The Boys

The Boys 1

Título Original: The Boys.
Género(s): Superhéroes, Ciencia Ficción.
Desarrollada por: Eric Kripke.
Emisión: 2019.
Duración: 8 episodios por temporada (dos temporada hasta el 2021).
Extras:

Aprovechando que ya había sacado mi mes gratis en Prime Video para ver la última entrega de Rebuild, y queriendo entender los memes, me decidí a ver The Boy, ya que las series anteriores que había visto en esta plataforma me habían gustado mucho, así que empecé a ver ésta peculiar y muy novedosa serie de superhéroes, donde aquellos que visten traje y luchan por la justicia ni son los personajes principales ni son los bueno del cuento.

Si nos ponemos a pensar en los héroes clásicos de Marvel o DC, generalmente tenemos a patriotas inquebrantables o personajes que si bien no tienen acciones del todo aceptadas por el sistema de justicia, responden a un moral más allá de todo por el bien de la sociedad. Personalmente no creí que podría ver una serie sobre superhéroes que rompiera con el canon como muy pocas han logrado, entre ellas Super o Kick Ass, pero la idea de tratar de limitar a los supers debido a los daños colaterales que sus peleas generan es algo que vimos en Civil War, pero que se queda corto con todos los secretos, trapos sucios y conspiraciones que una agencia de superhéroes oculta para mantenerse en la cima teniendo el monopolio de la justicia.

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Y si bien la serie parte de la premisa de que los supers generan víctimas colaterales en su lucha por la justicia, las cuales son ocultadas para no dañar la imagen de Vough, la empresa que maneja a los supers, The Boys va mucho más allá, pues aquellos con súper poderes no sólo pelean contra criminales, sino que son tratados como todas una estrellas de la farándula, con gente de márquetin que manejad su agenda, managers que les dicen qué hacer, un mecanismo de publicidad titánico que lucra con su imagen con todo producto imaginable y, obviamente, son las estrellas de sus propias películas.

The Boys nos muestra a los supers desde una perspectiva que nunca había visto, pues así como los deportistas, actores, cantantes, líderes religiosos e incluso políticos son parte de la vida pública y terminan desfilando en alfombras rojas y siendo el tema de conversación en revistas de la farándula, sin olvidar el brutal impacto que sus publicaciones tienen en redes sociales cual influencer millennial, los supers viven todo eso, el glamur de estar en el ojo público y ser idolatrados y queridos por toda la sociedad les hace olvidar su deber como héroes y los convierte en rehenes de ese lucrativo imperio a quienes ya sólo les importa cuántos ingresos han generado la venta de sus productos este mes o como recuperar esos puntos de popularidad perdidos por un comentario inapropiado.

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Vought, la empresa que maneja a todos los supers en Estados Unidos, ha creado el imperio más lucrativo de todos, pero no ha sido fácil, la empresa no es ni una agencia de publicidad ni de superhéroes, es una farmacéutica que, como de hecho hacer las grandes expresas en esta industria en la vida real, escode oscuros secretos a fin de ser los únicos en el monopolio del manejo y representación de héroes, engañado, timando, matando, sobornando y chantajeando a quien sea necesario a fin de conseguir sus fines. Y si hablar de una farmacéutica ya es de por sí oscuro, mencionar que además tienen nexos con importantes grupos religiosos, políticos y militares garantiza que el negocio de los superhéroes es sólo una fachada de algo que nos va a sorprender y enganchar con forme avancen los capítulos.

The Boy nos presenta así tres frentes, la empresa todopoderosa y siniestra que se encarga de manejar a los super, una variedad de héroes con poderes diversos (que siempre nos remiten a algún héroe de los comics, generalmente de DC) que garantizar acción y deslumbrantes despliegues de poder en pantalla y la historia principal, la de los verdaderos protagonista, los muchachos, un grupo de humanos normales que buscan vengar a sus seres queridos que fueron víctimas de los daños colaterales dejados por los supers y cuyas tragedias fueron minimizadas por Vought para no dañar la imagen de la empresas ni de sus productos con capas y trajes multicolor.

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Butcher, Hughie, MM y Franchie son un grupo de civiles que desean exponer los secretos de Vought y vengar a sus seres queridos. En su lucha por evidenciar esos daños colaterales ocultados por la empresa terminan por encontrar secretos más ocurso que tienen que ver con el origen de los supers, la intervención militar y los grupos religiosos. Por otro lado tenemos a Vought y los siete, el equipo élite integrado por los supers más poderosos y populares, Homelander, Queen Maeve, A-Train, The Deep, Black Noir, Translúcido y la recién llegada Starlight, son la carta de presentación de la empresa de superhéroes.

La serie es fabulosa, una excelente recomendación para quien guste del género de superhéroes y quiera ver algo más complejo donde el tema de héroes en capa que vuela por la ciudad es abordado de manera muy diferente. Además de que la serie critica muchos temas más, como la artificialidad de las estrellas de la farándula, que son creadas por un grupo multidisciplinario de agentes que cuidad y diseñan cada aspecto de su marca, la pérdida de la vida privada por parte de los supers, el poder de las empresas que incluso pueden mantener bajo su control a seres con la fuerza para destruir el mundo, las consecuencias que dejaría la existencia de personas con poderes en una sociedad como la estadounidense, el deseo de usar esa fuerza como un arma para el ejército, sin olvidar el más interesante de todos, la estabilidad mental de un super, pues aunque tenga fuerza sobrehumana, su ego y reputación puede ser tan frágiles como las de cualquiera. Maravillosa serie con mucha tela de donde cortar y de la que espero hablar a profundidad más adelante.

The Boys 6

Afer The Rain

After the Rain1

Título Original: 恋は雨上がりのように(Koi wa ameagari no you ni)
Género(s): Drama, Romance, Slice of Life, Chick-Flick.
Director: Ayumu Watanabe.
Estudio: Wit Studios.
Emisión: 2018.
Duración: 12 episodios.
Extras:

Revisando el catálogo de anime en Prime Video descubrí esta pequeña joya. Cuando me enteré hace años de que se adaptaría la historia del manga de Jun Mayuzuki y leí la sinopsis de la historia me interesó de inmediato, pues no es muy común que se aborden relaciones románticas ente chicas de 17 años y hombres de 45, así que con esa simple premisa la anoté en mi lista de “animes que espero ver algún día”, y cuando la encontré en el mentado servicio de streaming no dude en verla de inmediato.

