes llegan a interpretar papales completamente diferentes y eso enriquece mucho la calidad final del filme. La única excepción sería Hugo Weaving, cuyos papeles siempre tienen el mismo tipo de personalidad.

Cloud Atlas es una grandiosa forma de demostrarnos que el amor y la revolución son una lucha constante atada a las decisiones que otras personas tomaron en el pasado y donde nuestras propias decisiones repercutirán en las acciones que otros realizarán en el futuro. Las seis historias por separado pudieron dar seis películas interesante, pero unidas de esta forma y conformando un solo filme logran un resultado complejo pero muy disfrutable.

Cloud Atlas 6
Zachry

Moon

Moon 1 Título Original: Moon.
Género(s): Ciencia Ficción, Drama, Thriller.
Director: Duncan Jones.
Emisión: 2009.
Duración: 92 minutos.
Extras:

Hace unas semanas un lector me recomendó por Twitter esta película, y sin duda se lo agradezco. Moon es una refrescante opción en un mundo plagado de Ciencia Ficción que apela a sorprender con efectos visuales en lugar de centrarse en desarrollar una historia que pueda enganchar al espectador. En una época en donde el 3D y el CGI son los elementos más valorados por muchos espectadores, es de agradecer que todavía haya filmes como este, donde la producción millonaria es remplazada por un guion sólido,  personajes bien diseñados, grandes actuaciones, una fabulosa ambientación sonora y giros argumentales inesperados que te dejan pegado a la pantalla.

La obra es una producción británica independiente y además es la opera prima de su director, lo cual resulta sobresaliente, pues lograr tal calidad argumental en una obra de Ciencia Ficción que busca ser seria y sobria no debe ser tarea fácil. Y si a eso le sumamos que todo el peso de la trama recae en un sólo actor las cosas se complican más. Como es la primera película de Duncan sus influencias salen mucho a flote, desde el primer minuto y durante el resto de filme es posible ver la influencia de obras como 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968), Alien (Ridley Scott, 1979) y Blade Runner (Ridley Scott, 1982). Eso sí, su historia es muy diferente y seguramente inspiró a los creadores de Oblivion (Joseph Kosinski, 2013).

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La historia gira en torno a Sam Bell (Sam Rockwell), un trabajador de la Lunar Industries Ltd., una compañía que tiene bases mineras en la luna de las que extrae minerales con los cuales genera energía limpia. Sam está a punto de terminar sus tres años de contrato, luego de los cuales podrá regresar a casa y dejar su solitaria vida en la luna. A pocos días de poder regresar con su familia, una serie de alucinaciones le provocan un accidente y Sam estrella su vehículo lunar contra una de las excavadoras.

Luego de algún tiempo inconsciente, Sam despierta en la enfermería, donde Gerty, un robot con inteligencia artificial y única compañía de Sam en la base, le realiza pruebas para verificar que no haya sufrido daño cerebral por su accidente. Si bien todo parece normal, la extraña actitud de Gerty le hace entrar en sospecha. Sam empieza a creer que Gerty oculta algo pues este le impide dejar la base, luego de provocar una avería Sam consigue salir y viajar hasta el lugar de su accidente, donde lo que descubrirá cambiara por completo la realidad de todo lo que creía.

Moon 2

Algo que me encantó fue que, si bien es Ciencia Ficción, tiene muchos tintes de misterio y suspenso que por momentos te hace sentir como si estuvieras en un Thriller. Y eso lo logra no gracias al personaje principal, sino al robot. Gerty (Kevin Spacey), obviamente inspirado en el Hal-9000 de 2001, logra que sospechemos y creamos que la historia irá por cierto camino que afortunadamente no termina por recorrer; además de que el uso de emoticones para denotar el estado de ánimo del robot es un detalle insuperable. Ese despiste permite que el director inserte un pequeño giro argumental que cambia la película por completo y que no es para nada predecible salvo un par de segundo antes de que suceda. Y si bien a lo largo del filme hay varios giros argumentales, es este primero el más importante.

