Mad Max

Mad Max 1

Título Original: Mad Max.
Género(s): Carsploitation.
Director: George Miller.
Emisión: 1979.
Duración: 93 minutos.
Extras:

Conocida como la precursora de un estilo que sería repetido hasta el hartazgo y que definiría la estética Cyberpunk tradicional, Mad Max es una de las primeras obras de ficción que nos presenta un mundo violento y anárquico, con hombres salvajes ataviados con cuero y un deseo innato de destrucción. El famoso estilo madmaxiano, ese que conjunta ciudades decadentes y una ideología anarco-punk nació en 1979 con esta película.

Si bien Mad Max no es la cúspide de ese estilo desgarbado que actualmente es una norma casi obligada en películas cyberpunk, de hecho es bastante light si la comparamos con producciones posteriores, su merito radica en ser la primera obra cinematográfica en conjuntar todos esos elementos postapocalípticos que otras obras han retomado desde entonces. Las pandillas de motociclistas las podemos ver nuevamente en Akira, el cuero, la violencia sin sentido y las ciudades semiderruidas han aparecido de obras como Cyborg (Albert Pyun, 1989), Demolition Man (Marco Brambilla, 1993), Judge Dredd (Danny Cannon, 1995), Doomsday (Neil Marshall, 2008) y Dredd (Pete Travis, 2012), mientras que esa genial escena de Saw (James Wan, 2004) donde las victimas de Jigsaw se deben amputar el pie con una segueta es una referencia a la última escena de este filme.

Mad Max 4

La historia toma lugar en un futuro no tan lejano y gira en torno a Max Rockansky, un oficial de policía encargado de vigilar las carreteras y proteger a la ciudadanía de las peligrosas pandillas de motociclistas que asolan en lugar. El jinete de la noche, uno de los pandilleros más peligrosos, es perseguido por los oficiales de policía, pero ninguno logra atraparlo, no es sino hasta que Max lo embiste y el fugitivo se estrella contra un camión que logran detenerlo. Cuando los compañeros del jinete se enteran deciden tomar venganza y empiezan a recorrer las calles causando destrozos.

La primera víctima de los motociclistas es Goose, un oficial de policía amigo de Max. Goose es calcinado por los salvajes pandilleros y eso afecta gravemente a Max, quien es obligado a tomar vacaciones para relajarse, el problema es que durante su viaje se encuentra con los viciosos criminales y su esposa e hijo terminan siendo víctimas de ellos. Max entra en un estado de furia y decide vengar a su familia a cualquier costa. A partir de ese momento nuestro protagonista asedia a los motociclistas sin descanso hasta que acaba con todos ellos uno a uno.

Mad Max 3

Es curioso que una película que no es ni Ciencia Ficción ni Distopía ni siquiera es postapocalíptica (sólo tiene la apariencia de serlo) haya influenciado tanto a películas posteriores de esos géneros. Mad Max es un Carsploitation futurista, ni más ni menos, pero esa estética decadente bien podría situarnos en un futuro postapocalíptico donde una humanidad agonizante lucha entre ella por lo pocos recursos que sobran, como en The Book of Eli (Albert y Allen Hugues, 2010) o The Road (John Hillcoat, 2009). Los violentos pandilleros de Mad Max ya han sido superados por otros pandilleros violentos y motorizados que además son caníbales, el cuero y las calles sucias ya fueron mejorados en un sin fin de obras más recientes; pero para aquellos años ese estilo neo-punk fue algo realmente novedoso.

Algo que también debemos destacar es la increíble calidad de los efectos, que incluso para los estándares de hoy en día siguen siendo buenos. Las escenas a gran velocidad, los coches destrozados y las explosiones mantienen un nivel por demás aceptable, e incluso lucen mejor que todas esas nuevas producciones plagadas de GCI. Y si bien el filme ya fue rebasado en todos los aspectos, le ocurre un fenómeno similar al de las teorías científicas, ya que sin importar lo rebasadas, mejoradas o superadas que estén siempre serán la base inicial de las futuras investigaciones y ese es el legado que Mad Max dejó en el cine, pues sin importar que tan moderno sea un filme, si retoma esa estética será considerado madmaxiano.

Mad Max 2

El Viaje de Chihiro

El viaje de Chihiro 1
Título Original: 千と千尋の神隠し (Sen to Chihiro no kamikakushi).
Género(s): Sobrenatural, Fantasía, Romance, Drama.
Director: Hayao Miyazaki.
Estudio: Studio Ghibli.
Emisión: 2001.
Duración: 125 minutos.
Extras:

El Viaje de Chihiro es quizás la mejor obra animada de Ghibli y es obviamente la más famosa a nivel internacional, tanto que en 2002 le valió ganarse el Oscar a la mejor película de Animación. Pero hablar de Chihiro resulta muy difícil, si no es que imposible, si no se es japonés o al menos lleva uno viviendo un largo tiempo en ese país como para tener conciencia de sus tradiciones y folclor.

La Séptima película de Miyazaki es una oda a la cultura japonés, una perfecta metáfora de la ideología sintoísta, un rito de paso entre la infancia y la adultez, una crítica al exterminio de la naturaleza en pro de la urbanidad, un reflejo de la jerarquizada sociedad nipona y un grito feminista que reivindica el papel de la mujer en la sociedad actual, es un viaje de sentimientos, es todo eso y mucho más.

El viaje de Chihiro 4

La calidad técnica es sencillamente impresionante, los escenarios son un deleite visual desde la primera escena. El diseño de personajes se excelso, pues evita caer en los chiches de buenos y malos y simplemente muestra a un grupo de personas que es como necesita ser para sobrevivir el día a día. Algunos personajes pueden parecer codiciosos, huraños e incluso atemorizantes, pero esa forma de ser no es más que el reflejo de la situación en la que viven. Finalmente, la música es deliciosa, se funde a la perfección con el resto de elementos y nos permite adentrarnos con facilidad en el genial mundo de los baños termales.

La historia gira en torno a Chihiro, quien viaja junto a sus padres hacia la que será su nueva casa. Sin embargo, en el trayecto su padre decide tomar un camino que los lleva hasta un parque abandonado. Pese a las insistencias de la pequeña, sus padres deciden entrar para recorrer el lugar y encuentran un puesto con deliciosa comida que ingieren hasta convertirse en cerdos. Ante tal espectáculo, Chihiro queda desconcertada, pero es advertida por un extraño joven de que debe salir de allí antes de que sea muy tarde. Para desgracia de Chihiro la noche había caído ya y el abandonado lugar se transforma en unos gigantes baños públicos al que empiezan a llegar extrañas criaturas.