La serie me dejó un muy agradable sabor de boca y de hecho me gustó tanto que se ganó un lugar en mi top 10 de anime favoritos, pues si bien en una historia de romance con toques de chick-flick y con formato Slice of Life, nos muestra personajes muy agradables que viven un momento difícil en sus vidas y con un pasado cuyo peso les hace sentirse perdidos, pero el vago romance que se perfila entre ambos es suficiente para darles un aliciente para salir adelante. Siendo honesto pensaba que la historia explotaría más el morbo de la diferencia de edad, pero de hecho es una historia muy tierna y limpia, que aboga a los sentimientos puros e inexpertos de la protagonista, pero que logra dar un vuelco para mostrarnos también la vida y problemas del su contraparte masculina.

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La historia gira en torno a Akira Tachibana, una chica de 17 que formaba parte del equipo de atletismo en su preparatoria, el cual tuvo que abandonar cuando sufrió una lesión en el tendón de Aquiles que la incapacito para correr. Sintiéndose desanimada por dejar el equipo y sobre todo porque era la mejor y tenía el record más rápido entre sus compañeras, decide refugiarse en el trabajo y se incorpora como mesera en un pequeño restaurante familiar a cargo del señor Masami Kôndo, un hombre de 45 años divorciado y con un hijo.

Tachibana termina por enamorarse del señor Kôndo y termina por declararle sus sentimientos. Su jefe al tomar en cuenta que es mucho menor no le da entrada pero acepta tener una cita con ella, lo cual desencadena una amistad entre ambos y su mutua compañía y apoyo les ayuda a salir adelante, Tachiba adquiere la fuerza para afrontar su lesión y el señor Kôndo recupera el coraje y la motivación para retomar su sueño, ser escritor. Así, sin elementos sexuales ni eróticos vemos cómo el amor tierno e inocente se convierte en el apoyo vital de ambos personajes y eso para mí fue lo más hermoso de la serie.

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Se pueden discutir varias cosas sobre el anime, de hecho da para hacerlo a pesar de que en apariencia no es tan profundo, pero eso lo dejo para otra ocasión pues la serie me gustó tanto que sin duda pienso hablar de ella de nuevo aquí en el blog y quizás en algún momento también en el podcast. Pero una de la cosas que sí puedo mencionar es que si bien la protagonista es una menor de edad la serie logra un mejor enchanche con un público mayor, entres 25 y 35 años, pues ya con esa edad es posible empatizar con ambos personajes, con la idílica atracción de Tachibana por su jefe causada en parte como mecanismo para sobrellevar su depresión producto de su lesión y con la desesperanza y perdida de esos deseos de juventud del señor Kôndo, quien llegó a una edad en la que decidió simplemente olvidar sus sueños y vivir el día a día en la monotonía de la rutina y el trabajo.

Una de las cosas que más me gustaron fue justo que si bien Tachibana siente algo muy intensó por su jefe al grado de que es ella quien da el paso de declararle sus sentimiento lo hace de una forma torpe y espera que ser correspondida de una forma en delata su inmadurez, algo que todos hemos pasado, pues cuando jóvenes creemos que las relaciones románticas deben ser de cierta forma y cuando crecemos nos damos cuenta de que no, además de que las necesidades afectivas cambian con la edad, por eso me gustó la serie, porque esa sola presencia y cercanía de ambos personajes es suficiente para cambiarlos, sin apelar a nada romántico ni sexual, aunque no deja de haber ciertas menciones muy discretas al respecto.

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También es importante mencionar cómo al principio todo se enfoca en Tachibana, pero luego se da el tiempo suficiente para que también conozcamos al señor Kôndo y entender cómo es su vida, por qué acabó como gerente en lugar de perseguir su sueño y cómo el paso de los años y la perdida de la juventud puede empezar a pesar tanto que te hacen entrar en una espira depresiva. Y aunque la serie no es deprimente para nada, ninguno de los dos personajes está realmente feliz y es esa búsqueda de la felicidad lo que se aborda en la historia, que como buen Slice of life nos muestra una etapa difícil en ambos protagonista, quienes empiezan a cambiar gracias el encuentro entre ambos.

Cambe mencionar que la animación me gustó mucho, el diseño de personajes cae en lo genérico del anime actual pero le va muy bien, los escenario cumplen y ese juego de representar las emociones con el clima lluvioso le da un toque adecuado de sentimentalismo medio simbólico que resulta agradable, además de que las escenas de lluvia y cielos con nubes personalmente me suelen gustar. Y hablando de los aspectos técnicos, la música es maravillosa, hace mucho tiempo que no me gustaba tanto un ending y aunque el opening no se queda atrás, es Ref:rain de Aimer como canción de cierre la que más me gustó, tanto que no he podido dejar de escucharla desde que empecerá ver la serie, incluso me ayudó a superar la adicción a One Last Kiss de Utada Hikaru. Sin duda una historia grandiosa que recomiendo a todos a quienes les gusten los animes de romance ligero con un leve trasfondo triste y una poco convencional relación entre una chica de 17 años y un hombre de 45.

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El juego del Calamar

El Juego del Calamar 1

Título Original: 오징어 게임 (Ojingeo Geim).
Género(s): Drama, Suspenso.
Creador: Hwang Dong-hyuk.
Emisión: 2021.
Duración: 9 episodios.
Extras:

Tuve que ver dos veces la serie antes de escribir sobre ella, y no fue tanto porque fuese difícil de entender o en extremo profunda, a pesar de que aborda temas socioeconómicos muy particulares de los cuales podemos hablar largo y tendido, sino por lo genial que es, lo mucho que se disfruta y la excelente forma de generar esa atmósfera entre aterradora y emocionante, porque si bien partir de la idea de jugar juegos mortales a cambio de una fortuna es algo que ya de entrada te atrapa, el suspenso de poder morir antes el menor error logra darle un toque aterrador aún a pesar de la cromática circense que muestra.

Y si bien el tema no es algo nuevo, pues ya en obras famosas como Los Juegos del Hambre vemos a personas competir por la gloria eterna en enfrentamientos a muerte o en la un poco menos conocida obra japonesa Kami-sama no Iu Tôri donde un grupo de escolares se ve obligados a jugar juegos infantiles con resultados letales, la peculiaridad de El Juego del Calamar es hacer un excelente manejo de un tema ya visto y darle un giro lo suficientemente diferente para sentirse original, sin olvidar el aspecto de que mezcla juegos inocentes con violencia extrema, muy adecuados toque de Gore y un trasfondo socioeconómico muy denso que refleja parte de la realidad surcoreana en torno a los problemas económicos y el endeudamiento.

