Animación

Azarkant

CuauhDeja un comentario

Azarkant 1

Título Original: Azarkant.
Director: Andrey Klimov.
Género(s): Ciencia Ficción.
Estudio: [Animada íntegramente por Andrey Klimiov].
Emisión: 2013.
Duración: 8:26 minutos.
Extras: –

Hace poco más de un mes, Jack Moreno publicó en su blog el cortometraje Azarkant, un corto ruso de Ciencia Ficción con una calidad visual impactante. El diseño de escenarios y los detalles que contienen son fabulosos, tanto que por momentos uno duda si lo que vemos en pantalla es cgi o imagen real. Y no sólo en el aspecto visual está bien diseñada, también la música está perfectamente seleccionada para generar esa ambientación de misterio y suspenso un poco como se hacía en los años 70.

El corto nos muestra a un astronauta que explora el espacio toparse con una extraña nave espacial en apariencia abandonada, al entrar en la desconocida nave se debe enfrentar con un robot enemigo que no duda en atacarlo, cuando al fin lo vence, descubre que aquel desolado lugar guarda un enorme secreto.

Azarkant 3

La estética del corto se inspira en la arquitectura industrial del Cyberpunk, los pasillos de la nave nos remiten al Nostromo de Ridley Scott, mientras que los grandes espacios lucen como la Zion de los Wachowski. El manejo de la tensión y el andar por la nave sin saber qué esperar obviamente nos recuerda a Dead Space, mientras que el diseño de personajes es prácticamente un calco de Halo.

Sin duda un interesante cortometraje con una calidad sobresaliente que se alimenta de grandes clásicos de la Ciencia Ficción de terror. La historia queda un tanto trunca en la parte final, lo cual podría hacernos pensar en un una posible continuación, que, dada la calidad de esta primera entrega, valdría mucho la pena. Habrá que seguir de cerca a su director y estar pendientes de la información que publica en su blog.

Dareka No Manazashi

Cuauh3 comentarios

Dareka No Manazashi 89

Título Original: だれか の まなざし (Dareka no Manazashi).
Director: Makoto Shinkai.
Género(s): Drama, Ficción futurista.
Estudio: TripleA.
Emisión: 2013.
Duración: 7 minutos.
Extras: –

Con forme pasa el tiempo, la calidad de Makoto Shinkai va creciendo, desde aquellos primeros cortos de pocos minutos hasta sus más recientes largometrajes podemos apreciar la enorme e inigualable calidad que tiene para construir hermosos escenarios, diseñas entrañables personajes e inventar fabulosas y dramáticas historias capaces de hacernos llorar.

En los últimos años, muchos han llamado a Shinkai el nuevo Miyasaki, yo creo que aún está lejos de esa capacidad, pero si alguien puede heredar su puesto es él. Sus obras, que a quienes nos les gusta el drama les parecerán sosas y repetitivas, siempre logran generar en el espectador ese entrañable sentimiento de añoranza y nostalgia que muy pocos directores pueden provocar.

Dareka No Manazashi 1

Su cortometraje más reciente es Dareka No Manazashi, que nos narra las desventuras de un padre y su hija, quienes, a pesar de estar en constante comunicación, se han separado sentimentalmente durante los últimos años, dejando un profundo sentimiento de soledad en los dos. Una desafortunada noche, un querido miembro de la familia muere y los recuerdos desatados por dicha pérdida hacen que padre e hija se vuelvan a sentir unidos.

La animación usa una voz en off para narrar la historia, algo que muchos cinéfilos consideran de baja calidad, pero yo creo que bien usada puede acentuar el tono dramático de una obra. Otro aspecto a destacar es la ambientación, pues si bien los personajes, los escenarios y la música mantienen el estilo que ya estamos acostumbrados a ver de él, la tecnología futurista le da un toque de frescura muy necesario y sitúa a la historia en un contexto temporal cercano a Hoshi no Koe, aunque argumentalmente hablando retoma muchos elementos de sus cortos Kanojo to Kanojo no Neko y Egao, que anclan a la historia dentro del mismo universo en que se desarrollan el resto de sus obras.

Dareka No Manazashi 4

Como en todas las animaciones de Makoto, sus fetiches simbólicos siempre están presentes, los trenes, los cerezos, los cielos nublados y los gatos son parte del desarrollo de la historia. Sin embargo, los años no pasan en vano y ahora la relación padre e hija es lo que permea en sus trabajos más recientes, a diferencia del amor y la amistad que veíamos en sus primeras producciones.

El paso del amor juvenil e infantil de la primera etapa de su carrera al ámbito familiar que ahora nos presenta, no sólo hace de sus obras algo mucho más nostálgico, sino que reflejan, a mi forma de ver, la madurez que está alcanzando este formidable director al que todavía le falta mucho por mostrar.

Pio Films

CuauhDeja un comentario

524170_494484050578013_708537446_n

Facebook

Hace unos tres años tuve la intención de hacer una serie de entradas sobre el proceso de animación a partir de la experiencia de un estudio dedicado a ello. En mi búsqueda descubrí que una chica de mi escuela estaba haciendo un cortometraje en Stop Motion. Gracias a ella conocí indirectamente la ardua, larga y laboriosa tarea que implica hacer un trabajo de este tipo. Lamentablemente (o quizás afortunadamente) deseche la idea de hacer esos reportajes para centrarme en algo que me apasionaba aún más, la teoría de género y la Ciencia Ficción, pero seguí de cerca el proceso de animación a través de la página de Facebook del estudio.