El viaje de Chihiro 6

Haku, el joven que anteriormente advirtió a Chihiro, conduce a la pequeña por el lugar y le dice que busque a Kamaji y le pida trabajo, pues con un empleo Yubaba, la bruja dueña del aquel misterioso lugar, no podrá convertirla en cerdo como hizo con sus padres. Chihiro empieza entonces una travesía por aquellos baños termales donde los dioses de todo Japón se toman un descanso de sus actividades. Luego de muchas peripecias la pequeña consigue que Yubaba le de trabajo y firma un contrato, pero la bruja le quita su nombre para así poder tenerla bajo su control. Chihiro, quien ahora recibe el nombre de Sen, deberá esforzarse para mantener su empleo mientras busca la forma de regresar a sus padres a la normalidad.

La temática de los baños y los dioses es la viva esencia de ese folclor japonés tan exótico para occidente, mientras que las situaciones que acontecen con los diferentes dioses son una crítica al deterioro ambiental. Por ejemplo, el dios del rio llega extremadamente sucio a los baños a causa de todas las porquerías que los humanos vierten en sus aguas, mientras que Haku no es más que la representación antropomorfa de un rio desaparecido por la imparable voracidad humana que ya ha acabado con muchos ecosistemas. Esa voracidad y codicia está reflejada también en los trabajadores del baño y el Kaonashi (sin cara) que engulle a quienes se dejan seducir por el falso oro que les promete.

El viaje de Chihiro 2

Otro aspecto importante ya un poco fuera del folclor, los dioses y la ecología es el aspecto social. El baño tiene una férrea estratificación social y cada trabajador cumple un papel esencial, aunque los más pesados y degradantes suelen estar reservados para las mujeres, cosa que es un tanto paradójica si tomamos en cuenta que de hecho es una femenina quien tiene el control de todo. Lo anterior nos deja a las claras dos cosas, que el papel y el estatus de las mujeres ha cambiado, pero que no todas tienen  la oportunidad de ser las grandes damas y patronas, la mayoría siguen atadas a los mandatos de una sociedad patriarcal.

La película es crítica, dura, nostálgica y un poco dramática por momentos, es muy emotiva y al mismo tiempo extremadamente divertida y romántica, te invita a reflexionar sobre las responsabilidades de crecer y de tener empleo, te muestra lo codicioso que puede ser el mundo de los adultos y lo pesado que debe ser para un niño desenvolverse en él, pero también te hacer reír, soñar y fantasear con un mundo fantástico donde la magia impregna todo a su paso y los espíritus y deidades caminan a tu alrededor.

El viaje de Chihiro 5

Para profundizar más sobre el trasfondo sociocultural de Chihiro les recomiendo esta entrada de Kirai, mi bloguero favorito.

Better Call Saul

Better Call Saul (1)

Título Original: Better Call Saul.
Género(s): Drama.
Creador: Vince Gilligan y Peter Gould.
Producción: Sony Pictures, Netflix.
Emisión: 2015.
Duración: on-going.
Extras: Breaking Bad.

Hay series tan monumentales que dentro de su infinito repertorio de historias, eventos, lugares y personajes, algunos sobresalen tanto que incluso llegan a opacar a los protagonistas o, al menos, seducen al espectador para querer conocer más al respecto, nacen así los spin-off, series derivadas de una serie original. Y sí, sé que la serie aún no termina de emitirse pero no podía esperar para hablar de ella.

Better Call Saul, nombre del más reciente lanzamiento de Netflix y frase del icónico abogado que defendiera los intereses de Walter White (Heisenberg) en Breaking Bad, retoma la historia del abogado antes de sumergirse en el mundo del crimen y la mafia, antes de ser el afamado defensor de los delincuentes y antes de ser Saul Goodman. A manera de precuela, Mejor llama a Saúl nos pone en contexto sobre todo lo que ocurría en Nuevo México con respecto al tráfico de drogas, antes de que Heisenberg y Jesse se apoderarán del mercado con su metanfetamina azul, cuando Tuco era el rey del estado y la mafia mexicana dominaba la frontera sur.

Better Call Saul (6)

La serie gira en torno a Jimmy McGill, un abogado que trabaja como defensor de oficio para la cortede Albuquerque, quien pese a ser el hermano menor del afamado Chuck McGill, miembro fundador de la firma de abogados más prestigiosa de la zona, no ha logrado tener el éxito que esperaba. La crisis financiera, la cada vez más delicada salud mental de su hermano y sus constantes conflictos laborales le llevan a buscar una salida que no significara otra cosa que su entrada en el mundo de la delincuencia.

Breaking Bad es sin lugar a dudas una de las mejores series en lo que va del siglo, y Better Call Saul no se queda atrás, pues apela al mismo formato y usa una fórmula similar para engancharte desde el primer episodio. La violencia de los narcos, la constante influencia hispana, las geniales actuaciones y la increíble producción han logrado consolidar a la serie en un puesto muy alto a tan sólo unas semanas de que iniciara su emisión, tanto en el mercado estadounidense como en el latinoamericano.

Better Call Saul (4)

Si bien la fama de Breaking Bad fue un impulso brutal para esta naciente serie, lo cierto es que eso no le resta méritos a la fabulosa calidad con que está hecha. Además, el hecho de que Netflix ya no sólo sea un medio para difundir contenido sino que también se consolide como una plataforma de lanzamiento es una prueba de que la forma de consumir televisión está cambiando muy drásticamente, y eso lo veremos de forma fehaciente cuando la generación de jóvenes que hoy consumen más internet que televisión se convierta en adultos.

Kings of Sidonia o la inigualable House of Cards son ejemplos de que la televisión inteligente, la que está hecha con mucha calidad y nos ofrece historias nuevas y apasionantes puede funcionar perfectamente aún si se estrena y distribuye por internet. Las recientes series estrenadas por Netflix no le piden nada a las titánicas producciones que sólo pueden verse por HBO, como Juego de Tronos. Las empresas de streaming ya han logrado demostrar que la buena televisión no tiene por qué ser tan cara.

Better Call Saul (8)

Hermelinda Linda

Hermelinda Linda 1

Título Original: Hermelinda Linda.
Género(s): Fantasía, sobrenatural.
Director: Julio Aldama.
Emisión: 1984.
Duración: 93 minutos.
Extras: Hermelinda Linda 2.