El Juego del Calamar 3

La historia sigue a Seong Gi-hu, a quien conoceremos mejor como el jugador 456, un chofer fracasado que vive con su madre luego de divorciarse y cuya adicción a las apuestas lo ha llevado a la bancarrota. Con las deudas hasta el cuello y su propia seguridad física en manos de sus acreedores, es invitado a participar en una competencia donde jugará algunos juegos infantiles, si pierde será eliminado, si gana podrá llevarse una fortuna tan grande que no volverá a tener problemas económicas en toda la vida. Seong no se interesa en los juegos hasta que la diabetes de su madre se agrava y decide participar pues con el dinero podrá pagarle su tratamiento.

Seong es llevado por un hombre ataviado con un misterioso traje rosa, es sedado y trasportado hasta una isla donde él y otras 455 personas son obligadas a jugar juegos de su infancia. Lo que no saber y pronto descubrirán con horror, es que aquellos que pierdan o no signan las reglas del juego serán asesinaos a sangre fría. Por cada muerto el premio acumulado crece, así que sí desean salir de allí como millonarios deberán salir con vida y vencer al resto. Sin embargo, jugar sólo es más difícil y pronto los grupos se empiezan a formar.

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Junto a nuestro protagonista están Oh Il-nam, el jugador número 1, es más anciano de todo y que tras ser diagnosticado con un tumor cerebral decide jugar su suerte en aquel juego, Cho Snag-woo, el jugador 218, amigo de la infancia de Seong, un hombre muy listo pero arruinado por malversación de fondos, el inmigrante pakistaní Abdul Ali, jugador 199, un hombre honesto, noble y físicamente muy fuerte, y finalmente la desertora norcoreana Kang Soe-byeok, jugadora 67, quien quiere el dinero para sacar a su familia de Corea del Norte y darles una mejor vida.

Justo conforman un equipo muy balanceado, pues tienen liderazgo, inteligencia, experiencia y fuerza, habilidades que les servirán en mayor o menos manera en los diferentes juegos. Los juegos, por su parte, son cosas que los niños surcoreanos solían jugar en el pasado, así que no son para nada difíciles ni complicados, pero dado que no todos pueden ganar, cada nuevo juego es un enfrentamiento a muerte, donde deberán jugar sólo o en equipo. Aunque el peligro de morir no sólo está en la arena de juego, sino en el propio dormitorio, pues Jang Deok-su, jugador 101, y su grupo de mafiosos, saber que mientras más personas maten en los dormitorios, más posibilidades de ganar tendrán en los juegos, así que la estancia en aquel lugar se transforma en una lucha por sobrevivir en todo momento.

El Juego del Calamar 4

Además de los juegos, cuyo peculiar morbo ya es de por si atractivo, pues esa combinación de inocencia infantil con las brutales y sangrientas muertes que tienen algunos le da un toque que te engancha de inmediato a la pantalla, tenemos un doble trasfondo en la historia. Por una parte, el intento de un policía por infiltrarse en aquella isla y descubrir quién está detrás de esos juegos siniestros y, más importantes aún, dónde está su hermano, quien recibiera una invitación para participar. La parte del policía infiltrado es emocionante y permite ir debelando cosas sobre el ameno de los juegos, como la jerarquía de quienes trabajan allí, el tiempo que llevan haciendo eso, las personas que financian todo e incluso lo que pasa con los muertos, aunque termina un poco abruptamente y deja una sanción de que Hwang Jun-ho, el policía infiltrado, tenía algo más pada dar.

El otro trasfondo está el quienes financian los juegos, los llamados VIP, personas extremadamente adineradas que pagan por ver los juegos e incluso por asistir y presenciarlos en vivo. Millonarios sin escrúpulos cuyo poder les permite jugar con la vida de las personas como si aportarán con cualquier cosa. Y de aquí es donde podemos empezar de desentrañar parte de las críticas sociales que hace la serie. Por ejemplo, es especula con el tráfico de órganos que recuperan de los muertos, se habla de esas necesidades perversas que los millonarios buscan satisfacer y que surgen justamente debido a que como sus fortunas pueden darles todo, cada vez requieres de satisfacer nuevos y enfermizos fetiches para no sentirse aburridos. Tenemos obviamente la lucha por sobrevivir por parte de los jugadores y el tema de la empatía, donde a veces tendrás que matar a tus allegados para sobrevivir tú y otras ayudarlos para sobrevivir ambos.

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No quiero extenderme en esta parte de los temas que la obra aborda, pues me encantaría hacerlo en un podcast a futuro donde podemos hablar abiertamente con spoilers, pero una de las cosas que me hiso pensar este juego fue ¿a dónde y qué hace con todas esas personas que desaparecen y luego encuentran muertos en países como México? En realmente el feminicidio un acto de matar por el simplemente hecho de hacerlo o hay alguna otra utilidad que le den a esas víctimas. Tráfico de órganos, explotación sexual, canibalismo, entre muchas otras perversiones son las que series como esta no invitan a reflexionar, pues si hay alguien deseoso de hacer algo y con el poder para pagarlo, seguro habrá alguien dispuesto a satisfacer sus más retorcidas fantasías.

El tema de la crítica a los problemas económicos de los surcoreanos creo es que es súper obvia, el endeudamiento obviamente obliga a las personas a hacer cosas que no desearían, a vender sus cuerpos, su tiempo o su dignidad a cambio de unas monedas. Eso es justamente de lo que los millonarios se aprovechan al darles, aparentemente, la oportunidad de decidir cambiar su vida, pero en realidad los están usando para su propio beneficio como carne que es útil en tanto satisface las necesidades de sus jefes, pero descartable cuando deje de ser útil, tal cual hace el capitalismo con la clase trabajadora. Sin duda una serie grandiosa, pues además de los temas ya mencionados tiene una excelente calidad en cuanto a su producción, geniales escenarios, grandes actuaciones y una muy buena banda sonora, sin duda una de las mejores series del año que no se deberían perder.

El Juego del Calamar 12

The Midnight Gospel

The Midnight Gospel 1

Título Original: The Midnight Gospel.
Género(s): Podcast, Ciencia Ficción Psicodélica
Director: Pendleton Ward.
Emisión: 2020.
Duración: 8 episodios.
Extras:

Había escuchado interesantes comentarios sobre esta serie, en su mayoría decían que era muy buena aunque estaba pachequísima. Y en efecto, luego de decidirme a verla pude constatar que sí, es una serie rara que se pone a divagar hablando diversos temas que van desde el uso de drogas, la muerte, la magia, lo espiritual y la vida en general, desde una perspectiva un tanto filosófica pero más que nada introspectiva. Aunque si hay que ser honesto, The Midnight Gospel no es una serie de televisión, es un podcast animado.