Hace pocas semanas, y luego de varios años desde que el estudio iniciara con su primer cortometraje, estrenaron su primer corto, Iluminado. Su proyecto original sigue sin terminarse por diversas complicaciones, pero me da gusto que Pio Films se empiece a dar a conocer el en medio con trabajos, que si bien son más sencillos que el proyecto principal, no dejan de significar una ardua tarea para las integrantes del estudio.

El hecho de poder ver cómo nace un estudio de animación con personas realmente apasionadas por ese arte que pese a todo lo que les ha costado siguen firmes en su propósito de dedicarse a ello es algo que debemos admirar, pero también debemos estar conscientes de las pocas oportunidades que existen para que una persona pueda no sólo dedicarse a hacer animación, sino vivir de ello.

Esta primera estrega tiene algunas fallas menores en cuanto al mensaje que intenta dar, pues está sobre exhibido en la parte final, pero dado que es la opera prima me aparece que cumple muy bien. Esperemos que pronto podamos ver más proyectos de este estudio mexicano independiente, al menos aquí les seguiremos la pista en los próximos trabajos que hagan. Si quieren observar de cerca todo lo que implica el proceso de animación, no olviden visitar la página de Facebook y el perfil, donde podrán encontrar fotografías sobre sus trabajos en proceso, elaboración de sets, información y demás cosas curiosas. Sin más que agregar, les dejo una jocosa (por decir lo menos) entrevista que hace tiempo les hicieron a las chicas de Pio Films y posteriormente su cortometraje.

Rango

Cuauh4 comentarios

Rango 1

Título Original: Rango
Director: Gore Verbinski.
Género(s): Western, Comedia.
Estudio: Industria Light and Magic.
Emisión: 2011.
Duración: 107 minutos.
Extras: –

Demostrando que el género del viejo oeste se encuentra tan vigente como cuando Clint Eastwood montaba su caballo por las inmensas llanuras bajo la dirección de Segio Leone amenizado por las fabulosas tonadas del Ennio Morricone, Rango nos remite a un pasado lleno de polvo y sol, donde el sombrero de un hombre y su confiable Colt eran lo único necesario para enfrentarse al desierto.

Parece irónico que algunos de los filmes western más reconocidos sean de hechura italiana y no norteamericana como podríamos pensar, pero los aportes que el Spaghetti Western hizo al cine a nivel estético y musical son irrefutables. El género de los vaqueros se vino a empapar con una horda de tipos duros, héroes que no lo eran y bandas sonoras más allá de los sublime. Todas esas características están presentes en Rango, que nos recuerda más al western europeo que al estadounidense, no por nada el personaje principal es una alusión al clásico de Segio Corbucci, Django (1966).

Rango 5

Con una calidad visual tan impactante, una banda sonora tan apabullante y escenarios tan minuciosamente diseñados que sería la envidia de los mismísimos Leone y Corbucci, Rango se ha convertido por mérito propio en un clásico del cine de vaqueros que está a la altura de cualquiera de las viejas producciones.

El filme nos sitúa en el desierto de Mojave, cerca de la frontera mexicana y a unos kilómetros de Las Vegas. Con personajes que retoman la construcción de las fábulas mediante el uso de animales antropomorfizados que responden a los arquetipos necesarios en este tipo de obras pero sin caer en ningún momento en clichés.

Rango 2

La historia gira en torno a Rango, un camaleón mascota que después de un accidente termina perdido en el desierto. Luego de vagar bajo el inclemente sol llega a Tierra (Dirt), un pueblecito a punto de sucumbir a la sequía. Para integrarse con los lugareños, nuestro protagonista finge ser Rango, un conocido forajido. Una vez con su nueva identidad, Rango tiene un duelo con los matones del lugar y luego de algunos singulares sucesos es proclamado Sheriff por el alcalde.

Como parte de las obligaciones de su nuevo puesto, Rango deberá resolver el misterio de la falta de agua, iniciando así una aventura que le llevará a recorrer el desierto, enfrentar peligrosos criminales y luchar contra cientos de enemigos a fin de regresar el agua al pueblo. Sin embargo, cuando su empresa falla, deberá recorrer el desierto solo hasta encontrar al “Espíritu del Oeste”, quien le ayudará a descubrir que la sequía es en realidad una conspiración gestada por los altos mandos.

Rango 3

Si bien la película es un simple Western, no pierde la oportunidad de hacer una fuerte crítica social a dos factores muy específicos, la corrupción del gobierno y la desertificación de la tierra causada por el uso irracional y el acaparamiento del agua y otros recursos.

En el filme vemos cómo el pueblo está sometido por las autoridades pero no por la fuerza ni el dinero, sino por la fe, como ocurre en nuestra propia sociedad. El mismo alcalde le dice a Rango que el pueblo lucha por sobrevivir por la simple creencia de que algún día todo mejorará, también le dice que el pueblo debe tener fe en algo, aunque eso sea un héroe falso como lo es nuestro protagonista. Actualmente, al menos en México, mucha gente o tiene una fe ciega en el gobierno o espera que todo mejore para el próximo sexenio, y así, de sexenio en sexenio vivimos esperando la llegada de una mejora de no depende sino de nosotros mismos. Sobre este tema, son muchas las lecturas que le podemos dar a la película, pero quedémonos sólo con esa.