Entre los personajes de ficción mexicanos existen algunos que han alcanzado fama internacional, el Chapulín Colorado o El Santo son quizás los superhéroes mexicanos de mayor fama, pero existe una fémina que representa todo lo que una mujer mexicana es, y que es más luchona que el enmascarado de plata y el noble héroe de Chespirito juntos, se trata de Hermelinda Linda, quien surgió originalmente en una historieta de sátira y crítica política publicada entre 1970 y 1980 llamada Brujerías.

Este filme es un reflejo fiel del México de los 70 y 80 y de la chambeadora pero eternamente amolada clase obrera, esa que vive en vecindades, que hace una fiesta para toda la cuadra a pesar de que no le alcanza para pagar la luz, la que siempre queda a deber lo fiado, la que le mienta la madre a los políticos corruptos pero agacha la cabeza cuando es momento de hacer algo, la que sostiene al país con el sudor de su frente.

Hermelinda Linda 6

Hermelinda Linda, interpretada magistralmente por Evita Muñoz “Chachita”, es la bruja mexicana por excelencia, la que lucha contra las injusticias de los políticos corruptos y pone en evidencia lo amolada que está la raza de bronce. Desde su humilde casa en los basureros más marginado de la sufrida y devaluada Bondojia, capital del estado del mismo nombre, hace hechizos y revulcanizaciones para que la gente popis rejuvenezca, al mismo tiempo que intenta evitar que sus coterráneos sean desalojados por Bríjido Pachochas, un político sin escrúpulos como muchos de lo que abundan en éste país.

Qué es para las brujas un panteón sino un supermuertuario donde puede encontrar todos los enceres para sus hechizos. Hermelinda es famosa entre la gente adinerada, a quien a cambio de algunos devaluados billetes puede rejuvenecer en un par de minutos. Sin embargo, la brujería no es sólo el oficio con el que se gana la vida, sino el arma con la cual defiende a sus vecinos de los atropellos de la autoridad. Extracto de mujer maravilla, suspiros de miss universo y un poco de zorrillo checoslovaco molido son la formula exacta para que Hermelinda se trasforme en una sexy veinteañera con el fin de seducir a Pachochas y evitar que desalojen a los pepenadores del único lugar, que por muy jodido que esté, pueden llamar su hogar.

Hermelinda Linda 4

Hermelinda es una heroína como pocas, del pueblo y para el pueblo, una bruja de las de aquellas, de las que ya no hay. De esas heroínas necesita México con urgencia y afortunadamente de esas heroínas tiene México como cabeza de hogar en muchas familias de clase media-baja y baja. Entre basura, ratas, limosneros y viene-viene, los bondojianos han aprendido a sobrevivir en un mundo que se moderniza con rapidez y donde la gente de escasos recursos no es más que un estorbo para los funcionarios que supuestamente los representan.

La cinta tiene un dejo de película de ficheras y una tropicalización muy a la mexicana de las brujas y el terror, con esos aparatos llenos de manivelas, foquitos parpadeantes, humo y el sonido de un curioso bii buu biip. Tampoco puede faltar el típico Godínez que siempre trata de quedar bien con un “Licenciado” sin título y una estética arquitectónica a base de vecindades donde los ladrillos expuestos a causa de un aplanado que no ha sido resanado en años nos remite a esas viscerales obras de ciencia ficción distópica; por eso digo que la Ciudad de México es una ciudad Cyberpunk. Los elementos de ficción pueden ser burdos, pero hasta cierto punto resultan coherentes y lógicos, aunque no dejan de verse chafas y campechanísimos.

Hermelinda Linda 3

La construcción familiar también es muy característica del México Real, ese que hace de un mismo cuarto un consultorio brujeril, una cocina, una sala, una habitación y el lugar para el pequeño aquelarre de una congregación de brujas. El hogar de Hermelinda es un lugar habitado por tres generaciones de brujas, que sin ayuda de ningún hombre, como buenas brujas y mujeres luchonas de la Bondojia, han salido adelante ante el pesimismo que se respira en la ciudad.

Si comparamos la situación del país en aquellos años en los que gobernaba el PRI, veremos que los problemas del mexicano amolado siguen siendo los mismos, con malabares para estirar el gasto y salir la quincena, con políticos que sólo ven para su beneficio sindicalizando gente incondicional y prestándose acarreados, con zonas marginadas y gente jodida a la que el supuesto progreso no hace más que fregar y a quienes nunca hizo justicia la revolución. México es el mismo de siempre, con más violencia, pero con los mismos pesares que las clases bajas tienen que sufrir diariamente. Sin duda un ícono popular que destaca por hacer crítica en una época en la que era muy difícil hacer crítica.

Catolicadas

Catolicadas 2

Creador: Católicas por el Derecho a Decidir
Sitio Oficial: Católicas por el derecho a decidir
Otros Sitios: Católicas México

ACLARACIONES

En primer lugar hagamos algunas aclaraciones. No profeso religión alguna ni creo en Dios ni en cualquier cosa relacionada con lo religioso, místico ni sobrenatural; no estoy a favor de las religiones pero tampoco en contra; no me considero ni ateo ni agnóstico. Este ensayo no refleja una postura de apoyo a los profesantes de la religión Católica, ni busca difundir la labor de las Católicas por el Derecho a Decidir, lo que pretende es mostrar cómo a partir de una animación un determinado sector religioso ha expuesto los males que aquejan a su comunidad y que muchos dirigente de la Iglesia se niegan a aceptar.

No realizaré juicios de valor sobre la labor de las Católicas por el Derecho a Decidir, cada uno de ustedes tendrá su opinión sobre el trabajo que ésta organización está realizando, puede que lo consideren correcto y necesario, o por el contrario, puede que crean que son un montón de pseudocatólicos que atentan contra la doctrina de su Iglesia. Tampoco voy a juzgar a la Iglesia Católica por todas las atrocidades que ha cometido desde su creación, nos centraremos únicamente en los delitos y violaciones expuestos en los cortometrajes, ni más ni menos. Finalmente, no abordaré la historia de la Iglesia Católica ni seré excesivamente puntual con los términos y conceptos religiosos, al no haber sido educado dentro de alguna religión los desconozco.

Ustedes son libres de defender su fe y su Iglesia, pero respeten a quienes no estén de su parte o hayan sido afectados por algún padre pederasta. Recuerden una simple cosas: no estoy atacando aquello en lo que creen, sino al sistema que controla aquello en lo que creen.

