Ciencia Ficción

Afro Samurai

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Título Original: アフロサムライ (Afuru Samurai).
Género(s): Artes Marciales, Gore, Ciencia Ficción, Seinen.
Director: Fuminori Kisaki y Jamie Simone.
Estudio: Gonzo.
Emisión: 2007.
Duración: 5 OVA.
Extras: Afro Samurai Resurrection.

Afro Samurai es una de las más vanguardistas obras animadas de la actualidad, pues el particular estilo de Gonzo, el toque americano afro-western y la música Hip Hop, logran un resultado muy original y divertido, además de otorgar un toque multicultural y multirracial a un anime japonés.

La producción corrió a cargo de Samuel L. Jackson, quien ha participado en películas como Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993) o Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994). Además de producir, el actor puso la voz al personaje principal, quien gracias a eso refleja su herencia afroamericana de manera muy creíble.

La calidad de animación es impactante, los escenarios y los personajes están finamente diseñados, y el estilo gekiga enfatiza los rasgos afroamericanos. Además, esa característica personalidad de los barrios negros estadounidenses se acentúa debido a que la serie está hablada totalmente en inglés.

La fluidez de las tomas es un aspecto sobresaliente, ya que no se pierden detalles ni en las más rápidas batallas, que al combinarse con slow-motion ofrecen un detalle inmejorable. La banda sonora es otro aspecto que debe mencionarse pues no es común escuchar un soundtrack de anime basado en canciones de Hip Hop.

La historia gira en torno a Afro, un joven samurái que intenta vengar la muerte de su padre y convertirse en el peleador número uno del mundo, para ello primero tendrá que convertirse en el número dos, pues sólo el segundo mejor puede retar al primero. En su camino tendrá que enfrentar diferentes enemigos y superar los errores de su pasado. Todo esto acompañado de sangrientas y brutales peleas repletas de cuerpos destrozados y un pequeño toque de sexo.

Si bien Afro Samurái no es la gran serie ataviada de referencias complicadas, sí es una gran opción para quien busca un anime que salga de los estereotipos convencionales y del diseño habitual del anime actual. Su mezcla racial es sin duda el aspecto fundamental que la hace tan original, pues es difícil imaginarse a un samurái negro con un gran peinado afro partir balas y misiles con su espada mientras pelea contra robots y extraños sujetos con extremidades biónicas.

Otro punto a su favor, es el hecho de que es una de las pocas series que sabe explotar su género al máximo, pues no sólo destroza gente porque sí, sino que plantea en cada enemigo y combatiente una razón de peso que lo obliga a realizar la masacre.

El aspecto más débil son los clichés americanos que contiene, pues nuestro personaje principal es el típico héroe americano (aunque de hecho no es un héroe) que sin importar las dificultades siempre resulta vencedor. Sin embargo, eso no le resta mérito alguno, pues en todo momento estarás pegado a la pantalla intentando no perderte ni un corte de la afilada catana de Afro.

FLCL

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Título Original: Furi Kuri (フリクリ)
Género(s): Comedia, Ciencia Ficción, Mecha, Anime Progresivo, Shônen.
Director: Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Gainax, Production I.G.
Emisión: Abril 2000 – Marzo 2001.
Duración: 6 OVA.
Extras: –

FLCL es una obra diferente, atrevida, divertida y extraña; quizás por eso es considerada como el más claro exponente del Anime Progresivo, a pesar de que catalogar a una serie dentro de éste género es muy subjetivo, pues tiene que ser vanguardista y novedosa, contar con una historia diferente que no siga los estándares establecidos, modificar las temáticas recurrentes en su género y mostrarnos personajes que no caigan en estereotipos.

La serie está plagada de referencia, desde las que aluden a otros trabajos del mismo estudio, como Evangelion o el video de apertura de la Daicon IV, hasta parodias de South Park, Gundam y Michael Jackson. Incluso se mencionan marcas famosas de instrumentos musicales.

La calidad de animación es buena y muy característica del estilo Gainax, con escenarios que van desde los más pintorescos y simples hasta los más psicodélicos y surrealistas. El diseño de personajes es atractivo y muy acertado, pues se desenvuelven de una manera hilarante y tan fuera de lo común que consiguen retorcer la historia en una extraña mezcla de ficción, locura y tecnologías sin sentido.