La serie se basa en las entrevistas hechas por Duncan Trussell en su propio podcast a una serie de personalidad que se han dedicado a temas como la magia negra o que han defendido ideas como la legalización de las drogas o la eutanasia, incluso la propia madre de Duncan es parte del programa y habla sobre su propia experiencia enfrentando un cáncer terminal. Duncan además da voz al personaje principal, un spacecaster llamado Clancy Gilroy, quien con ayuda de su simulador viaja a diferentes mundos psicodélicos en donde vive aventuras al lado del personaje en turno al que le toca entrevistar.

The Midnight Gospel 8

La idea de viajar a estos mundos e fabulosa y de la justo ese toque extraño, pues los mundos me recuerdan a las obras de Moebius o a las historias de la revista Metal Hurlan, pero con colores pastel súper llamativos y el diseño clásico de Pendleton Ward creador de Hora de Aventura. Que justamente, al ver su nombre en los créditos me interesó ver la serie, además de que su estilo es inconfundible y dado que Hora de Aventura me gustó mucho sabía que una serie para adultos creada por él no me iba a decepcionar. Aunque Ward no fue la personalidad que más llamó mi atención, sino la de Chris Prinosky, productor ejecutivo, quien para quienes no lo sepan es el creador y director de mi seria favorita de toda la vida, la inigualable Downtown de MTV. Con esa triada de personalidades participando la seria no podía sino ser buena.

La forma en que los personajes hablar sobre sus temas de interés en cuestión es sumamente interesante y no siempre va del todo acorde a lo que vemos en pantalla, incluso podríamos decir que la serie se puede leer de dos formas, como podcast, simplemente escuchando de aquello de lo que hablan sin la necesidad de ver la animación, y como obra animada en la que podemos enfocarnos en las aventuras que viven, las cuales cambian en cada episodio porque son mundos y personajes distintos, y en la que incluso podemos dejar de lado el tema que se discute, aunque la dupla de ambos elementos es sin duda lo que le da esa esencia tan loca pero atractiva a la obra.

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He escuchado que algunos consideran que la obra no es realmente profunda o cuestionan sobre si es verdad lo es o sólo lo aparenta, pero desde mis perspectiva eso ni siquiera debería importar, no necesitas saber si la obra es realmente profunda o si los personajes sólo hablar intricadamente para parecer complejos e intelectuales, lo importante es lo que los diálogos y la animación en conjunto te hacen sentir, a mí por ejemplo no me gustaron todos los temas, algunos no me interesaron en lo más mínimo y otro sí, algunos temas me parecieron muy interesante pero la animación no logró atraparme y otros pocos pe fascinaron por ambos aspectos. Y sin duda aquellos temas relacionados con la muerte, como la eutanasia o el cáncer, me fascinaron, me hicieron sentir relajado y cómo escuchando hablar del tema como si de una charla de tanatología se tratase.

Para mí esa fue la parte más importante de la serie, hablar con naturalidad de la muerte lo suficiente como para permitirse sentir cómo y tranquilo con la idea de que eventualmente perderás a algunos de tus seres queridos o que tú mismo podría llegar a enfrentar una enfermedad terminal, estar en paz con esos aspectos inevitables de la vida no harán estar más tranquilos cual el momento llegue y considero que la serie podría ayudar a quienes pasar por algún duelo. Y justo cuando leí alguna reseña donde decían que el personaje entrevistaba a su mamá enferma de cáncer terminal fue que me decidí a verla. La serie me gustó tanto visual como auditivamente, sea su profundidad falsa y honesta lo importante es disfrutarle a los invitados divagar con el tema, no todos te va a interesar justo como en un podcast, pero si algún te sirve toma aquello que te sea de utilidad.

The Midnight Gospel 4

Pacific Rim: Tierra de Nadie

Tierra de Nadie 1

Título Original: パシフィック・リム: 暗黒の大陸 (Pashifikku Rimu Ankoku no Tairiku)
Género(s): Mecha, Kaijus, Ciencia Ficción.
Director: Hiroyuki Hayashi.
Estudio: Polygon Pictures.
Emisión: 2021.
Duración: 7 episodios.
Extras:

Cuando se entrenó Pacific Rim fue un gran éxito, amantes de la Ciencia Ficción, el cine de grandes monstruos y el anime Mecha disfrutamos la maravillosa obra dirigida por Guillermo del Toro. El estándar que el mexicano puse con respecto a la calidad en este tipo de obra fue tan alto que ninguna de las posteriores obras de la misma franquicia ha logrado igualar. Ni la secuela Uprising y mucho menos la versión animada. No obstante, la fama de la obra primigenia es tal que es casi seguro que va a garantizar un interés en la audiencia para ver cualquier obra que vuelva a enfrentar a Kaijus y Jeagers.

Tierra de nadie es la versión animada de la obra y nos sitúa en Australia, lugar que por su ubicación el en cintura de fuego de Pacífico (el Pacific Rim en inglés) es muy susceptible a los ataques de los Kaijus, como es posible ver desde la primer obra. En la isla las cosas salen tan mal que gran parte de la población es exterminada y las gigantescas bestias deambulan por el asolado país del sur. Un grupo de niños y adolescentes son rescatados por uno de los últimos Jeager en acción, cuyos pilotos son los padres de Hayley y Taylor. Ambos hermanos justo a los otros sobrevivientes son dejados en un lugar aislado ocultos de las amenazas, donde viven por años esperando el regreso de sus padres.

Tierra de Nadie 4

Hayley descubre que aquel lugar donde se oculta está sobre una base de entrenamiento, en donde encuentra un Jeager llamado Atlas Destroyer, que ella y su hermano activan por error llamando la atención de un Kaiju que llega y destruye su refugio, matando al resto de sobreviviente que se ocultaba allí, Hayley y su hermano se ven obligado a salir al desolado exterior para buscar a sus padres, pero lo que encuentran en un mundo hostil donde no sólo las titánicas bestias son una amenaza, sino los grupos humanos que deambulan por los devastados parajes australianos.

Si bien me parecía interesante la idea de una adaptación animada de Pacific Rim, la verdad es que para nada me convenció esta serie. La premisa hace de lado a los monstruos y termina por centrarse en los grupos humanos rivales y sus intenciones secretas de experimentar con los Kaijus al grado de que los que en realidad queremos ver, los monstruos gigantes destruyendo y batallando con los robots, pasa a segundo plano y eso para mí es un grave error, pus incluso Uprising tiene más acción en batalla aunque la premisa, actuación y dirección no sean buenas.

ierra de Nadie 2

La ambientación madamaxianda donde las gente se ha vuelto ruda para sobrevivir al entorno tampoco me convenció, de hecho me costó algo de trabajo terminar de ver la serie y no me llama la atención ver la segunda temporada que ya se anunció. Este tipo de obras, como Godzilla nos ha enseñado, no necesitan de grandes y complejas elucubraciones por parte de los personajes humanos, son los monstruos y los robots lo que importa, incluso en obras donde sí se profundiza en la psique de los humanos como en Evangelion, nunca se hacen de lado a los bestiales enemigos ni a las armas robóticas que creamos para defendernos, y que es justo lo que vemos en Pacific Rim, un poco de drama en los personajes pero los robots y los monstruos invasores van por delante todo el tiempo.