Catolicadas 5

LAS CATOLICADAS

Catolicadas nos narra las peripecias de Sor Juana por intentar cambiar la forma en que el Padre Beto conduce la Iglesia, haciéndole ver que debe tener una mente más abierta y no debe aferrarse al caduco dogma que ha regido a la Iglesia desde sus orígenes.

A lo lago de los episodios veremos cómo Sor Juana logra ir cambiando la mentalidad del Padre Beto, así como brindar apoyo y comprensión a los párrocos que buscan su consejo. Sor Juana nos muestra que la Iglesia debe ser un lugar de apoyo y comprensión, sin discriminar a nadie simplemente por no apegarse al estricto canon religioso. La intensión de la pequeña Hermana es que la gente se dé cuenta de que la Iglesia puede cambiar para bien, sin que ello implique deshacerse de sus costumbres ni creencias.

Catolicadas 10

INÉS DE ASBAJE Y RAMÍREZ DE SANTILLANA

Para quienes no lo sepan, el nombre real de la afamada Sor Juana Inés de la Cruz es precisamente Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santillana, mujer ilustre del siglo XVII en la antigua Nueva España, personaje al que hace referencia la serie Catolicadas y en el que está obviamente basado su personaje principal.

Pues bien, en mi opinión no pudieron hacer una mejor elección para un personaje que carga con todo el peso de la serie y la crítica misma, en otras palabras, Sor Juana es el estandarte de denuncia contra los males de la Iglesia y al mismo tiempo representa un escudo de intelectualidad y erudición imposible de penetrar por fanático religioso alguno.

Sor Juana sirvió a la Orden de San Jerónimo, pero no lo hizo porque fuese una ferviente creyente, sino porque en ese entonces las mujeres o ingresaban al convento o se casaba, no había otras opciones (salvo ser prostituta). Sor Juana decidió enclaustrarse pues era la única opción para estudiar y dedicarse a una actividad intelectual. Y hay que admitirlo, Sor Juana era una verdadera genio y lo podemos apreciar en sus poemas, los cuales hacen fuertes críticas a la Iglesia y al gobierno de los Virreyes, incluso hay quienes la consideran una feminista, pero no pienso adentrarme en esos asuntos.

De cualquier forma, el personaje de Sor Juana está llevado de una manera tan brillante que no hay forma lógica de rebatirle sus comentarios, y para una Iglesia donde la intransigencia es una actitud muy común, la inteligencia y la información son las mejores armas en su contra.

Catolicadas 4

LOS TEMAS DE DENUNCIA

Muchos han acusado a la serie de sobrexplotar los estereotipos de la Iglesia, pero un estereotipo se origina por la frecuente recurrencia de lo que expone, es decir, si el estereotipo del Padre Beto es el de un cura anticuado, homófobo e intransigente es porque a lo largo de estos años muchos curas (no todos) han sido así y por esa razón se formó el estereotipo.

Los temas de denuncia podrían parecer repetitivos y recurrentes, pero son algunos de los principales males que han afectado directamente a los feligreses, y ya ni siquiera hablamos de los trapos sucios de Iglesia Católica (o ustedes creen que los papas que han venido a México lo hacen por amor a sus fieles, no, ellos viene a vigilar sus negocios. Recordemos que México es de los países que más aportan dinero al Vaticano).

Entrando de lleno en los temas de denuncia nos encontramos con aquellos que todos sabemos de sobra: La penalización de aborto, el estricto dogma de que la familia nuclear es la única aceptada por Dios, la intolerancia ante la diversidad sexual, la estructura patriarcal de la Iglesia, el machismo, la falta de educación sexual, las denuncias de pederastia, entre muchos otros.

Pese a todos estos problemas la pequeña Sor Juana intenta darnos alternativas que eviten los malos tratos sin que con ello se renuncie a la fe. Nos dice que la Iglesia no debe excluir a las mujeres de participar en labores o cargos religiosos; que las relaciones sexuales no son sólo para la reproducción, sino para disfrutar de ellas y demostrar amor; que una mujer tiene el derecho de decidir sobre su cuerpo y no debe ser castigada por abortar; que la diversidad sexual no es algo malo y que tenemos el derecho de denunciar a los padres que abusen sexualmente de cualquier persona.

Todo esto puede parecer muy obvio, pero el punto importante es que todo aquello que Sor Juan defiende lo sustenta en documentos religiosos en donde la propia Iglesia ha plasmado su postura frente a determinados temas. El problema es que parece recurrir siempre a los mismos, lo cual puede hacernos pensar que son los únicos que defienden la libertad de elección, dejando en el resto de documentos la posibilidad de que las autoridades eclesiásticas abusen de su poder. Incluso parece como un abogado tratando de defender a su cliente con base en un sólo párrafo de una única fracción de un mismo artículo, con el resto de la ley en su contra. De cualquier forma no podemos quitarle mérito a la serie y debemos aplaudir el esfuerzo que realiza.

Catolicadas 3

… EL POST HA TERMINADO

Para cerrar este post no me queda más que decirles que sean o no creyente deben darle una oportunidad a la serie, pues entre sus muchas virtudes y genialidades está el hecho de que no trata de meternos la religión a la fuerza ni de lavarnos el cerebro, ni siquiera busca convencernos de ser católicos, no está entre sus objetivos, únicamente busca denunciar los males de la Iglesia desde dentro de la misma Iglesia, pues básicamente los males que denuncia sólo afectan a los profesantes católicos y no al resto de nosotros; cuando mucho lo que la organización intenta con estos videos es no perder más creyentes.

Como podemos ver, el uso de la animación ha facilitado tocar temas “espinosos” que mediante cualquier otro medio serían muy difíciles de abordar, lamentablemente la serie ha tenido que enfrentar críticas de los sectores católicos más conservadores del país. Tampoco está de más recordarles que ser mexicano no significa ser católico y la Iglesia existe únicamente para satisfacer las necesidades espirituales de sus feligreses, no para juzgarlos.

Catolicadas 9

Dredd

Dredd 1

Título Original: Dredd.
Género(s): Ciencia Ficción/Cyberpunk.
Director: Pete Travis.
Emisión: 2012.
Duración: 95 minutos.
Extras:

La más reciente película de Dredd, historia nacida en el comic británico 2000 AD, llegó a nosotros el pasado 2012. Esta nueva adaptación no tiene nada que ver con el filme de 1995 estelarizado por Sylvester Stallone, sino que retoma al personaje del cómic y lo lleva a la pantalla de una manera más apegada a la obra original.