Rango 6

El otro tema es el control y el acaparamiento de recursos, que es este caso es agua. Es obvio que en el desierto quien controla el agua lo controla todo, por eso muchos habitantes de Tierra han vendido sus propiedades, pero el cameo que hace la ciudad de Las Vegas, nos invita a reflexionar sobre cómo los asentamientos humanos afectan a los ecosistemas circundantes, pues no olvidemos que nuestros personajes son simples animalitos del desierto.

Tampoco debemos pasar por alto aquellas analogías surrealistas un tanto oníricas, ni los elementos bélicos mezclados con toques de fantasía y exageración que impiden que la obra se estanque en algo sólo de caballos, indios y pistoleros. Y como olvidar el cameo de Clint Eastwood, o al menos de su imagen caricaturizada, como el “Espíritu de Oeste”.

Rango 10

Para quienes crecimos viendo series que respondían a un western clásico y ligero, ver una película animada que retoma los clásicos de Europa resulta muy gratificante y novedoso. La Enchilada Western o el Western clásico de los gringos era algo ya muy visto, pero no así el Spaghetti o el Chorizo Western, que indudablemente modificaron el género y bien merecían estar presentes en una animación de tal calidad, sobre todo para reinsertar a los vaqueros en las nuevas generaciones.

Una de las mejores obras animadas de los últimos años a nivel argumental, la mejor, sin duda alguna, a nivel visual, y la mejor animación western, por mucho, de todos los tiempos. Una recomendación obligada para los amantes del cine, la animación y los vaqueros.

Perritos animados

CuauhDeja un comentario

Los animales de compañía se han convertido en miembros muy apreciados por sus familias y la explosión de los memes en los últimos años les han dado un lugar muy exclusivo a perros y gatos. Sin embargo, el mejor amigo del hombre, el perro, siempre será muy especial para nosotros, y los dos cortos que a continuación les presentó retratan el cariño más puro y la fidelidad más loable que sólo es posible recibir por parte de nuestros cánidos amigos.

El primer corto nos muestra a un perrito hacer todo lo posible para evitar que su somnoliento dueño tenga un accidente, mientras que el segundo nos coloca en un apocalipsis zombi donde un niño y su mascota deberán trabajar juntos para sobrevivir.

En el primer corto todo es ternura y emotividad, pero no de esa edulcorada y plagada de clichés sentimentales. El segundo video también tiene mucho sentimentalismo, pero destaca el hecho de que retoma a los muertos vivientes como un simple elemento ambientador, mientras que la historia se enfoca en desarrollar el tema del amor entre perros y humanos. Ambos cortos fueron realizados por estudiantes del California Institute of Arts (CalArts).

OMELETTE

Omelette 1

 

Título Original: Omelette.
Director: Madeline Sharafian.
Género(s): Comedia.
Estudio: CalArts.
Emisión: 2013.
Duración: 2:30 minutos.
Extras: –

Un perrito ayuda a su dueño a preparar su cena cuando este llega cansado de trabajar.

 

STEADFAST STANLEY

Steadfast Stanley 1

Título Original: Steadfast Stanley.
Director: John Codi Kim.
Género(s): Survival-Horror.
Estudio: CalArts.
Emisión: 2014
Duración: 4:10 minutos
Extras: –

Un perrito busca a su dueño en un apocalipsis zombi para entregarle su zapato.

Kill la Kill

Vossk9 comentarios

Título Original: キルラキル (Kiru ra Kiru).
Género(s): Shōnen, Peleas, Comedia, Ecchi.
Director: Hiroyuki Imaishi
Estudio: Trigger.
Emisión: 3 de octubre de 2013 – 27 de marzo de 2014.
Duración: 25  episodios.
Extras: –

El éxito de Little Witch Academia dio a Trigger los ánimos necesarios para aventurarse a crear su primera serie de televisión. Reuniendo a un talentoso grupo que ya había trabajado antes en otra famosa serie de animación, lanzan en 2013 Kill la Kill, dirigida por Hiroyuki Imaishi y con el guion a cargo de Kazuki Nakashima.

La Academia Honnouji está bajo el control del consejo estudiantil, encabezado por Satsuki Kiryūin, quien gobierna con puño de hierro. Los miembros del consejo portan ropas especiales denominadas Uniformes Goku, que les otorgan capacidades sobrehumanas, los cuales utilizan para someter al resto de los estudiantes y personal de la escuela.

Una estudiante de intercambio llamada Ryūko Matoi llega a la Academia portando la mitad de la legendaria Hoja Tijera, buscando a la persona que posee la otra mitad de la espada y que también es el asesino de su padre. Se dice que Satsuki conoce valiosa información al respecto, pero antes de poder interrogarla, Ryūko es fácilmente derrotada por los miembros del consejo y sus poderosos uniformes especiales.

