Month: marzo 2018

Cloverfield Saga (Podcast)

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En 2008 inició una de las sagas más populares del género de los grandes monstruos en Estados Unidos. Antes de Pacific Rim y las nuevas versiones de Godzilla, hubo un vacío en este tipo de contenidos durante la primera década de este siglo, que afortunadamente vino a ser cubierta por Cloverfield, película que retoma el género del metraje encontrado (Found Footage) y que nos sumerge maravillosamente en el centro de la destrucción gracias a uso de la cámara en mano, donde uno de los personajes es a la vez el camarógrafo, tal como lo hizo la Bruja de Blair a finales de los 90.

Cloverfield, con su misterio y la carencia de una explicación que aclarara el origen del monstruo, ganó una gran cantidad de fieles seguidores que empezaron a expandir el Cloververso. Los fans se encargaron de mantener la imagen de Cloverfield viva durante todos estos años y de convertirla en una película de culto. Ocho años más tarde se estrenó un nuevo filme que al parecer pertenecía al mismo universo, 10 Cloverfield Lane, un excelente Thriller que desafortunadamente no mantiene el hilo argumental de la primera entrega.

Tratando de continuar la saga, este año se estrenó The Cloverfield Paradox, la tercera parte que pretendía dar una explicación de los eventos que vemos en las dos películas anteriores, pero que desafortunadamente no logró convencer a los fans. Así que en el  podcast de hoy hablamos de esta peculiar obra, la genialidad de su primera entrega, los puntos débiles de las subsecuentes películas y de las pequeñas referencias que pretenden unir a los, hasta ahora, tres filmes, pues la cuarta película ya se encuentra en posproducción.

Disponible también desde: Anchor

Al Filo del Mañana

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Título Original: Edge of Tomorrow (Live, Die, Repeat).
Género(s): Ciencia Ficción.
Director: Doug Liman.
Emisión: 2014.
Duración: 113 minutos.
Extras: –

Las películas sobre invasiones extraterrestres siempre van a ser referentes obligados del cine de Ciencia Ficción. Sin embargo, la cantidad de obras sobre este género que han arribado al séptimo arte son innumerables y los clichés son algo que no se puede evitar, desde Payasos Asesinos del Espacio Exterior, hasta insectos interplanetarios que buscan nuestros recursos, prácticamente lo hemos visto de todo, aunque siempre hay nuevas opciones que buscan mostrar algo interesante y atractivo a pesar de no ser novedoso, y Al Filo del Mañana, película basada en la novela All You Need is Kill de Hiroshi Sakurazaka, lo logra perfectamente.

La película no tiene nada que no hayamos visto antes, una invasión extraterrestre y una guerra entre humanos e invasores por defender nuestro planeta, la humanidad al borde de la extinción y un héroe que tiene el poder para salvarnos. La invasión extraterrestre y la guerra me recordaron mucho a Batalla: Los Ángeles. Por otro lado, la manipulación del tiempo y esos bucles infinitos en que un día se repite una y otra vez son bastante viejos; muchos recordarán aquella película que pasaban en Canal 5 (El Día de la Marmota). Si sumamos ambos elementos tenemos un filme que parte de clichés ya muy vistos, pero que logra un desarrollo atractivo y enganchante.

La historia gira en torno al Mayor William Cage (Tom Cruise) un civil que se enlistó en el ejército luego de que la invasión de los extraterrestres comenzó, pero que nunca recibió entrenamiento militar, por lo que está enfocado a cuestiones de publicidad. El sargento es obligado a luchar en el frente de batalla como una estrategia para reclutar personal, pero luego de su primera batalla muere en combate. Sin saber cómo despierta justo el día antes de su muerte con la capacidad de recordar todo lo que pasó.

Luego de repetir el mismo día varias veces se encuentra con la condecorada Rita Vrataski (Emily Blunt), quien al parecer sabe sobre la condición de William y le dice que la busque. Luego de volver a morir, el Mayor busca a Rita y ella le explica qué es lo que le pasa. Al parecer el poder de repetir el mismo día es una habilidad de combate que tienen los invasores y que les ha permitido ganar la guerra, pues si eran derrotados bastaba con repetir el día. Rita lleva a William con un científico que también conoce sobre ese poder y les explica que existe una conexión entre los extraterrestres que les permitirá buscar al Omega, la fuente de ese poder. Si lo destruyen podrán derrotar a los invasores.