Dredd es un poco contradictorio porque si bien no tuvo un gran éxito en taquilla, más bien fue un fracaso, al menos en Estados unidos, es una excelente película dentro del género y a muchos espectadores les pareció mejor que el filme de 1995, tan sólo por apegarse al concepto original que significa el juez Dredd. Pero además, la historia tiene muchos otros elementos que la hacen buena, lamentablemente no tuvo el impacto que otras películas han tenido siendo incluso de menor calidad.

Dredd 2

La historia toma lugar en un mundo postapocalíptico contaminado con radiación, donde la tierra es un gigantesco desierto sin vida y las personas tienen que vivir en mega ciudades. Mega-Ciudad Uno es una enorme urbe que se extiende por la costa este de Estados Unidos, es una ciudad sobrepoblada, hacinada, con pocos recursos y extrema violencia. En sus calles domina la anarquía, el crimen y la pobreza y sólo los jueces se atreven a enfrentar a los violentos criminales que dominan el bajomundo de los mega-bloques, titánicos edificios de hormigos que se levantan por encima de los mil metros y en los que habita gente pobre que ha encontrado un hogar entre los maltrechos pasillos que conforman los 200 pisos habitacionales.

Peach Trees, el más violento de los mega-bloques del Distrito 13, es el cuartel desde donde Ma-Ma, una ex prostituta que ahora lidera a la mafia local, produce una droga conocida como Slo-Mo que hace que percibamos como si el tiempo pasara al 1% de su velocidad real. Ma-Ma y sus rufianes controlan todo el bloque con puño firme y violencia excesiva, pero lo que nos esperaban era tener que enfrentarse a Dredd, el más rudo de todos los jueces de Mega-Ciudad Uno.

Dredd 17

Dredd llega a Peach Trees para investigar una serie de asesinatos acompañado de la novata Cassandra Anderson, una joven con poderes psíquicos desarrollados por una mutación causada por la exposición a la radiación. Anderson y Dredd pronto descubren que los asesinatos son obra de Ma-Ma y sus hombres, y que hay algo más peligroso que una venganza entre mafias detrás de dichos crímenes. Los jueces apresan a un criminal y se proponen interrogarlo para saber lo que pasa, pero antes de que tengan oportunidad de hacer algo Ma-Ma toma el control de todo el edificio y los deja encerrados, a merced de los cientos de hombres que trabajan para ella. A partir de ese momento la película se convierte en una persecución en la que Ma-Ma intentará capturar a los jueces mientras ellos pelean por su vida.

La película es sencillamente perfecta a nivel visual. Sus escenarios retoman la esencia del Cyberpunk clásico, sin tanta tecnología, sólo hormigón, oscuridad, suciedad y muros desgastados y derruidos. La parafernalia es muy buena, los trajes de los jueces tiene esa esencia de rudeza y violencia pulp un tanto futurista pero al mismo tiempo decadente, el cyberware es mínimo pero logra ubicarnos en un futuro lejano e hipertecnológico, las armas causan un daño brutal y nos regalan vistosos baños de sangre, y la droga nos remite a esa naturaleza anárquica y distópica que todo buen Cyberpunk debe tener.

Judge Dredd Still Image

Las escenas de acción son las mejores que he visto en mucho tiempo, pues con el pretexto de mostrar los efectos que causa el Slo-mo, nos regalan vistosas peleas en slow motion que nos permiten disfrutan de la sorprendente calidad de detalle que generan sus gráficos por computadora. En ocasiones todo luce en extremo artificial, sí, pero incluso aunque estemos viendo algo animado, esa artificialidad virtual no desentona con el futuro decadente en que se desarrolla la obra.

Algo que debemos estacar mucho es el trasfondo argumental. Al principio una breve introducción de Dredd nos pone en contexto, posteriormente se van haciendo referencias a las zonas marginadas de la ciudad y a quienes están expuestos a la radiación por vivir cerca del muro que delimita la urbe. La lluvia radioactiva que mata personas, el tipo de crímenes y las condenas, el distrito del placer, el uso de créditos en lugar de dinero, los aísla-cubos donde encierran a los criminales y el reciclaje de cuerpo para obtener comida de los muertos (como ocurre en Soylent Green o Matrix) son cosas que no se muestran, sólo se mencionan en breves diálogos pero hacen que la ciudad se torne aún más violenta y apocalíptica.

Dredd 12

El filme maneja un lenguaje de hiperviolencia muy exquisito. Las peleas tiene mucha sangre y las armas destrozan todo a su paso, dejando los cuerpo completamente despedazados. Esa violencia innata del Cyberpunk que vimos en obras como Akira aquí es aderezada con las detalladas escenas de acción en cámara lenta. Pero no sólo la violencia per se vale la pena, también la violencia intrínseca de la sociedad que hace de la mega urbe un lugar hostil pero al mismo tiempo el único lugar que puede ser habitado. Y esa violencia alude al narcotráfico y a la forma en que éste ejerce su poder sobre la población, otros grupos criminales y las propias autoridades, basta con observa la escena donde Dredd encuentra el laboratorio de Slo-mo donde decenas de mujeres trabajan fabricando la droga en una especie de maquila.

Otro elemento muy Cyberpunk que no puedo dejar de mencionar es el control opresivo que el sistema tiene sobre la población y al que se alude en aquella formidable escena en la que todo el edificio es sellado por completo, dejando el interior completamente a oscuras; la arquitectura funciona aquí como una metáfora del poder y la opresión. El hacinamiento, el neón, la basura, la suciedad y el concreto dan al mega-bloque esa arquitectura neobrutalista que hace mucho tiempo no veían en la pantalla grande. El uso de un edificio cerrado como único escenario es algo que también debemos aplaudir, pues hurgar entre los pasillo flanqueados por casas cubiertas con protecciones de metal en puertas y ventanas me hace pensar irremediablemente en la mayoría de las colonias de la periferia de la Ciudad de México, que son tan violentas como cualquier obra de ciencia ficción distópica.

Judge Dredd Still Image

La corrupción es otro tema muy característico de Dredd, y no sólo en las películas, sino en la historia original. Los jueces son el único faro de moralidad de la ciudad, pero incluso ellos son capaces de venderse al mejor postor, sin importar que sea al peor criminal de todos. En una sociedad Cyberpunk como ésta todos los niveles de la sociedad y de las instituciones están podridos y eso le otorga esa ideología de decadencia y deshumanización que requiere el género.