La música y la animación tampoco me convencieron, digo, no es que estén del todo mal, simplemente que no es el estilo que suele gustarme, de hecho si el desarrollo de la historia y la construcción de los personajes fuese mejor no habría importante tanto la calidad técnica. Y en lo que respecta a los personajes se resultaron muy planos y sin un gran aporte. En general la obra no aporta nada nuevo al mundo del Pacific Rim, aunque en la segunda temporada seguro incluya cosas nuevas nunca vistas, pero esas cosas que podría incluir seguro no serán del agrada de los fieles seguidores de la obra original. Si no les gustó Uprising menos les va a gustar esta serie, pero si la secuela de cines no les molestó podrían darle una oportunidad a la adaptación animada.

ierra de Nadie 3

Las formas antiguas

The Old Ways 1

Título Original: The Old Ways.
Género(s): Sobrenatural.
Director: Christopher Alender.
Emisión: 2020.
Duración: 130 minutos.
Extras:

Inspirada en la tradición de brujos de Catemaco en el estado de Veracruz, México, Las formas antiguas es una película sobre posesiones, donde un demonio entra en el cuerpo de una chica luego de que visitara una cueva conocida como La Boca, lugar maldito y prohibido por los lugareños. Y si bien las películas sobre demonios que secuestran el alma de un pobre desafortunado son muy comunes en la actualidad, la novedad es mostrar este tema desde la perspectiva del folclore mexicano, visto desde el lento de un estadounidense, claro está.

La película es muy buena en el aspecto técnico, personalmente me gustó la fotografía y los efectos especiales que mantienen ese toque sobrenatural y místico de la tradición mexicana. La música y en general todo el apartado sonoro hacen un trabajo excelente y logran evocar ese aire aterrador por momentos, que lamentablemente la trama y actuación no saber potenciar, pus si bien la actriz que encarna a la bruja da perfectamente el toque de madre mexicana, el resto de actores se sienten más con esa esencia de latinos de Miami, lo que le resta algo de credibilidad a la aparente tradición de Catemaco que tratan de emular.

The Old Ways 4

La historia gira en torno a Cristina, una periodista que regresa a su pueblo de origen luego de muchos años en Los Ángeles. Cristina visita una cueva maldita conocida como La Boca a pesar de las advertencias de su prima Miranda, luego de eso termina en la casa de una extraña señora y su hijo, quienes mantienen a la joven secuestrada pues al parecer un demonio vive dentro de ella. Al principio Cristina no les cree nada y cree que están loco o son secuestradores, pero con forme avanzan los días las manifestaciones de aquel demonio se hacen más fuertes, tanto que ella termina por creer y le pide a Luz, la anciana bruja que lleve a cabo el ritual definitivo para librarla del ente maligno.

El filme juega por momento con la idea de confundirnos entre si todo es real o los captores están drogando secretamente a Cristina para hacerla ver visiones, no obstante, todo resulta cierto y Postehki, el demonio, termina manifestándose ante ellos y luchando contra Luz por el alma de Cristina regalándonos una grandiosa escena donde la bruja y el demonio se enfrentan.

The Old Ways 3

La película es regular, tiene algunos momentos muy bueno como el enfrentamiento entre la bruja y el demonio y otros algo mediocres que no aportan nada y son mero relleno. El inicio se siente mucho con esa esencia gringa al hacernos dudar de si lo sobrenatural es real o no, pero la segunda mitad explota el folclore mexicano de una mejor manera. Por algunas cuantas escenas vale la pena pero tampoco es la gran maravilla, aunque no la considero una película mala pues si tomamos en cuenta el género y sobre todo el tema de las posesiones, creo que la mayoría de películas sobre eso son de regulares a pésimas.

Algo que sí debemos destacar es que no es un documental que intente difundir la cultura ni tradiciones del pueblo de Catemaco, toma el lugar y la tradición de sus brujos como inspiración pero nada más, es una película estadounidense, de director, escritores y actores que no son mexicanos, que tiene ascendencia latina sí, pero ni siquiera fue filmada en nuestro país, sino el Puerto Rico. Con eso en consideración no veo por qué criticar la los errores al mostrar la tradiciones y el misticismo del mandato pueblo de Veracruz, es obvio que todo es una interpretación desde una perspectiva anglosajona, eso se nota desde el principio.

The Old Ways 2

Lo que sí considero rescatable e importante de destacar es que el hecho de retomar el misticismo de un lugar en México como inspiración para el desarrollo de la historia es algún que personalmente considero positivo, pues la mayoría de ese tipo de películas siempre lo hace desde un tradición medieval europea sobre demonios y brujas, que se empiece a abordar desde el folclore latinoamericano o africano sería novedoso y muy rico si tomamos en cuenta lo extensas que son ambas regiones en cuento a ese tipo de expresiones culturales.

En conclusión, la película está bien, personalmente incluso diría que es buena a secas, el exotismo que le da ver a los demonios y brujas desde la tradición de Catemaco es novedoso y me agrada, y mientras no confundamos esto con un documental antropológico y nos quede claro que es ficción (y ni siquiera ficción Mexicana como para exigirle ser fiel a las expresiones culturales de la región) no habría por qué quejarnos de los errores que podría tener en cuanto a lo bien o mal que esté representados los brujos veracruzanos. Tiene algunas escenas buenas, el ritual que la bruja hace cuando se enfrente a Postehki me gustó y puede resultar una recomendación atractiva si les gusta el género y quieren ver algo que no sea de la franquicia de Annabelle.

The Old Ways 5

Dawn of the Dead

Down of the Dead 0

Título Original: Down of the Dead.
Género(s): Survival-Horror.
Director: Zack Snyder.
Emisión: 2004.
Duración: 100 minutos.
Extras:

Basada en la obra homónima que George A. Romero dirigió en 1978, El Amanecer de los Muertos es una de las cintas sobre zombis más populares de principios de siglo y que a pesar de no ser súper profunda se ha ganado un lugar entre los fans del género, pues si bien retoma muchos de los clichés más conocidos en este tipo de obras, es lo suficientemente entretenida para disfrutar en estas épocas donde la muerte y el terror están de moda.