Podría analizar más a fondo esta película o al menos mencionar un par de elementos importantes, sin embargo, como toda la historia depende de ese pequeño giro argumental, develar cualquier elemento que los haga inferir de qué va la historia les arruinaría la película entera si es que no la han visto. Para mí hay tres formas de reconocer que una película es buena: (1) cuando al final uno siente el cansancio o la tensión emocional que debió experimentar el protagonista, (2) cuando han pasado menos de 15 minutos y uno ya está imaginando posibles explicación de lo que pasa, y (3) cuando antes de terminar ya queremos que anuncien la segunda parte. Moon es del segundo tipo.

Otro Ladrillo en la Pared

Título Original: Otro ladrillo en la Pared.
Género(s): Terror, Survival-Horror.
Director: Ezzio Avendaño López.
Emisión: 2004.
Duración: 18 minutos.
Extras:

La obra mexicana de zombis por excelencia debería ser sencillamente este cortometraje de Ezzio Avendaño, y no por ser el de mejor calidad u originalidad, sino por tener toda la esencia de cierta mexicanidad presente en las clases bajas de nuestro país. Esa esencia de lo naco, ese campechanismo propio de los albañiles, esas reminiscencias del cine de luchadores, esa musiquita que por una parte nos remite al cine de terror que se hacía hace años en México y por otra a cierta canción muy popular en los noventa, sin olvidar el grandioso tributo que le rinde a uno de los mexicanos más importantes en la industria del entretenimiento, me refiero a Guillermo Gonzales Camarena, quien le dio ni más ni menos que el color a la televisión.

En la obra vemos a un albañil enfrentarse a unos zombis, muy al estilo de George A. Romero, que regresan a la vida para recuperar el oro de su antiguo patrón. Mientras nuestro héroe lucha contra ellos armado únicamente con una resortera santificada, uno de sus amigos y un grupo de pandilleros, liderados por el mismísimo Mastuerzo (Botellita de Jerez), intentan sobrevivir al holocausto y de paso quedarse con el tesoro.

El corto es gracioso, mexicano hasta la médula y se acerca mucho a cierto estilo de terror que únicamente puedo clasificar como Guacahorror, término que no encontrarán en otro lado, pero si conocen el estilo de Botellita de Jerez y la obra literaria de Armando Vega Gil, podrán entender a qué me refiero. Una verdadera joya mexicana en un mundo plagado con toda clase de zombis imaginables.

Monstruos: Zona Infectada

Monsters 1
Título Original: Monsters.
Género(s): Survival-Horror, Ciencia Ficción, Drama.
Director: Gareth Edwards.
Emisión: 2010.
Duración: 94 minutos.
Extras:

En el amplio repertorio cinematográfico, existen algunas obras que pese a ser de Ciencia Ficción no parecen pertenecer al género, pues sus argumentos y el desarrollo de su historia nos permiten apreciar que no son ni los efectos especiales, ni la tecnología futurista lo que hace de un filme un buen filme, sino las múltiples lecturas que los espectadores pueden realizar de él. Zona infectada nos demuestra que no se requiere de un despliegue visual impresionante para contar una historia por demás interesante sobre un tema realmente álgido.

Monsters parece más un Mockbuster o una película de Serie B que se aprovecha del furor generado por las grandes producciones donde vemos monstruos gigantes asolar alguna afamada ciudad de Estados Unidos. Y en esencia es un poco eso, es una película con un presupuesto limitado, filmada con un equipo mínimo y que recurre a cutres efectos por computadora. No obstante, el desarrollo de sus personajes y el contexto en que se desarrollan los eventos hacen diferente y sobresaliente a esta humilde producción.