En el aspecto sonoro, la obra se defiende muy bien, pues el audio es sencillamente formidable y conjuga una buena selección de canciones de rock interpretadas por el grupo The Pillows que se acoplan perfectamente con la trama y el estilo en general.

FLCL 3

Furi Kuri nos presenta una historia sencilla y hasta cierto punto fácil de entender, pero que se desarrolla de una manera tan compleja y extravagante que resulta complicado seguirle el paso y lograr entender los numerosos diálogos plagados de frases incomprensibles y palabras que no existen.

La historia gira en torno de Naota Nandaba, un chico normal que vive una vida común pese a verse obligado a convivir con Mamimi Samemija, una chica algo rara y exnovia de su hermano. Todo cambia cuando es atropellado por Haruko Harukara, una chica que aparentemente no es de este mundo y que anda en busca de Atomsk, el Rey Pirata capaz de robar planetas. A partir de ese accidente, Naota adquirirá la extraña habilidad de sacar robots y demás objetos extraños de su cabeza, los cuales le causarán problemas que tendrá que resolver con ayuda de Haruko.

Entre las cosas raras que podemos disfrutar, están la mezcla de animación con dibujos de manga y la presencia de imágenes de acción real en el Ending, sin olvidar el extravagante y cómico —aunque muy poco sugerente— fan-service. También se muestran mensajes que hacen referencia a los cambios en la adolescencia, principalmente en el despertar sexual y en las implicaciones sociales que estos acarrean.

Debemos admitir que FLCL no es para todo público pero es una serie que bien merece una oportunidad, pues es una gran exponente de su género y nos demuestra que los trabajos alocados e innovadores también tienen cabida en esta industria.

Wolf’s Rain

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Título Original: ウルフズ・レイン (Warafusu Rein).
Género(s): Kemono, Fantasía, Drama, Ciencia Ficción/Biopunk/Ciencia Ficción Social, Romance.
Director: Tensai Okamura.
Estudio: Bones.
Emisión: 2003.
Duración: 24 episodios.
Extras: 4 OVA.

Un desarrollo lento, una ambientación gris y una historia sólida, que desgraciadamente no explota todo el potencial que tiene, hacen de Wolf’s Rain más que el típico anime postapocalíptico de una sociedad decadente y al borde de la destrucción, pues la conjunción de sus argumentos y los elementos totémicos que incluye la convierten en una serie novedosa y amena.

La historia, aunque nunca se dice directamente, se desarrolla al sur de los Estados Unidos y retoma elementos simbólicos de las tribus indígenas que antiguamente habitaron aquella región, algo nunca antes visto en la animación japonesa. Podemos ver alusiones al Valle de la Muerte en California y una posible referencia a Ernest Thompson Seton, quien inicio el movimiento “woodcraft” para proteger la vida salvaje y cuyo interés se inició por el incidente con un lobo.

La calidad de animación es muy buena, pues la nitidez de los gráficos hace que los escenarios luzcan espectaculares y en ningún momento encontramos escenas lúgubres con falta de luz. Por su parte, la música es muy amena y le da a la serie una ambientación única y original, pues sus tonadas lentas y de estilo andaluz rompen con el ambiente apocalíptico y contrastan totalmente con los escenarios, creando un efecto por demás agradable.

El diseño de los personajes —sobre todo de los principales— sí deja mucho que desear, pues caen en los estereotipos del chico malo, el amable, el tierno y el líder. Además, su desarrollo y crecimiento en la historia es casi nulo pues, salvo algunos aspectos muy someros de su vida, no conocemos prácticamente nada de su pasado y su personalidad se mantiene constante durante toda la serie. Afortunadamente, los personajes secundarios toman las riendas de la historia y desarrollan perfectamente los elementos dramáticos.

La historia se desarrolla en un mundo postapocalíptico donde la mayoría de la población vive en la miseria y sólo los acaudalados nobles gozan de las comodidades tecnológicas en las fortificadas ciudades que los protegen del perpetuo invierno y de las cruentas guerras que se libran en el exterior.