La serie tiene un buen nivel técnico, nada de que asombrarse pero todo funciona bien. Las actuaciones cumple de manera adecuada y el diseño de los zombis responde a lo que eran común en esa época y que fue popularizado por cintas como 28 Days Later, aunque aquí por momentos lucen un poco más como una parodia cómica. La música no es algo que destaque pero tampoco está mal y aunque apoya a generar el ambiente de tensión y miedo en ningún momento la cinta logra impactarnos de tal modo que nos de miedo, es más que nada una obra survival-horror que apela más a la acción.

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La historia sigue a un grupo de sobreviviente luego de que un apocalipsis zombi iniciará sin previo aviso. En una noche la ciudad se vuelve un caos y miles de personas mueren a causa de una infección desconocida para luego renacer como zombis. Cinco extraños se encuentran en la calle mientras huyen de los muertos que atestan la ciudad. Para su fortuna logran entrar a un centro comercial donde se refugian y se encuentran a más sobrevivientes.

Los días pasan y la vida empieza a tornase rutinaria, pues si bien están atrapados dentro del centro tienen comida y todo tipo de cosas para distraerse. No obstante, saben que no pueden permanecer allí para siempre además de que no parece que la ayuda vaya a llegar nunca, por lo que idean un plan para salir de allí y llegar hasta el puerto, donde tomarán el yate de uno de ellos y zarparan a mar abierto en busca de una isla libre de la plaga. Para ello refuerzan dos camiones y los convierten en acorazados.

Down of the Dead 5

Pero antes de poner su plan en macha deben ayudar a su amigo Andy, un tipo dueño de una armería que está enfrente del centro comercial, sin embargo, un mar de zombis les impide rescatarlo. Dado que Andy es un miembro importante y necesitan sus armas idean un plan para ayudarlo y evitar que muera de hambre, pero las cosas se complican y deben apresurar su escape cuando la plaga de muertos viviente entra al centro comercial.

La historia es simple, tiene tensión y acción aunque no mucho terror, quizás al principio sí logra un poco ese ambiente cuando la plaga inicia y no sabemos nada, aunque como recurre a todos los estereotipos ya conocidos, como la infección mediante mordidas, no hay nada que nos sorprenda y todo lo que acurre es de esperarse. Aunque la historia de Andy, un extra incluido en el DVD donde vemos su lucha personal por sobrevivir, es más envolvente ya que ver al hombre sólo genera un ambiente de más tensión. El resto de la película es entretenida y una buena opción para pasar la tarde sin mayor pretensión que ver algo de zombis aunque no sea de lo más aterrador.

Down of the Dead 4

Algo de lo que podemos comentar es la diversidad de personalidades entre los personajes, que también es ya una herramienta muy usada en este tipo de cintas donde hay un reparto amplio y donde desde el inicio sabemos que muchos van a morir, aun así logran balancear muy bien las cosas, pues nos dan a los personajes racionales, a la que sabe algo de medicina, al policía, a los tipos malos, a los torpes y tontos, al insoportable, al líder y a los que no aportan nada y serán los primeros en morir. Todo muy de fórmula pero que no resulta molesto al ver en pantalla.

Es una historia ligera que no aporta nada nuevo al género, predecible, con más acción que terror y que por momentos pareciera una película que busca satirizar de manera cómica este tipo de historias pero sin realmente serlo, sino que al ser tan tibia da esa impresión, aunque como una película palomera para pasar la tarde y poner de fondo cuando queramos algo con un leve toque de terror no está mal. Incluso para iniciar a quienes no soportan este tipo de películas pues les dan mucho miedo me parece una buena opción, a los amantes y conocedores más exigentes del género seguro no va a gustarles tanto.

Down of the Dead 7

Okja

Okja 1

Título Original: Okja.
Género(s): Ciencia Ficción / Biopunk, Drama.
Director: Bong Joon-ho.
Emisión: 2017.
Duración: 121 minutos.
Extras:

Sin darme cuenta he visto más películas de Bong Joon-ho de lo que me imaginaba, desde la galardonada Parásitos, The Host, hasta Snowpiercer, esta última siendo la primera obra en la que trabajó con Tilda Swinton, quien a mi parecer se lleva las palmas en Okja con su doblemente impresionante actuación, habilidades que la han convertido en una actriz recurrente para varios directores, como Wes Anderson.

Cuando me enteré del filme llamó un poco mi atención pero no lo suficiente para verla, así que dejé pasar varios años hasta que leyendo a detalle vi que el directo era el galardonado surcoreano, la ya mencionada Tilda y Paul Dano, a quien conozco por su interpretación de Dwayne en mi película favorita, Little Miss Sunshine. Fue por la presencia de estos tres personajes que me decidí inmediatamente a verla. Ya después al encontrar a otros actores que reconozco como Jake Gyllenhaal y Steven Yeun me quedé más enganchado.

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La historia gira en torno a Okja, un supercerdo de la compañía Mirando, quien dio 26 cerdos a ganaderos alrededor del mundo para que fuesen criados mediante métodos tradicionales, al pasar 10 años se hará una competencia para premiar al mejor. Okja vivía en las montañas en corea y era al parecer el mejor ejemplar de todos, así que al pasar el tiempo pactado el cerdo fue recogido por la compañía y llevado a Nueva York para la premiación. Sin embargo, Mija, la nieta del granadero encargado de Okja, se ha encariñado tanto con ella que la ve como parte de su familia y no permitirá que se la lleven.

Mientras Mija trata de recuperar a Ojka, la compañía Mirando se enfrenta a un grupo de ambientalistas que secuestrar al animal para usarlo como espía y revelar los terribles secretos de la compañía, pues aquel supercerdo publicitado por Lucy Mirando (líder de la compañía) como la solución al hambre en el mundo, es en realidad un producto de la ingeniería genética que mediante crueles experimentos con animales ha llegado a su brillante producto final.

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Lucy generó todo un plan para que los consumidores pensaran que la carne que vendían provenía de animales criados naturalmente, pero en realidad era producidos en laboratorio y mantenidos en crueles condiciones para su explotación, igual que cualquier otro animales producido de manera intensiva en los rastros del mundo. El Frente de Liberación Animal quería poner fin a los abominables planes de Mirando y por eso intentó secuestrar al animal, haciendo que Mija quedara inmiscuida en todo el asunto.