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La historia gira en torno a Andrew Kaulder, un fotógrafo que debe escoltar a Samantha Wynden, la hija de su jefe, fuera de la zona infectada. Dicha zona surgió seis años antes cuando una sonda de la NASA con muestras de vida extraterrestre se perdió en algún lugar de México, generando un área repleta de gigantescos monstruos. Para evitar su propagación, tanto los Estados Unidos como México decidieron aislar la zona y construyeron muros fronterizos para mantener a los extraterrestres alejados de las poblaciones vecinas.

Durante su travesía por México, Andrew y Samantha descubren la cruda realidad de las personas que viven cerca de la frontera, la corrupción de las autoridades encargadas de vigilar los muros, los daños colaterales a los que las poblaciones vecinas se veían expuestas y algunos aspectos sobre la desconocida naturaleza de aquellos peligrosos seres.

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Gareth Edwars no sólo dirigió y escribió la película, también realizó todos los efectos de la misma. Si a eso le sumamos el hecho de que sólo contó con dos actores profesionales, que muchos de los extras eran personas que pasaban por el lugar y que el equipo de filmación era de unas cuantas personas, tenemos una película de bajo presupuesto que resulta espectacular y no por su calidad final, sino por el trasfondo y el subtexto que vamos descubriendo a lo largo del filme pero que en apariencia no son la intención principal.

Durante una conferencia en la Comic-con del 2011, Gareth habló sobre cómo le surgió la idea de hacer Monsters, de la influencia que recibió de otras producciones de bajo presupuesto como The Blair Witch Project (Eduardo Sánchez y Daniel Myrick, 1999) y de cómo Cloverfield modificó la visión que él tenía sobre hacer una película de este género en cuanto a los efectos visuales. En esa misma conferencia el director aseguró que lo que él quería era contar una historia de lo que pasaba cuando al cabo de varios años conviviendo con extraterrestres la gente ya empezaba a ver la situación como algo normal, pero enfocándose en el desarrollo de sus personajes, sin embargo, al ser británico tal vez no alcanzaba a contemplar que lo que en realidad estaba filmando era una película sobre el problema de la migración que existe entre México y Estados Unidos.

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De acuerdo con los mapas que se muestran durante el filme, la supuesta zona infectada corresponde a los estados fronterizos de México con los Estados Unidos, aunque nuestros protagonistas inician su viaje en Costa Rica, pues supuestamente tanto México como Centroamérica se encontraban plagados por los extraterrestres. Lo que encontramos aquí es una grandiosa analogía, en primera, los países infectados son países tercermundistas de los que cada año salen miles de personas con la intención de llegar a los Estados Unidos para encontrar trabajo. A esos migrantes suelen llamarlos “Aliens”, pero acertadamente ese término nunca es usado durante toda la película.

Los extraterrestres son pues la representación de dos cosas: (1) los migrantes, pues en más de una ocasión escuchamos decir que estos migran hacia los Estados Unidos, que lo hacen por temporadas y que cada vez migran más, y (2) los problemas de pobreza, insalubridad, violencia y corrupción que afectan a los países latinoamericanos. Los extraterrestres son un peligro para las ciudades asentadas cerca de los muros que tratan de contenerlos, pero al mismo tiempo son seres incomprendidos a los que no se les da un lugar, pues si bien su origen es extraterrestre, ellos ya nacieron aquí, así que son residentes de este mundo igual que nosotros, aunque no nos guste, justo como pasa con los mexicoamericanos en el vecino país del norte.

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Los muros que tratan de contener a los monstruos son obviamente una referencia al muro fronterizo que nos separa de Estados Unidos y los problemas a los que están expuestas las ciudades colindantes son los mismos que tienen Ciudad Juárez o Tijuana. Los polleros y la corrupción de la autoridades también se hacen presentes, pues si bien hay formas legales para cruzar la zona infectada y llegar a salvo a los Estados Unidos estas son muy caras, por lo que la única alternativa para las personas pobres es cruzar caminando de forma ilegal y con el peligro de encontrarse a una de esas criaturas. No obstante, si vemos esa “zona infectada” desde el punto de vista de los centroamericanos que tratan de llegar al norte, los monstruos somos los mexicanos, pues para ellos el mayor peligro está en el abuso de poder de las autoridades mexicanas y la delincuencia organizada y no en el desierto que deben cruzar para alcanzar el sueño americano.