En las ruinas de su antiguo hogar encuentra a Senketsu, un misterioso uniforme escolar viviente que se une a su cuerpo. Usando las habilidades de Senketsu, Ryūko consigue el poder suficiente para hacer frente a los Uniformes Goku. Ahora debe derrotar a Satsuki y su guardia personal, los Cuatro de Élite, para liberar a Honnouji de la tiranía y descubrir la verdad sobre la muerte de su padre, la ropa, el mundo y los aliens.

Kill la Kill es un anime muy peculiar. Desde el primer episodio solo te proporciona las cosas más básicas y luego te manda directamente de cabeza hacia la acción. Lleno de clichés de otros trabajos y demografías, e incluso referencias a la cultura occidental, la serie es un caótico conglomerado de violencia, comedia, acción y fan-service.

El argumento comienza como la clásica historia de venganza, donde la protagonista debe vencer a todos los oponentes hasta llegar al jefe final. Conforme avanza descubrimos que no podemos tomarlo en serio y en ciertos puntos se podría catalogar de ridículo. Sin embargo, este termina siendo uno de los puntos más fuertes de la serie, pues la línea argumental es simple y fácilmente pasa a segundo plano para dejarnos disfrutar las increíbles escenas de acción que son un verdadero festín visual.

Las peleas son increíblemente exageradas, extravagantes y van subiendo de intensidad hasta lo verdaderamente imposible. A menudo los personajes son forzados a “trasformarse” para comenzar un combate, lo cual es representado a través de fascinantes secuencias coloridas que jamás dejan de ser impresionantes así sea la décima vez que las vemos.

Toda la serie tiene un sentimiento desbordante que nos engancha y nos deja con ganas de saber que ocurre a continuación, pues el trabajo de animación es sorprendente, fluido, espectacular y único. Es aspecto visual no es algo que se pueda describir fácilmente con palabras, pues basta un vistazo para darnos cuenta que este es el trabajo de verdaderos profesionales.

Si bien varias personas han criticado el, en su opinión, exagerado fan-service, lo cierto es que la historia termina por justificarlo y al final ya no parece tan importante; en gran medida debido al tono caricaturesco de la serie, termina como un elemento cómico más.

Una original e impredecible historia aderezada con relaciones sólidas entre personajes bien construidos, incluyendo un balance casi perfecto entre comedia y acción, además de una animación, banda sonora y actores de voz de primer nivel, convierten a Kill la Kill en una obra obligada para todo buen fan de la animación japonesa, pues es un trabajo que se disfruta de principio a fin, un recordatorio de qué tan divertido y creativo puede ser el anime en su máxima expresión.

Pokémon: The Origin

Vossk1 comentario

Título Original: ポケットモンスター THE ORIGIN (Pocket Monsters: The Origin).
Género(s): Shônen, Fantasía.
Director: Itsuro Kawasaki (primera parte), Yukio Kuroda (segunda parte), Hideya Takahashi (tercera parte) y Daiki Tomiyasu (parte final).
Estudio: OLM, Production I.G, Xebec.
Emisión: October 2, 2013.
Duración: 4  episodios.
Extras: Innumerables.

Hace un tiempo, un viejo amigo y yo logramos conectar dos copias del clásico Pokémon: Edición Esmeralda. El objetivo del juego es secuestrar a diferentes criaturas de su hábitat natural para someterlas a tu voluntad y hacerlas pelear entre sí por riqueza y gloria. Acordamos entonces criar a nuestros Pocket Monsters hasta alcanzar cierto nivel y cumplir uno de los muchos sueños de nuestra infancia: realizar un verdadero combate pokémon.

Y es que por muy infantil que parezca, Pokémon marcó una época para quienes crecimos en los noventas. Recuerdo muy bien que las grandes tiendas estaban atestadas de mercancía relacionada incluso mucho antes de que la serie se trasmitiera en televisión abierta. La serie llegó (y jamás se fue), ganando millones de fans por todo el mundo. Sin embargo, en esa época muy pocos sabíamos que todo eso provenía de un videojuego, uno bastante bueno.

Pokémon inició como un videojuego RPG lanzado para la consola portátil GameBoy en 1996. Pasaron varios años para que los dos primeros títulos salieran de Japón y aún más para que llegaran a nuestro país; una vez que tenías alguno de los títulos en tus manos, descubrías que la historia del juego y del anime tenían muy pocas cosas en común. Conforme la serie avanzaba, las diferencias se hacían abismales. Quienes preferían el juego abandonaron la serie, mientras que quienes desconocían la existencia de los juegos continuaron con su dosis diaria de “Esta historia continuará…”.

Resumir el éxito de la franquicia en unas líneas es tarea difícil, pues cuenta con más de 260 millones de juegos vendidos, 17 películas y una serie animada que cada día se acerca más a conmemorar su episodio número 1000. Para promocionar el lanzamiento de sus títulos más recientes, X y Y,  se trasmitió un especial de TV dividido en cuatro partes. Para sorpresa de muchos, esta animación es mucho más fiel a las mecánicas y diseños de los juegos originales.

001 – Red

El especial es una adaptación de la historia de los dos primeros juegos, Rojo y Azul. En el primer episodio conocemos a Red y Blue (Green en el original), dos chicos originarios de Pueblo Paleta que reciben del célebre Profesor Oak sus Pokémon iniciales, Charmander y Squirtle respectivamente, para comenzar con su aventura Pokémon.