Luego de conocer el secreto de aquel misterioso poder, William y Rita se unen para tratar de localizar al Omega y destruirlo, teniendo que repetir el mismo día innumerables veces. Luego de mucho tiempo William adquiere asombrosas habilidades de batalla, pero sus intentos por lograr su objetivo parecen no rendir frutos.

Es importante mencionar que el manejo del tiempo es formidable, pues a pesar de repetir el mismo día una y otra vez en ningún momento se vuelve fastidioso. Las escenas están manejadas de tal manera que evita repeticiones innecesarias, de modo que siempre te mantiene interesado, ya que a pesar de ser el mismo día los pequeños cambios hacen que no sea aburrido. Ver el crecimiento del sargento también es interesante, pues al principio sus fracasos le dan un toque cómico que poco a poco se van tornando más serios.

Otro aspecto que me agradó es que en ningún momento intenta ser más profunda de lo que puede ser, no hay extraños sucesos que sólo se explica después de un intrincando desarrollo de la trama en que se revelan cosas que no habíamos visto antes y que explican por qué ocurrieron ciertos eventos. La historia, a pesar de ser un bucle temporal, es lineal, siempre va hacia adelante y únicamente vemos el desarrollo del personaje principal, quien, a pesar de estar atrapado en el mismo día, va creciendo.

La música es buena, los efectos están muy bien logrados, los motivos de la invasión extraterrestre nunca se explican (lo cual es bueno pues la intención es contar la historia del protagonista) y los actos heroicos propios del cine hollywoodense no son exagerados, aunque me hubiera gustado que el desenlace fuera más dramático. Una excelente recomendación de cine palomero para pasar la tarde con una historia sencilla pero que exige un poquito de nuestra atención, con la cantidad de acción adecuada y sin demasiadas pretensiones. Un ejemplo perfecto de que una historia plagada de estereotipos y lugares comunes también puede ser divertida.

La Última Ola

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Título Original: Bølgen.
Género(s): Ficción Especulativa.
Director: Roar Uthaug.
Emisión: 2015.
Duración: 105 minutos.
Extras: –

No es muy común que tengamos la oportunidad de ver películas del cine europeo en este lado del Atlántico, menos aún filmes venidos de los países nórdicos, más específicamente Noruega. En lo personal sólo hay dos países a los que me interesa viajar realmente, Japón (por obvias razones) y Noruega, para conocerlos los fiordos. Y justamente es de lo que trata está película, del típico desastre natural que amenaza con destruir una ciudad, pero es una ciudad asentada entre los fiordos noruegos, lo que le da puntos extra.

El año pasado estuvieron circulado varias reseñas de esta película en los blog especializado de habla hispana y la mayoría coincidían en que era una buena película que resultaba refrescante en una industria sobresaturada de efectos especiales de pantalla verde y estereotipos patrióticos norteamericanos y es verdad, aunque no me pareció tan genial como muchas de esas reseñas describían.

La historia gira en torno a Kristian Eikjord, un geólogo que vive en la ciudad Geiranger y trabaja en la estación de monitoreo que se encarga de llevar el registro de todos los movimientos que sufre la montaña a fin de prevenir una catástrofe como la que destruyera la ciudad muchos años antes a causa de un tsunami provocado por el desprendimiento de las rocas sobre el mar. Kristian ha recibido una oferta de trabajo y está por mudarse a la capital junto a su familia, pero una serie de sucesos le hacen pensar que la montaña está por colapsar.

Antes de que Kristian y su familia puedan salir de la ciudad ocurre el desastroso evento, la montaña se derrumba dejando caer al mar millones de toneladas de roca, lo que provoca una ola de cien metros de altura. Con el tiempo en su contra los habitantes de Geiranger corren hacia las montañas tratando de escapar de la imparable masa de agua que se dirige hacia ellos. Kristian y su hija Julia escapan hacia las partes altas, pero Idun, su esposa, y Sondre, su hijo, quedan atrapados en un hotel del centro que recibió todo el impacto de frente. Con todas las probabilidades en su contra, Kristian tendrá que buscar la forma de salvar a su familia.

Como es obvio la historia está plagada de clichés, aunque no tan extremos como ocurre con el cine hollywoodense. Desde el principio vemos un documental que explica este tipo de desastres (que son reales pues la historia se basa en el incidente ocurrido en Tafjord en 1934) pero que en lugar de contextualizar al espectador considero que le quitan un poco de misterio. Vemos también el típico drama familiar y un inicio bastante lento que podría desanimar a muchos, pero que es parte de ese estilo europeo tan característico. Hay muertes y actos heroicos pero ninguno logra impactarnos de manera totalmente emotiva.