Algo que me gustó mucho fueron los elementos folclóricos que reflejan esa mexicanidad que está presente incluso en los pueblos asentados junto al peligroso muro. La típica fiesta mexicana de un pueblo fronterizo en cuyo horizonte se despliega una gigantesca valla que pretende frenar el avance de gigantescos monstruos es algo que sin duda me gustaría ver más a menudo. Aunque en la realidad, para nosotros lo mexicanos, esos monstruos gigantes y peligrosos son los Estados Unidos. Otro detalle que me encantó fueron las expresiones populares que hacen evidente la convivencia con los extraterrestres y que hasta cierto punto se acepta como normal, o mejor dicho, como la realidad que debemos afrontar.

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La película no pretende ser un documental, pero sin en la vida real existieran extraterrestres gigantes entre México y USA bien podría serlo. El reflejo, aunque breve, de la realidad fronteriza se hace evidente en más de una ocasión, al igual que las pobres condiciones de vida que fuerzan a muchas personas a migrar en busca de algo mejor, sin olvidar las repercusiones que deben soportar los mexicanos de la frontera a causa de los ataques químicos que los gringos llevan a cabo para evitar que las criaturas lleguen a su territorio. Y pese a todos esos ataques y muros, las criaturas —como los migrantes— logran ingresar a ese país.

Si bien todo el análisis sociopolítico que podemos hacer sobre la migración en muy extenso y hace de la película una obra destacable, tiene muchos elementos que le restan calidad. En primer lugar tenemos la incongruencia geográfica, pues prácticamente en ningún momento las locaciones coinciden con los mapas que se muestran. Si se supone que los protagonistas caminan hasta la frontera Mexicana con los Estados Unidos, no deberían hacerlo entre una selva que nos remite al suroeste mexicano. Otra cosa mala es que muchos de los elementos que impulsan la historia son muy débiles, lo que hace que la calidad en cuanto a guion disminuya bastante. Y finalmente, hay escena de noche que son tan oscuras que resulta imposible ver algo, y si bien dichas escenas son con el fin de ahorrarse los efectos, las pudieron haber omitido, pues de todas maneras no se ve nada.

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A pesar de sus carencias, la película es buena, la música es en extremo agradable y los argumentos de fondo son muy ricos. La precariedad con que está hecha no le resta méritos, por el contrario, nos demuestra que una buena película de Ciencia Ficción no requiere de grandes efectos cuando aborda temas tan densos y sobre todo tan familiares para los espectadores latinos como lo es la migración. Lo extraterrestres son un mero pretexto.

Para finalizar, vale la pena decir que el personaje principal es en realidad la situación de los habitantes que habitan en los lugares por los que pasan Andrew y Samantha. La pareja es únicamente el medio por el cual podemos ver la situación del migrante en carne propia. Como lo dice Andrew en un diálogo mientras observa el muro defensivo: “es diferente ver a los Estados Unidos desde afuera hacia dentro”, y eso es justamente lo que esta película nos muestra.

Jurassic Park (Podcast)

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Siguiendo con la ya no tan nueva etapa de multiplataformismo, les traemos la siguiente entrega del podcast DeFicciones. En esta ocasión Spidy y yo aprovechamos el lanzamiento de la cuarta parte de una de las sagas cinematógráficas más populares en la historia del cine: Jurassic World, para discutir lo que significó para ambos, fervientes admiradores y contemporáneos de la cultura noventera, el lanzamiento de esta nueva película y de paso compartir nuestras anécdotas sobre las otras tres integrantes de la serie.