Red desea hacer realidad su sueño de capturar a todas las criaturas de la región para completar la Pokédex, mientras que Blue aspira a convertirse en campeón de la Liga Pokémon. En el camino, ambos protagonistas desarrollan una fiera rivalidad. Desconociendo muchas cosas básicas sobre los Pocket Monsters, Red es auxiliado por Brock, un líder de gimnasio con quien celebra su primer combate oficial. Red vence a Brock y gana su primera medalla, descubriendo el verdadero significado de tener un Pokémon.

002 – Cubone

Red ha vencido a otros dos líderes de gimnasio, además de obtener otros artículos útiles para su aventura. Llega a Lavender Town donde aprende sobre la torre que sirve como cementerio Pokémon y los fantasmas que la habitan. Lamentablemente, el Equipo Rocket ha ocupado la torre y secuestrado al encargado del albergue local, el señor Fuji. Corresponde a Red derrotar a los maleantes a la vez que resuelve el misterio detrás del trágico pasado de cierto pokémon.

Este episodio es una adaptación fiel a cierta tarea que se debía realizar en los videojuegos para conseguir algunos ítems valiosos, que involucran un tono más serio jamás visto en el anime y que incluso ha desatado gran cantidad de historias de terror creepypasta en la red. Para aquellos familiarizados con la historia de Cubone, puede resultar algo lento, pero en el trasfondo aporta elementos clave para el desenlace de la aventura.

003 – Giovanni

Red ha derrotado a siete de los ocho líderes de gimnasio. En el camino logra frustrar de nuevo los planes del Equipo Rocket y conocer a su líder, Giovanni (Sakaki en el original). Pero la malvada organización decide atacar una importante compañía para robar su investigación. Red reta al líder a un combate por el destino de la compañía, pero termina siendo derrotado fácilmente.

Llega por fin al último gimnasio, donde reta al líder quien resulta ser Giovanni. Irritado por la actitud de Red, el jefe del Equipo Rocket usa a sus dos mejores criaturas en la batalla por la medalla final. Luego de un intenso combate, Red envía a su último pokémon, Charizard, el cuál recuerda a Giovanni su vida de niño y lo que se sentía entrenar pokémon. Giovanni es derrotado y además de entregar la medalla, decide reformarse y empezar de nuevo, disolviendo al Equipo Rocket.

004 – Charizard

Red llega a la sede de la Liga Pokémon, donde derrota al Alto Mando. Un último obstáculo se interpone entre él y el título de campeón, el actual poseedor del título, su rival Blue. Red y Blue inician un intenso combate, con Red saliendo victorioso por poco. Entonces, el Profesor Oak invita a Red al salón de la fama donde él y sus pokémon quedan inmortalizados como campeones.

Continuando con su viaje para completar el Pokédex captura a las criaturas restantes, incluyendo a las tres Aves Legendarias, Articuno, Zapdos y Moltres. De regreso en Pueblo Paleta, entrega el Pokédex completo al Profesor, pero también descubre que Blue ha sido derrotado por un pokémon desconocido. Con un nuevo objetivo, Red parte en busca del pokémon número 150, el más poderoso de todos, Mewtwo.

Orígenes

Para muchos, Pokémon Origins es lo que el anime debió ser. Aunque cada uno de los episodios tiene un director diferente, todos ellos hicieron un muy buen trabajo y se debe resaltar el esfuerzo empleado para comprimir las 40 horas de juego en solo cuatro partes. Las diferencias en la historia son mínimas, la recreación de las ciudades, paisajes y personajes desde el GameBoy es excelente.

Todos los guiños realizados al juego como las pantallas de carga que aparecen cada vez que inicia un episodio, los cuadros de dialogo de varios personajes,  las barras de vitalidad para los pokémon cuando batallan, así como la banda sonora original totalmente remasterizada añaden un gran sentimiento de nostalgia para quienes jugaron Rojo, Azul o alguna de las versiones posteriores  y nos demuestran que tan diferentes son los mundos de Red y Ash.

Quizás los únicos puntos negativos sean la corta duración de este especial, pues presenta muchas secciones resumidas, como batallas que son recortadas hasta el encuentro final o simplemente mencionadas. Varias personas también critican la carencia de “voces” para los pokémon, que en lugar de fastidiarnos al repetir sus propios nombres como en el anime, emiten gruñidos parecidos a los de un animal vivo. Este cambio también se aplica a Mewtwo, una decisión decepcionante para quienes estamos acostumbrados al villano reformado en busca del sentido de la vida que aparece en la primera película.

Para los fans de antaño, Pokémon Origins es altamente recomendable, y aunque en el fondo ciertos añadidos sólo están ahí para promocionar Pokémon X/Y, el valor nostálgico de este especial es muy grande. Las batallas son espectaculares y en ocasiones brutales, llenas de movimientos a alta velocidad, efectos grandiosos y una animación de primera. Los personajes son más agradables y volver a ver varios de nuestros Pocket Monsters favoritos de entre los 150 originales en acción es una oportunidad que no debe desaprovecharse.