El aspecto técnico es aceptable, pues logra efectos decentes que lamentablemente se ven opacados por lo oscuro de las escenas. La parte del soundtrack no está mal y los escenarios naturales, aunque no fueron tan explotados como me hubiera gustado, cumplen muy bien. El mayor problema son sus semejanzas con El Pico de Dante (Roger Donaldson, 1997), pues Kristian en el único que cree que la montaña podría derrumbarse en cualquier momento, pero sus colegas lo desestiman y prefieren no alarmar a la ciudad para no afectar al turismo. Fuero de eso me parece una opción recomendable para quien guste ver una película palomera sobre desastres naturales sin los clichés norteamericanos y además desee tener alguna película noruega en su repertorio.

High School of the Dead OVA

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Título Original: Drifters of the Dead.
Género(s): Comedia, Ecchi, Survival-Horror.
Director: Tetsuro Akari.
Estudio: Madhouse.
Emisión: Abril 2011.
Duración: 16 minutos.
Extras: High School of the Dead.

Luego de la popularidad que High School of the Dead logró alcanzar y debido a su final abierto, muchos de los fans de la serie esperaban con ansias una segunda temporada. Lamentablemente, luego de siete años, no se ha confirmado que esto pueda ocurrir. No obstante, en 2011 salió a la luz una pequeña OVA que continúa con las aventuras de los protagonistas luego de aquel final en la serie de televisión, titulada Drifter of the Dead, o como se le tradujo al español Náufragos de los Muertos.

Al inicio hay una excelente recapitulación que nos pone en contexto sobre los eventos que nuestros protagonistas tuvieron que afrontar durante la primera temporada. Y también se explica de manera muy simple cómo llegaron hasta donde están ahora, dando paso de inmediato a la acción. Aunque aquí no hay persecuciones ni luchas contra zombis, lo que vemos es un día tranquilo saturado de fan-service.

La calidad general mantiene los estándares de la serie original, con buenos diseños en escenarios y personajes, una fluida y bien detallada animación y música excelente que va perfectamente con la historia. Lo que sí destaca bastante es el Ecchi. Si bien la serie se caracteriza por contener determinada carga erótica, al menos ésta se matizaba con el argumento del apocalipsis zombi, pero como en esta historia no vemos nada de eso el video se convierte en algo totalmente sexual cargado de oppais y muchísimas alusiones sexuales que elevan al corto al género Súper Ecchi.

La historia cuenta cómo los personajes llegan a una isla desierta donde no hay zombis. Como creen estar seguros deciden relajarse y descansar, Takashi y Kôta van en busca de provisiones mientras las chicas se quedan a tomar en sol en diminutos y muy reveladores bikinis. Al caer la noche encienden una fogata, pero usan hortensias como combustible, lo que les provoca fuertes alucinaciones sexuales. Cuando la mañana llega, los jóvenes se despiertan y descubren que la isla en realidad tiene una conexión subterránea con tierra firme por donde se están colando zombis, por los que deciden huir.

Buscando información en internet, pude notar que muchos fans criticaban este OVA por el exceso de elementos sexuales y la falta de un argumento sólido. A mí en lo personal no me pareció tan malo. Debemos están cocientes que no es parte de la serie formal y puede permitirse ciertas libertades. En como un día libre luego de tanto tiempo huyendo de la muerte. Es algo similar a lo que Ikkitousen hizo con las OVAs de Dragon Destiny y Great Guardians; que nada tienen que ver con la serie formal y donde el ecchi se eleva tanto que casi roza el Soft Hentai.

De cualquier forma creo que es una buena recomendación para los fans acérrimos de la serie, sobre todo porque no está claro si en verdad tendremos algún día una segunda temporada de H.O.T.D. A mí en lo personal me encantaría ver una continuación de la serie, pero mientras eso ocurre tendremos que conformarnos con lo que hay. Si se deciden a verla no olviden que está enfocada a enganchar por el morbo sexual y no por otra cosa.

Pláticas de Ciencia Ficción 8: Postapocalíptico no es igual a Ciencia Ficción

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Hay un tipo de películas y series muy populares en cine y televisión que se basan en la destrucción de la sociedad y el extremo deterioro del medio ambiente, generalmente ocasionadas por algún cataclismo de proporciones globales que llevó a nuestra especie al borde la de destrucción. Las desoladas y muertas tierras, los nómadas del yermo, los salvajes de la carretera y pequeños grupos de sobreviviente que tratar de recuperar algunos recursos de entre la basura son las principales características de las obras postapocalípticas.