Cuatro jóvenes lobos, Kiba, Hige, Toboe y Tsume, intenta encontrar a Cheza (la chica flor) para poder llegar al paraíso antes de que los nobles la capturen y usen para sus despiadados propósitos. Por su parte, la científica Cher Degre y el detective Hubb Lebowski, acompañados del Sheriff Quent Yaiden quien desea vengarse de los lobos que destruyeron su ciudad, intentan descubrir el secreto de Cheza.

La historia usa perfectamente las características lupinas de sus personajes principales, y el hecho de presentarlos con forma humana les da un toque más íntimo y personal para con el televidente. Además, la integración de una cosmovisión indígena que mezcla las creencias que los nativos americanos tienen sobre la naturaleza y la muerte resulta una idea más que acertada.

El único aspecto que podría resultar molesto es la lentitud con la que avanza la serie y la falta de escenas de acción que uno esperaría al tener lobos como personajes principales. Sin embargo, a pesar de lo plana que pueda resultar la historia, ésta no es repetitiva ni monótona en ningún momento, salvo en el enorme flash-black (episodios 15 al 18) que intenta desarrollar más los personajes. A pesar de ello, me parece que cumple con el propósito de entretener y cuenta con las características suficientes para ser un buen y agradable anime.

Toki wo Kakeru Shôjo

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Toki wo Kakeru Shôjo 1

Título Original: 時をかける少女 (Toki wo Kakeru Shôjo).
Género(s): Slice of Life, Drama, Romance, Ciencia Ficción, Shôjo.
Director: Mamoru Hosoda.
Estudio: MadHouse.
Emisión: Julio 2006.
Duración: 98 minutos.
Extras: –

Basado en la novela homónima de Tsutsui Yasutaka, Toki wo Kakeru Shôjo es actualmente uno de los mejores trabajos animados que mezclan drama y ficción. La historia, los personajes, los escenarios y la música son simplemente perfectos, no en vano ha sido galardonada en diferentes festivales de cine y animación en todo el mundo.

La peculiaridad en Tokikake es la forma en que logra fundir, a un nivel casi poético, uno de los elementos más intrincados de la Ciencia Ficción (los viajes en el tiempo) con una historia de amor y drama que se desarrolla a un ritmo pausado e íntimo propio de Slice of Life, algo pocas veces visto en obras cinematográficas pero que nos demuestra que en la Ciencia Ficción también hay lugar para los sentimientos y las cosas mundanas.

Toki wo Kakeru Shôjo 7

El estilo y la calidad artística son asombrosos, los escenarios son muy simples pero finamente detallados y el estilo de animación es totalmente impactante. El soundtrack es muy bueno, tal vez no tan bueno como el de otras series ni tan sobresaliente como la historia en sí pero genera una ambientación muy agradable que siempre va acorde con las escenas.

El diseño de personajes es de los mejores que he visto, pues en tan sólo hora y media nos permite conocer las personalidades y problemáticas de todos ellos, algo muy difícil en tan corto tiempo. Y aunque no ahonda demasiado en su psicología, logra desarrollarlos de una manera muy divertida y emotiva. No podíamos esperar menos teniendo en cuenta que el diseñador de personajes fue Yoshiyuki Sadamoto.

Tokikake nos presenta una historia simple basada en un tema que ha sido sobreexplotado por el celuloide en los últimos años. Afortunadamente no centra su atención en complejas historias de ficción futurista sobre los viajes en el tiempo, por el contrario, se limita a no explicar ésta habilidad y eso le permite desarrollar sus argumentos a un nivel más íntimo.

La historia gira en torno a Makoto Konno, una chica de preparatoria que gusta de jugar béisbol y pasar el tiempo con sus dos mejores amigos, Chiaki y Kôsuke. Por azahares del destino obtiene la habilidad de saltar en el tiempo, con lo cual impedirá que cosas malas le pasen. Sin embargo, ninguna acción puede ser del todo impedida y los problemas que ella evita son trasferidos a otras personas. Con el paso del tiempo Makoto mejora su habilidad y la utiliza para evadir todas las situaciones que le son incomodas y desagradables, a pesar de que esto conlleve serias repercusiones para sus amigos.