La película tiene muchísimas aristas que abordar, una de ellas es la parte de la manipulación genética de la que sería imposible hablar por sí sola, pues no sólo fue el crear al animal, sino la forma en que esto se relaciona con la cría de animales para consumo humano, el trato que sufren en las granjas, la perspectiva de las personas por no querer comer algo artificial pero al mismo tiempo exigir respeto por los animales, el terrible impacto que este tipo de industrias generan en el medio ambiente y los propios derechos de los animales, sin olvidar el debate de cómo tratar algo no natural creado por los humanos para esos finales, pues aunque sea artificial el animal siente y sufre.

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Por otro lado tenemos la parte de la empresa, que es donde Tilda destaca por sobre el resto de personajes, pues interpreta a dos hermanas, una (Lucy) que quiere mostrar un lado bueno, amable y naturalmente responsable de la compañía aunque eso implica costos y riegos, y la otra (Nancy) que es una empresaria salvaje y sanguinaria totalmente racional a quien sólo los negocios importan. Sin olvidar toda la campaña publicitaria para colocar el producto en el gusto de la gente y mantener oculto lo que hay detrás. Usar como rostro de la compañía a doctor Johnny Wilcox, un veterinario amante de los animales, para generar esa confianza en el consumidor, pero que detrás de cámaras no es más que un show, me pareció una excelente crítica y muy atinada. Incluso todo lo que la compañía hace para tratar bien a Mija y usar el incidente con Ojka como más publicidad de los buenos que son.

La película es un excelente Biopunk pues tiene todos los elementos que el género requiere y los maneja de una forma excelente, una corporación superpoderosa con un trasfondo oscuro, animales modificados genéticamente que desatan un debate ético, grupos a favor y grupos en contra. Incluso el diseño del animal logra un excelente resultado, pues le dota de un grado de expresividad muy bueno que logran transmitir la emociones de Okja y hacer que se vea muy realista, afable y congenie con el espectador, incrementando ese sentimiento de culpa por la crueldad que reciben al ser animales criados para comer.

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Esta cuestión desata un debate importante que seguro gustará a quienes han decidido no comer carne, y tienen razón, pues no podemos generar tanto sufrimiento en los animales sólo por un beneficio económico. Digo, yo en lo personal nunca dejaría de comer carne (salvo por cuestiones médicas) y estoy en contra de quienes quieran imponer el ser veganos apelando a la culpa, la evolución nos hizo omnívoros, lo que hay que evitar es generar sufrimiento en los animales, cosa que la industria actual no hace ni dejará de hacer, pues tratar bien a los animales es más costoso. Y por otra parte, Mirando tiene razón, si a las personas no les aterrara comer carne sintética ya no necesitaríamos criar animales, comeríamos tejidos cultivados sin un cerebro, que no sienten ni sufren por estar en una jaula, pero diles a las personas que están comiendo carne artificial creada en un laboratorio y se volverán locos.

La película es muy buena en cuando a todo lo que permite profundizar de su historia, sus efectos también son geniales y aunque sabemos de la artificialidad de Okja sus gráficos por computadora se ve bien, incluso a mí, que detesto el CGI y prefiero los efectos prácticos con maquetas, me agradó visualmente e incluso esas escenas de acción (un poco demasiado cómicas para mi gusto) se ven genial. Una excelente recomendación para quien guste del género o desee ver algo con mensaje en pro del respeto a los animales y aunque el final se siente algo apresurado en general todo el desarrollo del filme es muy bueno.

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Puella Magi Madoka Magica

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Título Original: 魔法少女まどか☆マギカ (Puella Magi Madoka Magica):
Género(s): Mahô Shôjo, Ciencia Ficción, Drama.
Director: Akiyu Shinbo.
Estudio: Shaft.
Emisión: 2011.
Duración: 12 episodios.
Extras: –

Hay dos series de anime a las que les debo una deuda histórica por no haberlas visto antes, una de ellas es Madoka, serie que me han recomendado hasta el hartazgo desde 2013 aproximadamente y que por fin me decidí a verla y sin duda me arrepiento de no haberlo hecho antes, pues si bien me pareció grandiosa en muchos de sus aspectos, creo firmemente que si la hubiese visto hace ocho años me habría resultado todavía más asombrosa, ya que sin duda rompió con el estereotipo del género al cual aparentemente pertenece.

La calidad me maravilló tanto en lo visual como en lo sonoro. El diseño de personajes está bien, cayendo en el formato ya consolidado para la década pasada pero que funciona. Los escenarios urbanos por momentos son muy digitales y generan esa artificialidad que no me gusta, pero los laberintos donde viven las brujas y el diseño de estas con esos cambios en el estilo de animación y los surreales que resultaron me fascinaron, sin duda una excelente y muy original forma de representar a las brujas. Y no se diga la banda sonora que le va perfecto y destaca sobre todo en esas escenas en las que debe generar un ambiente lúgubre y oscuro.

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La historia sigue a Madoka, una chica de preparatoria sin ninguna habilidad especial que un día se encuentra con una criatura parecida a un gato que está siendo atacado por la chica nueva que acaba de transferirse, quien al parecer posee alguna clase de poderes mágicos. Madoka y su amiga Sayaka evitan que Homura siga atacando al gato cuyo nombre es Kyubey.  La pequeña criatura les explica que puede concederles cualquier deseo a cambio de firmar un contrato con él y convertirse así en niñas mágicas que cazan brujas.

Homura es al parecer una niña mágica, pero no es como las demás. Para tratar de convencer a Madoka y Sayaka de unirse a Kyubey les presenta a Mami, otra niña mágica ya veterana, quien las lleva a cazar brujas para que se hagan una idea de lo que tendrán que hacer si le piden un deseo al gato. Mami les explica que las brujas se alimentan del sufrimiento y la depresión de los humanos, causan los suicidios y desastres naturales y su deber como niñas mágicas es matarlas.

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Hasta allí la serie es en apariencia un anime de chicas mágicas como cualquier otro, donde niñas adquieren poderes y se transforman en escenas luminosas donde visten trajes de colores, pero rápidamente notamos que detrás de todo siempre hay una aura sombría, de miedo, misterio y sufrimiento que cada vez se hace más evidente. Las niñas mágicas no llevan una vida bonita con los típicos conflictos de adolescentes, sino que se ven sometidas a un gran sufrimiento que las aleja cada vez más de su humanidad.

La serie se torna por completo oscura y los trajes de colores son ensombrecidos por muerte y desesperación. El peligro es mayor de lo que se esperaban al combatir brujas y los intereses de otras chicas mágicas se hacen evidentes, además de que a lo largo de los capítulos la historia va dando giros argumentales que la hacen cada vez más oscura hasta revelar la verdad detrás del origen de las chichas mágicas y de las intenciones reales de Kyubey.