Kenichi

Vossk3 comentarios

Título Original: 史上最強の弟子ケンイチ (Shijō Saikyō no Deshi Kenichi).
Género(s): Peleas, Comedia, Ecchi.
Director: Hajime Kamegaki.
Estudio: TMS Entertainment.
Emisión: Octubre 7, 2006 – Septiembre 29, 2007.
Duración: 50  episodios.
Extras: 7 OVA.

Hace ya un tiempo existió en nuestro país un canal en televisión de paga que muchos consideramos como un canal de relleno, ZAZ, que durante años se dedicó a trasmitir programación dirigida a un público infantil bajo un eslogan de cero violencia; como resultado, lo único que pasaban ahí eran aburridas películas familiares de aventuras y fantasía.

Desde que recuerdo, ZAZ era un canal que siempre te saltabas al momento de cambiar rápidamente los canales de ida y vuelta, hasta que a principios de nuevo milenio a alguien se le ocurrió actualizarlo para enfocarse a un público juvenil. Para sorpresa de muchos, se añadieron a la barra de programación series de anime en nuestro idioma. Comenzó con series enfocadas a deportes como Idaten Jump, Izuma Eleven (mejor conocido como Súper Once) y Eyeshield 21, a las que se sumaron otras con un toque más fantástico como Kiba, Deltora Quest, los primeros 50 capítulos de Yu-Gi-Oh! 5Ds y Kenichi. Con la inclusión del añejo Cybernet, el canal llenó la mayoría de la barra diaria de programación con anime.

Las series fueron desapareciendo una a una, debido a bajos índices de audiencia de varias de ellas. Durante los últimos meses solo sobrevivieron Super Once, Eyeshield 21 y Kenichi, cuyos capítulos se trasmitían en bloques de dos o tres seguidos varias veces al día. Para 2012, la señal de ZAZ simplemente salió del aire y fue reemplazada por otro canal.

Kenichi siempre fue mi favorita del montón, pues la errática programación del canal te permitía ver el mismo episodio en distintos horarios y, gracias a la aceptable longitud de la misma así como una trama nada complicada, disfrutarla sin problemas. La historia es una adaptación de los primeros capítulos del manga homónimo escrito por Syun Matsuena. Kenichi Shirahama es un chico débil y tímido que acaba de ingresar a la preparatoria. Lo primero que decide hacer es inscribirse al club de Karate para aprender a defenderse, sin embargo, los estudiantes más avanzados deciden no aceptarlo.

Un buen día conoce a Miu Fūrinji, una estudiante de intercambio que es acosada por unos malhechores. Kenichi se arma de valor y decide defenderla, pero es ella quien termina derrotando a los maleantes. Deseando ser tan fuerte como esa chica para proteger a sus seres queridos, la sigue hasta el misterioso dojo Ryōzanpaku, hogar de los más poderosos maestros de artes marciales.

Los excéntricos maestros se rehúsan a aceptar un discípulo, pues su entrenamiento es tan brutal que cualquiera podría morir. Gracias a la intervención del abuelo de Miu, Hayato Fūrinji, Kenichi es aceptado y cada uno de los seis grandes maestros le va tomando cariño con el tiempo. Aprendiendo lo básico en una semana, logra vencer al líder del club de karate, pero de inmediato se vuelve el blanco de los demás delincuentes en la escuela.

Kenichi crece hasta ser un gran luchador, soportando el infernal entrenamiento, pero conservando su carácter amable y pacifista. De algún modo consigue limpiar la escuela de criminales, ganando a varios buenos amigos en el camino, y atrayendo la atención de la banda más poderosa del vecindario, Ragnarok y sus ocho miembros más fuertes. Ahora Kenichi debe derrotar a Ragnarok para demostrar que es el discípulo más fuerte de la historia.

La serie posee todos los atributos característicos de la demografía Shônen, un chico normal enfrenta sus propios miedos y debilidades para conseguir la fortaleza de la que carece, y más profundamente, también a la chica de sus sueños. En el camino habrá peligros, aliados, temibles villanos y alguno que otro antihéroe que sigue su propio sendero, paralelo al del protagonista.

El argumento general de los cincuenta episodios puede dividirse en dos partes. En la primera presenciamos el crecimiento de Kenichi para logra forjarse un nombre entre los artistas marciales, auxiliado por sus seis maestros, quienes le enseñan un arte marcial diferente cada uno, y por Miu, a quien se suman varios amigos más que Kenichi va conociendo en la escuela. Esta primera mitad cuenta con gran cantidad de episodios enfocados en acontecimientos de la vida diaria, que en ningún momento pasan como relleno.

Una vez que atrae la atención de Ragnarok, la serie toma una estructura similar a un videojuego. Nuestro protagonista debe derrotar a los Ocho Puños, grandes peleadores que lideran la organización y que toman sus sobrenombres de la mitología nórdica. Continúa avanzando, derrotando a cada uno de ellos hasta el fatídico combate contra el jefe final, quien resulta ser más que un simple delincuente. Algunos de estos rivales se vuelven valiosos aliados tras cruzar caminos con el personaje principal.