Jurassic Park es un hito en el mundo de la ciencia ficción. Ya se le ha mencionado varias veces en el blog como referente del Biopunk, y de como ha influenciado de tal manera el desarrollo de la cultura popular, que en la mente del colectivo no existe otra referencia tan arraigada respecto de los dinosaurios. Generalmente en películas de esta clase lo primero que obtienes son actores de segunda que no saben hacer su trabajo y monstruos imaginarios que no pueden existir. Jurassic Park hace absolutamente lo contrario. Las actuaciones, los efectos, el guión, la música, todo es impresionante y ha logrado soportar muy bien el paso del tiempo.

Su éxito fue arrollador. Se convirtió en fuente de inspiración para millones de personas y acompañó la infancia de igual cantidad de jóvenes. Aprovechando su legado, aparecieron dos películas más que de alguna forma la mantuvieron presente en la mente de aquellos quienes la disfrutamos infinidad de veces. Si bien The Lost World y Jurassic Park III fueron recibidas con críticas mixtas, siguen siendo parte de la saga y se abordarán en este capítulo.

Finalmente llega Jurassic World, rompiendo todos los récords en taquilla hasta la fecha. Si bien mi editor no estaba tan impresionado por su lanzamiento como lo expresó en su reseña de Mad Max, al menos yo no podía contener mi emoción. Y la película no decepciona. Los diálogos no tienen mucho de especial, los efectos parecen haberse quedado en la década pasada y los personajes nunca podrán igualar al elenco de la primera entrega, pero al menos no son aborrecibles como los que aparecen de la cinta más reciente de Godzilla.

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Y es que Jurassic World es una película de ciencia ficción y monstruos en toda regla. Viene a poner fin a muchos de los debates generados desde 1993, sobre todo con la comunidad científica ansiosa de atención mediática y dar a los fans que aún tienen la imagen mental del velociraptor como un enorme e inteligente cazador una explicación que repare su decepción al momento en que Wikipedia les presenta el aspecto más actualizado ahora aceptado. Lo más importante, los dinosaurios siguen siendo geniales y los fans de antaño, así como las nuevas generaciones, la disfrutarán sin duda.

También aprovechamos la ocasión para probar nuevas técnicas que nos faciliten la creación de contenido para el blog. Estos primeros ensayos se pueden considerar improvisados pues no se dispone de mucho tiempo para prepararlos adecuadamente. El presente podcast se realizó utilizando una plataforma diferente que en ocasiones provoca pérdida en la calidad del audio, pero si lo comparamos con el anterior, mejora considerablemente respecto al contenido, esperamos sea de su agrado.

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Disponible también desde: Anchor

Extras:

World War Z

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Título Original: World War Z.
Género(s): Survival-Horror.
Director: Marc Foster.
Emisión: 2013.
Duración: 116 minutos.
Extras:

Basada en la novela homónima de Max Brooks, Guerra Mundial Z es uno de los más recientes estrenos de gran producción sobre la temática zombi. Pero a pesar de su grandiosa producción y sus impactantes efectos, no logró innovar en este ya sobresaturado mercado. Para quienes gustan del cine de zombis la película fue entretenida y hasta buena, pero para los más conocedores sólo fue un exacerbado despliegue de elementos visuales. No obstante, tiene muchos elementos que podemos rescatar, que si bien no revoluciona este trillado género le dan muchos elementos que le permiten destacar.

En cuanto a la calidad técnica sólo podemos alabarla, los efectos, la música y las caracterizaciones son formidables, logrando suficiente realismo en escenas que por sí mismas son difíciles de creer, como las marejadas de zombis. Visualmente sobrepasa a prácticamente todo lo que hemos visto en cuando a muertos vivientes, y esa calidad, aunada a los grandiosos efectos, nos sitúa en una trepidante y vertiginosa aventura plagada de acción. Claro está, la fórmula para producir miedo es la misma que hemos visto las últimas décadas: acción seguida de suspenso que generan tención en el espectador preparándolo para un susto imprevisto.