Muchas de estas obras postapocalípticas son asociadas e incluso catalogadas como obras de Ciencia Ficción, cuando en realidad no presentan ningún elemento que las haga pertenecer a dicho género. Obras de Ciencia Ficción Postapocalíptica, como Matrix o Terminator, han generado esa errónea idea en muchos de los espectadores, llevándolos a creer que toda obra cuya temática sea el fin de la sociedad pertenecerá a la Ciencia Ficción. La saga de Mad Max o la grandiosa película de The Road (John Hillcoat, 2010) suelen ser clasificadas como Ciencia Ficción sin realmente serlo. En el programa de hoy explico a detalle por qué una obra postapocalíptica no forzosamente pertenecerá a la Ciencia Ficción.

Terraformars

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Título Original: テラフォーマーズ (Tera Fômâzu).
Género(s): Ciencia Ficción, Henshin, Seinen, Gore.
Director: Hiroshi Hamasaki.
Estudio: Liden Films.
Emisión: Septiembre 2014 – Diciembre 2014.
Duración: 13 episodios.
Extras: Terraformars Revenge, Terraformars OVAS.

Basada en el manga homónimo de Yû Sasuga, Terraformars en una formidable serie de acción y gore en el espacio llena de gloriosas peleas, viciosos enemigos y personajes con trasfondos dramáticos. Personalmente cometí el error de ver Terraformars Revenge antes que esta serie, aunque luego de haber visto ambas pude notar que si bien Revenge es la continuación, no parte de forma exacta desde donde se quedó la primera temporada, aunque quizás esto se debe al cambio de director o a una confusión personal por haberlas visto en sentido opuesto.

La serie tiene la misma calidad que Revenge, con escenarios bien detallados, una fluida animación que permite disfrutar de las vistosas batallas y un apartado musical bueno y bastante acorde a la temática. El diseño de las transformaciones yo lo noté un poco distinto al de la segunda temporada, un tanto más simple y con transformaciones menos gloriosas. No obstante, tuve la oportunidad de ver la versión sin censura, cosa que no pasó con Revenge, y puedo decir que si bien es algo gore tampoco es tan exagerada como algunas recomendaciones que vi en internet decían, lo cual está bien pues tampoco es una serie enfocada en lo sangriento. El gore que presenta está allí porque su grado de violencia es un tanto elevado y nada más.

La historia nos cuenta el inicio de la misión Anex I, donde 95 personas son sometidas a una cirugía mediante la cual su ADN fue mezclado con el de algún insecto o animal para poder transformarse y obtener las habilidades de su criatura base. El objetivo de la misión es viajar a Marte y capturar Terraformars, cucarachas súper evolucionadas con forma humanoide y gran poder, para extraer muestras de un extraño y letal virus que está diezmando a la humanidad. Sin embargo, las cucarachas parecen están más preparadas de lo esperado e incluso han modificado sus cuerpos extrayendo la tecnología de la misión BUGS II.

En esta primera temporada vemos el reclutamiento de algunos miembros del equipo, su viaje hacia Marte y el trasfondo personal de muchos de ellos y las circunstancias que los obligaron a ingresar a las filas de la U-NASA y aceptar la peligrosa misión. Además de enfrentar a los Terraformars, los distintos escuadrones empiezan a elucubrar que alguna facción de las que integran la misión ha traicionado al resto. No se ahonda más en ello pero se deja el camino preparado para que en la segunda temporada la lucha contra los traidores se convierta en el argumento principal.

Lo que me gustó es que se le da protagonismo a ciertos personajes que o bien mueren o pierden relevancia para la segunda temporada, en la cual la historia se enfoca en aquellos que no figuraron en esta primera parte. Las personalidades de algunos personajes sufren un poco de cambio entre ambas temporadas y eso me generó algo de confusión, pero probablemente se debe a que las vi en orden incorrecto.

La serie es buena y muy entretenida, tiene un pequeño toque de gore pero que no es excesivo, la acción es constante y el trasfondo algo complejo, pero se va debelando lentamente y es fácil entender de qué va la misión. No obstante, es necesario estar informado sobre los dos arcos que componen la saga, en el primero se narra la historia del BUGS II y puede verse en las OVAs, el segundo arco está compuesto por la serie Terraformars y su continuación Terraformars Revenge. También existen un manga one-shot donde se aborda la historia del BUGS I. Así que no comentan mi error y vean la serie en el siguiente orden: OVAS, Terraformars, Terraformar Revenge.