Para finalizar hablemos de las actuaciones. Me parece que todos los personajes están bien diseñados y perfectamente interpretados. Karl Urban como Dredd no hace que extrañemos a Stallone y le da al personaje esa personalidad de antihéroe que necesita, aunque el hecho de que siempre derrote a sus enemigos, sin importar que se enfrente a cientos, es un cliché inevitable. Olivia Thirlby como Anderson también hace un buen trabajo, y si bien es la cara bonita, no se convierte en un pedazo de carne para el público masculino, además, su habilidad psíquica les permite salir abantes ante situaciones de las que no tendrían salida a menos que se forzara el desenlace con un deus ex machina. En términos generales me parece que la película está muy bien pensada en todos los aspectos. Recomendación obligada para el amante del Cyberpunk.

Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo

Rebuild of Eva 3.0 1

Título Original: ヱヴァンゲリヲン新劇場版: Q (Wevangelion Shin Gekijô-ban: Kyû).
Género(s): Mecha, Ciencia Ficción/Biopunk, A. Progresivo, Drama, Psicológico.
Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki.
Estudio: Khara, Gainax.
Emisión: 2012.
Duración: 106 minutos.
Extras: Rebuild of Evangelion 1.0: You Are (Not) Alone, Rebuild of Evangelion 2.0: You Can (Not) Advace.

Catorce años han pasado desde que Shinji iniciara el Tercer Impacto al final de la segunda película, el cuartel general de Nerv fue destruido y sus ex miembros abandonaron la compañía para forma Wille, una organización encargada de exterminar a los Evas creados por Nerv con el fin de evitar el Cuarto Impacto.

El inicio del filme nos sitúa en el espacio, donde una demacrada Asuka con un parche en el ojo izquierdo realiza asombrosas maniobras sobre su igualmente desgastado Eva 02 para recuperar un extraño objeto (el teseracto) de la estratósfera, mientras Mari la cubre en su flamante y rosado Eva 08. El resultado de la misión es un Shinji extraído con éxito de las entrañas del Eva 01, pero ya nada es como nuestro tercer elegido lo recuerda, sus antiguos amigos y compañeros de trabajo se muestran hostiles hacia él y no alcanza a entender por qué todos lo ven con rencor.

Rebuild of Eva 3.0 2

Mientras Shinji trata de entender que ha pasado en los catorce años que ha estado ausente, un Eva, o lo que parece ser una nueva versión del Eva 00, ataca la nave de Wille, conocido como la AAA Wunder. Pero el nuevo enemigo es en realidad el Mark 9 pilotado por uno de los tantos clones de Rei, quien se lleva a Shinji al derruido geofrente donde se reencuentra con su padre y Kaworu Nagisa, quien parece recordar viejos vínculos con el joven piloto, como si ya se hubiesen conocido en otra ocasión.

Shinji pasa los días con Kaworu, quien le explica que él provocó el Tercer Impacto, pero que juntos pueden arreglarlo todo si bajan a donde yace el cuerpo de Lilith y le extirpan las dos lanzas que acabaron con su vida, Longinus y Cassius. Los días pasan mientras Shinji y Kaworu esperan a que el Mark 13 esté listo, pero sus intenciones de arreglar las cosas se ven coartadas por los planes de Gendo, quien incluso ya ha sobrepasado los designios de Seele para lleva a cabo el Proyecto de Instrumentalización Humana.

Rebuild of Eva 3.0 3

Mientras Shinji recupera las lanzas y ve con terror cómo su ego está por provocar el Cuarto Impacto, Kaworu reflexiona sobre el principio y el fin de Lilims y Adams, para otorgar su vida (nuevamente) a fin de ayudar a Shinji. Con la explicación metafísica de Kaworu en segundo plano y la revelación de que Shinji es el treceavo ángel, Asuka y Mari tratan de detener el Cuarto Impacto, pero su poder no es suficiente, para fortuna de todos, la gigantesca nave de Wille posee el poder de aniquilar dioses, en este caso, al mismísimo Mark 13.

El Cuarto Impacto se ha evitado, Trabis ha dado su vida por Shinji, y Rei despierta de su letargo y se cuestiona sobre quién es ella, acaso es un clon de Yui, parte de Lilith o alguien más. Los planes de Gendo quedan truncados de momento, los Evas restante están sin energía y Rei, Asuka y Shinji deben caminar por la desolada tierra hasta un punto donde puedan ser rescatados regalándonos una postal que rememora los primeros capítulos de la vieja serie de televisión, donde una narcisista Asuka de catorce años, y no la ahora casi treintañera pelirroja, ladraba ordenar a una callada Rei y a un pasivo y desencantado Shinji.

Rebuild of Eva 3.0 4

SOR-PREN-DENTE. Rebuild 3.0 (o 3.33) es sencillamente sublime, pero ya no es Evangelion, bueno, es y no es. 1.0 y 2.0 tienen esa esencia nostálgica de la vieja serie, pero Redo es completamente otra cosa, se desliga de todo lo anterior, pero manteniendo elementos que sólo se explican con todo lo anterior. Es complicado describir la sensación que me causó ver esta tercera entrega, pues por una parte hay cosas que son una reconstrucción de algo que ya vimos, pero por otro lado hay cosas tan nuevas que uno se siente extraño al verlas, justo como Shinji debió sentirse al llegar a Wille.

La primera parte del filme es un choque brutal para el Eva-espectador veterano, uno reconoce todo lo que hay, pero ya nada tiene esa calidez de familiaridad que aún se observa en Jo y Ha. Además, resulta muy difícil entender, hasta que las oportunas explicaciones de Nagisa nos lo aclaran, qué está pasando. Pero aún con todo ese desconcierto, aún con todo lo viejo y todo lo nuevo, hay algo que Evangelion sigue generando y eso es emoción. Evangelion Q me hizo sentir la misma emoción, el mismo interés, la misma sorpresa y expectación que cuando vi NGE por primera vez. Pero reitero, Rebuild 3.0 ya no es el viejo Eva, ya no es Eva, pero al mismo tiempo lo sigue siendo.