Los personajes, aunque en un principio pueden parecer algo flojos, llegan a desarrollarse de gran forma y dejar su marca en el espectador. Los maestros del Ryōzanpaku, aunque aportan muchos de los momentos cómicos, son serios al momento del entrenamiento, sus técnicas y enseñanzas, aunque ficticias, nos parecen muy reales. La inmersión en la trama hace que compartamos su orgullo cada vez que Kenichi aplica los conocimientos adquiridos en algún combate.

La pandilla de Ragnarok también está conformada por grandes personajes. De forma similar, cada uno es un gran practicante de artes marciales que busca poder para sus propios fines. Como Kenichi, han pasado por un duro entrenamiento desde hace un tiempo y no planean darse por vencidos ante nadie. También existen varios personajes recurrentes que iremos conociendo a lo largo de la historia.

Respecto a la animación, la calidad es buena, pero tiende a disminuir notablemente durante los combates y las secuencias de acción, que en muchas ocasiones son varias imágenes estáticas con efectos dramáticos añadidos. Las batallas no son extremadamente rápidas ni extensas, ya que al estar basado en artes marciales verdaderas, un personaje tiende a acabar con su oponente usando tres o cuatro movimientos ejecutados con gran técnica. Los fondos empleados para las secuencias cotidianas tampoco son muy detallados.

En el departamento de audio, la banda sonora acompaña de buen modo a las diversas facetas de la serie, ya sea durante las peleas, los momentos dramáticos y esas geniales secuencias donde el personaje decide no darse por vencido. Respecto a las voces, el doblaje al español latino, indudablemente realizado en México, es excelente y aporta muchísimo carácter a los personajes, con más de una sólida referencia a nuestra cultura.

Kenichi es una excelente serie de aventura y acción con un toque bastante realista en sus combates, grandiosos mensajes de amistad y sabias enseñanzas para enfrentar las adversidades. Estas cualidades la colocaron de inmediato como la favorita dentro del escaso grupo de televidentes que tuvimos la oportunidad de ver la historia completa en ZAZ. Aunque ese canal ya no existe, la serie sigue siendo altamente recomendable para los amantes del género.

Knights of Sidonia

Cuauh2 comentarios

Sidonia 2

Título Original: シドニアの騎士 (Shidonia no Kishi)
Director: Kôbun Shizuno.
Género(s): Ciencia Ficción/Mecha.
Estudio: Polygon Pictures.
Emisión: Abril-Junio 2014.
Duración: 12 Episodios.
Extras: –

Con la llegada del streaming, los servicios que ofrecen películas y series por internet se han incrementado rápidamente. Netflix es quizás el principal proveedor usado en nuestro continente y eso le ha llevado a desarrollar sus propias producciones. Después del rotundo éxito de House of Cards, esta empresa ha incursionado en otros géneros y formatos. Este año estrenó Knights of Sidonia, una serie de animación japonesa basada en el manga homónimo de Tsutomu Nihei.

La calidad es sobresaliente en cada uno de sus elementos, los personajes tienen rasgos muy distintivos, los escenarios espaciales cumplen y la banda sonora hace un trabajo inmejorable, pero es en los escenarios interiores en donde la calidad se dispara por completo. La estética del concreto y el metal crean una arquitectura fascinante que retoma el hacinamiento incómodo del Cyberpunk pero le quita la frialdad de la decadencia y le aporta algo de calidez y humanidad. Las zonas viejas y descuidadas reflejan el deterioro de una nave espacial que lleva viajando cientos de años.

Sidonia 8

La historia se desarrolla en Sidonia, una gigantesca nave espacial donde viven los últimos humanos luego de que el planeta fuera destruido por los Gauna, unos titánicos extraterrestres con quienes la humanidad ha luchado por ciertos de años. En Sidonia se encuentra una academia de pilotos que entrena a jóvenes para comandar mechas que hacen frente al enemigo.

Los acontecimientos principales giran en torno a Nagate Tanikase, un joven que vivía escondido en las zonas subterráneas de la nave alejado del resto, pero que luego de la muerte de su abuelo se aventura a buscar comida en la superficie. Después de algunos incidentes algo rebuscados que sólo buscan poner al protagonista en el centro de la acción, Tanikase es elegido como piloto y, como es de esperar, tiene una habilidad superior para el combate gracias a que desde niño entrenó con su abuelo.

Sidonia 11

A lo largo de los capítulos vemos a Nagate y sus amigos combatir con diferentes resultados, pues si bien siempre derrotan al enemigo, en la mayoría de las ocasiones lo hacen con grandes costos e innumerables pérdidas humanas. Además de las batallas espaciales, la historia nos deja ver poco a poco, pero en la medida adecuada, el trasfondo que hay más allá de los pilotos.

En la primera mitad de la serie tenemos protestas, en un tono muy orwelliano, organizadas por un grupo antimilitar que está en contra de la guerra y asegura que los gobernantes han estado en el poder desde hace siglos pues pueden vivir por siempre. Lamentablemente esos detractores dejan de estar en escenas, pero para fortuna del público el desarrollo natural de la historia nos permite conocer el pasado y darnos cuenta de los secretos que los altos mandos ocultan.