A lo largo de la película podremos darnos cuenta de que los viajes en el tiempo no son el argumento principal de la historia, sino un simple elemento más para abordar las relaciones que Makoto tiene con su familia y amigos, las cuales se ven afectadas porque sus viajes desencadenan eventos propios de la teoría del caos.

Toki wo Kakeru Shôjo es sumamente recomendable, pues tiene una historia sólida, personajes bien diseñados y un perfecto manejo de tiempos que nos permite saber en todo momento si los acontecimientos que vemos son del presente o del pasado. Lo tiene todo para llegar a ser uno de los mejores largometrajes de la animación japonés de todos los tiempos y una de las favoritas entre los fans del anime.

Cavity Express

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Título Original: 虫歯鉄道 (Cavity Express).
Género(s): Fantasía, Ciencia Ficción, Kodomo.
Dirigido por: Kenji Muto.
Estudio: Anime Inovation Tokyo.
Duración: 2:40 minutos.
Emisión: 2009.
Extras: –

Cavity Express es un piloto creado por Anime Inovation Tokyo, un estudio dedicado a brindar un espacio dentro del mundo de la animación para los jóvenes talentos. El trabajo funge como el video musical para la canción “Ha wo Migakinasai” interpretada por Tatetakako y pertenece a un proyecto mayor llamado Sugarless Factory, una empresa dirigida por Ken Osamu Buto dedicada a la producción, planeación y diseño de cortometrajes y otros trabajos de anime.

El corto nos narra las aventuras del joven aprendiz de dentista Egg y su compañero y entrenador C1, quienes se enfrentarán a las caries armados con un  arsenal de pasta y cepillos de dientes, a bordo del tren mecánico-biológico Cavity Express. La historia se desarrolla en un mundo fantástico, donde los dientes se han convertido en grandes metrópolis habitadas por infinidad de caries y a las que sólo se puede acceder por tren. Es así como Egg realiza diversos viajes para combatir a sus molestos enemigos y obtener suficiente experiencia para poder adquirir su título de dentista.

La calidad de animación es impresionante, los escenarios están finamente detallados y presentan un toque infantil algo nostálgico pues parecieran coloreados con crayolas. Además, sus personajes tiernos y nada agresivos logran captar la atención de los niños dejándoles un útil mensaje: “Lava tus dientes o el expreso de la caries vendrá por ti”.

A muchos nos gustaría ver un proyecto más largo de este corto, y de hecho en la página de Sugarless Factory se maneja que la duración de la historia es de 10 minutos. Esperemos que en el futuro podamos disfrutar de un trabajo de mayor duración.

Honey Tokyo

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Título Original: ハニ一東京 (Honî Tokyo).
Género(s): Ciencia Ficción.
Dirigido por: Yasuhiro Aoki.
Estudio: Studio 4°C.
Emisión: 2010.
Duración: 11 minutos.
Extras: –

Honey Tokyo es un pequeño ona interactivo creado por el gobierno japonés con el fin de promover los lugares turísticos de su ciudad capital. En su página, Welcome to Tokyo, es posible ver el anime en diferentes idiomas, entre ellos el español. Además, mediante la página interactiva es posible localizar y ubicar las rutas de acceso de cada uno de los centros turísticos que aparecen en el corto.

La calidad de animación es excelente, ya que el nivel de detalle es tan preciso que en verdad nos sitúa dentro de los más importante y famosos lugares de Tokio, desde los teatros de obras Kabuki y las colonias populares, hasta los místicos Templos Budistas y las concurridas calles de Shibuya. Además, la presencia de imágenes de acción real le da un toque de mayor realismo y nos permite apreciar la verdadera belleza de los lugares que promociona.

La historia gira en torno a Honey, una joven de 16 años que viene del futuro con el fin de recolectar trozos de felicidad y llevarlos a su época. Para su misión necesita la ayuda de Takeru, un muchacho de la ciudad a quien secuestra. Mientras Honey recolecta los trozos de felicidad, Takeru se da cuenta de que Tokio pierde su color y que de continuar así pronto la ciudad quedará sin felicidad.