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La historia gira en torno a Gerry Lane (Brad Pitt), un ex corresponsal de la ONU que vive una vida tranquila en Filadelfia con su esposa e hijas. Un día cualquiera algo acontece en la ciudad y el caos invade todo rápidamente, ante el desconcierto Gerry y su familia buscan la forma de escapar. Mientras buscan una forma de salir de las calles cientos de personas empiezan a atacar a otras, las cuales a su vez se trasforman en fieros seres que empiezan a atacar a más y más personas. En unas cuantas horas, las principales ciudades estadounidenses son azoladas. Para fortuna de Gerry y su familia, el gobierno requiere de sus servicios, así que son rescatados y trasladados a un buque de guerra donde le encomendarán su nueva misión.

Gerry es obligado a escoltar a un virólogo para encontrar la causa de aquella epidemia a cambio de que su familia permanezca abordo. Gerry, el doctor Andrew y un grupo de SEAL vuelan a Corea del Sur pues allí fue el primer lugar donde se reportó un incidente con zombis. Lamentablemente las cosas salen mal y mucha gente muere, lo que obliga a Gerry a continuar su camino sólo hasta Israel con la esperanza de encontrar al paciente cero y poder fabricar una vacuna contra el virus. Como encontrar el origen de la enfermedad le resulta imposible, Gerry idea un plan para ocultarse de los zombis, los cuales al parecer sólo atacan a personas sanas.

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La historia no es demasiado compleja, pero tiene un gran aporte que hasta ahora no habíamos visto en este tipo de filmes, o al menos no a tal magnitud, que es la visión global de la pandemia. En todas las otras obras Survival-Horror siempre vemos que todo acontece en un ambiente local,  ya sea en un edificio como pasa en REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2008), en supermercado como ocurre con Down of the Dead (Zack Snyder, 2004), en una ciudad como en Resident Evil: Apocalypse (Alexander Witt, 2004), en un estado como en The Walking Dead o a lo largo de un país como en Z Nation, la diferencia es que aquí podemos ver y enterarnos de cosas que pasan en todo el mundo.

Otro elemento diferenciador propio de esta obra es la construcción del zombi, o lo que yo he llamado en otras reseñas “la teoría zombi” que no es otra cosa sino la explicación del origen y las habilidades, debilidades y comportamiento de estos muertos vivientes. Aquí vemos algo muy descabellado pero que una vez analizado tiene coherencia, que es el comportamiento de enjambre que tiene los zombis. Supuestamente como todos están infectados con el mismo virus y cada virus es una copia idéntica del resto eso hace que todos se comporten como un sistema vivo, como una unidad.

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Si bien en todo el filme los llaman zombis, no son zombis, son infectados, gente enferma. De hecho en ningún momento vemos que se coman a alguien, sólo atacan, muerden e infectan, el nuevo infectado se une a ellos y así continúan hasta que no queda nadie por infectar. Me resulta interesante el hecho de que no vemos que se coman las entrañas de sus víctimas, como pasa en otras obras similares, y también el hecho de que salvo algunos de los primeros infectados, ninguno está realmente muerto, no mueren y luego vuelven a la vida, simplemente se infectan como ocurre con cualquier otra enfermedad. No obstante, una vez infectados su cuerpo no puede morir como lo haría cualquier otro ser vivo.

Pese a este par de novedades, tenemos muchísimos clichés hollywoodenses, encarnados en su mayoría por Brad Pitt. El personaje que este actor interpreta es el típico papá superhéroe que trabajó en lugares peligrosos, tiene conocimientos militares, es indispensable para el gobierno y puede salir ileso de situaciones en las que miles más mueren. Obviamente este superhombre en quien encuentra una forma de lidiar con los infectados. Su familia, amigos, elementos de apoyó y demás personajes sólo juegan papeles muy sencillos y son quitados de pantalla muy pronto para que todo el protagonismo recaiga en Gerry. Pese a todos esos estereotipos, la película es buena, entretiene, logra generar momentos de suspenso y estrés y con ayuda de sus geniales efectos da como resultado una obra más que aceptable.