Sidonia 9

Si bien la serie es buena y tiene toques de originalidad que la caracterizan, no rompe el paradigma del anime Mecha en el espacio, por el contrario, se basa en la fórmula establecida por Evangelion hace casi veinte años. Tenemos al piloto con talento superior que se frustra pero luego logra triunfar, al rival que termina por convertirse en villano luego del fracaso, al enemigo imparable que nadie sabe de dónde vino pero del que los mando superiores ocultan todo y muchos pilotos que mueren por decenas.

Todos estos lugares comunes y los innumerables símiles que podemos hacer con Evangelion no quieren decir que la serie no aporte, quizás no lo hace para el género Mecha, pero sí para la Ciencia Ficción. La serie se desarrolla en un espacio cerrado, la nave, pero a pesar de la ropa y los trajes espaciales, se da el tiempo para presentar sendos toques de fan-service, además, tiene elementos que hacer más creíble una prolongada estadía en el espacio, incluso aquellos que nos son tan creíbles terminan por ser explicados de manera sublime con el perfecto manejo de los flash-back.

Sidonia 12

En la nave tenemos un reactor orgánico que al parecer convierte en fertilizante a los muertos, así nada se desperdicia, pues los recursos son limitados; los trajes espaciales son de piel y realizan funciones fisiológicas; los humanos han sido modificados para hacer fotosíntesis y no necesitar de alimento sólido; los miembros del consejo tienen clones y cápsulas antienvejecimiento que les garantizan la vida eterna; la reproducción es asexual e incluso hay personajes intersexuales que nos muestran una diversidad pocas veces vista en la animación. Por si todo lo anterior fuera poco, cuando la nave se mueve bruscamente todo el interior se daña y hay muertes por cientos, lo que realza ese realismo que esperaríamos ver en el espacio.

La serie tiene capítulos de mucha acción y capítulos calmados y reflexivos, tiene pequeños giros argumentales que sí resultan inesperados y terminan por sorprender al espectador, es muy entretenida pese a usar la formula clásica del género Mecha y revela una gran cantidad de secretos en la parte final que aseguran una segunda temporada llena de acción y sorpresas.

Ghibli y el problema de la animación

CuauhDeja un comentario

studio-ghibli

Luego de que múltiples foros y blogs saturaran sus páginas con noticias sobre el aún controversial cierre, reestructuración o como quieran llamarlo, de Ghibli,  me di a la tarea de leer algunos post al respecto tratando de llegar a una conclusión objetiva sobre dicha noticias a fin de escribir una entrada al respecto, pero luego de reflexionarlo me di cuenta de que estaría de más hablar sobre dicho tema, en primera porque las noticias por Internet cambian muy rápido y se prestan a malas interpretaciones, por lo que creo conveniente abordar un tema relacionado tomando como pretexto la multicitada noticia.

Hace un par de días escuchaba un hangout de Steve Morales, el creador de Producto Robot, un canal de YouTube dedicado a la animación, famoso por crear la serie Anime News de la que ya hemos hablado aquí. Pues bien, en el video Steve reflexiona y nos explica de manera sencilla cómo el problema de la piratería y las descargas ilegales están afectando la industria de la animación. El pretexto por el cual inició la plática fue el futuro cierre de páginas donde se proporcionan links de descargas ilegales de manga y anime, pero en lugar de defender o condenar dichas acciones, Steve nos explica cómo funciona el mundo de las series animadas, la televisión, la mercadotecnia e incluso el doblaje.

ghibli_parade__by_tenaga-d7gy63i

Independientemente de la opinión que cada uno de ustedes tenga sobre compartir contenido en la red que tiene derechos de autor, debemos estar conscientes de que los animadores, escritores y demás personas que generan contenido o productos viven de eso y por lo tanto merecen una remuneración por su trabajo. Ese es justamente uno de los problemas que muchos de los blogs exponen como uno de los detonantes para el cierre del afamado estudio nipón. Mantener a todos los animadores trabajando de tiempo completo ya no es costeable para el estudio, por lo que se han visto en la necesidad de despedirlos y contratarlos únicamente como freelance.

El problema no es sólo el retiro de Miyazaki ni las malas taquillas de algunas de las últimas películas del estudio, ambos influyen y mucho, pero no tiene toda la culpa, en mayor o menor medida están las descargas ilegales, aunque el principal problema es la falta de acceso que, por ejemplo, nosotros en México tenemos para acceder a la animación oriental de manera legal, dejando como única alternativa el Internet. Servicios de streaming como Neflix están revolucionando la forma en que se consume el contenido audiovisual, pues sueltan las temporadas completas que podemos ver en maratónicas sesiones de varias horas al día o pausadamente en función de nuestras horas libres, además no tienen restricción de horario ni anuncios comerciales. Muchas series animadas ya están disponibles en este tipo de portales y es quizás una de las mejores alternativas para que los estudios tengan ganancias y los consumidores, un producto de calidad.

Miyazaki_Ghibli-750x472

Podríamos hablar largo y tendido y lamentarnos por lo que está pasando con Ghibli, pero me parece que es mejor conocer cuáles son los problemas que están afectando a la industria para entender el porqué de las acciones tomadas y recapacitar sobre cuál debería ser nuestro papel como consumidores.

A continuación les dejo el hangout de Steve para que entendamos que consumir productos por Internet no está mal, pero que también debemos hacerlo responsablemente sin afectar el trabajo de las personas que nos proporcionan ese contenido que tanto nos gusta.