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Entre las novedades que encontramos está Wille, y todo lo que eso implica: una Misato seria y que comanda a todo el grupo con mano férrea; una Ritsuko de pelo corto algo más fría de lo habitual; un grupo de combatientes completamente nuevo; la hermana de Touji; Maya, Shingeru y Aoba con más experiencia; la sorpresa de que ni Asuka ni Mari han envejecido por alguna extraña razón, y un sorprendente barco flotante con el poder de exterminar dioses. Los Mark son otra inclusión que ya habíamos visto en las dos entregas anteriores, pero aquí por fin toman un papel esencial. El geofrente en ruinas es visualmente impresionante y las referencias a Lilims, Adams, la cámara de Gauf y el Proyecto de Instrumentalización Humana regresan a escena.

Algo muy destacable para los seguidores más meticulosos es el walkman de Shinji. Cuando Rebuild se estrenó, algunos criticaron el hecho de mantener una tecnología tan de los 90 en lugar de usar un dispositivo más moderno, pero todo se aclara cuando en Q nos explican que ese aparato era del padre de Shinji. Pero lo importante es que en las dos películas anteriores, y en la serie, siempre se destacaban las canciones 25 y 26, que son una alusión a los capítulos finales, tanto a los metafísicos de la serie original como a los finales cronológicamente reales que vemos en EoE. Aquí vemos reproducirse la pista 28, esto significa que ya estamos en el capítulo 28, pero que nos saltamos el 27, pues ese toma lugar durante los catorce años que Shinji pasa dormido en el Eva 01, o al menos es lo que yo creo. Hablando de teorías, cuando reseñé You Are (Not) Alone, dije que para mí, todo Rebuild ocurría después del Tercer Impacto en EoE, ahora no estoy tan seguro, pero será hasta la última entrega que pueda o no constatarlo.

Rebuild of Eva 3.0 6

Otra de las cosas que se mencionan son la absorción de Yui por parte del Eva 01, pero eso es algo que ya estaba claro desde la saga original; Ayanami como clon también ya estaba muy claro. Lo que si agrega muchísima complejidad es que Shinji es el ángel número trece y que Kaworu actúa como si para él todo lo vivido en la serie original hubiera pasado en realidad, en otras palabras, Nagisa en el único vínculo real que une a las dos sagas. Los ángeles artificiales de Seele, el modo 777 que convierte al Eva 02 en una furiosa bestia de batalla (incluso más que el modo “The Beast” que vimos en Ha), el Wunder donde todo el puente se sincroniza en un gigantesco Entry Plug y el Mark 13 que usa dos pilotos son los atractivos extra que nos ofrece Kyû.

Evangelion es y será el titán de titanes, y ya sea que prefieran la serie original o la reconstrucción, nunca dejará de sorprendernos. Cuando yo vi Neon Génesis por primera vez seguí viendo anime con la esperanza de encontrar otra serie que produjera en mí los mismos sentimientos de reflexión, emoción, melancolía y soledad que me hizo sentir la serie de televisión y después de muchos años y muchas series vistas por fin la encontré, se llama Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo. Ver una serie o película y sentir el cansancio emocional como si hubiésemos vivido en persona las aventuras que vimos en pantalla, son el mejor síntoma de que estamos ante una serie de muchísima calidad.

Rebuild of Evangelion 3.0 7

Komaneko

Komaneko 1

Título Original: こまねこ (Komaneko).
Director: Tsuneo Goda.
Género(s): Kemono, Comedia, Fantasía.
Estudio: Animación independiente.
Emisión: 2006.
Duración: 60 minutos.
Extras:

¿Qué puede ser más tierno que un adorable gato hecho en Stop Motion haciendo sus propios cortos de Stop Motion? Komaneko es un filme japonés que aglomera cinco historias, a manera de pequeños cortometrajes independientes, sobre Koma-chan, un pequeño y creativo felino que debe sortean numerosas dificultades a fin de crear su propio cortometraje animado con su vieja cámara de 8mm.

La calidad de animación es excelente y ese diseño infantil, un tanto europeo, le da un toque de ternura inigualable, que pese a estar destinado a un público infantil no deja de ser gracioso para los mayores. La música es igualmente tierna y aunque es repetitiva es difícil hartarse de escucharla. Los diálogos son lo mejor del mundo pues se limitan a breves maullidos usados en el momento correcto, el resto de la historia no necesita de voces para ser contada.

Komaneko 2

La película va alternando secuencias hechas con maquetas y marionetas con otras mucho más sencillas hecha con claymation sobre un fondo pintado. Las partes que requieren set tienen escenarios muy detallados y realistas, mientras que las otras únicamente usan un fondo pintado o hecho con plastilina, pero ambas son buenas y muy entretenidas. Aunque eso sí, las imágenes filmadas en escenarios que parecen casitas de muñecas son fabulosas.

Si son de esas personas que gustan de ver animaciones que destila ternura, pero sin excederse, esta obra es para ustedes, y si son simples amantes del Stop Motion tampoco se la pueden perder, pues la calidad de detalles de algunos escenarios es algo que seguramente les fascinará. Además, el final alcanza tintes tan dramáticos y emotivos que te deja sin palabras.

El Juego de Ender

El juego de Ender 1

Título Original: Ender’s Game.
Director: Gavin Hood.
Género(s): Ciencia Ficción.
Emisión: 2013.
Duración: 114 minutos.
Extras:

Al hablar de una película basada en un libro, siempre encontraremos que la adaptación cinematográfica se queda muy lejos de abordar todo el contenido de la novela. Pocas obras han logrado hacer la suficiente justicia a los escritos de los cuales se inspiran, pero si tomamos en cuenta que una obra audiovisual tiene necesidades y formas narrativas muy diferentes a las de un texto, entonces podemos analizar y comentar un filme sin la tediosa necesidad de compararla con la obra literaria original.

El Juego de Ender se basa en la novela homónima de Orson Scott Card, que corresponde a la primera entrega de una saga de cuatro novelas conocida como la Saga de Ender. La obra de Orson ganó múltiples premios, como el Ignotus, el Hugo y el Nébula. Su adaptación al cine estuvo planeada desde principios de la década de los 2000, pero fue hasta 2012 que inició su rodaje.

El juego de Ender 2

A nivel técnico la película es formidable, todas y cada una de las escenas en el espacio y la cero gravedad son fabulosas. El cgi es usado con maestría y tanto el vestuario como los pulcros escenarios tan refinados y antisépticos se adaptan perfectamente con la estética general del filme. Y si bien los efectos no son tan geniales como en Gravity, si superan algunas escenas de otras superproducciones más recientes, pues nunca se ven falsas, como ocurre por momentos en El Hobbit.