Takeru decide evitarlo y para ello muestra a Honey que el verdadero Tokio va más allá de las bulliciosas calles, los atestados parques y los exóticos museos, pues existen lugares tranquilos y relajados donde la vida cotidiana de los pobladores trascurre apaciblemente, y que además de ser una ciudad llena de glamur y modernidad, Tokio es una ciudad llena de tradición, costumbres y una inmensa riqueza cultural, la cual es la verdadera razón de su felicidad.

Sin duda, este pequeño corto es una excelente idea para promover el turismo de la ciudad, pues no sólo está diseñado para los amantes del anime, sino para el público en general. Además, sirve como una buena forma de sensibilizar a los habitantes sobre la riqueza cultural de su ciudad, pues las tradiciones ancestrales de la cultura nipona no están peleadas con la tecnología ni la modernidad.

Un aspecto que me gustaría resaltar es que —además de ser una excelente estrategia comercial y turística— nos demuestra que la globalización no debe significar la perdida de las costumbres ni los viejos valores, sino todo lo contrario, debemos aprovechar la practicidad de las comunicaciones globales para dar a conocer nuestra propia cultura.

Armitage III: Dual Matrix

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Título Original: アミテージ ザ サード (Armitêji za Sâdo).
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk, Drama, Seinen.
Director: Katsuhito Akiyama.
Estudios: Pioneer.
Emisión: 2002.
Duración: 90 minutos.
Extras: Armitage III, Armitage III: Poly-Matrix.

Armitage III: Dual Matrix es la secuela de la película Armitage III: Poly-Matrix, ambas se basan en la serie original de cuatro OVA Armitage III. Sin embargo, a pesar de ser una secuela, Dual Matrix puede verse sin necesidad de haber visto alguna de sus precuelas, pues la trama es sólida y se entiende fácilmente.

Si bien el trasfondo general de la historia tiene su origen en los trabajos previos de Armitage, esta película se enfoca en la parte sentimental y emotiva de los personajes más que en el desarrollo tecnológico y sus consecuencias sociales.

La calidad de animación no siempre es buena, pues los gráficos lucen acartonados por momentos y algunas escenas son notablemente oscuras, lo que impiden apreciar adecuadamente las principales escenas de acción. Por el contrario, existen momento en que la calidad visual es sobresaliente, pues los escenarios tienen gran nitidez, están bien detallados y la iluminación es adecuada.

El aspecto del audio es mucho más acertado, pues la música se adecua muy bien, genera una buena ambientación y entra justo en los momentos de mayor emotividad. Sin embargo, algunas escenas resultan un poco estériles pues carecen totalmente de soundtrack. Los personajes, aunque están bien diseñados, no resaltan del todo y muchos caen en los estereotipos de los personajes de este género (el científico loco, el militar sanguinario o el político poderoso).

La historia gira en torno a Naomi Armitage, una avanzada androide que tiene la enigmática capacidad de concebir y dar vida a humanos con capacidades superiores. Mientras Naomi investiga la masacre perpetrada por los militares en un centro de investigación, su esposo Ross y su hija Yoko viajan a la tierra con el fin de representar a Marte en una asamblea en la que se decidirá por dar, o no, derechos a los robots. Naomi y Ross tendrán que hacer frente a los intereses políticos que busca eliminar cualquier derecho en los robots para salvar a su hija de un científico que busca apoderarse de la habilidad de Armitage.

Sin bien la historia nos plantea los típicos conflictos entre la robótica, las leyes naturales y las leyes humanas, lo que en realidad busca mostrarnos es cómo una madre puede dar todo para salvar a su hija, pues no hay nada más poderoso que el amor maternal, e independientemente de que Naomi fuera robot, sus sentimientos hacia su hija superaron las barreras tecnológicas.

Dual Matrix es catalogada como Cyberpunk —y de hecho sí puede considerarse dentro de este género— pero yo no la recomendaría a quienes gustan de un Cyberpunk clásico, pues no contiene ni la parte psicológica ni la estética industrial y decadente que a muchos nos gusta.

El filme es una interesante propuesta de Ciencia Ficción ya que contiene dos elementos totalmente diferentes: por una parte tenemos las discusiones sobre el trato a los robots y los derechos que les corresponden, y por otra tenemos la temática del amor maternal, que dota a la obra de un útil factor dramático.