Kung Fury

 

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Título Original: Kung Fury.
Género(s): Exploitation/Nazisploitation/Chopsocky, Ciencia Ficción, Fantasía, Comedia, GrindHouse.
Director: David Sandberg.
Emisión: 2015.
Duración: 31 minutos.
Extras:

Demostrándonos que el crowdfunding puede ser el futuro de las producciones independientes,  llega Kung Fury, una de las más exageradas obras audiovisuales que se han hecho en los últimos años. Con súper poderes sin sentido, violencia, robots, dinosaurios, Nazis, tecnología ilógica y destrucción al más puro estilo de la Serie B, no podríamos pedir nada más.

Kung Fury es la oda a las películas de explotación (Exploitation) que tanto permearon en la Serie B en los setentas y ochentas, pero además es un grandioso homenaje a ese cine decadente conocido como GrindHouse. El estilo del filme me recuerda a ciertas películas de Tarantino y Rodríguez, “mal hecho” a propósito, que para quienes no conozcan este tipo de cine ni lo sepan apreciar pasará simplemente como una película de mala calidad, pero para quienes gustamos que estas alternativas cinematográficas, Kung Fury es la perfecta concretización de todo eso.

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La historia gira en torno a Kung Fury, un detective del departamento de policía de Miami que debe viajar al pasado para matar a Hitler antes de que este asesine a todos sus compañeros. Con ayuda de Hackerman, un genio de la computación, logra su cometido, pero algo sale mal y viaja demasiado atrás en el tiempo, hasta la era de los Vikingos, afortunadamente, Thor lo transporta a la época correcta y con ayuda de sus nuevos amigos del pasado y sus viejos amigos de futuro logran derrotar al ejército nazi, pero lamentablemente Hitler logra escapar causando un paradoja temporal.

El mediometraje nos regala en tan sólo 30 minutos todos los géneros y posibilidades que la Serie B nos puede ofrecer, la mayoría son completamente descabellados, incoherentes y nada creíbles, pero es una delicia verlos todos juntos en pantalla. Lo que podemos ver en Kung Fury son robots, hiperviolencia, artes marciales, gore, mujeres sexys, disparos, autos y explosiones, persecuciones policiacas, locos criminales, un héroe renegado, efectos cutres y exagerados pero que por eso mismo resultan atractivos, música ochentera, hackers, viajes en el tiempo, chistes malos, dinosaurios, algo de anime, a Thor, Nazis caricaturizados, paradojas temporales y mucha acción.

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Algo que disfrute mucho y me hizo reír sin parar fueron todas esas exageraciones que pretendían ser gags al conjuntar juegos de palabras y características de los personajes, como en Triceracop, Hackerman, Laserraptor y los Kung-Fu poderes. Sin olvidar los homenajes a clásicos del cine como Terminator (el viaje en el tiempo) y Odisea del Espacio (con el Hoff 9000 emulando al Hall 9000 y haciendo referencia a Kitt, el Auto increíble, serie protagonizada por el mismísimo David Hasserhoff), sin olvidar el típico cliché de las películas de superhéroes sobre la obtención de poderes.

Por si todo lo anterior fuera poco, el filme también alude a esa fantasía violenta y pulp con vikingos matando dinosaurios en un mundo salvaje con música rockera de fondo, algo que me recordó mucho a Heavy Metal. Las partes donde la película parece dañada y los comerciales inventados son un elemento clásico del cine GrindHouse. Las partes animadas también nos remiten al anime ochentero y a las producciones americanas que en ese tiempo eran más crudas y menos estilizadas. Igualmente, esa Alemania nazi steampunkizada dan al filme un toque ucrónico muy particular. Una recomendación obligada para quien guste de este tipo de cine.