La historia gira en torno a Andrew Ender Wiggin, un niño prodigio que estudia en una escuela donde se entrena a jovencitos para pelear en la guerra contra los Insectores, una raza alienígena que tiempo atrás intentó invadir la tierra. Para que un desastre como ese no vuelva a ocurrir, la Escuela de Batalla pone todas sus esperanzas en los pequeños, quienes deberán enfrentar al enemigo antes de que éste tenga la fuerza suficiente como para iniciar una nueva invasión.

El juego de Ender 6

Las habilidades de Ender lo llevan rápidamente a destacar de entre todos su compañeros, así que termina comandando al Escuadrón Dragón. Con su nuevo equipo de combate tendrá que enfrentar a otros escuadrones de la escuela en un juego de batalla. Las estrategias de Ender hacer triunfar a los suyos y son elegidos para ir al puesto de avanzada donde completaran su entrenamiento antes de enfrentar al enemigo real. Sin embargo, las simulaciones que pretenden prepararlos para la guerra no son lo que aparentan.

Algo que me encanta de esta película es la construcción de personajes a nivel psicológico, sobre todo del personaje principal, cuya inteligencia, audacia y poco respeto frente a las figuras de autoridad lo hace un líder ecuánime, pero también le permiten entender que su enemigo merece la oportunidad de ser escuchado y no exterminado solamente porque no lo comprendemos.

El juego de Ender 5

El mensaje en este rublo y la cantidad de cosas que podemos analizar de él son innumerables. En primera tenemos una academia que usa niños para la batalla, algo que hemos visto hasta el cansancio en obras de todo tipo, también tenemos la temática extraterrestre usada como trasfondo para una historia que se enfoca en mostrar parte de la naturaleza humana frente al enemigo, sin olvidar la cuestión ética de los medios que usamos para ganar y las razones por las cuales buscamos sobresalir. Abordar cada tópico requiere profundizar mucho más y de momento no es la intención de esta entrada.

La calidad actoral, si bien no es maravillosa, es buena. Y aunque algunos elementos que tienen más importancia en la novela aquí carecen de toda fuerza, de manera general es una formidable película (si la vemos separada del libro) que lamentablemente no recibió el apoyo mediático que otras superproducciones sí recibieron, pese a ser mucho mejor que varias de ellas, por ejemplo: Los Juegos del Hambre.

Lluvia de Hamburguesas

Lluvia de Hamburguesas 1

Título Original: Cloudy with a Chance of Meatballs.
Director: Chris Miller y Phil Lord.
Género(s): Comedia, Ciencia Ficción.
Estudio: Sony Pictures Animation.
Emisión: 2009.
Duración: 90 minutos.
Extras:

Con un nombre que ya nos evoca algo cómico y curioso, Lluvia de hamburguesas ha logrado abrirse paso entre los filmes animados de los últimos años y se ha colocado en el gusto del público de manera decorosa, tanto que el año pasado se entrenó la segunda parte, la cual pasó sin pena ni gloria si la comparamos con otras segundas partes (Cómo Entrenar a tu Dragón) estrenadas también en los últimos años.

La calidad de animación y el diseño de escenarios son buenos, los personajes se estereotipan no porque caigan en cliché o estén mal construidos, sino porque responden a las necesidades de la historia, que por momentos requiere seguir una fórmula de fracaso-amor-superación muy trabajada en las grandes producciones pero que finalmente da resultados. La música es agradable y atinada, no sobresale mucho pero cumple perfecto en la ambientación.

Lluvia de Hamburguesas 5

La historia gira en torno a Flint Loco, un joven inventor que desde niño a tratado de crear algo que ayude a las personas y le permita a su padre estar orgulloso de él, pero lo único que ha conseguido son una serie de experimentos fallidos. Cuando parece que su vida estará destinada al fracaso, su más reciente creación, una máquina que crea comida usando agua, causa una catástrofe que destruye el más reciente proyecto para salvar al pueblo de la miseria. Sin embargo, la máquina de Flint termina en la estratósfera y desde allí crea precipitaciones de comida, lo que resulta la forma perfecta para que la economía del pueblo se levante.

Los habitantes de Isla Mascabocado y su alcalde no paran de pedir variados menús a Flink para que los haga llover, mientras que la reportera del clima, Sam Chispas, difunde la noticia por televisión. El pueblo adquiere fama a nivel internacional y Flink logra el respeto de todo el pueblo, excepto de su padre. Para su mala fortuna, la máquina se sobrecaliente y la comida muta en una súpertormenta de alimentos que amenaza con destruir la isla entera. Ahora será misión de Flint, Sam, la celebridad local “Baby” Brent y el camarógrafo Manny, apagar la maquina antes de que destruya al mundo entero.

Lluvia de Hamburguesas 2

La historia es sumamente fantástica y tanto los argumentos como el diseño en general están enfocados para un público infantil al que trata de dejarle un mensaje de superación. No obstante, lo más destacable es que no se trata de aceptar a los otros, sino aceptarnos a nosotros mismos. Todos los personajes en algún momento tienen que afrontar su realidad y eso hace que terminen por superar sus defectos y errores, en otras palabras, vemos un genial crecimiento en todos ellos.

Además del obvio mensaje de autosuperación, tenemos varias críticas sociales. Una de ellas nos muestra que la presión social puede llegar a alejarnos de nuestros sueños cuando estos son menospreciados o mal entendidos. También está la avaricia de las autoridades que buscan su enriquecimiento a costa del pueblo al que supuestamente deben servir, no en balde esa genial analogía del político gordo. Finalmente, hay un guiño a la cultura del desperdicio que impera en Estados Unidos y que va de la mano con el mal manejo que se hace con los desechos.

Lluvia de Hamburguesas 6

En otra ocasión ya había hablado del “cameo latino”, que no es otra cosa sino la presencia de personajes latinoamericanos en obras de ciencia ficción estadounidense debido a que los inmigrantes ilegales están presentes en cada vez más rublos laborales. Aquí tenemos a Manny, un médico y copiloto guatemalteco que dejó su patria por buscar el sueño americano como camarógrafo de noticias.

La película es para niños, pero como muchas cosas destinadas al público infantil, tiene un trasfondo un poco más complejo que entretendrá a los adultos, aunque en lo personal no creo que sea tan recomendable para aquellos adultos serios que reniegan de ver animación, para quienes sí nos gusta ver caricaturas, es una excelente opción.