Metrópolis

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Título Original: メトロポリス (Metoropurisu).
Género(s):Ciencia Ficción/Ciencia Ficción Social/Ciencia Ficción Libertaria/Cyberpunk, Distopía.
Director: Rin Taro (Hayashi Shigeyuki).
Estudio: MadHouse.
Emisión: 2001.
Duración: 109 minutos.
Extras: –

Basado en el manga homónimo de Osamu Tezuka y con la colaboración de Katsuhiro Ôtomo como guionista, Metrópolis es uno de los animes de Ciencia Ficción más ambiciosos e impresionantes que existen, tanto por su calidad en el aspecto técnico como por su contenido argumental.

El estilo retro que le dan su peculiar banda sonora y la parafernalia de sus personajes crean una ambientación que lo aleja del contexto clásico del Cyberpunk industrial y tecnológico, y lo acercan más al cine de detectives, que aderezado con los movimientos sociales que nos muestra logran un resultado sobresaliente.

La calidad de animación es impactante, aunque por momentos hay un poco de contaminación visual debido a que la cantidad de elementos que aparecen en pantalla son tantos que resulta casi imposible apreciar cada uno de ellos, muchos de los cuales explican algunos elementos de la historia. El grado de detalle es impresionante y nunca se pierde nitidez ni siquiera en los escenarios más oscuros.

La música es muy buena, es una mezcla de Jazz y tonadas lentas que contrastan totalmente con el ambiente futurista y altamente tecnológico. El diseño y desarrollo de los personajes es muy acertado, a pesar de que algunos caen en los estereotipos propios del papel que representan. Los personajes mejor logrados son los robots, pues poseen características y “personalidades” que simbolizan algunos de los sentimientos que los humanos han perdido debido a la excesiva industrialización, pero que aún subsisten en la imponente ciudad.

La historia de desarrolla en Metrópolis, una ciudad que refleja el poderío humano, llena de tecnologías y robots de toda clase. Sin embargo, estos avances han causado estragos entre la gente más pobre, quienes eventualmente han sido relegados hacia los sectores olvidados de la ciudad. Zona 1 es un submundo que se encuentra bajo la urbe, un lugar sin ley ni autoridad, lleno de gente necesitada, delincuentes y miseria.

En Zona 1, tanto los humanos como robots sufren la opresión de las élites sociales, pues se les impide vivir en la superficie y mezclarse con el resto de la población. Pero bajo las luces y la opulencia de la gran ciudad, en las sucias y abandonadas calles de aquel submundo, empieza a gestarse una revolución, una revolución en la cual los hombres defenderán sus derechos y los robos, su libertad.

Mientras en Metrópolis se lleva a cabo una celebración por la construcción de la Torre Zigurat, el detective Shunsaku Ban y su sobrino Kenichi investigan el posible tráfico de órganos por el Dr. Laughton, científico que trabaja en la construcción de un extraño androide llamado Tima. Tras la muerte del doctor, Kenichi y Tima son perseguidos por el partido anti-robots Marduk y se ocultan en Zona 1, donde conocen las difíciles condiciones en que viven sus habitantes, quienes cansados de la opresión han decidido levantarse en armas.

La película no sólo nos muestra la típica distopía tecnológica, sino que se adentra en las condiciones sociales de discriminación que viven las personas y los robots. Dichas condiciones no representan sino la discriminación racial que actualmente se vive en muchos países, sobre todo en aquello que sufrieron del Apartheid. El odio a los robots no es más que una referencia al racismo y al desprecio que muchos tienen por todo aquel que no comparte su cultura, costumbres, creencias o posición social.

Metropolis 10

Una característica que me gustaría resaltar es el aspecto revolucionario, pues en distintos carteles podemos ver el rostro del “Che” Guevara, además de que las escenas de lucha y manifestaciones son en ejemplo fidedigno de las protestas que actualmente podemos ver en las calle de todo el mundo, desde las pancartas con consignas hasta las bombas molotov.

Sin duda, Metrópolis es una película asombrosa, pues mezcla un futuro moderno con movimientos sociales del presente e ideales revolucionarios del pasado, y nos plantea una interesante cuestión: ¿es necesario llegar tan lejos en los avances científicos?