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Desde el inicio la música ya nos pone en advertencia sobre algo misterio que no alcanzamos a comprender y con forme se van develando los secretos de qué es ser una niña mágica realmente es que notamos que la fantasía de las niñas con poderes mágicos es una mera portada de algo mucho más oscuro, profundo y complejo, que da paso a cuestiones sobre las leyes universales de entropía y revela el verdadero género de la serie, la Ciencia Ficción, en donde la magia es sustituida por viajes en el tiempo y tecnología extraterrestre.

Hay muchísimos aspectos en los que podemos profundizar en la serie, pero so lo haré en otra ocasión, pues ya de entrada hablar de suicido le da un toque oscuro desde el inicio y rompe por completo lo que uno podría esperar de una serie Mahô Shôjo, que en realidad no es de ese género. A Madoka le pasa como a Evangelion, que no es Mecha pero se ha catalogado, consolidado y grabado en la mentes de los espectadores como una serie sobre robots gigantes, los mismo con Madoka, se ve como una serie de niñas mágicas pero está lejos de realmente serlo y en eso, y la forma en que devela su trasfondo de formas que el espectador no logra advertir, es que radica su grandeza.

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Y al igual que Madoka tiene su paralelismo con Evangelion en cuanto al género (y al final), creo que también los tiene con Suzumiya Haruhi no Yûutsu en cuanto a quién termina siendo el personaje principal, ya que si bien ambas series llevan el nombre de un personajes, en realidad el protagonista es otro (Kyon en el caso de Haruhi). Y esa forma de darle la vuelta a la trama y en un capítulo cambiar tanto las cosas e irlas haciendo más oscura con forme avanza es formidable y no por nada Madoka se ganó un lugar importante entre las series de culto de la década pasada a pesar de contar con una sola temporada, aunque tal vez por eso es tan afamada, porque le bastó una temporada para maravillarnos y demostrar que se pueden hacer otros tipo de Mahô Shôjo sin caer en el estereotipo.

Sin duda una serie maravillosa que recomiendo encarecidamente, aunque sin son muy fans del anime dudo que no la haya visto ya. El desarrollo de los personajes es muy bueno, los giros argumentales te atrapan y no son obvios, la trama oscura y cada vez más dramática va subiendo de tono de forma muy bien pensada, enfocándose en temas como la desesperación y la soledad, y la manera en que rompe con el género y termina mostrándonos algo distinto es fabulosa. Y si le lo preguntaban, la otra serie a la que le tengo una deuda histórica es Gurren Lagann.

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El mundo está loco, loco

Rat Race 1

Título Original: Rat Race.
Género(s): Comedia.
Director: Jerry Zucker.
Emisión: 2014.
Duración: 112 minutos.
Extras:

Hace ya varios años me tocó ver esta película por televisión abierta y recuerdo muy bien que esa primera vez me pareció extremadamente graciosa, me reí como loco y la disfruté más de lo que hubiese esperado ya que no es una de las películas más famosas del mundo, de hecho es un poco de culto entre su grupo de fans por lo poco conocida que puede ser, aunque su comedia es maravillosa.

Algo que no había notado hasta hace poco que volvía a verla fue la gran calidad actoral, pues el cast es maravilloso, ya que reúne a una gran cantidad de actores cuyo renombre en la comedia garantiza un resultado hilarante. Rowan Atkinson, mejor conocido como Mr. Bean, John Cleese de los Monty Pythons, Whoopi Goldberg quien fuera una de las más afamadas comediantes en los 90, Cuba Gooding Jr. quien ha participado en numerosas obras de comedia, Seth Green quien también tiene una importante carrera en la comedia y es reconocido por interpretar al hijo del Dr. Malito en las películas de Austin Powers, Jon Lovitz otro comediante mejor conocido por interpretar la voz de Jay Sherman en El Crítico, Wayne Knight a quien identificamos como Dennis Nedry en Jurassic Park, entre otros. El reparto coral logra provocarnos risas a cada momento, con un estilo de humor que va de lo tonto a lo irreverente.

Rat Race 2

La historia inicia cuando Donald Sinclair, un multimillonario dueño de un casino en las Vegas, invita a siete huéspedes para participar en una carrera por dos millones de dólares. Para ganarlos deberán llegar hasta Silver City, Nuevo México, por cualquier medio, sin reglas, el primero que llegue y abra la puerta de un casillero con las llaves que él les dio y encontrará una maleta con el dinero. Sin confiar en las palabras del excéntrico hombre, los huéspedes deciden no participar, pero la avaricia y el exorbitante monto de dinero es suficiente para que todos decidan participar y buscar la forma más rápida para llegar y reclamar el premio.

Así es como Enrico Polini el extranjero de Nápoles, Owen, árbitro al que todos odian por arruinar un juego, Vera y su Hija Merril, los hermanos Duane y Blaine Cody, Nick el abogado y Randy, acompañado de su esposa y dos hijos, salen rumbo a la estación de tren donde encontrarán el casillero con el dinero. Sin embargo, llegar no será fácil, pues los hermanos Cody averiaron la antena de comunicación del aeropuerto, así que todos deberán buscan cómo trasportarse, haciendo de las peripecias del camino un despliegue de comedia que raya en lo ridículo y asegura la diversión del espectador. Al final, dicha carrera no era otra cosa que un espectáculo de apuestas para que el señor Sinclaire y sus amigos millonarios apostarán en una carrera de humanos.

Rat Race 7

No hay mucho que decir ni analizar de la película, es comedia pura y un clásico de principios de siglo, un tanto olvidada pero eso la ha elevado a película de culto. Los actores tienen el suficiente renombre para garantizarnos risas y las descabelladas desventuras que enfrentan en el camino son de los más graciosos, sobre todo las rutas de Polini y la de Randy y su familia, ya que el humor llega a jugar con lo irreverente, lo políticamente incorrecto e incluso con algo de humor negro.

Justo ese último punto es algo a destacar del filme, que tiene muchos tipos de humor, cada uno con una ruta de los participantes. El final es digno, nada esperado y nos deja con un buen sabor de boca ya que los millonarios reciben su merecido. Es una de esas películas para ver y pasar un buen momento, aunque eso sí, a diferencia de esas películas en las que te ríes siempre, al menos para mí, esta es de esas historias que entre más la vez va perdiendo un poquito la gracias, no que se vuelva aburrida, de hecho siempre resulta divertida, pero la primera vez que la vi no podía parar de reír y la última si bien me hizo gracia ya no me provocó esas carcajadas. No obstante, siempre será una muy recomendable película de humor para pasar el rato viendo algo divertido con la familia.

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