Harmonie

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Título Original: アルモニ (Arumoni).
Género(s): Drama, Romance.
Director: Yasuhiro Yoshiura.
Estudio: Ultra Super Pictures.
Emisión: 2014.
Duración: 25 minutos.
Extras: –

En 2010 surgió el proyecto Young Animator Training Project, en el que cuatro estudios son financiados por el Ministerio de Cultura Japonés para producir un cortometraje en el que deberán trabajar animadores novatos a manera de práctica. En su origen llevó el nombre de Project A, de 2012 a 2015 cambió su nombre a Mirai Project y desde 2016 lleva el nombre de Anime Tamago. En este tipo de proyectos es donde surgen esas pequeñas joyas que vale la pena destacar. En 2014 se produjo el cortometraje Harmonie dirigido por Yasuhiro Yoshiura, uno de mis tres directores favoritos.

De este proyecto han surgido obras muy populares como Little Witch Academia, lo que demuestra el potencial que tiene para generar buen anime. La calidad del filme es buena aunque un poco por debajo del nivel que Yasuhiro ya ha mostrado en otras de sus obras como Patema Inverted. Lo que si destaca es que su diseño de personajes ya representa un tono más serio y maduro, pero manteniendo el típico e inconfundible estilo minimalista.

La historia gira en torno a Akio Honjô, un chico algo tímido y fanático del manga. Junto a sus dos mejores amigos pasa su tiempo libre hablando de la serie de moda mientras observa desde lejos a Juri Makina, una chica popular y amor platónico de Akio. Una mañana las amigas de Juri le hacen una broma y cambian el tono de su celular, cuando este suena la tonada le trae viejos y difíciles recuerdos a Juri.

Usando su habilidad para tocar melodías con tan sólo escucharlas una vez, Akio empieza a tocar la misma canción del celular de Juri, quien lo escucha y se acerca a hablarle. Akio se muestra interesado en aquella canción y Juri le presta su reproductor para que la escuche completa, pues al parecer fue ella quien la compuso. Esa misma noche Akio se duerme escuchando la canción y empieza a tener un extraño sueño sobre un chico, una muñeca robot y una torre abandonada. Mismo sueño que ha tenido Juri desde niña. Al enterarse de que Akio tuvo el mismo sueño que ella se empieza a interesar por él.

Si bien es obvio que los personajes están completamente estereotipados también hay que aceptar que funcionan de buena manera y logran contar la parte de la historia que les corresponde, la cual da un giro interesante y se aparata del cliché que las personalidades habían definido en un inicio. Akio y sus amigos son los típicos frikis a los que les cuesta hablar con las chicas que les gustan, y Juri es la chica popular que trata de ocultar su pasado cuando todos creían que era rara.

Fuera de los estereotipos del melodrama escolar, lo que en verdad vale la pena es ese mundo con el que los protagonistas sueñan, el cual está tan bien detallado, pero carente de explicaciones, salvo las que genere el propio espectador, que bien podrá tener el potencia para desplantar la historia de una película completa. Los escenarios, la música y los elementos fantásticos con los que sueñan son sencillamente hermosos. El hecho de que lo único que sepamos del sueño sea lo que nosotros podamos inferir lo hacen misterioso y te dejan con ganas de más.

Al final Juri se empieza a fijar en Akio porque al haber tenido el mismo sueño la chica siente que ambos son iguales, que él puede comprenderla porque ha visto y escuchado el mismo mundo en sus sueños y no la tratara de rara o loca como lo hicieron muchas otras personas en el pasado. El tema central del corto es retratar el hecho de que cada cabeza es un mundo, pero de entre todas las personas que habitan el planeta seguramente encontraremos a una cuyo mundo sea similar al nuestro.

La temática del romance quizás no es tan directa y se diluye con los elementos fantásticos que pueblan el corto, pero sin duda está allí. Me parece que es un interesante experimento que saca a Yasuhiro un poco de su zona de confort caracterizada por intrincadas obras experimentales, pero que sigue manteniendo su inigualable estilo con ese onírico mundo de sueños. Sin olvidas las referencias a sus propias obras como el poster de Patema Inverted que Akio tiene en su cuarto.